The Charlie Daniels Band – Fire on the Mountain (Kama Sutra Records 1974)

El estadounidense Charlie Daniels predicó su doctrina musical por todo el mundo. Trovador de arraigado sentimiento southern, influyó a varios artistas clave del rock y el blues como Chuck Berry, Elmore James o el mismísimo Elvis Presley.

Originario de Wilmington (Carolina del Norte), Charlie Daniels nace en el seno de una familia de leñadores el 28 de octubre de 1936. Desde su infancia se interesa por la guitarra y el violín, actuando como cantante en la iglesia de su ciudad natal e impregnándose de estilos como el góspel, bluegrass, rhythm & blues o country. Tiempo después funda “The Jaguars”, una banda que toca en diversos bares y clubs nocturnos de Texas de los años 1958 a 1967.

En 1967 disuelve “The Jaguars” y se traslada a Nashville, destacando como un excelente músico y compositor que domina instrumentos como la guitarra, bajo, violín o el banjo. Durante esta etapa conoce al productor Bob Johnston, que le contrata para colaborar en diversos álbumes junto a Bob Dylan (“Nashville Skyline” de 1969, “Self Portrait” y “New Morning” de 1970). Al margen de esto, Charlie Daniels también participa en otros discos al lado de figuras como Peter Seeger, Leonard Cohen o el ex beatle Ringo Starr.

CDaniels

En 1970 inicia su carrera en solitario y crea la Charlie Daniels Band. La constituye al estilo de los Allman Brothers, con dos guitarras y dos baterías. Haremos referencia a sus integrantes: Charlie Daniels y Barry Barnes (guitarras y voz), Joel «Taz» DiGregorio (teclados y voz), Mark Fitzgerald (bajo), Gary Allen y Fred Edwars (baterías). El personal adicional cuenta con la colaboración de Richard “Dickey” Betts de los Allman Brothers al dobro y Jaimie Nichols a las congas.

Centrándonos en el álbum, “Fire On The Mountain”, quinto de estudio en su discografía, se publica en 1974 por el sello “Kama Sutra Records” e incluye 9 pistas. Las dos últimas canciones son actuaciones en directo grabadas en el “War Memorial Auditorium” de Nashville (Tennessee). Para la realización del disco cuenta con la producción de Paul Hornsby, un famoso músico que trabajó para bandas del rock sureño como The Marshall Tucker Band o Wet Willie.

CDBAND

El mejor homenaje que le podemos rendir a Charlie es pinchar sus discos en nuestros reproductores, darle al play y dejarnos llevar. Dentro del LP, nos encontraremos con temas de country rock, pasando por un exquisito rock sureño, reflejado en hits comoThe South’s Gonna Do It Again”, que se sitúa como la canción estrella del álbum.

Otros al más puro estilo Charlie Daniels son: “Caballo Diablo”, los fantásticos teclados de “The South’s Gonna Do It Again”, el divertido country de “Long Haired Country Boy” o la bella balada “Georgia”. Contundente y agresivo se presenta “New York City, King Size Rosewood Red”, dónde nos muestran todo el poderío de una banda musical con letras mayúsculas. A más de uno le hará saltar del sillón con los riffs de “No Place To Go”, de once minutos de duración. Y para finalizar, los frenéticos violines de “Orange Blossom Special”, al más puro estilo western.

Charlie Daniels

Y así concluye “Fuego en la Montaña”, cortesía de un cowboy que se consolidó como el líder más carismático del southern rock. Rey de la improvisación y sensacional compositor, varias de sus canciones han sido versionadas por mitos como Elvis Presley.

Forajido del mainstream, Charlie Daniels es el responsable de organizar el programa de conciertos “Volunteer Jams”, por dónde pasan anualmente varios de los grupos más representativos de la hermandad sureña, como los Allman Brothers, Lynyrd Skynyrd, The Marshall Tucker Band, The Outlaws y un larguísimo etcétera…

Humble Pie – Humble Pie (A&M Records 1970)

Humble Pie

El británico Steve Marriott ha sido un vocalista y guitarrista muy peculiar en la historia del rock. Un tipo sencillo que ha sido reconocido por su virtuosismo a las seis cuerdas y por unas extraordinarias dotes de liderazgo. A nuestro juicio, la fuerte personalidad de Steve Marriott elevó a Humble Pie a los altares del rock. Su pasión por el hard rock dotó al grupo de un sonido inconfundible.

