Nirvana – Nevermind (DGC Records 1991)

Nirvana (Nevermind)Surgidos del underground más oscuro que recuerda la historia musical contemporánea, Nirvana cambió la manera de entender el rock en los años 90. Actuaron en locales anónimos de Seattle y escribieron poesía clandestina entre drogas, humo y nicotina.

Y así comienza la leyenda de los estadounidenses Nirvana, la  banda musical que popularizó el “grungea escala mundial. Sin ser en ningún caso los creadores del estilo, fueron los máximos exponentes de este  nuevo género del rock que se venía gestando desde mediados los años 80 en Washington.

El grunge, como movimiento contracultural y alternativo, no cumple con las características habituales de la musical comercial, oponiéndose y despreciando incluso lo que la palabra “comercial” significa. No importa que vendas millones de discos. No importa que te hagas rico y famoso con el negocio de la música. Es mejor que te reconozcan por tu ideología y por tu música.

Desde mi opinión, Nirvana nunca supo asimilar el éxito al que se vieron sometidos. Lo que sí es innegable es que al margen de obsequiarnos con ese diamante al que bautizaron como Nevermind”, posibilitaron que otros muchos grupos de la escena independiente publicaran sus trabajos.

Nirvana BandOriginarios de Aberdeen (Washington), se constituyen en 1987. Anteriormente actuaban bajo el nombre de “Fecal Matter” y siendo liderados por Kurt Cobain, esta banda fue el embrión  de Nirvana. Sus comienzos fueron muy difíciles y en 1988 son contratados casi por compasión por la casa discográfica independiente “Sub Pop Records”.

En 1989 publican Bleach su disco de debut con el que logran reseñas positivas, pero Nirvana no pasa de ser una banda únicamente conocida en el circuito grunge de los Estados Unidos. Y los críticos musicales tampoco le auguraban el éxito desmesurado que muy poco tiempo después obtendrían.

Uno de los principales problemas de Nirvana era conseguir un puesto de batería estable. Kurt Cobain y el bajista Krist Novoselic se muestran muy preocupados porque no encuentran un baterista que les convenciese. Pero en 1990 se cruza en su camino Dave Grohl, un desconocido multiinstrumentista procedente de Ohio que tocó con el grupo hasta su disolución. Finalmente la alineación de Nirvana quedó conformada por Kurt Cobain (voz, guitarra), Krist Novoselic  (bajo) y Dave Grohl (batería).

1991 sería la fecha que cambió su destino. Ya fichados por el sello discográfico DGC Records, ve la luz Nevermind, su obra magna con la que alcanzan fama mundial. Una serie de curiosos datos rodean al disco, a continuación citaré los más representativos: Nevermind logra relevar a un segundo plano al Dangerousde Michael Jackson, colocándose  en lo más alto de las listas de éxitos de la época y fue premiado 10 veces como disco de platino.

Nevermind InteriorEn un principio el LP se iba a titular Sheep(oveja). Lo escogieron a modo de protesta para hacer alusión a que ninguna casa discográfica podía comprarlos. Finalmente declinaron la idea y le llamaron Nevermind”. Para la posteridad quedará su impactante portada, en la que podemos visualizar un bebé nadando bajo el agua hacia un billete de un dólar. El niño en cuestión es Spencer Elden, hijo de Rick Elden, amigo personal del fotógrafo oficial de la banda Kirk Weddle, que fue el responsable de captar el célebre cover. Los padres del chico solamente recibieron 200 dólares por permitir  que saliera en la portada.

Centrándonos en el álbum, segundo de su discografía, se publica el 24 de septiembre de 1991 por el sello DGC Records. Contiene 12 temas y se incluye una “pista oculta” llamada Endless, Nameless”.  Destacar el valor lírico de Nevermind, puesto que sus  letras están llenas de amargura, tristeza y rabia contenida.

