Luther Allison – Luther´s Blues (Motown 1974)

Luther Allison (Luthers Blues)En la historia contemporánea de la música blues, uno de los nombres más representativos del género fue Luther Allison. Sin duda, un grandísimo bluesman que tuvo un especial protagonismo a ambos lados del Océano Atlántico, durante las tres etapas bien diferenciadas de su exitosa carrera.

Luther nació un 17 de agosto de 1939 en la localidad de Wineder, en el estado de Arkansas. Desde muy joven, se inclina hacia un buen número de instrumentos musicales por tradición familiar. Una y otra vez, la historia vuelve a repetirse y como otras tantas estrellas de blues americanas, Luther y su familia se trasladan en 1951 a esa capital mundial del blues llamada Chicago.

Durante esta década, comienza a despuntar como una joven promesa en el barrio de West Side, tremendamente influenciado por artistas de la talla de B.B King, Freddie King, Magic Sam  o Eddy Clerawater, llegando incluso, a formar parte de las bandas de leyendas del blues, como Howlin´Wolf o   Freddie King. En los años sesenta obtiene cierta reputación como guitarrista y actúa en eventos de  prestigio como el “Ann Arbor Blues Festival” cerca de Detroit. Tiempo después,  recala en el sello discográfico de Jazz y Blues “Delmark Records” en 1967, para debutar oficialmente en 1969.

LutherPosteriormente y tras conseguir el tan ansiado reconocimiento, ficha en 1972 por la casa discográfica “Motown”. Curiosamente, Luther es uno de los pocos artistas de blues que colabora con este carismático sello, propiedad de  Berry Gordy, que había creado un estilo único denominado “Motown Sound”.

Centrándonos en el álbum “Luther´s Blues” sería el segundo LP grabado para esta compañía en los “Motown Record Studios” de Detroit. Se publica en febrero de 1974 y contiene nueve temas. En la reedición de 2001, se añaden tres más, incorporando una pista en directo en el festival de Ann Arbor de 1973.

Contó con la producción de Joe Peraino y arropado de espléndidos músicos como Bob Babbit (bajo), Andrew Smith (batería), Paul White (piano y teclados) y Ray Goodman (guitarra rítmica) entre otros. Todos ellos, magníficos músicos de sesión procedentes de la Motown.

Abre el LP con “Luther´s Blues”, tema que da nombre al disco, blues con letras mayúsculas y en dónde Allison nos demuestra su talento a la guitarra eléctrica. Continúan con “Someday Pretty Baby”, de claro estilo blues de Chicago y con una magistral versión del “Easy Baby”, patrimonio del legendario Willie Dixon.

La mano y el marcado estilo de la Motown se notan en cortes como “Now You Got It”, con un soberbio Luther a la guitarra slide impregnado del más puro funky de los setenta, al igual que en “K.T.”, excelente canción con sección de vientos incluida. El blues más puro y visceral aparece en “Let´s Have A Little Talk”, y en la clásica “Driving Wheel” perteneciente Roosevelt Sykes, para finalizar con un bello “Into My Life”.

descargaEn los Bonus Tracks destaca la incendiaria versión de Freddie King: “San-Ho-Zay”, que sitúa a Luther Allison entre los mejores guitarristas de blues del momento. Una mención honorífica haremos sobre la genial jam “Boomington Closing” y el medley “I´m Gonna Miss My Babe/Bad News Is Coming/ The Thrill Is Gonne”, temas en directo que engrandecen aún más este ya clásico álbum de Mister Allison.

En 1997, el infortunio volvió a cebarse sobre su figura, falleciendo prematuramente víctima de un cáncer a los 57 años de edad. Y fue esta desgraciada enfermedad, la que nos privó repentinamente de su extraordinaria música, impidiéndole seguir representando con una pasión desmedida, la grandeza de un arte al que llaman blues. Pero de algún modo, su legado permanece vivo a través de su hijo Bernard Allison, que llegó a militar en su propia banda, posicionándose como todo un referente mundial del blues moderno.

