Willie Dixon – I Am the Blues (Columbia 1970)

I Am The Blues<<Yo soy el blues>>

Quizás un título que sugiere cierto egocentrismo, pero que define a la perfección a uno de los grandes mitos que ha dado el género.

Nacido el 1 de Julio de 1915 en Vicksburg (Mississippi), Willie Dixon fue una de las figuras más representativas en el desarrollo del blues americano. Destacó por su virtuosismo compositivo, con el que alcanza un enorme éxito internacional. Sus temas, ya clásicos del blues, han sido interpretados por leyendas de la talla de Howlin’ Wolf, Muddy Waters o Little Walter y versionados por bandas de rock como Led Zeppelin, The Doors, Cream o The Yardbirds.

La influencia de Dixon en el blues y el rock ha llegado a casi todos los rincones del universo sonoro. Aparte de un sensacional compositor, también se ha distinguido como un magnífico bajista, pianista, cantante, contrabajista e histórico productor discográfico de la casa “Chess Records”. Todo esto, le valió para consagrarse como el  máximo exponente en la creación del denominado “Chicago Blues”Dixon ha trabajado durante su trayectoria con artistas como Chuck Berry (con el que llegó a tocar el bajo en sus primeros discos), Koko Taylor, Bo Diddley, Jimmy Witherspoon Muddy Waters entre otros.

WDCentrándonos en el álbum, se publica en 1970 por el sello Columbia y consta de nueve pistas. Como ya es costumbre, haremos mención a los músicos que moldearon esta obra: Willie Dixon (bajo y voz), Sunnyland Slim (piano), Johnny Shines (guitarra) Walter Horton (armónica) y Clifton James (batería). Todos ellos, reputados  bluesman de la época procedentes de esa meca del blues de Chicago llamada Chess Records.

Abre el disco con “Back Door Man”, uno de sus memorables hits en el que sentimos la fantástica voz de Dixon y el protagonismo que cobra la guitarra de Johnny Shines. Este tema se incluyó en el primer álbum homónimo de los Doors en 1967, siendo versionado de manera magistral por esta legendaria formación.

Siguen con “I Can’t Quit You, Baby”, impregnado por el piano de Sunnyland Slim. Y es otro de los temas que añadieron los británicos Led Zeppelin en su disco de debut de 1969. Otras canciones estándar del blues que tienen una importante presencia en el LP son “The Seventh Son”, el mítico “Spoonful”, esta última incorporada por los Cream de Eric Clapton en su álbum “Fresh Cream” de 1966.

wd2De puntos álgidos está plagado “I Am The Blues” y llegan con “I Ain’t Superstitious” (revisada por Jeff Beck en su LP “Truth” de 1968”), “You Shook Me”, (I’m Your) Hoochie Coochie Man (popularizado por Muddy Waters), el clásico entre clásicos “The Little Red Rooster” (recordado en más de una ocasión por los Doors, Howlin’ Wolf y los Rolling Stones), o el que cierra el disco “The Same Thing”.

Así concluye “Yo soy el blues” cortesía de William James Dixon, el cerebro de la música de alma. A mi juicio,  fue capaz de hacer  más grande la carrera musical de una amplia cantidad de artistas y bandas.

Dixon fallece en 1992 víctima de una hepatitis, y el blues llora a una de sus estrellas más célebres. Pero su imprescindible legado y  vibrante historia repleta de momentos brillantes, permanece inalterable al paso del tiempo. El gran Willie se sitúa como uno de los músicos fundamentales del siglo XX. Y también, como un genio que ha hecho a los demás mucho mejores.

The Byrds – Untitled (Columbia Records 1970)

The Byrds (Untitled Album)Aclamado por la crítica, el  álbum sin título de los Byrds se situó como una de las últimas grandes obras del rock. Los Byrds exploran en este elepé un vasto territorio sónico que comprende estilos como el folk, bluegrass, rock psicodélico o country rock. Coronaron la cima del rock durante años difíciles y políticamente cargados, acompañando con su música a toda una generación.

