The Charlie Daniels Band – Fire on the Mountain (Kama Sutra Records 1974)

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Apóstol del rock sureño, el estadounidense Charlie Daniels predicó su particular doctrina musical por medio mundo. Trovador errante de arraigado sentimiento sureño, influyó en varios artistas clave del rock y el blues como Chuck Berry, Elmore James o el mismísimo Elvis Presley.

Originario de Wilmington (Carolina del Norte), el gran Charlie Daniels nace en el seno de una familia de leñadores el 28 de octubre de 1936. Desde su infancia, comienza a interesarse por la guitarra y el violín, actuando como cantante en la iglesia de su ciudad natal e impregnándose de estilos como el góspel, bluegrass, rhythm & blues o country.

Posteriormente, funda una banda a la que bautizó como The Jaguars”. Sin dirección alguna y tomando como único refugio la soledad de la carretera, tocan en diversos bares, clubs nocturnos y poblaciones perdidas por la inmensidad de Texas, de los años 1958 a 1967.

En 1967, disuelve “The Jaguars” y se traslada a Nashville, dónde rápidamente destaca como un excelente músico y compositor, que domina perfectamente instrumentos como la guitarra, bajo, violín o el banjo. Durante esta etapa, conoce al productor Bob Johnston, que le contrata para colaborar en diversos álbumes junto a Bob Dylan (“Nashville Skyline” de 1969, “Self Portrait” y “New Morning” de 1970). Al margen de esto, Charlie Daniels también participa en otros discos con figuras emblemáticas como Peter Seeger, Leonard Cohen o el ex beatle Ringo Starr.

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Pero no sería hasta 1970, cuando decide iniciar su carrera en solitario y crea la legendaria “The Charlie Daniels Band”, constituyéndola al estilo de “The Allman Brothers” y arropados por dos guitarras y dos baterías.

Por supuesto, haremos referencia a los integrantes de la Charlie Daniels Band, que hicieron posible este LP: Charlie Daniels y Barry Barnes (guitarras y voz), Joel “Taz” DiGregorio (teclados y voz), Mark Fitzgerald (bajo), Gary Allen y Fred Edwars (baterías). De sencillamente espectacular, podemos calificar al personal adicional, capitaneado por el miembro de los Allman Brothers Band, Richard “Dickey” Betts al dobro y Jaimie Nichols a las congas.

Centrándonos en el álbum, “Fire On The Mountain”, quinto de estudio en su discografía, se publicó en 1974 por el sello “Kama Sutra Records” e incluye 9 pistas. Curiosamente, las dos últimas canciones son actuaciones en directo grabadas en el “War Memorial Auditorium” de Nashville (Tennessee). Para la realización del disco, contaron con la producción de Paul Hornsby, un famoso músico que trabajó para destacadas bandas del rock sureño como “The Marshall Tucker Band” o “Wet Willie”.

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A nuestro juicio, el mejor homenaje que le podemos rendir a Charlie, es pinchar sus discos en nuestros reproductores, darle al play y dejarnos llevar.

Dentro del LP, nos encontraremos con temas de espléndido country rock, pasando por un exquisito rock sureño, reflejado en hits como “The South’s Gonna Do It Again”, que sin dudarlo ni un momento, se sitúa como la canción estrella del álbum.

Otros al más puro estilo Charlie Daniels son: “Caballo Diablo”, los fantásticos teclados del anteriormente mencionado “The South’s Gonna Do It Again”, el divertido country de “Long Haired Country Boy” o la bella balada “Georgia”. Contundente y agresivo, se presenta un magnífico “New York City, King Size Rosewood Red”, dónde nos muestran todo el poderío de una banda musical con letras mayúsculas.

A más de uno, le hará saltar del sillón con los geniales punteos guitarreros de “No Place To Go”, de once minutos de duración. Y para finalizar, los frenéticos violines de “Orange Blossom Special”, con el que emprenderemos una travesía que nos llevará hacia el viejo oeste…

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Y así concluye “Fuego en la Montaña”, una magistral obra, cortesía de un inolvidable cowboy, que gracias a una particular visión musical, se consolidó como el líder más carismático del denominado “southern rock”. Rey de la improvisación y sensacional compositor, varias de sus canciones han sido versionadas por mitos de la talla de Elvis Presley.

Eterno forajido del mainstream y poseedor de un fuerte espíritu que le hace luchar contra la comercialidad, Charlie Daniels también es el responsable de organizar el programa de conciertos “Volunteer Jams”, por dónde pasan anualmente varios de los grupos más representativos de la hermandad sureña, como los Allman Brothers, Lynyrd Skynyrd, The Marshall Tucker Band, The Outlaws y un larguísimo etcétera…

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Humble Pie – Humble Pie (A&M Records 1970)

Humble PieEl británico Steve Marriott ha sido un vocalista y guitarrista muy peculiar en la historia del rock. Un tipo sencillo y magnífico cantante, que se ganó a pulso el reconocimiento de la comunidad musical, gracias a su virtuosismo a las seis cuerdas y a unas extraordinarias dotes de liderazgo.