Luther Allison tuvo una segunda y fructífera etapa exiliado en Francia, durante los años ochenta y noventa, hasta que nuevamente regresó a su patria, pero eso… lo dejaremos para otra ocasión…

Bachman-Turner Overdrive – Not Fragile (Mercury Records 1974)

BTO Not FragileQuizás, la banda de rock canadiense Bachman-Turner Overdrive haya sido merecedora de mucho más reconocimiento por parte de la crítica. Haciendo gala de un marcado estilo hard rock, un enérgico sonido y una sección rítmica desbordante, presentaban en 1974 este magnífico álbum al que bautizaron como “Not Fragile”. A nuestro juicio, el mejor LP de toda su carrera.

Originarios de Winnipeg (Canadá), se constituyen como grupo en 1972, siendo fundados por el guitarrista y ex líder de The Guess Who, Randy Bachman bajo el nombre de “Brave Belt”. Posteriormente, se le une su hermano Robbie Bachman a la batería, el bajista Fred Turner y el guitarra Chad Allan, que abandonaría la formación poco tiempo después, debido al escaso éxito comercial de sus primeros álbumes.

Y sería durante esta etapa, cuando deciden cambiar nuevamente su nombre, haciéndose llamar “Bachman-Turner Overdrive”. Para ello, utilizan un juego de palabras derivado de los apellidos de dos de sus componentes “Bachman-Turner” y le añaden “Overdrive”, por la pasión desmedida que sentían varios de sus miembros por el mundo del camión y los motores. “Overdrive” era el título de un famoso magazine especializado en esta temática.

BTOIIPara suplir la baja de Chad Allan, fichan a Tim Bachman (hermano de Randy y Robbie), con el que grabarían dos espléndidos LP’S en 1973 con el sello Mercury Records:Bachman-Turner Overdrive” y “Bachman-Turner Overdrive II”. Una mención especial merece este último, al que valoramos como sencillamente espectacular y que contenía hits como Let It Ride” o “Takin’ Care Of Business”.

Sin duda, disfrutaron de su época más gloriosa durante la década de los setenta, obteniendo una gran popularidad y llegando a vender alrededor de 7 millones de discos. Y en este período sufren otra variación en su alineación, el guitarrista Tim Bachman es reemplazado por Blair Thornton.

Centrándonos en el álbum, ”Not Fragile” es el tercero en su discografía, fue publicado en 1974 por la compañía Mercury Records e incluye nueve pistas. Como ya es costumbre, recordaremos a los integrantes de la BTO, que hicieron posible esta excelente obra: Randy Bachman (guitarra y voz), Blair Thornton (guitarra y voz), Fred Turner (bajo y voz), Robbie Bachman (batería) y Frank Trowbridge (guitarra slide).

BTOBandAbre el disco con “Not Fragile”, tema contundente que ya nos va preparando para el resto del LP. Seguidamente, llegará uno de los puntos álgidos con “Rock Is My Life, and This Is My Song”, que hace los honores al hard rock y en dónde la BTO brilla una vez más, con luz propia.

Continúan con un frenético “Roll On Down the Highway”, para pasar a otro de sus cortes más memorables “You Ain’t See Nothing Yet”. Un momento estelar, tendrá lugar con “Free Wheelin'”, incendiaria pista instrumental dedicada al legendario guitarrista de los Allman Brothers y desafortunadamente fallecido, Duane Allman. Otras canciones de gran calidad son “Blue Moanin'”, de cierto aire blues y los maravillosos punteos guitarreros de “Givin’ It All Away”, con el que ponen punto y final a este espléndido “Not Fragile”.

BTOGroupEn 1977,  Randy Bachman deja la formación para crear una agrupación denominada “Ironhorse” y emprende su trayectoria en solitario. Huérfanos de Randy, la banda prosigue bajo las siglas de B.T.O., lo que provocó una serie de disputas legales, que le llevaron a anunciar su disolución definitiva en 1984. Pero actualmente, se han vuelto a reunir y siguen ofreciendo ingentes cantidades de rock…

Y así concluye la aventura musical más galardonada de la Bachman-Turner Overdrive, cortesía de aquellos que a través de una música explosiva, intensa y palpitante, lograron transmitirnos la energía del hard rock elevada a la máxima potencia.

Peligro, alto voltaje.

King Curtis – Live at Fillmore West (Atco 1971)

King Curtis (Live at Fillmore West)A principios de la década de los setenta, el legendario saxofonista King Curtis se encontraba en un gran momento de popularidad, que le llevaría a consolidar una estrecha relación profesional con Aretha Franklin y a la consecución de varios shows transcendentales para ambas trayectorias.

