Luther Allison – Luther´s Blues (Motown 1974)

Luther Allison (Luthers Blues)

En la historia contemporánea del blues, uno de los nombres más representativos del género fue Luther Allison. Un grandísimo bluesman que tuvo especial protagonismo a ambos lados del Atlántico, durante las tres etapas bien diferenciadas de su exitosa carrera.

Luther nació un 17 de agosto de 1939 en la localidad de Wineder, en el estado de Arkansas. Desde muy joven, se inclina hacia un buen número de instrumentos musicales por tradición familiar. Una y otra vez, la historia vuelve a repetirse y como otras tantas estrellas de blues americanas, Luther y su familia se trasladan en 1951 a Chicago, capital mundial del blues. Durante esta década, despunta como una joven promesa en el barrio de West Side, y se encuentra muy influenciado por artistas de la talla de B.B King, Freddie King, Magic Sam o Eddy Clerawater. Llegó incluso, a formar parte de las bandas de leyendas del blues como Howlin´Wolf o Freddie King.

En los años 60 obtiene cierta reputación como guitarrista y actúa en eventos de prestigio como el “Ann Arbor Blues Festival cerca de Detroit. Tiempo después, recala en el sello discográfico de Jazz y Blues Delmark Recordsen 1967, para debutar oficialmente en 1969.

Luther

Tras conseguir el tan ansiado reconocimiento, ficha en 1972 por la casa discográfica “Motown. Curiosamente, Luther es uno de los pocos artistas de blues que colabora con este carismático sello, propiedad de Berry Gordy, que había creado un estilo único denominado Motown Sound”.

Centrándonos en el álbum “Luther´s Blues es el segundo LP grabado para esta compañía en los Motown Record Studios de Detroit. Se publica en febrero de 1974 y contiene nueve temas. En la reedición de 2001, se añaden tres más, incorporando una pista en directo en el festival de Ann Arbor de 1973. Cuenta con la producción de Joe Peraino y colaboran espléndidos instrumentistas como Bob Babbit (bajo), Andrew Smith (batería), Paul White (piano y teclados) y Ray Goodman (guitarra rítmica) entre otros. Todos ellos músicos de sesión procedentes de la Motown.

Abre el LP con Luther´s Blues”, tema que da nombre al disco, blues con letras mayúsculas y en dónde Allison nos demuestra su talento a la guitarra eléctrica. Continúan con “Someday Pretty Baby, de claro estilo blues de Chicago y con una magistral versión del Easy Baby”, patrimonio del legendario Willie Dixon.

La mano y el marcado estilo de la Motown se notan en cortes como Now You Got It”, con un soberbio Luther a la guitarra slide impregnado del más puro funky de los 70, al igual que en “K.T.”, excelente canción con sección de vientos incluida. El blues más puro y visceral aparece en Let´s Have A Little Talk”, y en la clásica Driving Wheel perteneciente Roosevelt Sykes, para finalizar con un bello Into My Life”.

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En los Bonus Tracks destaca la incendiaria versión de Freddie King: San-Ho-Zay”, que sitúa a Luther Allison entre los mejores guitarristas de blues del momento. Una mención honorífica haremos sobre la genial jam Boomington Closingy el medley I´m Gonna Miss My Babe/Bad News Is Coming/ The Thrill Is Gonne”, temas en directo que engrandecen aún más este ya clásico álbum de Mister Allison.

En 1997, Allison fallece víctima de un cáncer a los 57 años de edad. Pero de algún modo, su legado permanece vivo a través de su hijo Bernard Allison, que llegó a militar en su propia banda, posicionándose como todo un referente mundial del blues moderno. Luther Allison tuvo una segunda y fructífera etapa estando exiliado en Francia durante los años 80 y 90. Tiempo después regresó a su patria, pero eso… lo dejo para otra ocasión.

Bachman-Turner Overdrive – Not Fragile (Mercury Records 1974)

BTO Not Fragile

La banda canadiense Bachman-Turner Overdrive fue merecedora de mucho más reconocimiento por parte de la crítica. Haciendo gala de un marcado estilo hard rock, un enérgico sonido y una sección rítmica desbordante, presentan en 1974 «Not Fragile», a mi juicio el mejor LP de toda su carrera.