A nuestro juicio, la fuerte personalidad de Steve Marriott elevó a los Humble Pie a los altares del rock. Su pasión desmedida por el hard rock, dotó al grupo de un sonido único e inconfundible.

En 1969 y tras abandonar las filas de los legendarios Small Faces, el gran Steve decide aliarse con Peter Frampton (guitarra), Greg Ridley (bajo) y el batería Jerry Shirley, para formar una nueva banda a la que bautizaron como “Humble Pie”. Tomando como base de su sonido estilos como el hard rock, blues rock, folk rock o el country rock, los Humble Pie comienzan a despuntar en la escena musical del momento, obteniendo una gran popularidad y diferenciándose claramente del ambiente psicodélico que predominaba en aquellos años.

Centrándonos en el álbum, tercero de su discografía, se publicó en 1970 por el sello A&M Records e incluye 10 pistas. Fue grabado en los “Olympic Sound Studios” de Londres y producido por el británico Glyn Johns, un famoso ingeniero de sonido que arropó a bandas como Led ZeppelinThe Band, Small Faces,  Eagles o la Steve Miller Band.

Humble Pie BandComo ya es costumbre, haremos una mención a los integrantes de Humble Pie y que hicieron posible esta obra: Steve Marriott (guitarra, voz), Peter Frampton (guitarra, voz), Greg Ridley (bajo, voz) y Jerry Shirley (batería, voz). Para la realización del LP, también contaron con la colaboración de B.J. Cole, todo  un especialista en guitarra steel que trabajó con músicos de la talla de Roger Waters, David Gilmour o Elton John. Y  nos encontraremos con una grata sorpresa, John Wilson, el batería de los “Taste” (la agrupación de Rory Gallagher) participa  en algunas canciones del disco.

Abre el álbum con una bella balada semi blues Live With Me”, seguidamente no olvidan unas ciertas raíces folk con “Only A Roach” y el acústico Theme from Skint (See You Later Liquidator). El rock más contundente y rítmico, se presentará con “One Eyed Trouser-Snake Rhumba”, yRed Light Mama, Red Hot!”, que acompañados por la espléndida guitarra de Frampton, se sitúan como los mejores temas del LP.

Llegará uno de los puntos álgidos, con una excelente versión del “I’m Ready” de Willie Dixon, en el que sentiremos la poderosa voz de Marriott en todo su esplendor. Y cerrando el disco, una suave balada “Sucking on the Sweet Vine”, para calmar el ánimo…

Steve MarriottAsí concluye esta aventura musical, cortesía de los incombustibles y semidesconocidos “Humble Pie”, uno de los primeros súper grupos que ha dado el universo rock. Desgraciadamente, el infortunio volvió a caer sobre sus componentes. En 1991, el guitarrista Steve Marriott  fallece a los 44 años de edad, a causa de un incendio en su domicilio de Essex (Londres). En 2003, el bajista Greg Ridley nos deja para siempre en Alicante (España), víctima de una neumonía.

Debido a la falta de apoyos comerciales y  a diferentes puntos de vista musicales entre Steve Marriott y Peter Frampton, los Humble Pie anunciaban su primera separación en 1975. Continuamente, Marriott acusaba a Peter Frampton de intentar “endulzar” el sonido del grupo. Tiempo después, cada uno seguiría su propio camino y Peter Frampton alcanzaría un gran éxito comercial en años venideros…

Pero la fe ciega que Marriott depositaba en su música y en su querido hard rock, le llevó a esquivar las corrientes comerciales del momento y volver a reunir a los Humble Pie en 1980, ya sin Frampton en la formación. Tras dos álbumes y unas ventas modestas, se disuelven definitivamente en 1981, poniendo fin así a una de las bandas más injustamente subestimadas del rock.

Pasará el tiempo, y generaciones venideras interesadas en el arte del rock, buscarán incansablemente el genial legado que Steve Marriott nos ha dejado. Y quizás se pregunten: ¿Quién era Steve Marriott?… Seguramente, le recordarán como un músico con letras mayúsculas y un eterno fugitivo del mainstream, o también como un icono imperecedero del rock, que ha influido enormemente en bandas del nivel de Led Zeppelin, Ozzy Osbourne o Black Sabbath.

Taste – Taste (Polydor 1969)

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En 1969, se publica el primer trabajo de la banda irlandesa “Taste”, una espectacular agrupación de rock blues capitaneada por Rory Gallagher, uno de los mejores guitarristas de la historia del rock. Originario de Ballyshanon en el condado de Donegal, el gran Rory se cría en la ciudad de Cork (Irlanda del Norte).