Originarios de Los Ángeles, fueron una de las bandas más influyentes surgidas en los 60, siendo pioneros del folk rock, country rock y el rock psicodélico. A mi juicio, se consolidan como el único grupo capaz de frenar la denominada “invasión británica”, que supuso la llegada masiva de formaciones musicales extranjeras como los Beatles The Rolling Stones y que acaparan las listas de éxitos norteamericanas en aquella época. Los considero como una banda camaleónica, dado los diversos cambios que sufren en sus filas a lo largo de su trayectoria. Sus inicios datan mediados los años 60, formados por un  trío californiano de guitarras folk con Jim McGuinn (que poco después pasaba a llamarse Roger), David Crosby y Gene Clark. Posteriormente se le unen como apoyo instrumental el batería Michael Clarke y el bajista Chris Hillman. Y así nacen los Byrds en 1964.

Atrás quedan los tiempos del Turn, Turn, Turn” y en 1970, con una de sus alineaciones más estables presentan  (“Untitled”). Un curioso título, quizás sugiere algo de incertidumbre y fue cortesía de la torpeza de un productor que envió el álbum a la casa discográfica cuando todavía no tenían decidido el nombre… Y el sello entendió que (“Untitled”) era el título definitivo. Un célebre malentendido que perduró hasta nuestros días… y con el paréntesis incluido.

Byrds BandUna mención especial merecen los músicos que hicieron posible “Untitled”: liderados por el compositor y mago de la guitarra Rickenbacker de doce cuerdas, Roger McGuinn, el soberbio guitarrista Clarence White, Skip Battin (bajo y voz) Gene Parsons (batería, armónica y voz). El personal adicional está capitaneado por Gram Parsons, Terry Melcher al piano, Sneaky Pete Kleinow a la guitarra pedal steel y el violinista de bluegrass Byron Berline.

Este doble álbum producido por Terry Melcher y Jim Dickson, se publica en 1970 por el sello Columbia Records y consta de 16 pistas. La primera parte incluye temas en directo grabados en el auditorio “Colden Queens College Center” de Nueva York y con un segundo que incorpora canciones nuevas de estudio.

Abre el disco con  Lover Of The Bayou”, composición histórica propiedad del dúo Jacques Levy / Roger McGuinn, para continuar con una gran versión del Positively 4th Street” de Bob Dylan, y la revisión del“Mr Taumborine Man”, en dónde la guitarra de Clarence White cobra un protagonismo mayúsculo.

Otros temas en dónde muestran todo su poderío en directo son “So YouWant To Be A Rock N Roll Star” y “Mr. Spaceman”. Califico como joyas musicales al clásico entre clásicos «Chestnut Mare», impregnado por la peculiar voz de McGuinn, «All the Things» y «Just a Season”.

Nos encontraremos con cierta similitud a los Crossby Stills, Nash And Young, reflejada en los acústicos “Yesterday’s Train” y «Well Come Back Home». El momento álgido llega con Eight Miles High”, infinitos sus dieciséis minutos de duración, envueltos en una jam magistral.

Byrds GrupoLas campanas de muerte resuenan de nuevo en el rock:  con los fallecimientos de Gram Parsons (1973), Clarence White (1973), Gene Clark (1991) y el batería Michael Clarke (1993), la historia pierde a cuatro integrantes de leyenda, porque hablar de los Byrds, es hablar de una de las fuentes de riqueza musical más grandes que ha dado el rock.

En 1973, Roger McGuinn vuelve a reunir al quinteto original de los Byrds intentando mantener el mismo espíritu que les caracterizó en sus inicios. Pero debido a una serie de problemas internos y discográficos, McGuinn decide abandonar el nuevo proyecto, poniendo fin así a una de las mejores agrupaciones que ha visto nacer el siglo XX.