En 1969 y tras abandonar las filas de los Small Faces, el gran Steve decide aliarse con Peter Frampton (guitarra), Greg Ridley (bajo) y el batería Jerry Shirley, para formar “Humble Pie”. Tomando como base de su sonido estilos como el hard rock, blues rock, folk rock o el country rock, comienzan a despuntar en la escena musical del momento, obtienen una gran popularidad y se diferencian del ambiente psicodélico que predomina en aquellos años.

Centrándonos en el álbum, tercero de su discografía, se publica en 1970 por el sello A&M Records e incluye 10 pistas. Se grabó en los “Olympic Sound Studios de Londres y lo produjo el británico Glyn Johns, un famoso ingeniero de sonido que había trabajado con bandas como Led Zeppelin, The Band, Small Faces, Eagles o la Steve Miller Band.

Humble Pie Band

Como ya es costumbre, haremos mención a los integrantes de Humble Pie que hicieron posible esta obra: Steve Marriott (guitarra, voz), Peter Frampton (guitarra, voz), Greg Ridley (bajo, voz) y Jerry Shirley (batería, voz). Para la realización del LP, también contaron con la colaboración de B.J. Cole, todo un especialista en guitarra steel que trabajó con músicos de la talla de Roger Waters, David Gilmour o Elton John. Y nos encontraremos con una grata sorpresa, John Wilson, el batería de los “Taste” (la agrupación de Rory Gallagher) participa en algunas canciones del disco.

Abre el álbum con una bella balada semi blues Live With Me”, seguidamente no olvidan las raíces folk con “Only A Roach” y el acústico Theme from Skint (See You Later Liquidator). El rock más contundente y rítmico se presentará con “One Eyed Trouser-Snake Rhumba”, yRed Light Mama, Red Hot!”, que acompañados de la espléndida guitarra de Frampton, se sitúan como los mejores temas del LP.

Llegará uno de los puntos álgidos, con una excelente versión del “I’m Readyde Willie Dixon, en el que sentiremos la poderosa voz de Marriott en todo su esplendor. Y cerrando el disco, una suave balada “Sucking on the Sweet Vine”, para calmar el ánimo…

Steve Marriott

Así concluye este disco, cortesía de los semidesconocidos “Humble Pie”, uno de los primeros súper grupos del rock. En 1991, el infortunio cae sobre sus componentes: el guitarrista Steve Marriott fallece a los 44 años de edad, a causa de un incendio en su domicilio de Essex (Londres). En 2003, el bajista Greg Ridley nos deja víctima de una neumonía en Alicante (España).

Debido a la falta de apoyos comerciales y a diferentes puntos de vista entre Steve Marriott y Peter Frampton, los Humble Pie anuncian su primera separación en 1975: Marriott acusaba a Peter Frampton de intentar “endulzar” el sonido del grupo. Tiempo después, cada uno siguió su propio camino y Peter Frampton alcanzó un gran éxito comercial en años venideros…

Pero la fe ciega que Marriott depositó en su música y en su querido hard rock, le llevó a esquivar las corrientes comerciales del momento y vuelve a reunir a los Humble Pie en 1980, ya sin Frampton en la formación. Tras dos álbumes y unas ventas modestas, se disuelven en 1981, poniendo fin así a una de las bandas más injustamente subestimadas del rock.

El tiempo no se detiene, y seguro que las generaciones venideras buscarán el legado que Steve Marriott nos dejó. Y quizás se pregunten: ¿Quién era Steve Marriott?… … Steve Marriott era un músico con letras mayúsculas y un eterno fugitivo del mainstream. Un icono del rock que ha influido en bandas del nivel de Led Zeppelin, Ozzy Osbourne o Black Sabbath.

Taste – Taste (Polydor 1969)

Taste

En 1969 se publica el primer trabajo de los irlandeses“Taste», una espectacular banda de blues rock liderada por el legendario guitarrista Rory Gallagher. Originario de Ballyshanon en el condado de Donegal, el gran Rory se cría en la ciudad de Cork (Irlanda del Norte).