Estos conciertos, tuvieron lugar en marzo de 1971 en el auditorio Fillmore West de San Francisco, propiedad del célebre promotor  Bill Graham. Para su realización, ejecutaron una maniobra espectacular que ideó el periodista Jerry Wexler,  en la que pretendía llegar a la audiencia hippie de San Francisco, pasando por la música Soul y también por la denominada “música del alma”.

Curtis Ousley, más conocido por el sobrenombre de “King Curtis” nace en 1934 en Fort Worth (Texas). Comienza su carrera en los años 50, especializándose en géneros que abarcan desde el soul-jazz, southern-soul, R&B o el harp bop. En esta época, graba para un elevado número de compañías discográficas de Nueva York, y logra convertirse en un virtuoso saxofonista, obteniendo mucho éxito con temas como el clásico “Soul Twist”. Todo ello, le valió para poder fichar por el gigante discográfico “Atlantic Records” en 1958.

 Durante la década de los sesenta, decide cambiar de sello discográfico. Pero curiosamente, vuelve a recalar en Atlantic Records en una nueva segunda etapa y colabora con algunos mitos del soul. Consigue el tan ansiado reconocimiento,  y se sitúa como director musical de la dama del soul, Aretha Franklin.

Centrándonos en el álbum, para su grabación y conciertos, King Curtis formó un “dream team” para la ocasión, compuesto por Cornell Dupree (guitarra), Jerry Jemmont (bajo), Bernie “Pretty” Purdie (batería), Truman Thomas (piano eléctrico) y Pancho Morales (congas). Por si fuera poco, a estos extraordinarios músicos los acompaña como estrella invitada el genial Billy Preston a los teclados, arropados por la incendiaria sección de vientos “The Memphis Horns”.

KCIIEl disco se publica en julio de 1971 por el sello subsidiario de la Atlantic, ATCO. Fue producido por el propio King Curtis y el galardonado Arif Mardin. Incluye nueve temas, en su mayoría instrumentales, abriendo con uno de sus hits de los sesenta “Memphis Soul  Stew”, en el que Curtis presenta a la banda y terminan con un  ritmo muy movido.

Continúan con la excelente versión de  Procol Harum, “A Whiter Shade Of Pale”, en dónde King Curtis nos demuestra su innata habilidad al saxo, junto a la enorme calidad de Billy Preston. Siguen con una versión desconcertante del famoso tema de los Led Zeppelin “Whole Lotta Love”, esta vez en clave soul-funk, destacando el espléndido trabajo del baterista Bernard Purdie.

 Una de las pistas más memorables del LP es “I Stand Acussed”, soberbio saxo,  que da paso a “Them Changes”, otra de las conocidas versiones del álbum, perteneciente a Buddy Miles, ex baterista de Jimmi Hendrix. Otras joyas de incalculable valor son el clásico “Ode To Billie Joe”, “Mr. Bojangles” con un solo sencillamente perfecto y la infernal versión de Stevie Wonder “Signed, Sealed Delivered (I´m Yours)”.

KCIY para finalizar, un antológico “Soul Serenade”, uno de sus más celebrados éxitos de antaño, compuesta allá por 1963, y que actualmente es una de las canciones  más sonadas en el repertorio de la  “The Derek Trucks Band”, una de las mejores bandas musicales de hoy en día. En la redición en CD de 2006, se añaden cinco cortes más alternativos a  este monumental álbum.

Con un sonido de absoluta gloria y una atmósfera increíble en directo, King Curtis se posicionó como uno de los más  grandes saxofonistas del R&B, y en uno de los  máximos exponentes de la música negra, dejándonos como testimonio este magistral Long Play para la posteridad.

Desafortunadamente, unos meses después de la grabación del disco, su carrera en estado de gracia y su vida se vieron truncadas de manera inesperada. El 13 de agosto de 1971, fue asesinado en las escaleras de su apartamento de Nueva York. De este vil modo, se llevaron a esta gran estrella a la tumba, nos privaron de su genuina música para siempre, en un año maldito para la ya extensa historia del rock and roll.