Así concluye esta épica aventura de los Byrds, un grupo esencial que ha dejado una huella profunda en el rock. Un día estos pájaros tuvieron un sueño: volar y volar con libertad, cada vez más alto.

Jerry Lee Lewis – The Session (“Recorded In London With Great Guest Artist” / Mercury 1973)

Jerry Lee Lewis Sessions

Aunque parezca increíble, algunos discos de auténtico y puro rock and roll se realizan fuera de las tierras que vieron nacer a este fenómeno musical del siglo XX. “The London Sessions”, como se le llamó popularmente a este álbum, fue uno de esos casos atípicos y origina el retorno de una de las figuras más influyentes de la primera generación del rock and roll.

Jerry Lee Lewis, el legendario pianista de Lousiana, apodado “The Killer”, después de obtener un tremendo éxito y ser autor de varios de los himnos más célebres del rock, ve su carrera salpicada por engorrosos escándalos y tristes sucesos. Y no sería hasta 1973, cuando regresa para situarse en los altares del género gracias a este espectacular álbum. La idea de grabar en Londres, tiene como finalidad intentar reunir a los mejores músicos de rhythm and blues británicos y aumentar la leyenda de Jerry. De esta manera, llega con más facilidad a la audiencia del momento y se coloca en la cima de las listas de éxitos, fichando por el prestigioso sello discográfico Mercury.

Centrándonos en el doble álbum, se graba en Enero de 1973 en los Advision Studios” de Londres y consta de 19 temas. Como dato curioso, Jerry Lewis desconoce a la mayoría de los músicos que forman parte de la grabación, todos muy jóvenes, pero de sobrada experiencia para poder tocar sin problemas las geniales canciones del Killer de Lousiana.

Jerry Lee

Las sesiones contaron con un elevado número de artistas, todos ellos de gran calidad. Y creemos que por justicia, debemos citar a los más representativos: Delaney Bramlett, Tony Ashton, Andy Brown, Tony Colton, Kenny Jones, Klaus Vormann y Gary Wright. Una mención honorífica, merecen los guitarristas Rory Gallagher, Alvin Lee, Peter Frampton y Albert Lee. Y todos ellos, apoyados por una espléndida sección de vientos, violines, e incluso un coro llamado Thunderthighs”.

Las sesiones de grabación estuvieron marcadas por una gran incertidumbre, debido al carácter y la fuerte personalidad de Jerry Lewis. Pero la música comenzó a fluir, sorprendiendo incluso el rostro duro e impenetrable de Lewis, dejándonos magníficos temas y excelentes versiones. Jerry Lee Lewis desarrolla durante todo el disco un trabajo muy serio y profesional al piano, quizás con su voz algo más calmada de lo habitual, pero interpreta magistralmente temas clásicos de su época dorada como “Drinking Wine Spo-Dee-O-Dee”, “High School Confidential”, “Whole Lot Of Shakin´Goin´On” ,“Movin´On Down The Line” o el imperecedero Sea Cruise”.

Lewis comenzó en la música country y en este álbum no será una excepción, reflejando este estilo en joyas como “Taking My Music To The Man” o el clásico “Early Mornning Rain». Llegarán fantásticos temas de blues: “Baby What You You Want Me to Do” y “Big Boss Man” y una bella balada “Pledding My Love”.

Jerry Lewis

Esta obra contiene grandes versiones como el “Bad Moon Rising” de la Creedence, “Johnny B. Good” o el estándar de Ray Charles What´d I Say”. Finalizan con “Rock & Roll Medley: Good Golly Miss Molly, Long Tall Sally, Jenny Jenny, Tutti Frutti, Whole Lot Of Shakin´Goin´On”, una mezcla explosiva de temas eternos del rock.