Contó con la producción de Butch Vig, un reconocido músico procedente del circuito alternativo y que ha colaborado con artistas como Jeff Beck, Alanis Morissette o Korn. Como ya es costumbre, haremos una mención especial a los integrantes de Nirvana, que hicieron posible esta crucial obra: Kurt Cobain (voz, guitarra), Krist Novoselic  (bajo) y Dave Grohl (batería).

Nirvana Band IIEl disco abre con el clásico entre clásicos  Smells Like Teen Spirit,  que impregnado de cierta épica se situó como el himno inmortal de la Generación X. “Smells Like Teen Spirit” es un espectacular despliegue de guitarreo sucio, acompañado por la desgarradora voz de Cobain y  una contundente batería. Otras joyas que nos encontraremos en el álbum y que hacen los honores al grunge son “Polly”, «Lithium”, “Come as You Are”, “In Bloom”, “Territorial Pissings”, “Stay Away”, o un melancólico  “Something in the Way”.

Y así concluye la segunda aventura musical de aquellos que rompieron los límites de lo establecido y lo políticamente correcto. En 1993, uno de los momentos álgidos del grunge tiene lugar durante el concierto en directo ofrecido por Nirvana para la cadena de televisión MTV. Ante los ojos de todo el planeta, comienzan a destrozar el escenario de una de las instalaciones más poderosas de la industria del disco. Creemos que fue todo un gesto rebelde y agresivo provocado por la manera en que los managers y la MTV manejaban los asuntos del grupo.

CobainEl 5 de Abril de 1994,  la muerte se lleva al apóstol rubio del grunge  a los 27 años de edad Las causas del fallecimiento de Kurt Cobain nunca han sido del todo esclarecidas, aunque todos los datos apuntan al suicidio.

Su cuerpo sin vida fue hallado por un electricista en su casa de Seattle. Y así entraba Cobain a formar parte del fatídico club de los 27, junto a otros mitos del rock como Jim Morrison, Janis Joplin o Jimi Hendrix, que nos dejaron a esa misma edad.  Con motivo de esta trágica noticia, los Nirvana anuncian su separación pocos meses después. A nuestro juicio, Nirvana y Kurt Cobain, todo un icono controvertido de naturaleza atormentada,  fueron víctimas de aquello que tanto odiaron: la comercialidad.

Buddy Miles – Them Changes (Mercury 1970)

Buddy Miles (Them Changes)

Poseedor de un talento innato, divertido y a veces contagioso, Buddy Miles se convierte por méritos propios en uno de los baterías más carismáticos de la época dorada del rock. Supo transmitir a la perfección toda su frescura musical a leyendas de la guitarra como Mike Bloomfield, Jimi Hendrix o Carlos Santana durante los años 60 y principios de los 70.

Originario de Omaha, George Allen Miles nace en el estado norteamericano de Nebraska en 1947. Desde su infancia comienza a tocar la batería en la banda de jazz de su padre, también un reputado músico, que a su vez se codeaba con otras estrellas históricas del jazz. Años más tarde, se traslada con su familia a Chicago y siendo  un adolescente, ya toca en bandas de rythm & blues y soul como los Delftonics o Wilson Pickett.

Pero su gran oportunidad le llega gracias al virtuoso guitarrista Mike Bloomfield, que decide incorporarlo en su nuevo proyecto llamado The Electric Flag”. Rápidamente, el genial Buddy se gana a pulso un puesto importante entre los más grandes, dejándonos momentos estelares como la actuación en el “Monterey Pop Festival” de 1967.

Una vez que los The Electric Flag se disuelven, Buddy Miles forma su propia banda, a la que bautiza como Buddy Miles Express”. También contó con la ayuda de la sección de vientos de la ya extinta Electric Flag. Así mismo, logra que el grupo sea producido por el héroe de la guitarra Jimi Hendrix, siendo esta la primera colaboración entre estos dos mitos del rock. Tiempo después, continúan con su exitosa y fructífera relación musical, que llega a su fin en 1970, debido al fallecimiento de Jimi Hendrix.

Centrándonos en el álbum, Them Changes”, es el tercer disco en solitario de su carrera. Producido por el propio Buddy Miles, Robin McBride y Steve Cropper, se graba en los “Audio-Finisher Studios” de Chicago en 1970 para el prestigioso sello Mercury Records.

