Los Suaves – Reportaje “No Puedo Dejar El Rock” (Un guiño a nuestra ciudad natal)

Paseando por las calles de mi ciudad, me fijo en la placa que da nombre a una pequeña plaza situada en el casco viejo ourensano. Este lugar trae buenos recuerdos, transmite sensaciones gratas y nostalgia.  A medida que te aproximas se respira rock y va directo al corazón. Contiene una inscripción en la que se puede leer:

“Praza Dos Suaves (Antes Praciña Das Flores), Poetas do amor, do desencanto e da vida, que dende Ourense compuxeron rock para todo o mundo”.

«Plaza de Los Suaves (antes Placita de las Flores) Poetas del amor, del desencanto y de la vida, que desde Ourense compusieron rock para todo el mundo». 

Es esta, la frase que considero más apropiada para dedicar este reportaje a este grupo de rock que durante 30 años nos representó. Los Suaves llevan el nombre de mi ciudad, Ourense, por bandera allá donde actúan. Dejan bien claro cuales son sus orígenes y de donde proceden. Y como ourensanos que somos, siempre les estaremos agradecidos.

Es el reconocimiento a tres décadas de carrera, de rock y de carretera. Es el reconocimiento a aquellos que telonean a Los Ramones en A Coruña un frío invierno de 1981. Esa noche, el público se queda con esos cuatro chicos orensanos grabados a fuego en la retina. Los Suaves han sido proclamados mejor banda en directo del país en varias ocasiones, y fueron grupo invitado un 15 de Junio de 1999 en el Monte Do Gozo junto a los Rolling Stones.

Tras recibir toda clase de homenajes y la medalla de oro de la ciudad por parte de nuestro Ayuntamiento, se le suma un día después el  concierto en directo que ofrecen en el Pabellón Paco Paz ante diez mil fans. Medios de comunicación y personalidades de la ciudad se manifiestan agradeciendo al grupo que lleve «el nombre de Ourense por toda España» durante toda su trayectoria.

Y esta, es su historia:

A finales de los 70 y primeros 80, el panorama musical español se encuentra sumergido en una marea de nuevos estilos como el New Wave, el Punk y un movimiento cultural denominado movida. En medio de todo esto surgen Los Suaves, una banda que apuesta por el rock de antaño, realizando un rock agresivo y cuidadas letras, en las que reflejan  situaciones cotidianas de la vida.

Todo esto,  unido al poder de sus directos – su hábitat natural – se ganan el respeto del público. Su símbolo, único e irrepetible, un gato, es un icono del rock nacional. Fundados por los hermanos Domínguez (Yosi, Charli y Javier), en sus inicios sufren diversas variaciones en su formación. Las posteriores incorporaciones de Ramón Costoya y Hermes Alogo como guitarristas y el batería Ángel Barrio, asientan al grupo definitivamente.

Después de primeras actuaciones en diversos locales y pubs de Ourense como el “Long Play” (que ya echó el cierre), su primera oportunidad llega en 1981, siendo teloneros en A Coruña de la banda americana Ramones. Fue un concierto inolvidable que dejó huella entre el público, convirtiéndose en un grupo mítico y muy querido. Todavía hoy se recuerda aquel concierto multitudinario en el que eclipsaron a los Ramones.

En 1982, publican su primer álbum “Esta vida me va a matar”, que contiene clásicos como “Peligrosa María”, “Viene el tren”, o “Muerte en el Rock”, una canción homenaje a John Lennon. “Chaquetas de cuero”,Siempre igual” o “Mártires del Rock And Roll”, son temas que, después de treinta años resultan irremplazables en cualquiera de sus directos. Gracias a este primer disco, que en su época tuvo poca repercusión, le permite reafirmarse como grupo y dar muestra de que estaba naciendo una excelente banda de rock.