Originarios de Winnipeg (Canadá), se constituyen en 1972, siendo fundados por el guitarrista y ex líder de The Guess Who, Randy Bachman bajo el nombre de “Brave Belt”. Posteriormente se le une su hermano Robbie Bachman a la batería, el bajista Fred Turner y el guitarra Chad Allan, que abandona la formación poco tiempo después debido al escaso éxito comercial de sus primeros discos.

Durante esta etapa cambian de nuevo su nombre, haciéndose llamar “Bachman-Turner Overdrive”. Para ello, utilizan un juego de palabras derivado de los apellidos de dos de sus componentes “Bachman-Turner” y le añaden “Overdrive”, por la pasión que sentían varios de sus miembros por el mundo del camión y los motores. “Overdrive” era el título de un famoso magazine especializado en esta temática.

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Para suplir la baja de Chad Allan, fichan a Tim Bachman (hermano de Randy y Robbie), con el que graban dos LP’S en 1973 con el sello Mercury Records:Bachman-Turner Overdrive” y “Bachman-Turner Overdrive II”. Una mención especial merece este último, al que valoramos como sencillamente espectacular y que contiene hits como Let It Ride» o «Takin’ Care Of Business«.

Disfrutaron de su época gloriosa durante los 70, obteniendo gran popularidad y llegando a vender alrededor de 7 millones de discos. En este período sufren otra variación en su alineación: el guitarrista Tim Bachman es reemplazado por Blair Thornton.

Centrándonos en el álbum, ”Not Fragile es el tercero en su discografía, fue publicado en 1974 por Mercury Records e incluye nueve pistas. Como ya es costumbre, recordaremos a los integrantes de la BTO, que hicieron posible este elepé : Randy Bachman (guitarra y voz), Blair Thornton (guitarra y voz), Fred Turner (bajo y voz), Robbie Bachman (batería) y Frank Trowbridge (guitarra slide).

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Abre el disco con Not Fragile”, tema contundente que ya nos va preparando para el resto del disco. Acto seguido llega uno de los puntos álgidos con «Rock Is My Life, and This Is My Song», que hace los honores al hard rock y en dónde la BTO brilla con luz propia. Continúan con un frenético «Roll On Down the Highway», para pasar a otro de sus cortes memorables You Ain’t See Nothing Yet».

«Free Wheelin'» es una incendiaria pista instrumental dedicada a Duane Allman , legendario guitarrista de los Allman Brothers fallecido en 1971. Otras canciones de gran calidad son «Blue Moanin'», de cierto aire blues, poniendo punto y final con los riffs de «Givin’ It All Away”.

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En 1977, Randy Bachman deja la formación para crear una agrupación denominada “Ironhorse” y emprende su trayectoria en solitario. Huérfanos de Randy, la banda prosigue bajo las siglas de B.T.O., lo que provoca una serie de disputas legales que le llevan a anunciar su disolución en 1984. Actualmente se han vuelto a reunir y siguen ofreciendo ingentes descargas de rock. Así concluye el disco más galardonado de la Bachman-Turner Overdrive, con el que nos transmiten toda la energía del hard rock elevada a la máxima potencia.

Peligro, alto voltaje.

King Curtis – Live at Fillmore West (Atco 1971)

King Curtis (Live at Fillmore West)

A principios de los años 70, el saxofonista King Curtis se encuentra en un gran momento de popularidad, ocasión que aprovecha para consolidar una estrecha relación profesional con Aretha Franklin y para la consecución de varios shows transcendentales de ambas trayectorias.

Estos conciertos, tuvieron lugar en marzo de 1971 en el auditorio Fillmore West de San Francisco, propiedad del célebre promotor Bill Graham. Para su realización, ejecutaron una maniobra espectacular que ideó el periodista Jerry Wexler: pretenden llegar a la audiencia hippie de San Francisco, pasando por la música soul y también por el blues, la «música del alma”.

Curtis Ousley, más conocido por el sobrenombre de King Curtisnace en 1934 en Fort Worth (TexMemphisas). Comienza su carrera en la década de los 50, especializándose en géneros que abarcan desde el soul-jazz, southern-soul, R&B o el harp bop. En esta época, graba para un elevado número de compañías discográficas de Nueva York y se convierte en un virtuoso saxofonista, obteniendo mucho éxito con temas como el clásico “Soul Twist”. Todo ello, le valió para poder fichar por el gigante discográfico “Atlantic Records en 1958.