Black Sabbath – Paranoid (Vertigo Records 1970)

Black Sabbath (Paranoid)18 de septiembre de 1970. Sin duda, una legendaria fecha que permanecerá grabada a fuego en la memoria de la historia musical contemporánea. Desafortunadamente, también es considerada como maldita, por ser el día de la muerte del gran Jimi Hendrix.

Pero a su vez, fue un día de catarsis colectiva, de celebración y de luz.  Quizás, los británicos Black Sabbath recorrieron el mundo de los sueños y la senda de la locura, explorando magistralmente todos los rincones del subconsciente. Y tuvieron una extraña visión: le llamaron “Paranoid”.

A nuestro juicio, analizar uno de los discos más importantes que ha visto nacer el universo sonoro, es tarea difícil. Pero lo cierto,  es que con la publicación de Paranoid, los nativos de Birmingham abrieron las puertas del averno, dando origen  y definiendo de manera espectacular, un nuevo estilo al que hoy todos conocemos como Heavy Metal.

“Paranoid” es todo un álbum de culto y el primer disco de Heavy Metal de la historia.  Y aunque otras bandas del nivel de Blue Cheer, Led Zeppelin o Deep Purple ya habían endurecido anteriormente su sonido, añadiendo ese componente de fuerza y potencia a su música, los Black Sabbath han sido los pioneros y máximos exponentes del Metal.

BSB1970Y es que “Paranoid” significó mucho más que un álbum, tanto para el Heavy Metal como para el rock en general. Con él, se comenzaba a forjar la leyenda de Black Sabbath y de dos mitos del género: el guitarrista Tony Iommi y el peculiar cantante Ozzy Osbourne. Pero sin desmerecer lo anterior y desde nuestra humilde opinión, el bajista Geezer Butler y el baterista Bill Ward, llevaron al grupo hacia otra dimensión musical. Unos virtuosos músicos que lanzaron a Black Sabbath a lo más alto del olimpo.

Una serie de curiosos datos rodean al disco. En un principio, se iba a titular como “War Pigs”, (cerdos de guerra), pero debido a fuertes presiones de la discográfica, y a ciertos problemas derivados de la guerra del Vietnam, se le cambió el nombre a “Paranoid”.

Centrándonos en el álbum, segundo de su discografía, fue publicado por el sello Vertigo Records en 1970 e incluye 8 pistas. Aclamado por la crítica, obtuvo un gran éxito y cuatro certificaciones de platino,  alcanzando las posiciones más elevadas en los rankings de ventas, debido a su carácter innovador. Contó con la producción de Rodger Bain, que ya había colaborado con Black Sabbath en su disco homónimo.

Black Sabbath Band IIY por supuesto, destacaremos que este antológico Long Play es una obra sencillamente perfecta de principio a fin, tanto en calidad musical  y lírica. La tristeza y oscuridad de sus  letras,  hacen referencia a temas como los conflictos bélicos, la condición humana o las drogas.

Como ya es costumbre, haremos una mención especial a los inolvidables integrantes de Black Sabbath, que hicieron posible este monumental trabajo: Ozzy Osbourne (voz), Tony Iommi (guitarra) Geezer Butler (bajo) y Bill Ward (batería).

Desde el primer momento que el vinilo comienza a rodar, ya nos daremos cuenta del porqué de su grandeza. Inician con un poderoso “War Pigs”, arrollador tema de claro sentimiento antibélico, para continuar con el clásico entre clásicos “Paranoid”, canción estrella del LP y su hit más famoso, poseedor de un genial riff. Según cuentan, fue compuesto en media hora.

Band Black Sabbath

¿Qué decir del espectacular “Iron Man”?, pista célebre, apoteósico riff y otra joya de incalculable valor. Mejor escucharla. Otros cortes que completan el álbum son la relajada balada “Planet Caravan”, en dónde sentiremos en todo su esplendor, la característica voz de Ozzy Osbourne y en un aterrador “Electric Funeral”. Con un sobresaliente, calificaremos al guitarrista Tony Iommy en Rat Salad” y “Fairies Wear Boots”, con el que ponen punto y final.