“Taste” se forma a mediados de los sesenta y consigue adquirir cierta repercusión, tocando en numerosos locales de Belfast e incluso en la ciudad alemana de Hamburgo. Pero no sería hasta 1967, cuando Rory Gallagher conoce a Eddie Kennedy, que posteriormente sería su manager y le aconseja que se vaya a Londres.

Disuelto el grupo original, Eddie le presenta a los que serían sus compañeros de viaje en su nuevo proyecto. Y así nace la legendaria alineación de los “Taste”, con Rory Gallagher (guitarra y voz), John Wilson (batería) y Richard McCracken (bajo).

Con una fórmula basada en el power-trio a lo Cream o The Jimmi Hendrix Experience, los Taste cogen el testigo y rápidamente logran convertirse en el inmediato sucesor de este género. Considerados uno de los grupos básicos de blues-rock británicos, los arropaba el innegable talento de Rory, que siendo tan sólo un niño, era un fiel admirador de estrellas americanas como el rey Elvis Presley, Woodie Guthrie o el mítico Leadbelly.

Bajo la producción de Tony Colton, en abril de 1969 sale a la luz su primer álbum por el sello Polydor Records. Destacaremos el extraordinario virtuosismo de Gallagher, siempre a lomos de su inseparable guitarra “Fender Stratocaster Sumburst” del 61 y respaldado por John Wilson y Richard McCracken. En los temas de este disco, ejecutan un blues rotundo y sin concesiones, en el que brillan las propias composiciones de Rory. Toda esta conjunción de factores, enmarcan este álbum de debut como un clásico dentro del universo rock.

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El LP consta de nueve temas y nos encontraremos con temas propios de Rory, como el que abre el disco “Blister On The Moon”, de claro estilo blues-rock, la oscura “Same Old Story” o la movida y poseedora de un ritmo demoledor “Dual Carriageway Pain”. Seguidamente, arreglos tradicionales de blues, en la actualidad verdaderos estándares como “Sugar Mama”, “Catfish” o el “Leaving Blues” perteneciente a Hudie William Leadbetter, más conocido por “Leadbelly”.

En otros cortes como “Hail”, nos muestran un blues auténtico, al más puro estilo del delta, o el tema que cierra el álbum “I´m Moving On”.

Este disco homónimo, situó a “Taste” como una de las bandas más en forma de la Inglaterra de finales de los sesenta, gracias al carisma y el buen hacer del héroe irlandés Rory Gallagher. Tocaron por diversos puntos de la geografía europea y tuvieron la enorme fortuna de saltar el charco, actuando como teloneros de los Blind Faith de Eric Clapton, durante su gira por los Estados Unidos y Canadá. Y aunque todo hay que decirlo, tuvieron menos expectación de lo esperado, pero en Europa obtuvieron un gran éxito.

Así concluye la aventura musical de Rory Gallagher y su enérgico grupo, dejándonos su testimonio con esta joya auto titulada “Taste”. Una obra imperecedera, que años después solamente tendría continuidad con otro soberbio álbum y una apoteósica actuación en directo en el “The Isle Of Wight Festival” de 1970.

Grabaron magníficamente este ¡Live! de los Taste en la Isla de Wight, editándolo en 1972 en formato LP. Y toda la comunidad musical gozaría inmensamente de este evento, recogido también en la película documental de 1997 “Message To Love”. Rescataron esta cinta del olvido, después de permanecer 27 largos años oculta en la sombra, debido a diversos problemas discográficos. Pero por fortuna para los amantes del género, pudimos disfrutar de los Taste con mucho gusto…

Bo Diddley – The Black Gladiator (Checker Records 1970)

Bo Diddley (The Black Gladiator Album)Referencia inexcusable en la historia del rock and roll y figura clave en el desarrollo del género, el estadounidense Ellas Otha Bates, más conocido por el sobrenombre de “Bo Diddley”, supo construir su propia leyenda en torno a una innovación sónica y rítmica que rompía los límites de lo establecido. Creador de magníficas composiciones, ya clásicas del rock como “I Am A man”, “Who Do You Love”, “Road Runner” o Not Fade Away”, el gran Bob Diddley es al rock and roll lo que Albert Einstein a la física.

Bo Diddley nace en diciembre de 1928 en  McComb (Mississippi), desde su infancia comienza a interesarse por el violín y la guitarra. Cuando tenía 7 años su familia se traslada a Chicago. En 1951 se inicia su carrera musical por las calles de la ciudad del viento,  tocando en diversos locales de su zona y colaborando con artistas históricos del rock y el blues como Chuck Berry o Muddy Waters.

