Los Suaves – Reportaje “No Puedo Dejar El Rock” (Un guiño a nuestra ciudad natal)

En cierta ocasión, paseando por las calles de nuestra ciudad y hasta no hace demasiado tiempo, nos fijamos en la placa que daba nombre a una pequeña plaza situada en el casco viejo. Este lugar nos trae buenos recuerdos, nos transmite sensaciones gratas y a veces incluso nostalgia.  A medida que te vas aproximando a ella, se comienza a respirar rock y este va directo a tu corazón. Contiene una inscripción en la que se puede leer:

“Praza Dos Suaves (Antes Praciña Das Flores), Poetas do amor, do desencanto e da vida, que dende Ourense compuxeron rock para todo o mundo”.

“Plaza de Los Suaves (antes Placita de las Flores) Poetas del amor, del desencanto y de la vida, que desde Ourense compusieron rock para todo el mundo”. 

Es esta, la frase que desde nuestro punto de vista, consideramos más apropiada para dedicar este reportaje a este grupo de rock que durante treinta largos años nos ha representado, que llevó el nombre de nuestra ciudad, Ourense, por bandera allá donde actuaban, dejando bien claro cuales eran sus orígenes y de donde procedían. Y como ourensanos que somos, siempre les estaremos agradecidos.

Era el reconocimiento a tres décadas de carrera, de rock y de carretera. Era el reconocimiento a aquellos que telonearon a Los Ramones en A Coruña aquel frío invierno de 1981, y que se quedaron con Los Suaves grabados para siempre en su retina, a aquellos que han sido proclamados mejor banda en directo del país en varias ocasiones y los mismos que fueron grupo invitado aquel 15 de Junio de 1999 en el Monte Do Gozo junto a los Rolling Stones.

Tras recibir toda clase de homenajes y la medalla de oro de la ciudad por parte de nuestro Ayuntamiento, se le sumaría  un día después el  concierto en directo que ofrecerían en el Pabellón Paco Paz, ante aproximadamente diez mil fans. Medios de comunicación y personalidades de la ciudad se manifestaron agradeciendo al grupo que llevara «el nombre de Ourense por toda España» durante toda su trayectoria.

Y esta, es su historia:

A finales de la década de los 70 y primeros 80, el panorama musical español estaba sumergido en una marea de nuevos estilos como el New Wave, el Punk y un movimiento cultural denominado “movida”. En medio de todo esto, surgirían “Los Suaves”, una banda que apostaría por el rock de antaño, realizando un rock agresivo y cuidadas letras, en las que reflejaban situaciones cotidianas de la vida, y que, unido al  poder de sus directos, su hábitat natural, te llegaría al alma. Su símbolo, único e irrepetible, un gato, es un icono reconocido e histórico dentro del rock nacional. Fundada por los hermanos Domínguez (Yosi, Charli y Javier), en sus inicios sufrirían diversas variaciones en su formación. Las posteriores incorporaciones de Ramón Costoya y Hermes Alogo como guitarristas y el batería Ángel Barrio, asentarían al grupo definitivamente.

Después de primeras actuaciones en diversos locales y pubs de nuestra ciudad como el “Long Play” (que desafortunadamente ya echó el cierre), su primera oportunidad llegaría en 1981, siendo teloneros en A Coruña de la banda americana Ramones. Fue un concierto apoteósico, inolvidable y dejaron una profunda huella entre el público considerándolos un grupo mítico y muy querido. Todavía hoy se recuerda aquel concierto multitudinario en el que eclipsaron a los Ramones.

En 1982, publicaban su primer álbum “Esta vida me va a matar”, que contenía clásicos como “Peligrosa María”, “Viene el tren”, “Muerte en el Rock”, una canción homenaje a John Lennon, “Chaquetas de cuero”,Siempre igual” o “Mártires del Rock And Roll”, temas que, después de treinta años, resultan irremplazables en cualquiera de sus directos. Gracias a este primer disco, que en su época tuvo poca repercusión, le permite reafirmarse como grupo y dar muestras de que estaba naciendo una excelente banda de rock.