Durante los 60, decide cambiar de sello discográfico. Pero curiosamente, vuelve a recalar en Atlantic Records en una nueva segunda etapa y colabora con algunos mitos del soul. Consigue el tan ansiado reconocimiento, y se sitúa como director musical de la dama del soul, Aretha Franklin.

Para la grabación del disco, King Curtis formó un dream team: Cornell Dupree (guitarra), Jerry Jemmont (bajo), Bernie “Pretty” Purdie (batería), Truman Thomas (piano eléctrico) y Pancho Morales (congas). Por si fuera poco, a estos extraordinarios músicos los acompaña como estrella invitada el genial Billy Preston a los teclados y la incendiaria sección de vientos The Memphis Horns”.

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El disco se publica en julio de 1971 por el sello subsidiario de la Atlantic, ATCO. Fue producido por el propio King Curtis y el galardonado Arif Mardin. Incluye nueve temas, en su mayoría instrumentales, abriendo con uno de sus hits de los 60 Memphis Soul Stew, en el que Curtis presenta a la banda, terminando con un ritmo trepidante.

Continúan con la excelente versión de Procol Harum, “A Whiter Shade Of Pale, en dónde King Curtis nos demuestra su innata habilidad al saxo, junto a la enorme calidad de Billy Preston. Siguen con una versión desconcertante del famoso tema de los Led Zeppelin Whole Lotta Love”, esta vez en clave soul-funk, destacando el trabajo del baterista Bernard Purdie.

Una de las pistas más memorables del LP es I Stand Acussed”, soberbio saxo, que da paso a Them Changes”, otra de las conocidas versiones del álbum, perteneciente a Buddy Miles, ex baterista de Jimmi Hendrix. Los demás clásicos que completan el disco son: Ode To Billie Joe”, Mr. Bojangles con un solo sencillamente perfecto y la infernal versión de Stevie Wonder “Signed, Sealed Delivered (I´m Yours)”.

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Finaliza con Soul Serenade”, uno de sus más celebrados éxitos de antaño, compuesta allá por 1963, y una de las canciones más sonadas en el repertorio de la The Derek Trucks Band”, una de las bandas más laureadas de la actualidad. En la redición en CD de 2006, se añaden cinco cortes alternativos.

Con un sonido glorioso y una atmósfera increíble, King Curtis se posicionó como  uno de los máximos exponentes de la música negra y gran saxofonista de R&B. Como testimonio, nos dejó este histórico long play en directo.

Unos meses después de la grabación, su carrera en estado de gracia y su vida se vieron truncadas de manera inesperada. El 13 de agosto de 1971, es asesinado en las escaleras de su apartamento de Nueva York. De este vil modo, se llevaron a esta gran estrella a la tumba, privándonos de su genuina música, en un año maldito para la historia del rock and roll.

Black Sabbath – Paranoid (Vertigo Records 1970)

Black Sabbath (Paranoid)

18 de septiembre de 1970. Una fecha que permanece grabada a fuego en la memoria del rock. También es considerada como maldita por ser el día de la muerte de Jimi Hendrix. Pero a su vez fue un día de celebración, ya que los británicos Black Sabbath tienen una visión: le llamaron “Paranoid”.

A nuestro juicio, analizar uno de los discos más importantes de la historia resulta difícil. Con la publicación de Paranoid, los nativos de Birmingham abren las puertas del averno, dando origen y definiendo de manera espectacular un nuevo estilo al que hoy todos conocemos como Heavy Metal.

“Paranoid” es un álbum de culto y el primer disco de Heavy Metal de la historia. Y aunque otras bandas como Blue Cheer, Led Zeppelin o Deep Purple ya habían endurecido su sonido años antes, añadiendo ese componente de potencia a su música, fueron Black Sabbath los verdaderos pioneros del Metal.

BSB1970

Paranoid” significó mucho más que un álbum, tanto para el Heavy Metal, como para el rock en general. Con él, se forja la leyenda de Black Sabbath y de dos mitos del género: el guitarrista Tony Iommi y el peculiar cantante Ozzy Osbourne. Pero sin desmerecer lo anterior, el bajista Geezer Butler y el baterista Bill Ward llevaron al grupo hacia otra dimensión. Unos virtuosos músicos que lanzaron a Black Sabbath a lo más alto del olimpo.