Pero no sería hasta 1954 cuando le llega su primera gran oportunidad fichando por el sello “Checker Records”, una subsidiaria de la Chess Records. Durante la década de los cincuenta graba espléndidos temas, siempre rodeado por músicos de altísimo nivel, como el pianista Otis  Spann o el cantante Billy Boy Arnold. En 1958, sale a la luz su primer LP titulado “Bo Diddley”, toda una obra de culto que le lanzaría hacia el estrellato internacional.

Bob Diddley ha sido un músico con arraigadas raíces en el blues, góspel y  rhythm & blues, estilos que combinó magistralmente para dar lugar a lo que más tarde se llamaría “rock and roll”.

Centrándonos en el álbum, impregnado de un maravilloso estilo funky,  “The Black Gladiator”  fue publicado por el sello Checker Records en 1970 e incluye 10 pistas. En 2012, sale a la luz una nueva redición en formato CD realizada por la casa discográfica Future Days.

Bo DiddleyAbre el disco con un poderoso “Elephant Man”, poseedor de un ritmo frenético y arropado por la gran voz de Diddley. Seguidamente, “You, Bo Diddley”, fantástico y pegadizo estribillo con el que ya no te dejará escapar…

El genial funk, hace acto de presencia en “Funky Fly”, con “I’ve Got a Feeling” y “Black Soul”, Diddley nos demuestra una vez más, el porqué de su grandeza. Llegará nuestro querido blues con “Hot Buttered Blues”  interpretado al más puro estilo Bo. Auténticamente soberbio el contundente “Power House”. Y que mejor manera de finalizar, que con un divertidísimo “I Don`t Like You”, curiosa su introducción, con ciertos aires de ópera rock, que cierra  el disco.

Así concluye “The Black Gladiator“,  excelente obra de  este incansable arquitecto del rock and roll.  Pasarán los años y generaciones venideras recordarán a Bob Diddley por su increíble e influyente música,  por sus dotes de showman sobre el escenario y como no, por su característica guitarra rectangular fabricada por él mismo, de la que lograba sacar un sonido psicodélico único e irrepetible.

Desafortunadamente, Bo Diddley falleció en 2008 debido a un paro cardíaco en su casa de Archer (Florida), a los 79 años de edad. Con su muerte, el rock and roll queda huérfano y la comunidad musical llora a una de sus estrellas más célebres. En ocasiones fue injustamente subestimado, pero gracias a un virtuosismo fuera de lo común, se situó  como todo un pionero del rock, que ha sido la fuente de inspiración más grande para mitos de la talla de Buddy Holly, The Rolling Stones, Eric Clapton, The Beatles, Jimi Hendrix, o el mismísimo Elvis Presley.

BoComo dato anecdótico, tuvimos la inmensa fortuna de presenciar un show de Bo Diddley en directo junto a otros mitos como Chuck Berry o Jerry Lee Lewis. Corría el año 1993 y durante el “Concierto de los Mil Años” celebrado en A Coruña (Galicia – España), la experiencia que vivimos resultó inolvidable. Considerado como uno de los espectáculos musicales más destacados que han tenido lugar en Europa,  le recordaremos siempre por su exquisita música, acompañado de su guitarra cuadrada, su peculiar sombrero y sus características gafas.

A nuestro juicio, el rock le debe mucho a Bo Diddley. Sus temas han sido versionados hasta la saciedad por multitud de grupos. Desde una humilde opinión, sus extraordinarios ritmos fueron copiados con descaro por otras bandas muy populares en los años ochenta,  a las que algunos analistas llegaron a calificar erróneamente como “legendarias”.

Bo Diddley nunca cobró los royalties que por ley, le pertenecían por la autoría de sus canciones.

Colosseum – Live (Polydor 1971)

ColosseumPoseedores de una corta pero intensa carrera, esta banda de verdaderos colosos se unieron para dar lugar a un proyecto musical al que valoramos como legendario. Colosseum serían los responsables y el ejemplo más claro de lo que en un principio se denominó el primer vanguardismo británico, estando liderados por el carismático baterista Jon Hiseman.

Sus orígenes se remontan hacia 1968, tras varías escisiones y salidas de las innumerables bandas del “padrino del blues blanco”, John Mayall y de la Graham Bond Organization, los  Colosseum comienzan su andadura en Londres, siendo fundados  por Jon Hiseman y Dick Heckstall-Smith,  dos grandes talentos del blues británico.

Tras cuatro álbumes arrolladores que comprenden desde  su inicio en 1968 hasta 1971, tres de ellos de estudio y uno en directo (uno de éstos solamente editado en U.S.A), los Colosseum se sitúan como uno de los grupos más representativos del rock vanguardista.

Después de colaborar en el mítico concierto “Supershow”, al lado de nombres como Jack Bruce, Eric Clapton, Stephen Stills o Buddy Miles, llega su segundo y último disco grabado en directo al que bautizaron como “Colosseum Live”, que pondría punto final a lo que podemos llamar la primera etapa de este supergrupo.