Para su realización, se rodeó de una extraordinaria agrupación formada por un amplio elenco de músicos: Buddy Miles (batería, bajo, guitarra y voz), el joven y magnífico guitarrista Charlie Karp, Bob Hogins (órgano), David Hull (bajo), apoyados por una espléndida sección de vientos junto a un coro inolvidable. El resultado que obtuvieron fue magistral, con un sonido auténtico y espectacular.

Buddy Miles

El LP contiene ocho cortes intensos y de estilo único, en el que Buddy Miles crea un enérgico sonido basado en el funk-rock. El disco abre con Them Changes”, tema que da nombre al álbum. Todo un hit, un himno de los más utilizados en su trayectoria y que fue versionado hasta la saciedad por otros grupos. Al margen de esto, también nos muestra su excelencia compositiva.

Seguidamente nos encontramos con otras joyas como la melódica Heart´s Delight”, la gran versión de Gregg Allman Dreams”, o el clásico Down By The River”, perteneciente a Neil Young. Para  finalizar mencionaré otras dos pistas básicas del álbum: el movido Memphis Train  y el instrumental Paul B. Allen, Omaha, Nebraska , de estilo jazz y que hace honor a sus orígenes.

Para la posteridad queda su portada impagable, obra del fotógrafo Burnell Caldewell. Y así concluye esta aventura sonora de Buddy Miles, aquel músico de voz dulce pero poderosa. Con su ritmo pegadizo e inconfundible estilo a la batería, fue capaz de obsequiarnos con una de las perlas más brillantes que ha dado la música rock. El corazón de esta figura esencial del rock deja de latir en 2008 a los 60 años de edad . Pero siempre le recordaré por ser miembro de los míticos The Band Of Gypsys de Jimi Hendrix, por su trabajo incansable y por sus innumerables colaboraciones a lo largo de la historia musical contemporánea.

Un músico de leyenda.

Iron Butterfly – In-A-Gadda-Da-Vida (Atco Records 1968)

Iron_Butterfly (In-a-gadda-da-vida)Iron Butterfly se perdió en la inmensidad del cosmos psicotrópico. Quizás se plantearon resolver un problema de aritmética. Buscaron el riff perfecto entre miles de combinaciones alfanuméricas. En 1968 despejan la incógnita y se obtiene el resultado final, que fue todo un mensaje subliminal: In-A-Gadda-Da-Vida”.

Así se presenta este clásico álbum, impregnado de psicodelia de principio a fin. Gracias a su hit central, In-A-Gadda-Da-Vida”, tema homónimo al disco y el más exitoso de su carrera, permanece vivo en la memoria del rock.

En un principio la canción se iba a titular In The Garden Of Eden” (En el Jardín del Edén). Pero durante el proceso de grabación, el cantante Doug Ingle que se encontraba bajo los efectos de las drogas y el LSD,  pronunció las letras de la frase por otras ininteligibles… In-A-Gadda-Da-Vida”. Pero esta versión de los hechos nunca se confirmó oficialmente. Para la posteridad quedarán sus 17 minutos de duración, su espectacular riff de guitarra y bajo, al igual que su extraordinario solo de batería y su oscuro y gótico órgano.

Iron_ButterflySurgidos de San Diego (California), los Iron Butterfly son liderados por el talento compositivo de Doug Ingle.  Se constituyen como banda en 1966 y su alineación estaba formada por Darry Deloach (voz), Doug Ingle (piano y voz), Danny Weis (guitarra), Jerry Penrod (bajo) y Ron Bushy (batería). Son una formación camaleónica, durante sus primeros años sufren diversos cambios en sus filas. Haremos mención  a los integrantes de Iron Butterfly que hicieron posible esta obra: Erik Brann (guitarra, voz y violín), Doug Ingle (piano y voz), Lee Dorman (Bajo) y Ron Bushy (batería).