Taste se forma a mediados de los 60 y adquiere cierta repercusión tocando en locales de rock de Belfast y Hamburgo. En 1967 Rory Gallagher conoce a Eddie Kennedy, que años después sería su manager y le aconseja que se vaya a Londres. Disuelto el grupo original, Eddie le presenta a sus compañeros para un nuevo proyecto. Y así nace la alineación de los “Taste, con Rory Gallagher (guitarra y voz), John Wilson (batería) y Richard McCracken (bajo).

Con una fórmula basada en el power-trio a lo Cream o The Jimi Hendrix Experience, los Taste cogen el testigo y se convierten en sus sucesores. Considerados uno de los grupos básicos de blues-rock británicos, los arropa el talento de Rory que siendo tan sólo un niño, era un fiel admirador de estrellas americanas como el rey Elvis Presley, Woodie Guthrie o el mítico Leadbelly.

Bajo la producción de Tony Colton, en abril de 1969 sale a la luz su primer álbum por el sello Polydor Records. Destacaré el virtuosismo de Gallagher, siempre a lomos de su “Fender Stratocaster Sumburst del 61 y respaldado por el batería John Wilson y el bajista Richard McCracken. En los temas de este disco ejecutan un blues rotundo y sin concesiones, en el que brillan las composiciones de Rory. Toda esta conjunción de factores enmarcan este álbum de debut como un clásico dentro del rock.

Taste Band

El LP consta de nueve temas y nos encontraremos con temas propios de Rory, como el que abre el disco “Blister On The Moon” de claro estilo blues-rock, la oscura “Same Old Story” y Dual Carriageway Pain” con un ritmo demoledor. Seguidamente, arreglos tradicionales de blues, en la actualidad verdaderos estándares como Sugar Mama”, “Catfish” o el “Leaving Blues” de Hudie William Leadbetter, más conocido por “Leadbelly”. En otros cortes como Hail”, nos muestran un blues auténtico al más puro estilo del delta, o el tema que cierra el álbum “I´m Moving On”.

Este disco homónimo situó a “Tastecomo una de las bandas más en forma de la Inglaterra de finales de los 60, gracias al carisma del guitar hero irlandés Rory Gallagher. Tocaron por diversos puntos de la geografía europea y cruzaron el charco actuando como teloneros de los Blind Faith de Eric Clapton durante su gira por los Estados Unidos y Canadá.

Y aunque tuvieron menos expectación de lo esperado, en Europa obtienen un gran éxito. Así concluye la aventura musical de Rory Gallagher y su enérgico grupo, dejándonos su testimonio con esta joya auto titulada Taste”. Una obra imperecedera que años después tendría continuidad con otro soberbio álbum y una gran actuación en directo en elThe Isle Of Wight Festivalde 1970.

Grabaron este ¡Live! de los Taste en la Isla de Wight, siendo editado en 1972 en formato LP. Toda la comunidad musical gozó de este evento, recogido también en la película documental de 1997 Message To Love”. Rescataron esta cinta del olvido después de permanecer 27 largos años oculta en la sombra, debido a diversos problemas discográficos. Pero por suerte para los amantes del género, pudimos disfrutar de los Taste con mucho gusto…

Bo Diddley – The Black Gladiator (Checker Records 1970)

Bo Diddley (The Black Gladiator Album)

Referencia inexcusable del rock and roll y figura clave en el desarrollo del género, el estadounidense Ellas Otha Bates, más conocido por el sobrenombre de “Bo Diddley”, construyó su propia leyenda en torno a una innovación sónica y rítmica que rompe los límites de lo establecido. Creador de clásicos del rock como “I Am A man”, “Who Do You Love”, “Road Runner” o Not Fade Away”, el gran Bob Diddley es al rock and roll lo que Albert Einstein a la física.

Bo Diddley nace en diciembre de 1928 en McComb (Mississippi). Desde su infancia comienza a interesarse por el violín y la guitarra. A los 7 años de edad su familia se traslada a Chicago. En 1951 inicia su carrera por las calles de la ciudad del viento, tocando en diversos locales de su zona y colaborando con artistas históricos del rock y el blues como Chuck Berry o Muddy Waters.

En 1954 le llega su primera oportunidad fichando por el sello “Checker Records”, una subsidiaria de la Chess Records. Durante los años 50 graba espléndidos temas, siempre rodeado por músicos de altísimo nivel, como el pianista Otis Spann o el cantante Billy Boy Arnold. En 1958, sale a la luz su primer LP titulado “Bo Diddley”, toda una obra de culto que le lanzaría hacia el estrellato internacional.