Sufrieron múltiples cambios en sus filas durante estos tres años, pero no perdieron en ningún momento la esencia de su música y su personalísimo trabajo. Y  en 1971, presentaban su alineación con Jon Hiseman (batería), Dick Heckstall – Smith (saxofón), Dave Greenslade (órgano y vibráfono), Dave “Clem” Clempson (guitarra), Chris Farlowe (voz)  y Mark Clarke (bajo).

El doble álbum fue grabado en directo en marzo de 1971 en dos  localizaciones distintas, una de ellas en la   Manchester University y  la otra en el  Big Apple en Brighton. Producido por Jon Hiseman y por el resto de la banda, se publica en ese mismo año por el prestigioso sello Polydor Records.

El LP contiene solamente seis pistas, varias de ellas de extensa factura y que nos sorprenderán satisfactoriamente gracias a un sonido demoledor, pudiendo pasar desde más el puro ryhtm blues británico, al jazz-rock, viajando por el blues o llevándonos hacia un extraordinario rock progresivo.

Colosseum BandTodo esto, aderezado por unos monumentales instrumentalistas, haciéndose patente su calidad en temas como el tantas veces versionado “Walking In The Park” o el “Skelington”, destacando al gran vocalista Chris Farlowe.

En “Tanglewood 63” sobresale la aportación de Dick Heckstall-Smith, excelente saxofonista que tenía la particularidad de tocar tanto individual o con los dos saxos a la vez, uno tenor y otro soprano, logrando sacar  un sonido único que hacía las delicias del público y perfectamente acompañado por una espléndida banda.

Continúan con “Encore…Stormy Monday Blues”,  gran hit del blues y magistralmente interpretado, que se convierte en todo un clásico de la música rock junto a un sensacional “Lost Angeles”, una larga canción que cierra el disco. Reseñaremos sus dos partes diferenciadas, finalizando con un magnífico punteo del semidesconocido, pero exquisito guitarrista de la Inglaterra de los setenta, Clem Clepson.

 En la edición de 1998, publicada por el sello Castle Communications se incorpora un tema extra llamado “I Can´t Live Without You”.

Estos colosos de la música británica tuvieron numerosos problemas  y diferencias entre ellos, lo que provocó su repentina desaparición. Unos conflictos que surgieron incluso durante este concierto en directo, siendo relatados por el propio Jon Hiseman en 1998 apostillando que  “para hacer el álbum fue toda una aventura” y “que aunque hubiese momentos de tensión fue una fantástica actuación con momentos maravillosos”.

A nuestro juicio, Colosseum es una banda  transcendental para poder entender el rock progresivo. Tuvieron una segunda etapa en 1975, llamándose “Colosseum II”, en la que un gran  guitarrista recientemente fallecido formaría  parte de su plantilla, su nombre era Gary Moore….

 

Buddy Guy & Junior Wells – Drinkin’ TNT ´N´ Smokin´ Dynamite (Blind Pig 1988)

BGJWEl legendario “Montreux Jazz Festival” de Suiza, se creó en 1967 como un evento en el que solamente tenía cabida el jazz. Pero a partir de 1970, la organización decide incorporar la música blues en su programa de conciertos. Y lo curioso, es que todo comenzó en ese santuario del jazz,  cuando un bendito 28 de junio de 1974, los asistentes allí presentes ni se imaginaban que se encontraban ante uno de los más memorables conciertos de blues en directo. Aquel día, la denominada “música del alma” resonaría en todos y cada uno de sus rincones…

La bellísima ciudad de Montreux está situada a orillas del lago Leman, en el corazón de la vieja Europa. Y aunque nada tiene que ver con Chicago, en aquel verano de 1974, el blues más puro y auténtico procedente de la gran urbe americana hace acto de presencia, para la suerte de un público afortunado que tuvo el honor de ver en vivo a varios de los más brillantes bluesman de la vieja y nueva escuela.

Las circunstancias que rodearon al concierto fueron un tanto peculiares, el organizador del evento Claude Nobs invitó a Bill Wyman y le pidió que formara una banda junto a Buddy Guy y Junior Wells. El entonces stone crea una poderosa agrupación musical únicamente para la ocasión, compuesta por él mismo al bajo, un tándem de lujo con Buddy Guy / Junior Wells, acompañados por Pinetop Perkins (uno de los mejores pianistas de blues) y arropados por la frescura de Terry y Dallas Taylor a la guitarra rítmica y batería.

Apenas sin tiempo para ensayos, comienzan realizando una actuación rotunda y trepidante, desgranando un blues caliente y salvaje, coprotagonizado por el maravilloso dúo interpretativo de Buddy Guy  / Junior Wells, intercalándose los temas, y ejecutando un trabajo espectacular a la armónica, guitarra y voces, perfectamente respaldados  por una contundente sección rítmica.