Una serie de curiosos datos rodean al disco. En un principio, se iba a titular como “War Pigs”, (cerdos de guerra), pero debido a fuertes presiones de la discográfica y a ciertos problemas derivados de la guerra del Vietnam, se le cambió el nombre a “Paranoid”. Centrándonos en el álbum, segundo de su discografía, fue publicado por el sello Vertigo Records en 1970 e incluye 8 pistas. Aclamado por la crítica, obtuvo un gran éxito y cuatro certificaciones de platino, alcanzando las posiciones más elevadas en los ránkings de ventas debido a su carácter innovador. Contó con la producción de Rodger Bain, que ya había colaborado con Black Sabbath en su disco homónimo.

Black Sabbath Band II

Destacaremos que este Long Play es una obra perfecta de principio a fin, tanto en calidad musical y lírica. La tristeza y oscuridad de sus letras hacen referencia a temas como los conflictos bélicos, la condición humana o las drogas. Black Sabbath son: Ozzy Osbourne (voz), Tony Iommi (guitarra) Geezer Butler (bajo) y Bill Ward (batería).

El vinilo comienza a rodar y ya nos damos cuenta del porqué de su grandeza. Inician con un poderoso “War Pigs”, arrollador tema de claro sentimiento antibélico, para continuar con el clásico entre clásicos “Paranoid”, canción estrella del LP y su hit más famoso, poseedor de un genial riff. Fue compuesto en media hora.

Band Black Sabbath

¿Qué decir del espectacular Iron Man?, pista célebre, clásico riff y otra joya de incalculable valor. Mejor escucharla. Otros cortes que completan el álbum son la balada “Planet Caravan”, en dónde sentimos la característica voz de Ozzy Osbourne al igual que un aterrador “Electric Funeral”. El sobresaliente guitarrista Tony Iommy deja su sello en Rat Salad” y “Fairies Wear Boots”, que cierran el disco.

Así concluye esta pieza angular del heavy metal y el rock, cortesía de Black Sabbath. Un día, cuatro chicos ingleses descubrieron una nueva forma de entender la música. Fueron una brillante luz de esperanza que se abrió paso hacia un futuro incierto. Y le otorgaron nombre propio: Heavy Metal.

Bienvenidos al infierno.

ZZ Top – Tres Hombres (London Records 1973)

ZZ Top - Tres HombresTodo ocurrió mucho antes de que los ZZ Top se dejasen largas barbas. 26 de Julio de 1973, año de gracia para el grupo y fecha especial para estos oriundos de Texas. Con la publicación de  Tres Hombres, los ZZ Top se convierten en  una banda clásica del rock. Un disco exitoso y pieza clave para uno de los power trío más famosos de la música del diablo. Con él, los legendarios barbudos inician una nueva etapa endureciendo su sonido Texas Blues  hardrockero.

Tres Hombres posee un sabor auténtico, genuino y con denominación de origen. Combinan a la perfección un marcado estilo blues rock de riffs endiablados, con divertidas letras referentes a  coches, chicas y burdeles varios, perdidos en la inmensidad del desierto tejano.

ZZ Top THPero si este LP permanece grabado a fuego en el recuerdo colectivo es gracias a “La Grange”. Todo un hit con el que alcanzan gran popularidad, siendo utilizado en multitud de anuncios publicitarios, radio, televisión y en películas como Armageddon o Striptease. Y es que toda gran canción esconde una historia:

Las letras del tema hacen alusión a un poblado situado a las afueras de La Grange (Texas), en dónde existe un conocido prostíbulo. Tiempo después se le cambió el nombre por “Chicken Ranch”. Curiosamente, esta casa de citas fue el guion principal del film “The Best Little Whorehouse in Texas”, protagonizado por Burt Reynolds y Dolly Parton en 1982.

Centrándonos en el álbum, tercero de su discografía, se edita en 1973 por el sello London Records e incluye 10 pistas. Cuenta con la producción de Bill Ham, artífice del  éxito que obtuvo la banda y el responsable de moldear su imagen. Como ya es costumbre, haremos mención al triplete que realizó esta obra: Billy Gibbons (guitarra y voz), Dustin Hill (bajo, voz y teclado) y  Frank Beard (batería).

Abre el disco en su cara 1 con “Waiting For The Bus”,  un blues rock de riffs magistrales y ritmo muy elaborado. ZZ Top Band Texas Siguen con “Jesus Just Left Chicago”, un blues más pausado con aroma a pantano. Una potente descarga de rock llega con Beer Drinkers & Hell Raisers”¡¡¡Ooohh Yeeeahh Rock And Roll!!!! . También hay espacio para la emotividad con “Hot Blue And Righteous”, una bella balada.