Centrándonos en el disco, primero de platino de la historia, se publica en 1968 por el sello Atco Records y contiene 6 temas. Dentro del Long Play nos encontramos en su cara A con todo un despliegue de psicodelia y guitarreo incesante, reflejado en cortes como “Most Anything You Want”, Flowers and Beads”, “My Mirage” o “Termination”. El momento culminante llega con In-A-Gadda-Da-Vida”, canción estrella que ocupa toda la cara B del vinilo y que echa el cierre a un disco legendario.

Iron Butterfly fueron contratados para tocar en el festival de Woodstock’69pero debido a una pelea entre sus componentes en el aeropuerto, no pudieron acudir al histórico evento. Iron Butterfly BandEn 2003 el guitarrista Erik Brann fallece víctima de un ataque cardíaco a los 52 años y el bajista Lee Dorman nos deja en 2013. Su cuerpo sin vida fue hallado en el interior de su vehículo cuando se dirigía a su médico. Siempre es grato recordar las alas de estas mariposas de hierro, que un día se posaron en lo más alto de la cima del rock.

Scorpions – Taken by Force (RCA 1977)

Scorpions (Taken By Force)

A mediados de los 70, el quinto álbum de los Scorpions supone el final de la primera etapa de la banda, motivado  por las diferencias musicales entre los componentes de esta formación. Surgidos de la ciudad de Hannover (Alemania) en los años 60, en un principio se hacen llamar Nameless”, luego The Scorpions y finalmente se rebautizaron como Scorpions”. En 1972, irrumpen de manera impactante en la escena musical de la época, con su disco de debut Lonesome Crow”, de estilo hard rock progresivo.

Tras sus primeros LP’S, obtienen gran éxito y enfocan su sonido hacia el heavy-metal, sobre todo después del magistral In Trance de 1975, con el que traspasan fronteras, tanto en Europa como en América.  Incluso llegan al lejano Japón, país dónde se convierten en todo un referente musical. Volviendo al álbum, Taken By Force es la piedra angular de los Scorpions. Se publica en 1977 por el sello RCA y se graba en los “Dierks-Studios de Hamburgo, aparte de contar con el excelente trabajo del conocido productor Dieter Dierks”.

Su histórica alineación, valorada en muchas ocasiones por la crítica como una de las mejores que han tenido los Scorpions, quedó conformada por: Rudolf Schenker y Ulrich Roth (guitarras), el vocalista Klaus Maine, Herman Rarebell (batería) y Francis Buchholz (bajo).

Este disco fue el último para el magnífico guitarrista Uli Jon Roth, que como ya mencionamos antes, mantenía fuertes diferencias con Klaus Meine y Rudolf Shenker. Una y otra vez se ven envueltos en acaloradas discusiones, debido a los distintos puntos de vista sonoros y al futuro que debía tomar grupo.

Scorpions

Ulrich tocó por primera vez con el sensacional baterista Herman Rarebell (de ahí viene lo de la histórica alineación), que junto a la voz inconfundible de Meine, Schenker y el resto de miembros, alcanzan uno de los sonidos más cruciales e inconfundibles de los germanos.  Añadiendo efectos especiales y acompañados de la poderosa voz de Meine, el disco contiene ocho temas y es una obra maestra de principio a fin. Son clásicos absolutos de la extensa carrera de los Scorpions.

El Long Play comienza en su cara A con el demoledor sonido de un martillo neumático y el contundente tema Steamrock Fever”, para dar paso a We´ll Burn The Sky”, una de las canciones estrella del álbum, compuesta por Schenker y una ex -novia de Jimi Hendrix llamada Mónica Dinneman. En él, los Scorpions se emplean a fondo y demuestran su virtuosismo en una pista que conseguirá emocionarte. Continúan con el pegadizo I´ve Got To Be Free y termina en su cara A con The Riot Of Your Time, dejándonos riffs  espectaculares con una banda perfectamente ensamblada.