Centrándonos en el álbum, que contiene diez pistas, fue producido por Bill Wyman y no fue mezclado hasta el año 1980 en Londres, saliendo publicado en 1988 por el sello Blind Pig Records, bajo los derechos de Ripple Records. Tras una pequeña introducción en francés, inician con el clásico “Ah´W Baby/ everything Gonna Be Alright”, para continuar con una composición propia “How Can One Woman Be So Mean”, un blues en estado puro y algo más calmado con la inconfundible guitarra de Buddy Guy.

DVDSeguidamente, llegará un tema básico como  “Checking On My Baby”, perteneciente a Sonny Boy Williamson y magistralmente versionado, para convertirse con los clásicos  “Ten Years Ago”, el “Messing With The Kid” y la emblemática pieza de Junior Wells “Hodoo  Man Blues”, en las canciones más recordadas del disco.

Al final de la actuación y para mayor sorpresa de los allí presentes, la banda continúa tocando junto a la gran estrella invitada del festival, el mítico Muddy Waters. Ofrecen un concierto  estelar e histórico con temas como “Hoochie Coochie Man”, “Mannish Boy”, “The Same Thing” o “Got My Mojo Workin´”, quedando reflejadas en la película “Messin´ With the Blues”, Muddy Waters With Buddy Guy & Junior Wells, publicada en 2006 en formato DVD.

Con un sonido excelente, los artífices de este magnífico show nos dejaron una grabación sólo a la altura de los más grandes, comandados por el genial bajista de los Rolling Stones Bill Wyman al lado de mitos como Buddy Guy y Junior Wells. Todos ellos, lograron sacar de la música blues pura dinamita…

Grateful Dead – Skull And Roses (Warner 1971)

Skull And RosesMáximos exponentes de la contracultura y el movimiento hippie en la década de los sesenta, los estadounidenses “Grateful Dead” se consolidaron como una de las bandas más innovadoras, peculiares e insólitas que ha visto nacer la historia musical contemporánea. Muy influenciados por la psicodelia, fusionaron con gran éxito un elevado número de estilos como el folk, rock, blues, jazz o country. A nuestro juicio, Grateful Dead ha sido un grupo único, unos inolvidables reyes de la improvisación que fueron capaces de realizar “jams” absolutamente magistrales, elevando la música hacia el infinito.

Expatriados del “mainstream” y de las corrientes comerciales del momento, los Grateful Dead pronto se hacen con un lugar importante dentro de la escena musical de los sesenta y setenta. Originarios de San Francisco (California) y liderados por el guitarrista Jerry García, los Dead comienzan a abrirse camino de manera brillante en una época dominada por formaciones británicas como los Rolling Stones o The Beatles. El carismático Jerry García jamás quiso asumir el rol de liderazgo de los “Grateful Dead”, y en ocasiones cedía todo el protagonismo a su banda. Pero su fuerte personalidad y marcado carácter, le llevaron a que el público le viera como un icono legendario y de paso, se convertía en una de las figuras más emblemáticas del rock.

Gratefud Dead BandEl verdadero poder de los Grateful Dead residía en sus conciertos en directo, en los que obsequiaban a los fans (conocidos como “Dead Heads”) con larguísimas jams y una música auténticamente delirante, impregnada de blues, rock, bluegrass, folk o psicodelia. Y en 1971, sale a la luz este excelente “Skull And Roses”, un doble álbum en vivo publicado por el sello Warner Bros Records y que incluye once pistas.

Como ya es costumbre, haremos una mención especial sobre los músicos que hicieron posible esta obra: Jerry Garcia (guitarra, voz),  Bob Weir (guitarra rítmica y voz), Phil Lesh  (bajo y voz), Ron “Pigpen” McKernan (órgano, armónica y voz), Bill Kreutzmann (batería) y el fantástico pianista estadounidense Merl Saunders arropando a los Grateful Dead. Merl Saunders, ha trabajado con artistas de la talla de Paul Pena, Michael Bloomfield, B.B. King o Tom Fogerty.

Abre el disco en con “Bertha”, un tema pegadizo y poseedor de bellas melodías. Seguidamente, el country toma protagonismo con “Mama Tried”, una espléndida versión de un éxito de Merle Haggard. Llegará nuestro querido blues con “Big Railroad Blues”, canción en la que al guitarrista Jerry García no le supone impedimento alguno que le falten dos tercios de su dedo corazón en la mano derecha.

Continúan con “Playing in the Band”, uno de los puntos álgidos del álbum y todo un clásico en el repertorio de los Dead. Este tema, apareció por primera vez en este “Skull & Roses” y con el paso del tiempo, lo usaron habitualmente en sus shows.