“Frankestein”, fue el segundo en su discografía, publicado en 1984 y grabado en la Asociación Fonográfica Asturiana, incluye temas como “Cuando la música termina”, “No llores más por mí”,Por las noches” o “Una ciudad llamada perdición”. Contó con músicos y hoy ex-componentes, los magníficos guitarristas Pepe Losada (Fender Stratocaster, Gibson Les Paul Custom, Gibson ES 355 Estereo), Hermes Alogo y Tito Canolas a la batería. Este álbum fluye en una corriente similar a su anterior trabajo de 1982 “Esta vida me va a matar”.

Se avecinaban épocas difíciles, hasta que en 1988, darían el salto definitivo a nivel nacional, gracias al álbum “Ese día piensa en mí”, que contenía inolvidables temas como “Dolores se llamaba Lola”, que se convertía en uno de los himnos de la banda, la mítica “No puedo dejar el rock”, y “¿Sabes? ¡Phill Lynott Murió!”, un homenaje al líder del legendario grupo de rock irlandés Thin Lizzy, del que Los Suaves, han reconocido en más de una ocasión, ser seguidores. También supuso un punto de inflexión y una evolución en su sonido, con la incorporación del guitarrista Alberto Cereijo (que actualmente continúa en la formación), y colaborando Alejandro Cano a la batería. A raíz de este disco, se realizó el ciclo de directos “Suave es la noche”, que fue un gran éxito y que por supuesto, dejó más de un guiño a nuestra ciudad: En Ourense suena el rock por todos los rincones, los músicos están listos para tocar, en Ourense suena el rock por todos los rincones, así seguiremos, no nos van a parar”.

En 1991, editado por Edigal, saldría a la luz “Maldita sea mi suerte”, que fue disco de oro y uno de sus álbumes más celebres y recordados. Contó con la colaboración estelar del legendario Alvin Lee, guitarrista y fundador de la banda americana “Ten Years After”, Gero de “ñu”, Paco Ventura de Medina Azahara, Carlos Raya de Sangre Azul,  Carlos Rufo Hiroshima, Eduardo Pinilla, Juan Ferro Velahí, Kisko Legion, Manolo Arias de Niagara, Ollie Hansall, Teo de Números Rojos, Toni Valles y Alberto Cereijo. Contenía hits como “Pardao”, “Dame Rock And Roll”, o el clásico “Maldita sea mi suerte”. Para definir este álbum, e ir un poco más allá de la música, os citaremos un comentario que aparece reflejado en el interior del vinilo:  ¿A quién se le ocurrió esta idea tan loca? Esto fue lo primero que dijo Alvin Lee cuando entro en el estudio. Todos sonreímos y yo pensé que no sabía si la idea era loca o no. Lo único que sabía es que nunca hubo una reunión de tantos y tan buenos guitarristas y sobre todo de tantas y tan buenas personas. A todos con nuestro agradecimiento lo único que puedo decirles es que al estar en nuestro disco, es que como si estuvieran en nuestro corazón”. El resultado, ante semejante selección de guitarristas, tanto de nivel nacional como internacional, fue soberbio.

Seguidamente, publicarían “Malas Noticias” en 1993, “Santa Compaña” (1994), siendo disco de platino y con conciertos multitudinarios. A raíz de esto, vendrían los ciclos de directos ¿Hay alguien ahí?  Continuaban con “San Francisco Express” (1997), “Víspera de todos los santos” (2000), el recopilatorio “Un paso atrás en el tiempo”, (2002), que contó con la incorporación del guitarrista Fernando Calvo. “Si yo fuera dios” (2003), “El jardín de las Delicias” (2005) y “Adiós, adiós” en 2010.

Y con estos álbumes, nos dejaron otro buen abanico de clásicos como “Pobre Jugador”, “Dile siempre que no estoy”, “O Afiador”, “Si pudiera” “Dios es suave”, “Preparado para el Rock And Roll”, “Si yo fuera Dios”, “Cuando los sueños se van”, Ourense – Bosnia,  y “Mi casa”, entre otros.

También haremos especial mención a sus inolvidables directos como en 1989: “Suave es la noche”,  1995: “¿Hay alguien ahí?”, dedicado al gran Rory Gallagher y con un sonido impecable, 1995: “Especial acústico Barcelona CADENA 100. 1996: Lo mejor de ¿Hay alguien ahí? y 2010: 29 años, 9 meses y 1 día.