La segunda parte de Tomado por la fuerza prosigue con el sonido rudo de The Sailor Of Charon y la  melódica Your Light”, demostrando Uli Roth su talento con la guitarra. He´s A Woman- She´s A Man”, corte puro, visceral, y uno de los grandes clásicos de la historia del heavy-metal. El mismo camino sigue la triste balada Born To Touch Your Feelings» de más de 7 minutos de duración, que pone el cierre a un elepé brillante.

Scorpions (Taken By Force II)

La portada original fue censurada y no salió en algunos países. Se consideró ofensiva, ya que en la imagen tomada por el fotógrafo Michael Von Gimbut, se observa a unos niños jugando a la guerra en un cementerio de Francia. Scorpions rivalizó durante décadas con multitud de bandas anglosajonas, consiguiendo millones de ventas por todo el mundo y son una de las agrupaciones más representativas del rock. A mi juicio, establecieron una base fundamental para el sonido heavy-metal durante los años 70. Y  la culpa, la tienen discos tan fantásticos como  este Taken By Force.

Wilson Pickett – Hey Jude (Atlantic 1969)

Hey Jude

Wilson Pickett. Uno de los mejores cantantes de la música negra americana. Nos dejó un gran legado y fue proclamado como rey absoluto del sonido “southern-soul”. En 1969 publica «Hey Jude«, un clásico demoledor acompañado por el legendario guitarrista Duane Allman.

Wilson Pickett nace en 1941 en el estado sureño de Prattville, Alabama (Estados Unidos). En 1955 se traslada rumbo al norte, a la ciudad industrial de Detroit,  dónde destaca a principios de los 60 como vocalista del grupo The Falcons con orientación góspel. En 1965 y tras la estrecha cooperación con The Booker T & Mg´s y Steve Crooper,  Pickett revoluciona la música soul gracias a una voz agresiva y explosiva. Durante esta época publica varios de sus temas más celebres, como  “In The Midnight Hour”, “Mustang Sally”, “Land OF 1000 Dances”, “Don´t Fight It o Everybody Needs Somebody To Love, que serían utilizados años después en infinidad de bandas sonoras de cine.

Volviendo al álbum, Hey Jude, fue producido por el dúo Rick Hall / Tom Dowd y se graba en los Fame Studios, Muscle Shoals en Alabama en 1968. Se publica en 1969 y cuenta con la colaboración de prestigiosos músicos de sesión de la Muscle Shoals como Roger Hawkins (batería), Jerry Jammot y David Hood (bajistas), James Johnson, Albert Lowe y Duane Allman (guitarras), Barry Beckett (piano) Marvell Thomas (órgano). Todos ellos, apoyados por una gran sección de vientos y el excepcional coro The Sweet Inspirations”.

Duane Allman Wilson Pickett

Hey Judees un disco rodeado de anécdotas realmente simpáticas y curiosas. A continuación mencionaré algunas de las más representativas: Wilson Pickett tenía por costumbre vestir de manera inmaculada y elegante. Cuando se encontró con el mítico guitarrista Duane Allman  en los estudios de grabación, quedó impactado, estupefacto y desorientado, por el aspecto hippie desaliñado del guitar hero sureño. Pero todo cambió cuando Allman hizo sonar los primeros acordes con su Gibson Les Paul. Por aquel entonces, Duane Allman trabajaba como músico de sesión de la Atlantic.

Otra de las innumerables anécdotas sucede cuando Duane Allman sugiere a Wilson Pickett grabar un nuevo tema de reciente publicación por The Beatles, “que está subiendo como la espuma”, llamado Hey jude”. Seguidamente, lo que Pickett le responde es “que de ninguna manera y que es una idea absurda”. Pero el poder de convicción de Duane Allman y su carácter afable, logran convencer a Wilson “Wicked” Pickett.

Y más sorprendido quedaría, cuando observa la destreza y los geniales riffs de guitarra de Allman, lo que le valió para ponerle el apodo de SkyDog”. Tras grabar Hey Jude”, Wilson Pickett decide grabar un álbum de versiones y de las once que contiene el disco, destacar Hey Jude”, con la extraña conjunción Beatles-Pickett-Allman.