“The Other One”, capta a la perfección la esencia musical de los Dead, con dieciocho minutos de duración y un gran solo de batería en sus inicio, sin dudarlo nos encontramos ante una antológica “jam”, que lleva el sello inconfundible de sus singulares creadores. Y ocupa toda una cara del vinilo…

GratefulDe sencillamente espectacular, podemos calificar el “Me & My Uncle”, propiedad de John Philips (ex miembro de The Mamas & The Papas), al igual que el “Me and Bobby McGee” de Kris Kristofferson. Y no podía faltar el homenaje al rock and roll de los cincuenta con una magnífica versión del  “Johnny B. Goode” de Chuck Berry. Una cierta sensación melancólica nos invadirá con la balada “Wharf Rat” para cerrar el disco con “Fade Away/Goin’Down The Road/Feeling Bad”, con unos grandes punteos guitarreros de Jerry García.

 Su característica portada, en la que podemos visualizar una calavera coronada con rosas, fue un trabajo de Alton Kelly y Stanley Mouse,  dos importantes artistas de psicodelia. Los álbumes de Grateful Dead, también se han caracterizado por sus impactantes carátulas, consideradas objetos de culto para los coleccionistas de rock.

Jerry GarciaDesafortunadamente, el guitarrista Jerry García (descendiente de gallegos, su abuelo era coruñés) padecía una fuerte adicción a las drogas y al LSD. En 1995 fallece de un ataque al corazón a los 53 años de edad y los Grateful Dead anuncian su disolución definitiva. Como dato anecdótico, el lugar de su muerte se produce en  un centro de rehabilitación de Forest Knolls, California en el condado de Marin. Fruto de la casualidad o designios del destino, pero el nombre de esta localidad, coincide con el municipio gallego de Marín en Pontevedra.

Y así concluye esta aventura sonora de los particulares “muertos agradecidos”… Pero su extraordinaria música, permanecerá eternamente viva al paso del tiempo. Con un curioso nombre, bautizaron a la banda y según cuenta la leyenda,  procede de tradiciones folclóricas arraigadas en varios países de  Europa… ¿Quizás le contó su abuelo gallego historias da nosa terra de meigas?…

 

Herbie Mann – Memphis Underground (Atlantic 1969)

Herbie Mann (Memphis Underground)

Dentro del gran universo del rock y del elevado número de estilos musicales que fueron evolucionando a finales de la década de los sesenta, músicos ya consagrados de otros géneros como el jazz, se introdujeron y exploraron nuevos caminos, llegando a fusionar con verdadero acierto dicho género con otros tan importantes como el R&B, el soul o el funk.

Este es el caso del prolífico flautista Herbert Jay Solomon, más conocido por el seudónimo de “Herbie Mann”. Nacido en 1930 en el barrio neoyorquino de Brooklyn, a los nueve años de edad comienza a tocar el piano, el saxo y el clarinete. Poco tiempo después se interesa por la flauta, un instrumento considerado por los puristas de música jazz como “no apto”, por “estar conceptuada como demasiado suave, dulce, delicada, femenina, en definitiva para hermanarse con el sonido áspero y fuerte del metal, de los saxos o de la batería”

Durante los años cincuenta y principios de sesenta, gracias a su innegable virtuosismo y a su carácter humanista, Herbie Mann se hace con un lugar relevante en la escena jazz, formando agrupaciones musicales, grabando para la televisión, intercambiando diversidad de sonidos en África y publicando varios álbumes. Pero no sería hasta 1961, cuando conquista el éxito versionando el tema “Comin´ Home Baby” (grabado por primera vez en 1961, propiedad del pianista Donald Bailey), actualmente valorado por los analistas como un estándar del jazz.

Y en 1969 Herbie Mann decide trasvasar su flauta al rock, publicando el clásico álbum “Memphis Underground”, con el que estableció un sonido vanguardista, puro y demoledor, convirtiéndose al instante en un disco de culto.

Herbie Mann

Centrándonos en el álbum, fue producido por Tom Dowd y se grabó en los estudios de la Atlantic Records. Para su realización, contó con la ayuda de músicos jóvenes, pero todos ellos grandes talentos emergentes en aquellas fechas: el gran vibrafonista Roy Ayers, los históricos guitarristas Larry Coryell y Sonny Sharrock, arropados por una sección rítmica envidiable formada por Reggie Young (guitarra rítmica), Bobby Emmons (órgano), Bobby Wood (piano eléctrico y acústico), alternándose al bajo Tommy Cogbill o Mike Leech y Gene Christman (batería).

El álbum es en su totalidad instrumental y consta de cinco pistas, todas ellas de excelente factura. Abren con “Memphis Underground”, tema compuesto por Herbie que da nombre al LP, poseedor de un ritmo soul pegadizo y envolvente, advirtiéndose el magnífico trabajo de Mann, Coryell y Ayers.