Bob Diddley ha sido un músico con arraigadas raíces en el blues, góspel y rhythm & blues. Estilos que combinó de manera magistral para dar lugar a lo que más tarde se llamaría “rock and roll”.

Centrándonos en el álbum, impregnado de un maravilloso estilo funky, “The Black Gladiator” fue publicado por el sello Checker Records en 1970 e incluye 10 pistas. En 2012, sale a la luz una nueva redición en formato CD realizada por la casa discográfica Future Days.

Bo Diddley

Abre el disco con un poderoso Elephant Man”, poseedor de un ritmo frenético marcado por la gran voz de Diddley. “You, Bo Diddley”, tiene un pegadizo estribillo y ya no te dejará escapar…

El funk hace acto de presencia en Funky Fly”. Con “I’ve Got a Feeling” y “Black Soul”, Diddley nos demuestra el porqué de su grandeza. Llega nuestro querido blues con Hot Buttered Blues” interpretado al más puro estilo Bo. “Power House” es un tema contundente made in Diddley. Finaliza con una canción divertida: “I Don`t Like You”, curiosa su introducción, con ciertos aires de ópera rock.

Así concluye “The Black Gladiator“, excelente obra de uno de los arquitectos del rock and roll. Generaciones venideras recordarán a Bob Diddley por su influyente música, por sus dotes de showman sobre el escenario y como no, por su característica guitarra rectangular fabricada por él mismo, de la que lograba sacar un sonido psicodélico único e irrepetible.

Bo Diddley falleció en 2008 debido a un paro cardíaco en su casa de Archer (Florida), a los 79 años de edad. Con su muerte, el rock and roll queda huérfano y la comunidad musical llora a una de sus estrellas más célebres. En ocasiones fue injustamente subestimado, pero gracias a un virtuosismo fuera de lo común se situó como todo un pionero del rock. Diddley ha sido la fuente de inspiración para artistas como Buddy Holly, The Rolling Stones, Eric Clapton, The Beatles, Jimi Hendrix, o el mismísimo Elvis Presley.

Bo

En 1993 y durante el Concierto de los Mil Años celebrado en A Coruña, tuvimos la fortuna de presenciar un show de Bo Diddley junto a otros mitos como Chuck Berry o Jerry Lee Lewis. La experiencia resultó inolvidable. Considerado como uno de los espectáculos musicales más destacados que han tenido lugar en Europa, le recordamos por su exquisita música y su guitarra cuadrada, su peculiar sombrero y características gafas.

El rock le debe mucho a Bo Diddley. Sus temas han sido versionados hasta la saciedad por multitud de grupos. Sus ritmos fueron copiados con descaro por otras bandas muy populares en los años ochenta, a las que algunos analistas llegaron a calificar erróneamente como “legendarias”.

Bo Diddley nunca cobró los royalties que por ley, le pertenecían por la autoría de sus canciones.

Colosseum – Live (Polydor 1971)

Colosseum

Banda musical de corta, pero intensa carrera, estos colosos se unieron para realizar un proyecto que alcanza el estatus de legendario. Colosseum son los responsables y el ejemplo más claro de lo que en un principio se llamó primer vanguardismo británico.

Liderados por el carismático batería Jon Hiseman, sus orígenes se remontan a 1968. Tras varias escisiones y salidas de las bandas del padrino del blues blanco, John Mayall, y de la Graham Bond Organization, los Colosseum comienzan su andadura en Londres. Son fundados por Jon Hiseman y Dick Heckstall-Smith, dos grandes talentos del blues británico.

Tras cuatro álbumes arrolladores que comprenden de 1968 a 1971, se sitúan como uno de los grupos más representativos del rock vanguardista. Dos de estos LP son en estudio y uno en directo, y solo el directo fue editado en U.S.A. Después de colaborar en el mítico concierto “Supershow”, al lado de Jack Bruce, Eric Clapton, Stephen Stills o Buddy Miles, llega su segundo y último disco grabado en directo: Colosseum Live”. Con este show, ponen punto final a la primera etapa del supergrupo.