Los Suaves nos han dejado frases y comentarios clásicos, que perdurarán en las entrañas del rock nacional como: Siempre Suaves”, “Dios es suave”, “Si la vida tuviera BSO serían Los Suaves”, o “Suaves Somos Todos”, o “Esta noche no se duerme”, algunas incluidas en su logotipo, algunas en el interior de sus canciones y otras expresadas por el público. Y se han ganado a pulso el calificativo de históricos, ya que jamás hemos presenciado un directo o un álbum en el que no lo dieran todo, o al menos que no lo hayan intentado. A Los Suaves, se les perdona todo.

Y como dicen en las letras de uno de sus temas “Mi Casa”:

<<Mi casa es el gato negro,

Es mi Gibson Les Paul,

Mi casa…. ¿Aún No Lo Sabes?,

Mi Casa es el Rock And Roll>>

¡¡¡¡¡A miña casa por fin es Ourense!!!!!

¡¡¡¡¡Ouuuuureeeeenseeee  Roooooock And Roooooolllll!!!!!

Infinitas gracias e Sempre Suaves, Suaves… do carallo.

rockandrollismyaddiction.wordpress.com (Javier Suarez, Ruben.Borrajo)

Los Suaves son: Yosi, Alberto Cereijo, Charli Dominguez, Fernando Calvo, Tino Mojón, ex-componentes: Javier Dominguez, Hermes, Los hermanos Costoya, Pepe Losada, Tito Canolas y Gelo.

Michael Bloomfield with Nick Gravenites and Friends – Live at Bill Graham´s Fillmore West 1969

Nos encontramos ante uno de los más grandes y carismáticos guitarristas de la era del Rock y el Blues, que llenó de momentos inolvidables la historia de la música contemporánea. Mike Bloomfield, nacido en Chicago, comenzó en su adolescencia a tocar la guitarra, y prácticamente a la misma edad, acude a diferentes locales de su ciudad para ver a mitos del momento y de siempre, nombres como Albert King, Otis Rush, Jimmi ReedMuddy Waters, que lo influirían de una manera extraordinaria.

Tuvo una carrera fulgurante desde sus inicios, siendo miembro fundamental en la banda del gran armonicista “The  Paul Butterfield Blues Band”, dejándonos álbumes legendarios y adelantadísimos a su tiempo, como la colaboración en el transcendental “Highway 61 revisited” de Dylan. Poco después, actuó en el histórico “Newport Folk Festival” de 1965 cuando por primera vez Bob Dylan electrificó la guitarra rompiendo todos los moldes, haciendo que corrieran ríos de tinta y levantando ampollas entre cierto sector de puristas del folk americano. Seguidamente, formaría otra excelente banda, “The Electric Flag”, junto a Barry Goldberg, Buddy Miles  y Nick Gravenites entre otros.

Éste impresionante álbum contiene temas del más puro estilo blues-chicago como “It Takes Time”, “Carmelita Skiffle”, “Gypsy Good time”, la colosal “Blues on a westside”, de unos quince minutos de duración y “One More Mile To Go” con la invitación especial de Taj Mahal dando muestra de su excepcional calidad como intérprete. “It´s About Me”, una de nuestras piezas preferidas junto a “Killing My Love”  y la balada “Moon Tune”. Todas ellas absolutamente mágicas, confirman la estrecha relación con el compositor, cantante y amigo Nick Gravenites (impulsor del “San Francisco Sound”).

La formación para éste Live contó con músicos de gran calibre, todos ellos magníficos, y estuvo compuesta por Mike Bloomfield a la guitarra y voz, Nick Gravenites voz y guitarra rítmica, Mark Naftalin al piano, Ira Kamin al órgano, John Khan al bajo, Bob Jones a la batería y voz, Dino Andino a la conga, Noel Jenkins saxo tenor, Gerald Oshita saxo barítono, Snooky Flowers saxo barítono, Taj Mahal y John Wilmeth a la trompeta.