 
Así concluye esta pieza angular del heavy metal y el rock, cortesía de Black Sabbath. Y han sido estos cuatro chicos ingleses procedentes de una época ya olvidada, los que descubrieron una nueva forma de entender la música. Quizás, fueron como una brillante luz de esperanza, que se abrió paso hacia un futuro incierto. Lo que sí es seguro, es que le otorgaron nombre propio: Heavy Metal.

Bienvenidos al infierno.

ZZ Top – Tres Hombres (London Records 1973)

ZZ Top - Tres HombresTodo ocurrió mucho antes de que los tejanos ZZ Top se dejasen largas barbas hasta límites insospechados. Corría el 26 de Julio de 1973, año de gracia para el grupo y fecha especialísima para estos oriundos de Texas. Desde el primer momento en que se publicó “Tres Hombres”, el único destino posible de los ZZ Top era convertirse en todo un clásico del rock.

Así comenzaba la leyenda de este exitoso álbum, pieza clave en la discografía de uno de los power trío más famosos del rock. Con él, los legendarios barbudos iniciaban una nueva etapa, endureciendo su característico sonido “Texas Blues”, aderezado con un exquisito ingrediente hardrockero.

Y es que Tres Hombres posee un sabor único e inconfundible. Un sabor auténtico, genuino y con denominación de origen, combinando a la perfección un marcado estilo blues rock de riffs endiablados, con divertidas letras referentes a  coches, chicas  y burdeles varios, perdidos en la inmensidad del desierto tejano.

ZZ Top THPero si este LP permanece grabado a fuego en el recuerdo colectivo del rock, es gracias a su memorable tema central denominado “La Grange”. Todo un hit con el que alcanzarían una gran popularidad, siendo utilizado en multitud de anuncios publicitarios, radio, televisión y en un buen número de películas como  Armageddon o StripteaseY es que toda gran canción, esconde una historia…

Según se comenta, las letras del tema hacen alusión a un poblado situado a las afueras de La Grange (Texas), en dónde existe un conocido prostíbulo. Tiempo después se le cambió el nombre por “Chicken Ranch”. Curiosamente, esta casa de citas fue el guion principal del film “The Best Little Whorehouse in Texas”, protagonizado por Burt Reynolds y Dolly Parton en 1982.

Centrándonos en el álbum, tercero de su discografía, se editó en 1973 por el sello London Records e incluye 10 pistas. Contó con la producción de Bill Ham, artífice del gran éxito que obtuvo la banda y el responsable de moldear su imagen. Como ya es costumbre, haremos mención al poderoso triplete que realizó esta inolvidable obra: Billy Gibbons (guitarra y voz), Dustin Hill (bajo, voz y teclado) y  Frank Beard (batería).

Abre el disco en su cara 1 con “Waiting For The Bus”, espléndido blues rock de riffs magistrales y muy elaborado rítmicamente. Seguidamente llegará “Jesus Just Left Chicago”, un blues más pausado con cierto aroma a pantano.

ZZ Top Band TexasA continuación, sentiremos una potente descarga de rock con un  enérgico “Beer Drinkers & Hell Raisers”¡¡¡Ooohh Yeeeahh Rock And Roll!!!! . También habrá espacio para la emotividad, con una bella y melancólica balada titulada “Hot Blue And Righteous”.

En la cara 2 nos encontraremos con otros cortes remarcables como “Move Me On Down The Line” y una joya de incalculable valor “Precious And Grace”, tema contundente al más puro estilo ZZ Top. Por supuesto, que llegará el punto álgido con “La Grange”, clímax sonoro y pista estrella del álbum. Y para poner fin a un disco absolutamente brillante “Shiek” y “Have You Heard”, impregnadas de un peculiar aire sureño.

ZZ Top B

Y así concluye la aventura musical más célebre de los cariñosamente apodadosThe Little Ol Band from Texas”. Aquellos, que por un ya olvidado 1971 iniciaban su carrera obsequiando al mundo con dos emblemáticos discos “ZZ Top First Album” y  “Río Grande Mud”. Pero cuando llegó “Tres Hombres”, los eclipsó completamente…

Atesorando una trayectoria de más de cuarenta años, actualmente los estadounidenses ZZ Top continúan deleitando al público con sus explosivas actuaciones y sus colosales directos. Todo ello, manteniendo la formación original y el manager incluido.