En la cara 2 nos encontramos con otros cortes remarcables como “Move Me On Down The Line” y “Precious And Grace”, tema contundente al más puro estilo ZZ Top.El punto álgido llega con “La Grange”, clímax sonoro y pista estrella del álbum. Ponen fin a un disco brillante con “Shiek” y “Have You Heard”, impregnadas de aire sureño.

ZZ Top B

Así concluye la aventura musical más célebre de los cariñosamente apodadosThe Little Ol Band from Texas”. En 1971 inician su carrera con dos emblemáticos discos “ZZ Top First Album” y  “Río Grande Mud”. Pero cuando llegó “Tres Hombres”, los eclipsó completamente…

Con una trayectoria de más de cuarenta años,  los ZZ Top continúan deleitando al público con sus explosivas actuaciones en directo. Y todo ello, manteniendo la formación original y el manager incluido. En 1984, la marca de cuchillas Gillete ofrece al grupo un millón de dólares a cambio de afeitarse sus prominentes barbas, para realizar un anuncio de televisión. Rápidamente la nada despreciable oferta fue rechazada. El mejor ejemplo de que los viejos rockeros nunca mueren.

Aretha Franklin – Lady Soul (Atlantic 1968)

Lady Soul

La diva de la canción Aretha Franklin ya consagrada como gran dama del soul, irrumpe en 1968 con Lady Soul un espléndido disco de soul, blues y rythmn & blues. Se graba a lo largo de 1967, un año mágico que resulta crucial para la música. Por aquella época emergen de nuevo estilos como el blues y el soul, dentro de la reciente historia de la música pop del momento.

Aretha nace en Memphis (Tennessee), – ciudad legendaria para la música – en 1942, pero desde la infancia se cría en los barrios industriales de Detroit. Hija de padre predicador y madre cantante de góspel, su padre pronto vio en ella un enorme potencial, que la lleva a rodearse de las voces más influyentes del género, como Mahalia Jackson o grandes vocalistas del jazz como Dinah Washington y Ella Fitzgerald, que la inicia en el piano.

Tras una etapa en su carrera dedicada al góspel, y grabando para prestigiosos sellos como Columbia o Harmony, a mediados de los 60 da un paso en su carrera fichando por Atlantic Records, un sello especializado en jazz y soul. Después de cosechar un rotundo éxito con sus dos primeros trabajos para la Atlantic, llega “Lady Soul”, grabado durante los meses de febrero, junio y diciembre de 1967. De manera oficial, el disco es lanzado el 22 de enero de 1968, bajo la producción de Jerry Wexler. El ingeniero de sonido fue Tom Dowd, que demostró una vez más su especial olfato y talento para la música.

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Para la grabación del LP la Atlantic Records pone toda su maquinaria en funcionamiento y cuenta con un magnífico elenco de músicos: la celebradísima sección rítmica de los miembros de la “Muscle Shoals, que providencian un perfecto acompañamiento musical, apoyados por las “Sweet Inspirations”. Como dato curioso, dos integrantes de las Sweet Inspirations eran sus dos hermanas Emma y Carolyn Franklin, junto a Cindy Houston.

Una mención honorífica merece la sección de vientos, liderada por el excelente saxofonista King Curtis, y otros invitados de lujo como Bobby Womack, Joe South o el guitarrista Eric Clapton, militando por aquel entonces en el grupo Cream, entre otros no menos conocidos.

El álbum contiene diez temas y comienza con un clásico de Don Covay llamado “Chain Of Fools, de claro estilo rythmn & blues. Con unos sobresalientes coros, sentimos la irrepetible voz de Aretha y su peculiar forma de tocar el piano. Y de manera instantánea, “Chain Of Fools, se convierte en un habitual de su extensa carrera. Continúan con una versión funky de James Brown “Money Won´t Change You” y con la clásica de Curtis Mayfield denominada “People Get Ready”, una bella versión de Lady Soul.

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Una de las canciones estrella es la balada “(You Make Me Feel Like) A Natural Woman”, dónde pone de manifiesto su impresionante voz. Good To Me As I Am To You”, es un tema blues compuesto por Aretha y sorprende la colaboración con el héroe de la guitarra Eric Clapton. Otras pistas remarcables son Come Back Baby de Ray Charles, o la deliciosa versión de los The Young Rascals “Groovin”. Para finalizar, una melancólica “Ain´t No Way”, acompañada por el virtuoso saxo de King Curtis.