“Frankestein”, fue el segundo en su discografía, publicado en 1984 y grabado en la Asociación Fonográfica Asturiana, incluye temas como “Cuando la música termina”, “No llores más por mí”,Por las noches” o “Una ciudad llamada perdición”. Contó con músicos y hoy ex-componentes, los magníficos guitarristas Pepe Losada (Fender Stratocaster, Gibson Les Paul Custom, Gibson ES 355 Estereo), Hermes Alogo y Tito Canolas a la batería. Este álbum fluye en una corriente similar a su anterior trabajo de 1982 “Esta vida me va a matar”.

Se avecinan épocas difíciles hasta que en 1988, dan el salto definitivo a nivel nacional con el álbum “Ese día piensa en mí”, que contiene temas como “Dolores se llamaba Lola”, que se convierte en uno de los himnos de la banda. También incluye otros como la mítica “No puedo dejar el rock”, y “¿Sabes? ¡Phill Lynott Murió!”, un homenaje al líder del grupo de rock irlandés Thin Lizzy, del que Los Suaves han reconocido en más de una ocasión, ser fieles seguidores.

Este LP supone un punto de inflexión y una evolución en su sonido, con la incorporación del guitarrista Alberto Cereijo (que actualmente continúa en la formación), y colaborando Alejandro Cano a la batería. A raíz de este disco, se realiza el ciclo de directos “Suave es la noche”, que fue un gran éxito y que por supuesto, dejó más de un guiño a nuestra ciudad: En Ourense suena el rock por todos los rincones, los músicos están listos para tocar, en Ourense suena el rock por todos los rincones, así seguiremos, no nos van a parar”.

En 1991, editado por Edigal, se publica “Maldita sea mi suerte”, que fue disco de oro y uno de sus álbumes más célebres. Contó con la colaboración estelar del legendario Alvin Lee, guitarrista y fundador de la banda americana “Ten Years After”, Gero de “ñu”, Paco Ventura de Medina Azahara, Carlos Raya de Sangre Azul,  Carlos Rufo Hiroshima, Eduardo Pinilla, Juan Ferro Velahí, Kisko Legion, Manolo Arias de Niagara, Ollie Hansall, Teo de Números Rojos, Toni Valles y Alberto Cereijo. Contiene hits como “Pardao”, “Dame Rock And Roll”, o el clásico “Maldita sea mi suerte”. Para definir este álbum, e ir un poco más allá de la música, os cito un comentario que aparece reflejado en el interior del vinilo:  “¿A quién se le ocurrió esta idea tan loca? Esto fue lo primero que dijo Alvin Lee cuando entro en el estudio. Todos sonreímos y yo pensé que no sabía si la idea era loca o no. Lo único que sabía es que nunca hubo una reunión de tantos y tan buenos guitarristas y sobre todo de tantas y tan buenas personas. A todos con nuestro agradecimiento lo único que puedo decirles es que al estar en nuestro disco, es que como si estuvieran en nuestro corazón”. El resultado, ante semejante selección de guitarristas, tanto de nivel nacional como internacional, fue soberbio.

Seguidamente, publican “Malas Noticias” en 1993, “Santa Compaña” (1994), siendo disco de platino y con conciertos multitudinarios. A raíz de esto, realizan los ciclos de directos ¿Hay alguien ahí? … Continúan con “San Francisco Express” (1997), “Víspera de todos los santos” (2000), el recopilatorio “Un paso atrás en el tiempo”, (2002), que cuenta con la incorporación del guitarrista Fernando Calvo. “Si yo fuera dios” (2003), “El jardín de las Delicias” (2005) y “Adiós, adiós” en 2010.

Y con estos álbumes nos dejan otro buen abanico de clásicos como “Pobre Jugador”, “Dile siempre que no estoy”, “O Afiador”, “Si pudiera” “Dios es suave”, “Preparado para el Rock And Roll”, “Si yo fuera Dios”, “Cuando los sueños se van”, Ourense – Bosnia,  y “Mi casa”, entre otros.

También haremos especial mención a sus directos de 1989: “Suave es la noche”,  1995: “¿Hay alguien ahí?”, dedicado al gran Rory Gallagher y con un sonido impecable, 1995: “Especial acústico Barcelona CADENA 100. 1996: Lo mejor de ¿Hay alguien ahí? y 2010: 29 años, 9 meses y 1 día.