Sufren múltiples cambios en sus filas durante estos tres años, pero no pierden en ningún momento la esencia de su música y su personalísimo trabajo. En 1971, presentan su alineación con Jon Hiseman (batería), Dick Heckstall – Smith (saxofón), Dave Greenslade (órgano y vibráfono), Dave “Clem” Clempson (guitarra), Chris Farlowe (voz) y Mark Clarke (bajo).

El doble álbum se graba en directo en marzo de 1971 en dos localizaciones distintas: una en la Manchester University y la otra en el Big Apple en Brighton. Producido por Jon Hiseman, se publica en ese mismo año por el sello Polydor Records. El LP contiene solo seis pistas, varias de ellas de extensa factura y que sorprenden con su sonido demoledor, pasando por el más puro ryhtm blues británico, el jazz-rock, el blues, e incluso el rock progresivo.

Colosseum Band

Todo esto, aderezado por unos grandes instrumentalistas, queda patente su calidad en temas como el tantas veces versionado “Walking In The Park o el “Skelington”, destacando al vocalista Chris FarloweEn “Tanglewood 63 sobresale la aportación de Dick Heckstall-Smith, un saxofonista que tenía la particularidad de tocar tanto individual o con los dos saxos a la vez, uno tenor y otro soprano, logrando un sonido único que hacía las delicias del público.

Continúan con Encore…Stormy Monday Blues”, gran hit del blues  e interpretado de manera magistral, que se convierte en todo un clásico del rock junto a Lost Angeles”, una larga canción que cierra el disco. Reseñaremos sus dos partes diferenciadas, finalizando con un magnífico riff del semidesconocido, pero exquisito guitarrista de la Inglaterra de los 70, Clem Clepson. En la edición de 1998, publicada por el sello Castle Communications se incorpora un tema extra llamado I Can´t Live Without You.

Estos colosos de la música británica tuvieron numerosos problemas y diferencias entre ellos, lo que provocó su repentina desaparición. Unos conflictos que surgieron incluso, durante este concierto en directo, siendo relatados por el propio Jon Hiseman en 1998 apostillando que “para hacer el álbum fue toda una aventura” y “que aunque hubiese momentos de tensión fue una fantástica actuación con momentos maravillosos”.

A mi juicio, Colosseum es una banda transcendental para poder entender el rock progresivo. Disfrutaron de una segunda etapa en 1975, llamándose “Colosseum II, en la que un gran guitarrista recientemente fallecido formó parte de su plantilla. Su nombre era Gary Moore.

Buddy Guy & Junior Wells – Drinkin’ TNT ´N´ Smokin´ Dynamite (Blind Pig 1988)

BGJWEl legendario “Montreux Jazz Festival de Suiza, se crea en 1967 como un evento en el que solo tiene cabida la música jazz. Pero a partir de 1970, la organización decide incorporar el blues en su programa de conciertos. Y lo curioso, es que todo comienza en ese santuario del jazz,  cuando un bendito 28 de junio de 1974, los asistentes allí presentes ni se imaginan el gran concierto que iban a presenciar. Buddy Guy y Junior Wells ofrecen uno de los más memorables conciertos de blues en directo. Aquel día, la música del alma resonó en todos y cada uno de los rincones de aquel teatro.

La bellísima ciudad de Montreux está situada a orillas del lago Leman, en el corazón de la vieja Europa. Y aunque nada tiene que ver con Chicago, en aquel verano de 1974, el blues más puro y auténtico procedente de la gran urbe americana hace acto de presencia, para la suerte de un público afortunado que tuvo el honor de ver en vivo a varios de los más brillantes bluesman de la vieja y nueva escuela.

Las circunstancias que rodearon al concierto fueron un tanto peculiares, el organizador del evento Claude Nobs invitó a Bill Wyman y le pidió que formara una banda junto a Buddy Guy y Junior Wells. El entonces stone crea una poderosa agrupación musical únicamente para la ocasión, compuesta por él mismo al bajo, un tándem de lujo con Buddy Guy / Junior Wells, acompañados por Pinetop Perkins (uno de los mejores pianistas de blues) y apoyados por la frescura de Terry y Dallas Taylor a la guitarra rítmica y batería.

Apenas sin tiempo para ensayos, comienzan realizando una actuación trepidante, desgranando un blues caliente y salvaje, coprotagonizado por el dúo interpretativo de Buddy Guy  / Junior Wells, intercalándose los temas, y ejecutando un trabajo espectacular a la armónica, guitarra y voces, perfectamente respaldados  por una contundente sección rítmica.