Aretha Franklin deposita un gran sentimiento en sus canciones. Miss Franklin tiene una habilidad innata para combinar diferentes estilos y atraparnos en el soul , y hace de este álbum un clásico apto para todos los públicos. En la actualidad, nos sigue deleitando con su voz y sus interpretaciones pasados ya los setenta años de edad. Aretha reina desde su trono del soul.

Fleetwood Mac – Rumours (Warner Bros Records 1977)

Fleetwood Mac Rumours¿Pop de calidad?, por supuesto. Así valoramos a “Rumours”, uno de los discos más importantes que ha visto nacer la música pop.

A nuestro juicio, Rumours ha sido una historia que nada tiene que ver con la música que esta banda británica realizó años atrás. Desde sus inicios en 1967 y liderados por el virtuoso guitarrista Peter Green, los Fleetwood Mac se decantan por el blues rock. Son considerados una formación camaleónica, debido a los constantes cambios que sufren en sus filas. Muy afectados por los conflictos con Peter Green,  que abandonó el grupo en 1970, los Mac varían de manera drástica su estilo musical. Con Rumours exploran los designios del pop, se introducen en sus desenfadadas y pegadizas melodías, pero sin descuidar factores como la lírica o la calidad de los álbumes.

FMacY tal día como hoy, un 4 de febrero de hace 35 años se publica Rumours”, el disco más mediático de Fleetwood Mac. Aclamado por la crítica, se situó como su obra más comercial.  Vendió alrededor de 40 millones de copias en todo el mundo y se colocó en los primeros puestos de las listas musicales de 1977, obteniendo gran popularidad.

Pero este disco esconde algo más que grandes canciones. Su proceso de grabación fue caótico, ya que uno de sus miembros fundadores, el baterista Mick Fleetwood, estaba en proceso de separación matrimonial. Por si fuera poco, se le suma el  abuso de cocaína y  las tensiones internas provocadas por celos, desamores e infidelidades entre las parejas Lindsey Buckingham / Stevie Nicks y John y Christine McVie. Toda una serie de  circunstancias más propias de un guión de película al más puro estilo “Lo que el viento se llevó”, que de un Long Play de música.

Culebrones al margen y centrándonos en el álbum fue el decimoprimero de su discografía. La edición original se publica en 1977 por el sello Warner Bros Records e incluye 11 pistas. Haremos mención al personal que hizo posible este LP: Lindsey Buckingham (guitarra y voz), Stevie Nicks (voz), Christine McVie (voz, teclado), John McVie (bajo) y Mick Fleetwood (batería).

FMBandDentro del disco, nos encontraremos con hits como la emotiva balada Dreams, o diversas gemas pop que hacen los honores al género: Don’t Stopescrita por Christine McVie, y en dónde no olvidan sus raíces blues. Este tema, mundialmente conocido, se convirtió  en la canción estrella del álbum. Y ahora es cuando los españoles debemos iniciar un nostálgico viaje hacia el pasado: Tiempo después la marca andaluza de cervezas Cruzcampo”, adaptaba Don’t Stop”, para promocionar su campaña publicitaria… ¡¡¡ Que recuerdos!!!…

Otros éxitos que completan Rumours”, son “Go Your Own Way”, con excelentes armonías vocales y un contagioso estribillo. El cúmulo de emociones y una fuerte carga sentimental se reflejan en Oh Daddy”. Elegantes y muy cuidadas instrumentalmente se presentan “You Make Loving Fun”, I Don’t Want to Know, o el “Gold Dust Woman”, que cierra el álbum. En 2004, se remasteriza una nueva versión de «Rumours» en formato CD, añadiendo material extra y varios temas inéditos. Se comenta que con motivo de su 35º aniversario, la casa discográfica Rhino Records volverá a reeditar el disco, incluyendo actuaciones en directo.

Así concluye esta millonaria aventura de los Fleetwood Mac. Aquellos que un día fueron reyes del blues, quizás rompieron con cierto establishment al que nos tenían acostumbrados. Pero nos dejaron una gran música que recordaremos durante generaciones.