A mi juicio, Jerry Lee Lewis posee uno de los grados de jerarquía más altos del rock. Un mito que rivalizó durante la década de los 50 con el mismísimo rey del rock, Elvis Presley. Pese a sus conflictos y a una vida extremadamente turbulenta, fue capaz de obsequiarnos con discos memorables como este.

Jerry Lewis sigue haciendo las delicias del público… a sus 77 años de edad…

The Outlaws – The Outlaws (Arista Records 1975)

The OutlawsHace 37 años, cinco forajidos llamados “The Outlaws” nos dejan uno de los discos más representativos del rock sureño. En cuanto llegue a tus oídos pasa a formar parte de esa colección de discos para el recuerdo.

Originarios de Tampa (Florida), los Outlaws se constituyen como grupo en 1972, siendo capitaneados por el guitarrista Hughie Thomasson, su miembro fundador. En 1990 abandona los Outlaws para unirse a los legendarios Lynyrd Skynyrd.

Haré una mención sobre el personal que realizó esta obra, liderados por Hughie Thomasson (guitarra y voz), Henry Paul (guitarra y voz),  Billy Jones (guitarra) el bajista Frank O’Keefe y Monte Yoho a la batería. Destacar el excelente trío de guitarras y  a Hughie Thomasson, un genial músico que se situó como un pilar esencial dentro de los Outlaws, siendo responsable del éxito de la formación y autor de una buena parte de sus mejores composiciones.

Centrándonos en el álbum, fue producido por el afamado Paul A. Rotchild, también recordado por sus trabajos con los Doors. Primero de su discografía, se publica en 1975 por el sello “Arista Records”. Esta casa discográfica la fundó Clive Davis, célebre productor que consiguió atrapar en Arista Records a artistas de la talla de Grateful Dead, Aretha Franklin o Patti Smith. Como dato curioso, este disco homónimo de los Outlaws fue el primero lanzado para Arista Records.

Incluyendo diez pistas, abre el LP con uno de sus hits  “There goes another love song”, en dónde se aprecia todo el sentimiento sureño y su característico sonido. Siguen con “Song for you”, una de sus canciones más populares, en la que sobresalen las guitarras acompañadas de perfectas armonías vocales, al igual que en “Song of the breeze”.

The Outlaws BandLlega una emotiva balada “If follows from your heart”, para pasar a los ritmos frenéticos de Cry No More”. Con el instrumental “Waterhole” y sus toques country, viajaremos por el lejano oeste… Ya no te dejarán escapar con el pegadizo estribillo de Stay with me”, continuando con el aire southern de Keep prayin’, y nuevamente nos transportan por los designios del country  con “Knoxville girl”.

La mejor forma de cerrar un disco brillante es con un soberbio Green Grass And High Tides”, clásico entre clásicos del rock y canción insignia de los Outlaws. A sus épicos diez minutos de duración lo envuelven unas extraordinarias guitarras y lo considero un temazo de dimensiones desproporcionadas.

 The Outlaws IIAsí concluye esta aventura de los Outlaws, cariñosamente apodados “The Florida Guitar Army”, quizás fueron merecedores de mucho más reconocimiento por parte de la crítica.

Una vez más la ciudad del rock se queda sin tres de sus estrellas. En 1995 el bajista Frank O’Keefe y el guitarrista Billy Jones nos dejan y en 2007, Hughie Thomasson fallece de un ataque al corazón. Pero estos carismáticos músicos “fuera de la ley” , no se marcharon sin antes elevar al rock a la categoría de arte.

Los Outlaws han sido una de las bandas que realizaron el último sacrificio por el rock en la década heroica del género. Poco tiempo después la escena musical cambia de manera radical: los sintetizadores y la música de baile predominan en el día a día de la sociedad…

Dios salve al rock and roll.

Jimmy Johnson Band – Johnson´s Whacks (Delmark 1979)

Jimmy Johnson BandComo otros muchos bluesman de la historia, Jimmy Johnson nace en 1928 en la localidad de Holly Springs (Mississippi), un estado fundamental para comprender la música blues, que tan amplio legado nos ha dejado.