Los Suaves nos han dejado frases y comentarios clásicos, que perduran en las entrañas del rock patrio como: “Siempre Suaves”, “Dios es suave”, “Si la vida tuviera BSO serían Los Suaves”, o “Suaves Somos Todos”, o «Esta noche no se duerme», algunas incluidas en su logotipo, algunas en el interior de sus canciones y otras expresadas por el público. Se han ganado a pulso el calificativo de históricos, ya que jamás hemos presenciado un directo o un álbum en el que no lo dieran todo, o al menos que no lo hayan intentado. A Los Suaves, se les perdona todo.

Dicen Los Suaves en las letras de uno de sus hits<<Mi casa es el gato negro, Es mi Gibson Les Paul, Mi casa…. ¿Aún No Lo Sabes?, Mi Casa es el Rock And Roll>>

¡¡¡¡¡A miña casa por fin es Ourense!!!!!

¡¡¡¡¡Ouuuuureeeeenseeee  Roooooock And Roooooolllll!!!!!

 Sempre Suaves, Suaves… do carallo.

rockandrollismyaddiction.wordpress.com (Javier Suarez, Ruben.Borrajo)

Los Suaves son: Yosi, Alberto Cereijo, Charli Dominguez, Fernando Calvo, Tino Mojón, ex-componentes: Javier Dominguez, Hermes, Los hermanos Costoya, Pepe Losada, Tito Canolas y Gelo.

Michael Bloomfield with Nick Gravenites and Friends – Live at Bill Graham´s Fillmore West 1969

Nos encontramos ante uno de los más grandes y carismáticos guitarristas del blues rock, que llenó de momentos inolvidables la historia de la música contemporánea. Mike Bloomfield, nacido en Chicago, comienza en su adolescencia a tocar la guitarra. Era asiduo de diferentes locales de su ciudad para ver a mitos del momento y de siempre, nombres como Albert King, Otis Rush, Jimmi Reed o Muddy Waters, que lo influyen de manera extraordinaria.

Tuvo una carrera fulgurante desde sus inicios, siendo miembro fundamental en la banda del gran armonicista The  Paul Butterfield Blues Band”, dejándonos álbumes legendarios y adelantadísimos a su tiempo, como la colaboración en el transcendental Highway 61 revisited de Dylan. Poco después, actúa en el histórico “Newport Folk Festival” de 1965 cuando por primera vez Bob Dylan electrificó la guitarra rompiendo todos los moldes, haciendo que corrieran ríos de tinta y levantando ampollas entre cierto sector de puristas del folk americano. Seguidamente, forma otra excelente banda: The Electric Flag”, junto a Barry Goldberg, Buddy Miles  y Nick Gravenites entre otros.

Éste impresionante álbum contiene temas del más puro estilo blues-chicago como “It Takes Time”, “Carmelita Skiffle”, “Gypsy Good time”, la colosal “Blues on a westside”, de unos quince minutos de duración y “One More Mile To Go” con la invitación especial de Taj Mahal dando muestra de su excepcional calidad como intérprete. “It´s About Me”, es una de mis piezas preferidas junto a “Killing My Love”  y la balada “Moon Tune”. Todas ellas absolutamente mágicas, confirman la estrecha relación con el compositor, cantante y amigo Nick Gravenites (impulsor del “San Francisco Sound”).

La formación para este Live contó con músicos de gran calibre y estuvo compuesta por Mike Bloomfield a la guitarra y voz, Nick Gravenites voz y guitarra rítmica, Mark Naftalin al piano, Ira Kamin al órgano, John Khan al bajo, Bob Jones a la batería y voz, Dino Andino a la conga, Noel Jenkins saxo tenor, Gerald Oshita saxo barítono, Snooky Flowers saxo barítono, Taj Mahal y John Wilmeth a la trompeta.