Publicado por primera vez en CD en el 2009 por el sello Raven, (el original fue editado en 1970 por CBS), incluye siete temas que eran los originales y cuatro adicionales que en su día salieron en “My Labors” de Nick Gravenites  y uno más añadido: “Mary Ann”, de Ray Charles que aparece en “The Live Adventures of Mike Bloomfield & Al Kooper (otro antológico directo con Al Kooper).

Mike Bloomfield, fue uno de los héroes de la guitarra, muy querido por el pueblo americano, lo situaron en el olimpo del rock and roll junto a otros genios del rock y el blues. Musicólogo empedernido y siempre acompañado por su Gibson Les Paul, de la que sacaba un sonido único e irrepetible, nos dejó para siempre en 1981.

Monumental.

T.Bone Walker – …Good Feelin´…

La historia del blues está escrita con muchos nombres, pero quizás uno de los más especiales  sea el de T-Bone Walker, pionero en tocar y grabar con guitarra eléctrica en los años treinta y primeros cuarenta, modernizando este género musical minoritario a un estilo nuevo, que desembocaría primero en el Rythm & Blues, el Rock &And Roll de los 50 y la explosión  Rock a secas de los 60, todos ellos evolucionando de diferentes maneras.

Después de una dilatada carrera, y de ser el creador de algunos de los temas más importantes de la historia del blues como los versionadisimos “I Call It Stormy Monday”, o simplemente “Stormy Monday” y el “T-Bone Suffle”, éste bluesman visitó Europa varias veces, (una de ellas a invitación del propio  John Mayall).  El motivo de una de estas visitas fue para grabar éste “Good Feelin´” en los estudios de  Polydor  en  Francia, con  músicos de sesión afincados  en París y junto a otros artistas consumados y reconocidos en el mundo del Jazz.

El álbum, compuesto por doce temas más bien cortos y muy bien distribuidos,  contiene clásicos como el “Everyday a Have The Blues”,I Wonder Why”, “Shake It Babe”, o el instrumental “Pootang”. Sorprenden algunos cortes de puro estilo funk, rápidos y muy movidos con solos de saxo, órgano y como no, la peculiar manera de tocar su maravillosa guitarra Gibson de caja en “Long Lost Lover”, “Sail On Little girl” y “Vacation” (una de nuestras favoritas).

Editado en 1969, recibe el premio Grammy al año siguiente. Con una calidad excepcional de sonido y perfectamente arreglado,  contó con músicos de la talla del saxofonista camerunés Manu Dibango, que realiza un trabajo sobresaliente.  Dos pianistas, uno de ellos Bernard Estardy (excelente al órgano) y Michel Sardaby. Un total de doce músicos llegaron a colaborar en este proyecto, todos ellos de gran virtuosismo y calidad, batería, bajo, percusión, coros etc..

T-Bone Walker nació en 1910, comenzó a tocar a los 13 años y publicó su primera canción en 1929, aparte de tocar la guitarra y el piano era un maestro al Banjo, el Ukelele y  la Mandolina.

The Doors – In Concert

Una de las bandas más famosas de la década de los 60, nos muestra el lado más salvaje del rock and roll a través de este “In Concert”, álbum recopilatorio en directo, que contenía varias de las actuaciones más legendarias de los Doors sobre un escenario. Este disco fue el resultado de tres  grabaciones anteriores en vivo: “Absolutely Live”, “Alive She Cried” y “Live At The Hollywood Bowl”, realizadas entre 1960 y 1970.

“In Concert es la apoteosis definitiva del rock and roll”, y la podemos apreciar en clásicos como “BackDoor Man”, tema de Willie Dixon y versionado por los Doors con una gran agresividad, la contundencia de “Five To One”, los ritmos pegadizos de “Alabama Song (Whiskey Bar), los soberbios teclados de Ray Manzarek en “Light My Fire”, la histórica “Break On Through”, el poderoso “Roadhouse Blues” y la atmósfera hipnótica que se crea en “The End, con unas provocadoras letras de contenido altamente… mejor escucharlo.

La teatralidad siempre ha sido una parte importante en el rock, casi tanto como la propia música, y Jim Morrison sabía interpretarla como nadie. Esto, es lo que hace tan especial a este disco en vivo de los Doors, desde nuestro punto de vista, el mejor ¡Live! de su discografía. Gracias al excelente sonido que posee “In Concert”, sumado a la impresionante voz de Jim Morrison, y al ya reconocido talento de los Krieger, Manzarek y Densmore, vuelven a obtener otra obra musical cuyo adjetivo más apropiado es: “Auténtica”.