Continúan con “New Orleans”, más bien corto pero intenso y genial en cuanto al sonido que imprime a la flauta de Herbie Mann. Siguen con uno de las piezas legendarias del disco, una versión absolutamente magistral del famoso tema de L. Hayes / D. Porter, “Hold on I´m Comin”, popularizado anteriormente por el dúo de soul Sam & Dave, con el que nos exponen ritmos fantásticos, mezclando jazz-soul y Herbie dándonos muestra de su extraordinaria calidad a la flauta, perfectamente acompañado por la guitarra de Larry Corryell.

Herbie I

La otra espléndida versión que incluyen es el “Chains Of Fools” de D. Covay (popularizada por Aretha Franklin), y que en este disco traspasa todas las barreras sónicas. En él, sentiremos toda la fuerza de la banda y su continua exploración global del Jazz-Rock.

Y que mejor manera de finalizar, que con una adaptación de la canción tradicional arreglada por HerbieBattle Hymn Of the Republic”, uno de los himnos americanos por excelencia e impregnada por la soberbia flauta de Mann.

“Memphis Underground” situó a Herbie Mann entre los grandes innovadores sónicos de la música de vanguardia del momento, junto a otros genios como Miles Davis o Herbie Hancok. Recorrieron exhaustivamente nuevos territorios sonoros, nos dejaron álbumes maravillosos en años venideros, al lado de leyendas como Duane Allman, Mike Taylor o Albert Lee… pero eso ya es otra historia…

Free – Fire And Water (Island Records 1970)

Free (Fire And Water)Apenas rondaban los 20 años de edad, pero la juventud de los legendarios Free no fue impedimento alguno para reflejar el tremendo potencial que atesoraban.

Originarios de Londres, los Free se situaron como una de las bandas más representativas de la llamada “invasión británica” y en la actualidad está considerada una de las formaciones precursoras del hard rock. Sus inicios datan de 1968, cuando Paul Kossoff (guitarra) y Simmon Kirke (batería) conocen al vocalista Paul Rodgers en un local de su zona. Tiempo después, fichan a un jovencísimo bajista de 15 años de edad llamado Andy Fraser, que ya había colaborado con John Mayall, completando de esta manera, la alineación de los Free. En 1970, alcanzan la cima del éxito gracias a un excelente álbum al que bautizaron como “Fire And Water”. Un disco al que valoramos como sencillamente perfecto de principio a fin, impregnado de blues rock y aderezado con un exclusivo estilo hard rock. 

Clásico entre clásicos del rock, el LP contiene “All Right Now”, uno de sus temas más célebres y que ya forma parte del patrimonio cultural de la humanidad. Gracias a este magnífico “All Right Now”, los Free obtienen una gran popularidad y son contratados para tocar en el histórico festival de la Isla de Wight en 1970. Realizaron una espectacular actuación en directo, quedando marcada para siempre en la memoria de aquellos 600.000 asistentes.

Free 1968Centrándonos en el álbum, tercero en su discografía, se publicó en 1970 por el sello Island Records e incluye siete temas.  Una mención especial, haremos  a los inolvidables integrantes de Free, que hicieron posible esta obra: el poderoso vocalista Paul Rodgers, el magistral guitarrista Paul Kossoff, el gran bajista Andy Fraser y el batería Simon Kirke.

Abre el disco con un diamante en bruto denominado “Fire And Water”, tema homónimo al álbum con el que sentiremos el blues rock en todo su esplendor, elegante y de bella factura. Hacia este mismo género, nos llevaran gracias a otras pistas de gran calidad como “Remenber”,Oh I wept”, en las que destacaremos la voz de Paul Rodgers.

También habrá espacio para la emotividad, que tendrá lugar con unas espléndidas baladas: Don’t say you love me y “Heavy Load”. Uno de los puntos álgidos llegará con ”Mr. Big”  que lleva el sello hardrockero de Fraser y Kossoff. Cierra el disco con el inmortal “All Right Now”, y al que ya hemos hecho referencia anteriormente.

Y así concluye “Fire And Water”, una obra cortesía de Free, agrupación que contribuyó a que el rock fuera cada día, un poco más grande.  En 1973 anuncian su separación definitiva, surgen diversas tensiones dentro de la banda y Paul Rodgers y Simon Kirke deciden abandonar el proyecto para fundar Bad Company.

Paul KossofDesafortunadamente, durante un vuelo de Los Ángeles a Nueva York en 1976,  el guitarrista Paul Kossoff fallece debido a problemas cardíacos, contraídos por su fuerte adicción a las drogas cuando solamente tenía 25 años.

Poseedor de un talento innato a las seis cuerdas, Kossoff será recordado como uno de los mejores guitarristas que ha dado el rock. Sus restos mortales fueron trasladados a Londres y en el epitafio de su tumba, figura una inscripción en la que se puede leer: “All Right Now”, un gran himno y un excepcional riff que lo acompañará eternamente, al igual que los irrepetibles Free.