Publicado por primera vez en CD en el 2009 por el sello Raven, (el original fue editado en 1970 por CBS), incluye siete temas que eran los originales y cuatro adicionales que en su día salieron en “My Labors” de Nick Gravenites  y uno más añadido: “Mary Ann”, de Ray Charles que aparece en “The Live Adventures of Mike Bloomfield & Al Kooper (otro antológico directo con Al Kooper).

Mike Bloomfield fue uno de los héroes de la guitarra blues rock. Muy querido por el pueblo americano, lo situaron en el olimpo de la música del diablo. Musicólogo empedernido y siempre acompañado de su Gibson Les Paul, producía sonidos únicos e irrepetibles. Bloomfield nos dejó en 1981, víctima de una sobredosis de heroína.

T.Bone Walker – …Good Feelin´…

La historia del blues está escrita con muchos nombres, pero quizás uno de los más especiales sea el de T-Bone Walker. Pionero en tocar y grabar con guitarra eléctrica en los años 30 y primeros 40, modernizó este género musical minoritario a un estilo nuevo, que desembocaría primero en el Rythm & Blues, el Rock & And Roll de los 50 y la explosión rock a secas de los 60, todos ellos evolucionando de diferentes maneras.

Después de una dilatada carrera, y de ser el creador de algunos de los temas más importantes de la historia del blues como los versionadísimos “I Call It Stormy Monday”, o simplemente “Stormy Monday” y el “T-Bone Suffle”, este bluesman visitó Europa varias veces, (una de ellas a invitación del propio  John Mayall).  El motivo de una de estas visitas fue para grabar  “Good Feelin´” en los estudios de  Polydor  en  Francia, con  músicos de sesión afincados en París y junto a otros artistas reconocidos en el mundo del Jazz.

El álbum, compuesto por doce temas más bien cortos y muy bien distribuidos,  contiene clásicos como el “Everyday a Have The Blues”,I Wonder Why”, “Shake It Babe”, o el instrumental “Pootang”. Sorprenden algunos cortes de puro estilo funk, rápidos y muy movidos con solos de saxo, órgano y como no, la peculiar manera de tocar su guitarra Gibson de caja en “Long Lost Lover”, “Sail On Little girl” y “Vacation” (una de nuestras favoritas).

Editado en 1969 recibe el premio Grammy al año siguiente. Con una calidad excepcional de sonido y perfectamente arreglado,  contó con músicos de la talla del saxofonista camerunés Manu Dibango, que realiza un trabajo sobresaliente.  Dos pianistas, uno de ellos Bernard Estardy (excelente al órgano) y Michel Sardaby. Un total de doce músicos llegaron a colaborar en este proyecto, todos ellos de gran virtuosismo y calidad, batería, bajo, percusión, coros etc..

T-Bone Walker nace en 1910, comienza tocar a los 13 años y publica su primera canción en 1929. Aparte de tocar la guitarra y el piano era un maestro al banjo, el ukelele y  la mandolina.

The Doors – In Concert

Una de las bandas más famosas de los 60 nos muestra el lado más salvaje del rock a través de “In Concert”. Álbum recopilatorio en directo, contiene varias de las actuaciones más legendarias de los Doors sobre un escenario. Este disco fue el resultado de tres  grabaciones anteriores en vivo: “Absolutely Live”, “Alive She Cried” y “Live At The Hollywood Bowl”, realizadas entre 1960 y 1970.

“In Concert es la apoteosis definitiva del rock and roll, y se aprecia en clásicos como “BackDoor Man”, tema de Willie Dixon y versionado por los Doors con una gran agresividad, la contundencia de “Five To One”, los ritmos pegadizos de “Alabama Song (Whiskey Bar), los soberbios teclados de Ray Manzarek en “Light My Fire”, la histórica “Break On Through”, el poderoso “Roadhouse Blues” y la atmósfera hipnótica que se crea en “The End, con unas provocadoras letras de contenido altamente… mejor escucharlo.