Inicialmente fue publicado en 1991, en formato triple de vinilo y doble compacto, y coincidiría con el estreno de “The Doors”,  película biográfica sobre este grupo de rock estadounidense, dirigida por Oliver Stone y protagonizada por Val Kilmer.

A más de uno le hará saltar del sillón.

Duane Allman – An Anthology (1972 Polydor) y An Anthology Volume ll (1974 Polydor)

La vida del virtuoso guitarrista Duane Allman y co-fundador de la banda precursora del rock sureño “The Allman Brothers Band” sería corta, pero lo suficientemente intensa para entrar en el olimpo del rock and roll para siempre.

Gracias al clásico “Hey Jude”, comenzó una serie de magistrales grabaciones que contenían una gran variedad de estilos como Rhythm and Blues, Blues, Soul, Jazz-Rock… y que contó con la colaboración de Duane Allman como músico de sesión, prestando su guitarra para  infinidad de temas y cooperando con músicos excelentes en diferentes estudios de los  Estados Unidos de América.

El porqué  de estas sesiones se remonta a finales de la década de los 60, cuando Duane Allman daba sus primeros pasos al frente de la formación “The Hourglass”. En cierta ocasión, el responsable de los estudios FAME se fijó en él y quedó impactado por su talento innato con la guitarra. Rápidamente le propuso que grabara “Hey Jude” con el legendario cantante de Soul, Wilson Pickett.  El resultado fue espectacular y dio paso a que la Atlantic Records fichara a Duane como músico de sesión en 1968, y pronto estaría trabajando en esta casa discográfica para artistas de la talla de Aretha Franklin, King Curtis, Clarence Carter, Arthur Conley, Herbie Mann, Otis Rush, Bob Scaggs y John Hammond entre otros. Por aquella época, Atlantic era un sello caracterizado por la música Soul y Jazz, y que posteriormente comenzaría a expandirse al mundo del Rock.

Después de esta introducción, desde nuestro punto de vista necesaria, los dos dobles LP que se editaron y sus  cuarenta temas en total, nos llevarán al más puro blues, reflejado en “B.B. King Medley” (aun siendo “The Hourglass”), la melancolía de “Goin´Down Slow” o la maravillosa y contundente “Loan Me a Dime” interpretada por Bob Scaggs.

El Soul forma una parte importante en los dos volúmenes, aportándonos temas de Aretha Franklin como la versión de “The Weight”, el instrumental “Games People Play” por King Curtis o “Stuff You gotta Watch” de Arthur Conley, dotados de unos punteos brillantes, y en especial en “Hey Jude” y en el “Born to Be Wild“ (acertadísimas versiones) apoyados con buenas secciones de vientos.

Otros estilos que se conjugan son el Jazz-Rock del flautista “Herbie Mann” (impresionante el “Push Push”), el country de Ronnie Hawkins, acústicos como el “Mean Old World” mano a mano con Eric Clapton (también se incluye el himno “Layla”con los Derek and the Dominos) y actuaciones en vivo ya como “The  Allman Brothers Band” o “Delanie&Bonnie & Friends” soberbias.

Durante este periodo que aproximadamente duró dos años como músico de sesión, dio lugar a que se formara una de las mejores bandas de la historia (The Allman Brothers Band).

Duane Allman, falleció en un desafortunado accidente a los 24 años a lomos de una Harley, una de sus grandes pasiones. Pero gracias a sus colaboraciones esenciales en la historia de la música, a su maestría con la guitarra eléctrica, slide y al dobro, y a su melena rubia y aspecto de hippy motero, siempre será recordado.

AN-TO-LO-GI-CO.

Vídeo: Versión “Born To Be Wild” Duane Allman & Wilson Pickett (An Anthology):

 

Traffic – Traffic

Después de dejar huérfana a la Spencer Davis Group, el británico Steve Winwood se unió a Dave Mason, Jim Capaldi y Chris Wood en 1967 para formar “Traffic” una de las bandas más intimistas de finales de los 60 y primeros 70, en la que buena parte de sus integrantes atesoraban un reconocida reputación musical desde la adolescencia, con base en la ciudad de Birmingham, en el Reino Unido.