Desde muy temprana edad comienza a tocar instrumentos como el piano y la guitarra, empapándose  de ese estilo afro-americano  y espiritual que es el góspel. Posteriormente decide trasladarse a Chicago, dónde destaca como un bluesman  pasional  y cantante singular. Durante los años 70 tuvo sus propias bandas, colaborando con infinidad de artistas  y en innumerables álbumes, pero tocando rythm and blues en una buena parte de ocasiones. Tiempo después decide dar el gran paso, incorporándose a legendaria banda de Jimmy Dawkins, como devoto del blues.

Después de su gira épica por el país del sol naciente en el verano de 1976, tocando en la banda de Otis Rush, inicia su carrera en solitario a los 50 años de edad. De la gira que realizó con Otis Rush queda como testimonio el clásico directo “Live In Concert”. Al margen de esto, también se codea con estrellas consagradas como Buddy Guy,  Jimmy Dawkins o Louis Myers.

Centrándonos en el disco,producido por Bob Koester, se graba  a finales del 78 y principios del 79 por “Delmark Records”, un sello esencial para el blues y el jazz. Contiene 10 pistas sin el más mínimo desperdicio, con canciones muy personales e intimistas, en dónde refleja su maestría a la guitarra, en algunos casos incendiaria.

Obtuvo multitud de críticas favorables y el tan ansiado reconocimiento por parte de los analistas del mundo del blues. Después de salir publicados los volúmenes clásicos de Alligator “Living Chicago Blues”, Jimmy encuentra su sitio. Quizás un poco tarde, tras pasar toda una vida tirado por las carreteras de los Estados Unidos, Europa y otros lugares del mundo, acompañando a un buen número de artistas y amigos.

Una mención especial, merecen los músicos de la Jimmy Johnson Band: el fantástico pianista Carl Synder, el bajista Ike Anderson, Dino Alvarez (batería), Rico McFarland (guitarra rítmica) y Jerry Wilson (saxo tenor).

 Jimmy JohnsonEn el álbum nos podemos encontrar temas de diversa índole, marcados por la corriente musical del blues del momento como el que abre el disco “The Twelve Bar Blues o “I Stand Alone”, de estilo funky “Slamming Doors” o Jockey Sports”, del más puro estilo blues de Chicago como “Ashes In My Ashtray”o  el clásico “StranGe How I Miss You (When I Haven´t Even Lost You Let)”.

Una de las canciones más recordadas del álbum es la versión del estándar de jazz Take Five”, que allá por los años 60 inmortalizó el recientemente fallecido Dave Brubeck. En esta versión, realizan un extraordinario trabajo a la guitarra y al piano por parte de  Carl  Synder y que unidos a temas como el divertido country Drivin´Nails In My Coffin y la triste balada I Need Some Easy Money, nos dejan un álbum que es considerado un clásico.

Jimmy Johnson es un trabajador incansable, un bluesman de los que dejan huella. Por fortuna sigue estando entre nosotros, pese  a sus altibajos y al terrible accidente sufrido por él y su banda a principios de los 80. Un trágico suceso en dónde perecieron dos de sus integrantes, quedando el resto malheridos.

En la actualidad,  continúa dedicándose a su verdadera pasión: el blues.

Buffalo Springfield – Buffalo Springfield (Atco 1966)

Buffalo Springfield

Originarios de Los Angeles, los Buffalo Springfield son considerados como una banda de culto desde el primer momento en que salen a la luz pública. Por sus filas han pasado mitos del rock de la talla de Stephen Stills o el  canadiense Neil Young.