La teatralidad siempre ha sido una parte importante en el rock, casi tanto como la propia música. Jim Morrison sabía interpretar como nadie. Esto es lo que hace tan especial a este disco en vivo de los Doors, desde nuestro punto de vista, el mejor ¡Live! de su discografía. Gracias al excelente sonido de “In Concert”, sumado a la voz de Jim Morrison, y al reconocido talento de los Krieger, Manzarek y Densmore, obtienen una obra  cuyo adjetivo más apropiado es: “auténtica”.

Fue publicado en 1991, en formato triple de vinilo y doble compacto, y coincidiría con el estreno de “The Doors”,  película biográfica sobre este grupo de rock estadounidense, dirigida por Oliver Stone y protagonizada por Val Kilmer.

A más de uno le hará saltar del sillón.

Duane Allman – An Anthology (1972 Polydor) y An Anthology Volume ll (1974 Polydor)

Duane Allman tuvo una vida corta, pero lo suficientemente intensa como para entrar en los anales del rock. Miembro co-fundador de la banda precursora del rock sureño The Allman Brothers Band, se consagra como un guitar hero en los años 60 y primeros 70.

Gracias al clásico “Hey Jude”, dan comienzo una serie de sesiones de grabación que contienen gran variedad de estilos como Rhythm and Blues, Blues, Soul o Jazz-Rock. Duane Allman colabora como músico de sesión, prestando su guitarra en infinidad de canciones y coopera con otros músicos excelentes en diferentes estudios de los Estados Unidos.

El porqué de estas sesiones se remonta a finales de los 60, cuando Duane Allman da sus primeros pasos al frente de la formación “The Hourglass”. En cierta ocasión, el responsable de los estudios FAME se fija en él y queda impactado por su talento innato con la guitarra. Rápidamente le propone grabar “Hey Jude”, con el legendario cantante de soul Wilson Pickett. El resultado fue espectacular y provoca que Atlantic Records fiche a Duane como músico de sesión en 1968. Trabajó en esta casa discográfica para artistas de la talla de Aretha Franklin, King Curtis, Clarence Carter, Arthur Conley, Herbie Mann, Otis Rush, Bob Scaggs o John Hammond entre otros. Por aquella época, Atlantic era un sello caracterizado por la música Soul y Jazz, y que posteriormente se expande al rock.

Después de esta introducción, desde mi punto de vista necesaria, los dos dobles LP que se editaron y sus 40 temas en total nos llevan al más puro blues, reflejado en “B.B. King Medley” (aun siendo “The Hourglass”), la melancolía de Goin´Down Slow” o el contundente “Loan Me a Dime” que interpreta por Bob Scaggs.

El Soul forma parte importante en los dos volúmenes, aportándonos temas de Aretha Franklin como la versión de “The Weight”, el instrumental “Games People Play” por King Curtis o “Stuff You gotta Watch” de Arthur Conley, dotados de unos punteos brillantes, y en especial en “Hey Jude” y Born to Be Wild“ . Son acertadísimas versiones de estos clásicos apoyadas con buenas secciones de vientos.

Otros estilos que se conjugan son el Jazz-Rock del flautista Herbie Mann (impresionante el “Push Push”), el country de Ronnie Hawkins, acústicos como el “Mean Old World” mano a mano con Eric Clapton (también se incluye el himno Laylacon los Derek and the Dominos) y actuaciones en vivo ya como The Allman Brothers Band o Delanie & Bonnie & Friends que resultan soberbias. Durante este período que duró dos años con Duane como músico de sesión, se formó una de las mejores bandas de la historia: The Allman Brothers Band.

Duane Allman falleció en 1971 en un accidente de moto a los 24 años. Conducía una Harley – Davidson, su gran pasión. Pero gracias a sus colaboraciones esenciales en la historia de la música, a su maestría con la guitarra eléctrica, slide y dobro, y a su melena pelirroja con aspecto de jipi motero, se le recuerda eternamente.

AN-TO-LO-GI-CO.