“Traffic”, fue el álbum homónimo del grupo, publicado en 1968, y segundo en su discografía. Contenía varios de sus temas más célebres como “You Can All Join”, “Pearly Queen”,”40.000 Headmen“, y el clásico “Feelin´Alright” (poco después popularizado por Joe Cocker)  junto a otros de corte psicodélico y alguno con cierto aire folky. Grabado por Island, contó con dos de los ingenieros más prestigiosos del rock: Glyan Johns y Eddie Kramer.

Careciendo de bajo, Steve Winwood, en su condición de multi-instrumentalista optó por tocar el “bass pedal”, (desde nuestro punto de vista, las grabaciones en estudio suponemos que las realizaba con un bajo convencional, pero en directo era muy distinto). Winwood también es considerado un excelente guitarrista tanto acústico como eléctrico y por poseer una voz única.

 Dave Mason, virtuoso guitarrista, fue la otra gran figura de este cuarteto y creador de temas básicos, (muy querido y respetado en el mundo de la música), que llegó a colaborar con otros artistas legendarios como Jimi Hendrix o The Rolling Stones, y que posteriormente tendría una magnífica carrera como solista.

El resto de los componentes, Jim Capaldi (de los mejores bateristas de la época) y Chris Wood que con su flauta o saxo producía unas agradables notas que daban color a la banda. Con un sonido limpio, voces suaves y buenas armonías, Traffic gozó de una gran popularidad,  pese al constante ir y venir de sus miembros, de nuevas incorporaciones y supo mantener un estilo diferente a otras formaciones.

Su música y sus grabaciones hablan por si solas.

Eric Clapton – Crossroads Guitar Festival 2007

“El cambio comienza con un solo paso, y “Crossroads” vuelve estar aquí para ayudar a dar ese primer paso”.

Y con este mensaje se presentaba esta segunda edición en 2007 de los festivales benéficos “Crossroads” celebrada en Chicago, que fue otro de los muchos eventos en los que Eric Clapton se ha involucrado, para ayudar directamente a aquellos que necesitan tratamiento en su particular lucha contra la adicción a las drogas.

La calidad de los músicos que se dieron cita vuelve a ser espectacular: Stevie Winwood, Johnny Winter, Jeff Beck, Los Lobos, Albert Lee, Robbie Robertson, Robert Cray, B.B. King, The Derek Trucks Band, y un largo etcétera.

Inicia el concierto a cargo del actor Bill Murray, realizando una versión junto a Eric Clapton del tema “Gloria” compuesta por el irlandés Van Morrison. La actuación del legendario Johnny Winter con The Derek Trucks Band, que nos da muestra de su blues eléctrico e incendiario en “Highway 61 revisited”, magistral. “Country Boy” por Albert Lee y Vince Gill, nos hará pasar un momento agradable gracias a ese estilo Country que tanto gusta y que le imprimen a sus canciones. Emotivo, cuando el icono estadounidense del Country Willie Nelson sale a escena para interpretar su clásico “On The Road Again”, desde mi punto de vista,  uno de los himnos de los Estados Unidos de América.

Stevie Winwood y Eric Clapton (ex componentes del grupo Blind Faith) con “Presence Of The Lord”, que después de 25 largos años se vuelven a reunir recordando tiempos gloriosos de épocas ya olvidadas, pero siempre presentes. Jeff Beck, acompañado de la impresionante bajista Tal Wilkenfeld, memorables en “Big Block”, un poderoso tema con cierto aire underground. Y para cerrar el telón, los  Clapton, Guy, Sumlin, J. Vaughan, Winter, Cray y Mayer dan rienda suelta a su ya reconocido virtuosismo en “Sweet Home Chicago”.

Y así se despedía “Crossroads Guitar Festival 2007”, en el que la ayuda desinteresada hacia las personas con adicciones es su principal objetivo. Y como dijo Vince Gill sobre Eric Clapton: “Estas acciones te hacen ver el corazón de este tipo, y va más allá de sus notas con la guitarra”.

Sin palabras.