Centrándonos en el álbum, que contiene diez pistas, fue producido por Bill Wyman y no fue mezclado hasta el año 1980 en Londres, saliendo publicado en 1988 por el sello Blind Pig Records, bajo los derechos de Ripple RecordsTras una pequeña introducción en francés, inician con el clásico Ah´W Baby/ everything Gonna Be Alright”, para continuar con una composición propia How Can One Woman Be So Mean”, blues en estado puro y algo más calmado con la inconfundible guitarra de Buddy Guy.

DVDSeguidamente, llega un tema básico Checking On My Baby”, perteneciente a Sonny Boy Williamson y muy bien versionado, para pasar a los clásicos  Ten Years Ago, el Messing With The Kid y la emblemática pieza de Junior Wells Hodoo  Man Blues, una de las canciones más recordadas del disco.

Al final de la actuación y para mayor sorpresa de los allí presentes, la banda continúa tocando junto a la gran estrella invitada del festival, el mítico Muddy Waters. Ofrecen un concierto histórico con temas como Hoochie Coochie Man”, “Mannish Boy”, “The Same Thingo Got My Mojo Workin´”, quedando reflejadas en la película Messin´ With the Blues”, Muddy Waters With Buddy Guy & Junior Wells, publicada en 2006 en formato DVD.

Con un sonido excelente, los artífices de este magnífico show nos dejan una grabación sólo a la altura de los más grandes, comandados por el genial bajista de los Rolling Stones, Bill Wyman, al lado de los bluesman Buddy Guy y Junior Wells. Todos ellos, lograron sacar de la música blues pura dinamita.

Grateful Dead – Skull And Roses (Warner 1971)

Skull And RosesMáximos exponentes de la contracultura y el movimiento hippie en los 60, los estadounidenses Grateful Dead se consolidaron como una de las bandas más innovadoras del rock. Muy influenciados por la psicodelia, fusionan con éxito un elevado número de estilos como el folk, rock, blues, jazz o country.

Grateful Dead ha sido un grupo único, reyes de la improvisación que  realizaron jams magistrales. Expatriados del mainstream, se hacen con un lugar importante en  la escena musical de los 60 y 70. Originarios de San Francisco (California) y liderados por el guitarrista Jerry García, logran abrirse camino en una época dominada por formaciones británicas como los Rolling Stones o The Beatles. El carismático Jerry García jamás quiso asumir el rol de liderazgo de Grateful Dead. En ocasiones cedía todo el protagonismo a su banda. Pero su fuerte personalidad hizo que el público le viera como una figura emblemática del rock.

Gratefud Dead BandEl verdadero poder  de Grateful Dead residía en sus conciertos en directo, en los que obsequiaban a los fans (conocidos como “Dead Heads”) con larguísimas jams y una música delirante impregnada de blues, rock, bluegrass, folk o psicodelia. En 1971 sale a la luz  Skull And Roses”, un doble álbum en vivo publicado por el sello Warner Bros Records y que incluye once pistas.

Como ya es costumbre, haremos mención a los músicos que hicieron posible este disco: Jerry Garcia (guitarra, voz),  Bob Weir (guitarra rítmica y voz), Phil Lesh  (bajo y voz), Ron «Pigpen» McKernan (órgano, armónica y voz), Bill Kreutzmann (batería) y el gran pianista estadounidense Merl Saunders, que ya había trabajado con artistas de la talla de Paul Pena, Michael Bloomfield, B.B. King o John Fogerty.

Abre el disco en con Bertha”, un tema pegadizo de bellas melodías. El country protagoniza “Mama Tried”, espléndida versión de un éxito de Merle Haggard. Llega el blues con “Big Railroad Blues”, canción que no supone impedimento alguno para un  Jerry García al que faltan dos tercios de su dedo corazón en la mano derecha. Continúan con Playing in the Band”, uno de los puntos álgidos del álbum y un clásico en el repertorio de los Dead. Este tema apareció por primera vez en  Skull & Rosesy con el paso del tiempo lo usaron habitualmente en sus shows.

The Other Onecapta a la perfección la esencia de los Dead, con dieciocho minutos de duración y un gran solo de batería en su inicio, nos encontramos ante una jam que lleva el inconfundible sello gratefuliano. Y ocupa toda una cara del vinilo.