Otras excelentes versiones que atesora el Long Play son The Hold de Isaac Hayes, impregnado de la guitarra inconfundible de Mr. Allman, al igual que un fantástico Born To Be Wild de Steppenwolf, recién salida del horno por aquel entonces y popularizada en el film Easy Rider”, o el tema My Own Style Of Loving”.

Wilson Pickett

Wilson Pickett también participó con otro grande de la música en este disco como Bobby Womack, en canciones  como Sit Down And Talk This Over o People Make The World. Y para finalizar, un espléndido A Man And A Half y la balada Back In Your Arms”.

Wilson Pickett emerge en los años 60 y se consolida como uno de los vocalistas más extraordinarios del soul. En este álbum, consigue acercarnos hacia un estilo denominado southern-rock, asumiendo también gran parte de culpa, el héroe de la guitarra Duane Allman.

Wilson Pickett fallece el 19 de enero de 2006 en Virginia, víctima de un infarto al corazón a los 64 años de edad, año en que también se aprovechó para reeditar el álbum en CD por el sello DBK Works.

Johnny Cash – At San Quentin – (Columbia Records 1969)

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Johnny Cash fue la voz de los oprimidos y los marginados. La voz de aquellos que han sido privados de la palabra y de los que cayeron en el olvido. Así comienza la leyenda del hombre de negro. Un icono  del country, del rock y de la historia musical contemporánea.  Nace en en 1932 Kingsland (Arkansas) en el seno de una familia humilde . Desde su infancia tuvo que trabajar largas jornadas en los campos de algodón debido a la gran depresión económica que sufría el país. En esa época se interesa por el  folk, el góspel y principalmente por el country, estilo que lo convierte en inconfundible durante gran parte de su longeva trayectoria.

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Su vida es digna de la mejor película de cine y está repleta de infinidad de anécdotas, debates y controversias. A continuación citaré las más representativas: 1950. Se alista en la fuerza aérea de los Estados Unidos y residiendo en Europa, se compra su primera guitarra. Tiempo después funda una banda llamada The Barbarians junto a un grupo de amigos, para tocar en diversos locales cercanos a la base militar. En 1954 lo contrata la Sun Records, propiedad de Sam Phillips, el descubridor de mitos como Elvis Presley o Jerry Lee Lewis.

Johnny Cash publica Heyy “Cry, Cry, Cry”, a su vez, viaja al lado de Elvis Presley, obteniendo una elevada popularidad. Seguidamente vería la luz otro de sus clásicos Folsom Prisom Blues”. En 1959 se edita el álbum “The Fabulous Johnny Cash”, vendiendo más de un millón de copias. En los años 60 tiene lugar su particular calvario: una fuerte adicción a las anfetaminas que toma en grandes dosis para poder resistir sus interminables giras.  Pero Johnny logró superar su dependencia.

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Este álbum en directo dedicado a los reclusos de San Quentin, se graba el 24 de Febrero de 1968 en la Prisión Estatal de San Quentin (California) y se publica el 4 de Junio de 1969 por Columbia Records. En su edición original el disco contenía 10 temas. En sucesivas reediciones como la de 2006 por la casa discográfica Legacy Records, se añaden más pistas, alcanzando un total de 31 y se ofrece un documental relacionado con todo lo que allí sucedió, así como entrevistas a funcionarios e internos.

Haremos mención a los músicos que participaron en este directo At San Quentin”: Johnny Cash (guitarra acústica y voz), Marshall Grant (bajo), Carl Perkins y Bob Wootton (guitarras eléctricas), W.S. Holland (batería), Carter Family (voces, guitarras), The Statler Brothers (voces), y la mujer de Cash, June Carter Cash (voz).

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Este mítico concierto abre con su clásica frase << Hello, I’m Johnny Cash>> (Hola, soy Johnny Cash). El repertorio de canciones ya forma parte del patrimonio cultural de la humanidad, como los hits I Walk The Line”, el “Wanted Man” de Bob Dylan, “Orange Blossom Special”, “Peace in the Valley o el magnífico “Folsom Prison Blues”.