Otis Spann – The Biggest Thing Since Colossus (Blue Horizon 1969)

Otis Spann (The Biggest Thing Since Colossus)

Todo comienza durante la primera gira de los británicos Fleetwood Mac por los Estados Unidos en 1968. En esa dorada época, se fraguan unas fructíferas relaciones musicales con varios de los artistas más granados del blues del momento. Fusionaron el más puro estilo Chicago y del Delta, con el emergente blues anglosajón ya iniciado desde los albores de los años 60.

Después de una espectacular acogida tras una de estas colaboraciones, que fueron recogidas en el soberbio “Blues Jam in Chicago” (grabado por artistas de la talla de Willie Dixon, S.P Leary, Walter Horton, Buddy Guy u Otis Spann, junto a jóvenes talentos ingleses como Fleetwood Mac, entre los que figuraban Peter Green, John McVie, Danny Kirwan y Mick Fleetwood,) los Fleetwood Mac se empapan de auténtico blues, e inician un nuevo proyecto encabezado por el legendario pianista Otis Spann y su inseparable baterista S.P. Leary

El resultado que obtuvieron fue este The Biggest Thing Since Colossus”, segunda colaboración con algunos miembros de Fleetwood Mac,  unidos a la veteranía del  pianista Otis Spann. Un gran disco que blues,  que aunque no es muy conocido, se consolidó como uno de los grandes clásicos de los años 60.

Como la inmensa mayoría de artistas de este género, Otis Spann nace en una pequeña granja en el Delta del Mississippi en marzo de 1930. Desde muy joven destaca en su faceta de pianista, cantante y compositor, rodeándose de viejas leyendas como Sunnyland Smith, Little Brother Montgomery o su verdadero ídolo, Big Maceo Merryweather.

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Otis se traslada a Chicago, ciudad en dónde alcanza un protagonismo mayúsculo, gracias a su peculiar forma de tocar el piano. Tras ganarse un lugar importante en el mundo del blues, comienza a grabar en la casa discográfica Chess Records”, codeándose con mitos como Howlin´Wolf o Bo Diddley, y pasa a formar parte de la banda de Muddy Waters, dónde se situa como un pilar básico y en la que permanece hasta 1968.

A mitad de la gira americana de los Fleetwood Mac, surge la idea de grabar con uno de los bluesman más carismáticos de aquellos años, pero con la condición de que Otis Spann tocaría con su compañero y baterista predilecto, S.P Leary). Desplazó a Mick Fleetwood, lo que, al contrario de lo que pueda parecer, le resultó tremendamente gracioso, llegando a comentar que de esa manera podía “aprender la técnica de un baterista veterano de blues, lo cual podía ser básico en su formación”.

El disco se graba en enero de 1969 en los Tempo Sound Studios de Nueva York, para el sello discográfico “Blue Horizon, bajo la producción de Mike Vernon. Como ya es costumbre, haremos mención al personal que hizo posible esta obra: Otis Spann (piano y voz), Peter Green y Danny Kirwan (guitarras), John McVie (bajo) y S.P. Leary (batería).

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El álbum contiene diez pistas, en su mayoría compuestos por Otis Spann y destacan clásicos como My Love Depends on You,tema dónde sobresale el piano de Otis y la magistral guitarra de Peter Green. Continúan con un rítmico Walkin”, dónde  el batería S.P Leary sorprende con un fugaz solo de batería. El blues más puro, hace acto de presencia en canciones como Temperature Is Rising (100.2ºF), I Needs Some LovingAin´t Nobody Bussiness”, todo un hit propiedad del bluesman Jimmy Whitherspoon.

Los Fleetwood Mac , aportan su característico estilo británico en cortes algo más movidos como Dig You”, o en She Needs Some Loving”, que se convierte en uno de los temas más recordados del LP, al igual que Someday Baby”, que cierra el disco.

Con la curiosa portada de un ciervo volante (de la familia de los coleópteros, Lucanus Cervus), sobre un fondo rojo intenso, The Biggest Thing Since Colossus nos deja el testimonio de un disco clásico, sencillo y atemporal. Fue llevado a cabo por uno de los mejores grupos del blues rock, acompañados de uno de los máximos exponentes que ha dado el blues.  Todos ellos, nos transmitieron el exquisito sabor y la intensidad del blues en su estado más puro.

El gran Otis Spann falleció en 1970, a los 40 años de edad, víctima de un cáncer de hígado. Así concluye esta aventura y los Fleetwood Mac siguieron su propio camino. En años venideros cosecharon un rotundo éxito, pasando por uno de los momentos más álgidos de su ya extensa carrera…