GratefulSencillamente espectacular se presenta “Me & My Uncle”, propiedad de John Philips (ex miembro de The Mamas & The Papas), al igual que «Me and Bobby McGee« de Kris Kristofferson. Y no podía faltar el homenaje al rock and roll de los 50 con una  versión del  Johnny B. Goodede Chuck Berry. Una sensación melancólica nos invade con la balada “Wharf Rat” para cerrar el disco con “Fade Away/Goin’Down The Road/Feeling Bad”, con unos buenos riffs de Jerry García.

En la portada del disco se observa una calavera coronada con rosas y  fue un trabajo de Alton Kelly y Stanley Mouse, dos importantes artistas de la psicodelia. Los álbumes de Grateful Dead también se han caracterizado por sus impactantes carátulas, consideradas objetos de culto para los coleccionistas de rock.

Jerry GarciaEl guitarrista Jerry García (descendiente de gallegos, su abuelo era coruñés) padecía una fuerte adicción a las drogas y al LSD. En 1995 fallece de un ataque al corazón a los 53 años y los Grateful Dead anuncian su disolución. Como dato anecdótico, el lugar de su muerte se produce en  un centro de rehabilitación de Forest Knolls, California en el condado de Marin. Fruto de la casualidad o designios del destino, pero el nombre de esta localidad coincide con el municipio gallego de Marín en Pontevedra.

Y así concluye esta aventura sonora de los muertos agradecidos… su música, permanece viva al paso del tiempo. Según cuenta la leyenda, el nombre de la banda procede de tradiciones folclóricas arraigadas en varios países de  Europa… ¿Quizás le contó su abuelo gallego historias da nosa terra de meigas?…

Herbie Mann – Memphis Underground (Atlantic 1969)

Herbie Mann (Memphis Underground)

Dentro del gran universo del rock y del elevado número de estilos que fueron evolucionando a finales de los 60, músicos ya consagrados de otros géneros como el jazz, fusionan con acierto R&B, soul, funk y jazz.

Este es el caso del prolífico flautista Herbert Jay Solomon, más conocido por el seudónimo de “Herbie Mann”. Nacido en 1930 en el barrio neoyorquino de Brooklyn, a los nueve años de edad comienza a tocar el piano, el saxo y el clarinete. Poco tiempo después se interesa por la flauta, un instrumento considerado por los puristas del jazz como “no apto”, por “estar conceptuada como demasiado suave, dulce, delicada, femenina, en definitiva para hermanarse con el sonido áspero y fuerte del metal, de los saxos o de la batería”

Durante los años 50 y principios de 60, y gracias a su virtuosismo y a su carácter humanista, Herbie se hace con un lugar relevante en la escena jazz. Forma agrupaciones musicales, graba para la televisión, intercambia diversidad de sonidos en África y publica varios álbumes. Pero no sería hasta 1961, cuando conquista el éxito versionando el tema “Comin´ Home Baby” (grabado por primera vez en 1961, propiedad del pianista Donald Bailey), valorado por los analistas como un estándar del jazz.

En 1969 proyecta su flauta al rock y publica el clásico “Memphis Underground”, disco de culto con el que establece un sonido vanguardista, puro y demoledor.

Herbie Mann

Centrándonos en el álbum, fue producido por Tom Dowd y se graba en los estudios de la Atlantic Records. Para su realización, cuenta con la ayuda de músicos jóvenes, pero todos ellos talentos emergentes en aquella fecha: el gran vibrafonista Roy Ayers, los históricos guitarristas Larry Coryell y Sonny Sharrock, apoyados por una sección rítmica envidiable: Reggie Young (guitarra rítmica), Bobby Emmons (órgano), Bobby Wood (piano eléctrico y acústico), alternándose al bajo Tommy Cogbill o Mike Leech y Gene Christman (batería).

El álbum es en su totalidad instrumental y consta de cinco pistas, todas ellas de excelente factura. Abren con Memphis Underground”, tema compuesto por Herbie que da nombre al LP y de ritmo soul pegadizo y envolvente, advirtiendo el magnífico trabajo de Mann, Coryell y Ayers.