 En 1984, la prestigiosa marca de cuchillas Gillete, ofreció al grupo un millón de dólares a cambio de afeitarse sus prominentes barbas, para realizar un anuncio de televisión. Rápidamente, la nada despreciable oferta fue rechazada.   Sin duda, el mejor ejemplo de que los viejos rockeros nunca mueren.

Aretha Franklin – Lady Soul (Atlantic 1968)

Lady SoulComo un soplo de aire fresco, la diva de la canción Aretha Franklin, ya consagrada como gran dama del Soul, irrumpe en 1968 con este espléndido álbum de soul, blues y rythmn& blues, al que bautizó como “Lady Soul”.

Fue grabado a lo largo de 1967, un año mágico que resultaría crucial para la música. Por aquella época, el mundo observa como nuevamente emergen de manera espectacular estilos como el blues y el Soul, dentro de la reciente historia de la música pop del momento.

Aretha nace en la legendaria y musical ciudad de Memphis (Tennessee) en 1942,  pero desde la infancia se cría en los barrios industriales de Detroit. Hija de padre predicador y madre cantante de góspel, su padre pronto vio en ella un enorme potencial, que la llevó a rodearse de las voces más influyentes del género, como  Mahalia Jackson o grandes vocalistas del jazz como Dinah Washington y Ella Fitzgerald, que la inició en el arte del piano.

Tras una etapa fundamental en su carrera dedicada al góspel,  y grabando para prestigiosos sellos como “Columbia” o “Harmony”, a mediados de los sesenta da un paso esencial en su carrera, fichando por “Atlantic Records”, un mítico sello especializado en jazz y soul.

Después de cosechar un rotundo éxito con sus dos primeros trabajos  para la Atlantic, llega “Lady Soul”, grabado durante los meses de febrero, junio y diciembre de 1967. Oficialmente, el disco es lanzado el 22 de enero de 1968, bajo la producción  de Jerry Wexler. Y por supuesto, como ingeniero de sonido, el gran Tom Dowd, que demostró una vez más, su especial olfato y talento para la música.

AFranklinPianoPara la grabación del LP,  la Atlantic Records pone toda su maquinaria en funcionamiento, contando con un magnífico elenco de músicos, entre los que se encuentra la celebradísima sección rítmica de los miembros de la “Muscle Shoals”, que providencian un perfecto acompañamiento musical y apoyados por las “Sweet Inspirations”. Como dato curioso, dos integrantes de las Sweet Inspirations eran sus dos hermanas Emma y Carolyn Franklin, junto a Cindy Houston.

Una mención honorífica merecen la magistral sección de vientos, liderada  por el excelente saxofonista King Curtis,  y otros invitados de lujo como Bobby Womack, Joe South o el guitarrista Eric Clapton, militando por aquel entonces en el grupo Cream, entre otros no menos conocidos.

El álbum contiene diez temas, comenzando con un clásico de Don Covay  llamado “Chain Of Fools”, de claro estilo rythmn & blues. Arropado por unos sobresalientes coros, podremos sentir la irrepetible voz de Aretha y su peculiar forma de tocar el piano. Y de manera instantánea, “Chain Of Fools”, se convirtió en un habitual de su extensa carrera. Continúan con una versión funky de James Brown “Money Won´t Change You” y con la clásica de  Curtis Mayfield denominada “People Get Ready”, una dulce y bella versión de Lady Soul.

AFranklinComo una de las canciones estrella, se sitúa la balada “(You Make Me Feel Like) A Natural Woman”, en dónde se pone de manifiesto su impresionante voz,  y sumado a “Good To Me As I Am To You”, tema blues compuesto por Aretha, nos sorprenden gratamente gracias a la fantástica colaboración con el héroe de la guitarra Eric Clapton.

 Otras pistas remarcables son “Come Back Baby” de Ray Charles, o la deliciosa versión de los The Young Rascals “Groovin”. Y para finalizar una melancólica “Ain´t No Way”, acompañada por el virtuoso saxo de King Curtis.

La increíble habilidad de Miss Franklin para combinar diferentes estilos musicales y atraparnos en su maravilloso soul, o el sentimiento impuesto en cada uno de los temas, hacen de este álbum todo un clásico, como suele decirse “apto para todos los públicos”.