Todo se inició durante un encuentro fortuito en  el Greenwich Village de Nueva York y que tuvo como protagonistas al cantante Richie Furay y al tejano Stephen Stills. Posteriormente se asocian con Neil Young y crean “Buffalo Springfield” en 1966. Tuvieron una corta, pero intensa trayectoria de dos años en la que sentaron cátedra dentro del folk rock y el country rock. Buffalo Springfield nunca ha sido un grupo de masas ni de gran éxito comercial, pero poseían una extraordinaria calidad que influenció a multitud de formaciones venideras gracias a  su innovador estilo.

Buffalo Springfield, también sirvió para lanzar a varios de sus integrantes hacia el estrellato del rock, en especial al dúo Stills / Young. Y tomando el nombre de una marca de apisonadoras, los Buffalo Springfield debutan con este primer álbum homónimo en 1966, alcanzando gran popularidad en la escena musical de la época.

Centrándonos en el disco, la edición original se publica en 1966 por el sello Atco e incluye 12 pistas. Curiosamente, en Marzo de 1967 editan una nueva redición estéreo en la que sustituyen el tema Baby, don’t scold me”, por el inmortal «For what it’s worth», canción escrita por Stephen Stills, un genio cuya creatividad no entiende de límites.

BuffaloSpringfield Band 2

Como ya es costumbre, haremos mención al personal que moldeó esta obra: Richie Furay (voz y guitarra), Dewey Martin (batería y voz), Jim Messina, Jim Fielder y Bruce Palmer (bajo), Stephen Stills (guitarra, teclados, voz), Doug Hastings y Neil Young (guitarra, armónica, piano y voz).

Clásico entre clásicos abre el álbum con “For what it’s worth” (por lo que vale). Escrita por Stephen Stills, se forjó en un tiempo  turbulento y cargado políticamente. Factores como la guerra del Vietnam impregnan el ambiente de tensión y nerviosismo. De manera instantánea se convierte en un himno generacional y en canción protesta que se usa de manera habitual, pero erróneamente atribuida en temáticas referentes a los conflictos bélicos.

Según declaraciones de Stephen Stills, las letras de “For what it’s worth”, están relacionadas con los violentos métodos empleados por la policía durante una manifestación pacífica en el Sunset Strip de Los Ángeles. Una parte de la sociedad, se rebelaba contra el cierre inminente del club “Pandora’s Box” uno de los locales más emblemáticos de la zona. El Sunset Strip, era el centro neurálgico de la vida nocturna de Hollywood y un importante punto de reunión para la contracultura de aquellos tiempos.

Buffalo Springfield Band

Al margen de esto “For what it’s worth”, también se utilizó como BSO de películas como “Forrest Gump” o “El Señor de la guerra” protagonizada por Nicolas Cage.

Otros temas de excelente factura y con cierto aire country son «Pay the Price»  yGo and Say Goodbye». Llegará nuestro querido blues  con “Hot Dusty Roads”  y sentiremos la magnífica voz de Richie Furay y la maestría de Neil Young en joyas como «Flying on the ground is wrong» “Burned» o «Out of My Mind».

Así concluye esta aventura de los fugaces Buffalo Springfield por los designios del rock.  El infortunio se cebó una vez más sobre sus componentes: el bajista Bruce Palmer fallece en 2004 víctima de un ataque cardíaco, al igual que el batería Dewey Martin en 2009.

Debido a las continuas discusiones entre Young y Stills y a los constantes problemas con las drogas del bajista Bruce Palmer, el grupo anuncia su disolución  en 1968. Pero a Buffalo Springfield le fue suficiente un par de años, tres álbumes, y una pequeña canción, para situarse como una de las bandas más prestigiosas e históricas que ha visto nacer el rock.

Stone The Crows – Ontinuous Perfomance (Polydor 1972)

Stone The Crows

En 1969, se forma en la ciudad obrera de Glasgow (Escocia) “Stone The Crows”, una gran banda de blues rock británica descubierta por el productor de Led Zeppelin, Peter Grant.