Traffic – Traffic

Después de dejar huérfana a la Spencer Davis Group, el británico Steve Winwood se une a Dave Mason, Jim Capaldi y Chris Wood en 1967 para formar “Traffic” una de las bandas más intimistas de finales de los 60 y primeros 70.  Sus integrantes son reputados músicos desde la adolescencia, teniendo su base en Birmingham  (Reino Unido).

“Traffic”, fue el álbum homónimo al grupo, se publica en 1968 y es el segundo de su discografía. Contiene varios de sus temas más célebres como “You Can All Join”, “Pearly Queen”40.000 Headmen», y el clásico “Feelin´Alright” (poco después popularizado por Joe Cocker)  junto a otros de corte psicodélico y alguno con cierto aire folky. Grabado por Island, contó con dos de los ingenieros más prestigiosos del rock: Glyan Johns y Eddie Kramer.

Careciendo de bajo, Steve Winwood, en su condición de multi-instrumentalista opta por tocar el “bass pedal” (desde nuestro punto de vista, las grabaciones en estudio suponemos que las realiza con un bajo convencional, pero en directo era muy distinto). Winwood también es considerado un excelente guitarrista tanto acústico como eléctrico y posee una voz única.

Dave Mason, virtuoso guitarrista (muy querido y respetado en el mundo de la música), fue la otra gran figura de este cuarteto. Creador de temas básicos, llegó a colaborar con artistas legendarios como Jimi Hendrix o The Rolling Stones. Posteriormente tendría una magnífica carrera como solista.

Destacar el resto de los componentes: Jim Capaldi (de los mejores bateristas de la época) y Chris Wood que con su flauta o saxo produce unas agradables notas que dan color a la banda. Con un sonido limpio, voces suaves y buenas armonías, Traffic gozó de gran popularidad pese a los constantes cambios en sus filas. pero supieron mantener un estilo diferente a otras formaciones.

Su música y sus grabaciones hablan por si solas.

Eric Clapton – Crossroads Guitar Festival 2007

“El cambio comienza con un solo paso, y “Crossroads” vuelve estar aquí para ayudar a dar ese primer paso”. Con este mensaje se presenta la segunda edición en 2007 de los festivales benéficos “Crossroads” celebrada en Chicago. Crossroads es otro de los eventos en los que Eric Clapton se ha involucrado para ayudar  a los que necesitan tratamiento para superar la adicción a las drogas.

La calidad de los músicos que se dieron cita vuelve a ser espectacular: Stevie Winwood, Johnny Winter, Jeff Beck, Los Lobos, Albert Lee, Robbie Robertson, Robert Cray, B.B. King, The Derek Trucks Band, y un largo etcétera.

Inicia el concierto a cargo del actor Bill Murray, realizando una versión junto a Eric Clapton del tema “Gloria” compuesta por el irlandés Van Morrison. La actuación del legendario Johnny Winter con The Derek Trucks Band, que nos da muestra de su blues eléctrico e incendiario en “Highway 61 revisited”, es magistral. “Country Boy” por Albert Lee y Vince Gill, nos hace pasar un momento agradable gracias a ese estilo country que tanto gusta y que le imprimen a sus canciones. Emotivo, cuando el icono estadounidense del country Willie Nelson sale a escena para interpretar su clásico “On The Road Again”, desde mi punto de vista uno de los himnos de los Estados Unidos de América.

Stevie Winwood y Eric Clapton (ex componentes del grupo Blind Faith) con “Presence Of The Lord”, que después de 25 años se vuelven a reunir para recordar tiempos gloriosos. Jeff Beck, acompañado de la impresionante bajista Tal Wilkenfeld, memorables en “Big Block”, un poderoso tema con cierto aire underground. Y para cerrar el telón, los  Clapton, Guy, Sumlin, J. Vaughan, Winter, Cray y Mayer dan rienda suelta a su ya reconocido virtuosismo en “Sweet Home Chicago”,un estándar del blues.

Así se despide “Crossroads Guitar Festival 2007”, siendo la ayuda desinteresada hacia las personas con adicciones su principal objetivo. Declaraba Vince Gill sobre Eric Clapton: “Estas acciones te hacen ver el corazón de este tipo y va más allá de sus notas con la guitarra”.