Actualmente, Aretha Franklin nos sigue deleitando con su voz y sus extraordinarias interpretaciones pasados ya los setenta, brillando como una estrella que nunca se apaga,  que reinará eternamente desde su trono del soul.

Fleetwood Mac – Rumours (Warner Bros Records 1977)

Fleetwood Mac Rumours¿Pop de calidad?, por supuesto. Así valoramos a “Rumours”, uno de los discos más importantes que ha visto nacer la música pop, cortesía de los británicos Fleetwood Mac.

A nuestro juicio, Rumours ha sido una historia que nada tiene que ver con la música que esta magistral banda realizó anteriormente. Desde sus inicios en 1967 y liderados por el virtuoso guitarrista Peter Green, los Fleetwood Mac se decantan por el blues rock, obsequiándonos con fantásticos álbumes a lo largo de su trayectoria. Considerados una formación camaleónica, debido a los constantes cambios que sufren en sus filas y muy afectados por los conflictos con Peter Green, que abandonaría el grupo en 1970, los Mac varían de manera drástica su estilo musical.

Posteriormente, emprenden una memorable travesía por los designios del pop, se introducen profundamente en sus desenfadadas y pegadizas melodías, pero sin descuidar factores esenciales como la lírica o la calidad de los álbumes.

FMacY tal día como hoy, un 4 de febrero de hace 35 años, sale a la luz pública “Rumours”, el disco más mediático de los Fleetwood Mac. Aclamado por la crítica, se situó como su obra más comercial, vendiendo alrededor de 40 millones de copias en todo el mundo. Rápidamente se colocó en los primeros puestos de las listas musicales de 1977, obteniendo una gran popularidad.

Pero este disco, esconde algo más que grandes y espléndidas canciones. Su proceso de grabación fue absolutamente caótico, ya que uno de sus miembros fundadores, el baterista Mick Fleetwood, estaba en pleno proceso de separación matrimonial. Por si fuera poco, se le sumaba el continuo abuso de cocaína y las constantes tensiones internas provocadas por celos, desamores e infidelidades entre las parejas Lindsey Buckingham / Stevie Nicks y John y Christine McVie. Toda una serie de  circunstancias, más propias de un guión de película al más puro estilo “Lo que el viento se llevó”, que de un Long Play de música.

Culebrones aparte y centrándonos en el álbum, decimoprimero de su discografía, la edición original se publicó en 1977 por el sello Warner Bros Records e incluye 11 pistas. Por supuesto, haremos una mención especial al personal que hizo posible este LP: Lindsey Buckingham (guitarra y voz), Stevie Nicks (voz), Christine McVie (voz, teclado), John McVie (bajo) y Mick Fleetwood (batería).

FMBandDentro del disco, nos encontraremos con hits como la emotiva balada “Dreams”, o diversas gemas pop, que hacen los honores al género “Don’t Stop” escrita por Christine McVie, y en dónde no olvidan sus raíces blues. Este tema, mundialmente conocido, se convirtió instantáneamente en la canción estrella del álbum. Y ahora es cuando los españoles debemos iniciar un nostálgico viaje hacia el pasado. Tiempo después, la marca andaluza de cervezas “Cruzcampo”, adaptaba “Don’t Stop”, para promocionar su campaña publicitaria… ¡¡¡ Que recuerdos!!!…

Otros éxitos que completan “Rumours”, son “Go Your Own Way”, poseedora de excelentes armonías vocales y un contagioso estribillo. El cúmulo de emociones y una fuerte carga sentimental, se reflejan en “Oh Daddy”. Elegantes y muy cuidadas instrumentalmente se presentan “You Make Loving Fun”, I Don’t Want to Know, o el “Gold Dust Woman”, que cierra el álbum.

En 2004, se remasteriza una nueva versión de “Rumours” en formato CD, añadiendo material extra y varios temas inéditos. Se comenta, que con motivo de su 35º aniversario, la casa discográfica Rhino Records volverá a reeditar el disco próximamente, incluyendo actuaciones en directo.

 Y así concluye esta millonaria aventura de los Fleetwood Mac. Aquellos que un día fueron reyes del blues, quizás rompieron con cierto establishment al que nos tenían acostumbrados, pero sin dudarlo ni un momento, nos dejaron una gran música que bailaríamos durante generaciones…