Los integrantes de Stone The Crows son virtuosos músicos y están liderados por la vocalista Maggie Bell, el guitarrista Leslie Harvey, el bajista Jim Dewar, el batería Colin Alen y John McGinnis a los teclados. En 1970, editan en tiempo récord dos álbumes con los que obtienen cierto éxito pero escaso número de ventas. Como dato anecdótico, el guitarrista Leslie Harvey era el hermano pequeño de Alex Harvey, fundador de la legendaria banda de glam-rockThe Sensational Alex Harvey Band”.

Por aquella época, la vocalista Maggie Bell es comparada con Janis Joplin, debido a su fuerza vocal e interpretativa. Por otra parte, Leslie Harvey es considerado como uno de los más destacados guitarristas de su tiempo. Tras su tercer álbum “Teenage Licks” de 1971, Maggie Bell es proclamada mejor solista inglesa en 1972. Pero en esta etapa, sufren constantes cambios en su formación, el bajista McGinnis y el tecladista Dewar, son remplazados por Stephen Thompson (ex – Mayall) y Ron Leahy. Toda esta conjunción de desfavorables factores unido a un desafortunado percance, truncan el futuro prometedor de la banda…

Durante un concierto en la Universidad de Swansea, el guitarrista Les Harvey se electrocuta con un micrófono que le causa la muerte. Impactados por el terrible suceso, el grupo anuncia su disolución definitiva…

Stone Band

Pero la fuerte personalidad de Maggie Bell le lleva a rehacer la banda, sustituyendo al fallecido Les Harvey por Jimmy McCulloch, un virtuoso y joven guitarrista procedente de los “Thunderclap Newman”. Jimmy se situa como un pilar fundamental de los Stone The Crows, ayudándoles a terminar el disco “Ontinuous Perfomance”, obra inacabada por el desaparecido Les Harvey.

Centrándonos en el álbum Ontinuous Perfomance es el último disco grabado en estudio por The Stone the Crows. Fue producido por Mark London y Peter Grant para el sello Polydor. Incluye siete pistas y no llega a los cuarenta minutos de duración. Haremos una mención especial sobre la alineación que completa la obra póstuma de Les Harvey: Maggie Bell (voz), Jimmy McCulloch (guitarra), Ron Leahy (teclados), Steve Thompson (bajo) y Colin Allen (batería).

Abre el disco con On The Highway”, en dónde sobresalen los teclados y la poderosa voz de Maggie. Continúan con una bella balada “One More Chance” para pasar al puro blues reflejado en “Penicillin Blues”, con un buen trabajo de Les Harvey a la slide.

Seguidamente, un delicado instrumental King Tut”. La cara B empieza con “Good time Girl” uno de los cortes más rítmicos y por primera vez, la guitarra de Jimmy McCulloch cobra un protagonismo mayúsculo, apoyado por una magnífica sección de vientos a cargo de Roger Ball y Malcolm Duncan.

“Niagra” es una de las canciones centrales del LP, a mi juicio el último gran trabajo de Les Harvey en la segunda parte del tema. Finalizan con la balada “Sunset Cowboy”, dedicada a Harvey, al igual que el resto del disco.

Stone The Crows DVD

En 2007 se publica un DVD llamado “In Concert, Beat Workshop”, grabado en Alemania en 1973, muestra la grandeza de la banda. Debido al bajo número de ventas y a los conflictos que los rodearon, los Stone The Crows tuvieron que poner punto y final a su corta, pero palpitante carrera.

Años más tarde, cada componente siguió su propio camino: Maggie Bell grabó en solitario con Jimmy Page un excelente álbum, McCulloch se incorporó a los “Wings” de Paul McArtney y Collin Allen formó parte de la banda de rock progresivo “Focus”.

En cierta ocasión, el prestigioso historiador musical Jordi Serra i Fabra declaró: <<Stone The Crows, la historia de un gran grupo de gigantes malditos como tantos y que una vez separados forman parte de la leyenda especial del rock”….>>

Ya sobran todas las palabras.