Carlos Santana – Santana

Después de dejar estupefactos a medio millón de personas en Woodstock’69, se publica un mes después “Santana”, primer álbum del mexicano de nacimiento y estadounidense de adopción, Carlos Santana. Editado por CBS, rápidamente se coloca en los primeros puestos de las listas musicales de la época.

Abría Santana las puertas a un nuevo género para la industria musical: el latin rock. Basado en su nítida guitarra, y acompañado por dos percusionistas que realizan una conjunción batería-bajo demoledora, Santana conquista el corazón del planeta. La formación, de claro acento latino – prácticamente inédito hasta la fecha – también cuenta con un pianista sutil. Una agrupación súper enérgica, (hay que reseñar que todos rondaban los 20- 22 años) estaba compuesta por una mezcla de músicos latinos y norteamericanos vinculados a la ciudad de San Francisco. 

Todos ellos se encargaron de inmortalizar en este primer disco temas como “Soul Scrifice”(inolvidable el solo de batería), la fuerza de “Jingo-Go-La-Ba” que posee un claro toque africano,  y canciones de un corte más comercial como el famoso “Evil Ways”.  “You Just Don´t Care”, es un vigoroso rock-blues,  y “Treat”, desde mi punto de vista es una de las canciones más bellas .

La desconcertante portada del disco, una fiera cabeza de león entremezclada con lo que parece el cuerpo de una mujer, rodeada por otras caras, fue creación de Lee Conklin, uno de los mejores grafistas de la psicodelia .

Santana comenzaba así su carrera, con este álbum imprescindible y de atrevido mestizaje en la cultura rock. Carlos Santana le debe su éxito al carismático Bill Graham, recordado por ser mánager de importantes bandas de rock y propietario de dos salas de conciertos donde actuaron los más grandes: el Fillmore West de San Francisco y el Fillmore East de New York.

Carlos Santana (guitarra y voz), Dave Brown (bajo) Mike Carrabello (conga y percusión), José “Chepito” Areas, (timbales conga y percusión), Mike Shrieve (batería), Gregg Rolie (piano, órgano y voz).

Buddy Guy & Junior Wells – Play the Blues

El dúo Buddy Guy / Junior Wells nos brindó momentos mágicos en la historia del blues. Realizan álbumes memorables modernizando el blues eléctrico y lo acercan a todo tipo de público. Cada vez que se produce la unión de estos dos bluesman (uno a la guitarra y otro a la armónica) se percibe la complicidad de estas grandes figuras de la música americana. Junior Wells fallece en los 90, pero Buddy Guy sigue ofreciendo conciertos ante (con su Fender a lunares) su fiel público.

Cuando llegó a mis manos este disco, desconocía la calidad que atesoraba. Y aún más grande fue mi sorpresa cuando al leer los créditos observo la colaboración de músicos como Eric Clapton (que junto a Tom Dowd y el dueño de la Atlantic Ahmet Ertegun fueron los productores) Dr. John, A.C Reed, músicos de la J. Geils Band, etc…

Muchos de los temas fueron compuestos por los propios protagonistas (Buddy y Junior Wells), Sony Boy Williansom, T- Bone Walker entre otros grandes de la época. Comienza por un A Man of Many Words” muy versionado, que a más de uno le sonará. Acompañados a la guitarra rítmica por Clapton, Dr. John, Carld Radle y Jim Gordon (que fueron antiguos componentes de Derek and the Dominos) obtienen como resultado un disco irrepetible en el blues.

Otras piezas como el “T-Bone Suffle” recuerdan a Stevie Ray Vaughan. “Messin´With the Kid”, tema que Junior Wells hizo suyo con su gran voz y su armónica o “I Don´t Know”, son clásicos que hacen de este disco un “imprescindible”. “Buddy Guy & Junior Wells – Play the Blues” se graba en 1970 y fue publicado en 1972, fecha en la que se añaden dos pistas más.

Histórico desde que se editó.

One, Two, Three…