Continúan con New Orleans”, más bien corto pero intenso y genial en cuanto al sonido que imprime la flauta de Herbie. Siguen con uno de las piezas legendarias del disco, una versión del famoso tema de L. Hayes / D. Porter, “Hold on I´m Comin”, popularizado años antes por el dúo de soul Sam & Dave, y con el que exponen ritmos fantásticos mezclando jazz-soul. Herbie muestra una y otra vez su extraordinaria calidad a la flauta, acompañado por la guitarra de Larry Corryell.

Herbie I

La otra espléndida versión que incluyen es el “Chains Of Fools” de D. Covay (popularizada por Aretha Franklin), y que en este disco traspasa todas las barreras sónicas. En él, sentiremos toda la fuerza de la banda y su exploración global del Jazz-Rock.

Y que mejor manera de finalizar, que con una adaptación de la canción tradicional arreglada por HerbieBattle Hymn Of the Republic”, uno de los himnos americanos por excelencia e impregnada por su soberbia flauta.

“Memphis Underground” situó a Herbie Mann entre los grandes innovadores sónicos de la música de vanguardia del momento, junto a otros genios como Miles Davis o Herbie Hancok. Recorrieron exhaustivamente nuevos territorios sonoros, nos dejaron álbumes maravillosos en años venideros al lado de leyendas como Duane Allman, Mike Taylor o Albert Lee… pero eso, ya es otra historia.

Free – Fire And Water (Island Records 1970)

Free (Fire And Water)Apenas rondan los 20 años de edad, pero su juventud no fue impedimento para reflejar el tremendo potencial que atesoran.

Originarios de Londres, los Free se sitúan como una de las bandas más representativas de la llamada “invasión británica” y en la actualidad están considerados uno de los precursores del hard rock. Los inicios datan de 1968, cuando Paul Kossoff (guitarra) y Simmon Kirke (batería) conocen al vocalista Paul Rodgers en un local de su zona. Tiempo después fichan a un jovencísimo bajista de 15 años de edad llamado Andy Fraser, que había colaborado con John Mayall, y que completa su alineaciónEn 1970 alcanzan la cima del éxito con  Fire And Water”, un disco perfecto de principio a fin, impregnado de blues rockhard rock. 

Clásico entre clásicos del rock, el LP contiene All Right Now, uno de sus temas célebres y que ya forma parte del patrimonio cultural de la humanidad. Gracias a este hit obtienen una gran popularidad y son contratados para tocar en el  Festival de la Isla de Wight en 1970. Realizan una espectacular actuación en directo, quedando marcada a fuego en la retina de aquellos 600.000 asistentes.

Free 1968Centrándonos en el álbum, tercero en su discografía, se publicó en 1970 por el sello Island Records e incluye siete temas.  Haremos mención  a los integrantes de Free que hicieron posible esta obra: el vocalista Paul Rodgers, el guitarrista Paul Kossoff, el  bajista Andy Fraser y el batería Simon Kirke.

Abre el disco Fire And Water”, tema homónimo al álbum con el que sentiremos un blues rock elegante y de bella factura. Hacia este mismo género nos llevan con otras pistas de gran calidad como “Remenber”,Oh I wept”, destacando la voz de Paul Rodgers. También habrá espacio para la emotividad, a cargo de las baladas: Don’t say you love me y Heavy Load”. Uno de los puntos álgidos llega con ”Mr. Big”  que lleva el sello hardrockero de Fraser y Kossoff. Cierra el disco con el inmortal All Right Now”, y al que ya hemos hecho referencia.

Así concluye Fire And Water”, cortesía de los Free, una agrupación que contribuyó a que el rock fuera cada día un poco más grande.  En 1973 anuncian su separación, surgen tensiones dentro de la banda y Paul Rodgers y Simon Kirke deciden abandonar el proyecto para fundar Bad Company.

Paul KossofDurante un vuelo de Los Ángeles a Nueva York en 1976, el guitarrista Paul Kossoff fallece a los 25 años debido a problemas cardíacos contraídos por su fuerte adicción a las drogas. Poseedor de un talento innato a las seis cuerdas, Kossoff es recordado como uno de los mejores guitarristas del rock. Sus restos mortales fueron trasladados a Londres y en el epitafio de su tumba figura una inscripción en la que se puede leer: All Right Now”. Un gran himno y excepcional riff que lo acompañará eternamente, al igual que los irrepetibles Free.