Otras canciones históricas compuestas para el evento fueron A Boy Named Sue y “San Quentin”, esta última todo un punto álgido del show y un momento de sobre excitación por parte de los reclusos, ya que se identificaron con el tema. Según las propias palabras de Cash: «los internos se subieron a las mesas y las golpeaban con los pies. Querían que la volviese a cantar y lo hice inmediatamente. Todos pasamos un mal rato, porque hubo instantes de excesivo entusiasmo”.

JCSQPara la posteridad queda la foto tomada por el fotógrafo Jim Marshall¿Cuál será su significado?… Johnny Cash siempre ha sido un músico con una especial sensibilidad ante los colectivos con mayor riesgo de exclusión social. Invirtió buena parte de sus ganancias en apoyar a centros de disminuidos psíquicos, mujeres maltratadas o asociaciones de enfermos de cáncer.

Así concluye esta obra del gran Johnny Cash. Quizás, su nombre no diga nada a las actuales generaciones. Pero llegará un momento en el que abran  el libro del tiempo y se encuentren ante uno de los músicos más importantes del siglo XX. En 2003 Johnny Cash fallece en un hospital de Nashville, la capital de la música country, debido a complicaciones derivadas de la diabetes que padecía. Se le recuerda por su música y por su calidad humana. Se arrastró por medio mundo durante más de cincuenta años luchando por los derechos de los nativos americanos y los presos. Vestido de negro, alegró los corazones de aquellos sujetos con cadenas y candados. Al menos durante unas horas, les hizo sentirse libres.

Super Session (Mike Bloomfield / Al Kooper /Steve Stills – Columbia 1968)

Super SessionQuizás sucedió por casualidades del destino. A lo largo de la historia los mejores músicos siempre han estado en permanente contacto, buscando ese lazo tan especial que les une.

En 1968 se produce una fructífera colaboración entre Mike Bloomfield, Al Kooper y Steven Stills, para publicar Super Session. Estas tres leyendas del rock y el blues realizan un disco que alcanza el estatus de legendario. “Super Session” fue ideado en su totalidad por  Al Kooper y se diferencia en dos partes. La cara A la protagoniza el héroe de la guitarra Mike Bloomfield y Al Kooper. Y en la B  Steven Stills acompañado por Kooper. Steven Stills nunca coincide tocando con  Bloomfield en este Long Play. Mike Bloomfield solo grabó la cara inicial del álbum y se marchó a mitad de su producción. Creemos que fue debido a su inestable personalidad y a problemas con las drogas.  Steven Stills completó el disco en lugar de Bloomfield.

Super Session IIIExploran géneros como el  blues, el soul, el rock e incluso se acercan al jazz. Fue editado en 1968 por el sello discográfico Columbia Records e incluye 9 pistas. Producido por Al Kooper, contó con la ayuda de músicos como Barry Goldberg (piano), Harvey Brooks (bajo) y Eddie Hoh (batería). Todos ellos reputados instrumentistas e integrantes del grupo The Electric Flag”, como el pianista Barry Goldberg o el bajista neoyorkino Harvey Brooks, que ya habían participado con Bob Dylan en el  “Highway 61 Revisited”.

Dentro del disco nos encontramos con soberbios temas como el instrumental “Albert’s shufle”, destacando el piano de Kooper. Llegará el blues con “Really”, el  soul deMan’s Temptation» propiedad de Curtis Mayfield, o el toque jazzístico de “His Holy Modal Majesty”, en dónde el guitarrista Mike Bloomfield nos demuestra el porqué de su grandeza.

Seguidamente toma las riendas el dúo Stills / Al Kooper, con una  versión del “It Takes A Lot To Laugh, It Takes A Train To Cry” de  Bob Dylan. Uno de los puntos álgidos tiene lugar con “Season Of The Witch”, apoteósica jam de once minutos de duración. Continúan con el blues reflejado en “You Don’t Love Me” de Willie Cobb, para poner punto y final con “Harvey’s Tune”, que pone la guinda a un disco brillante.

Super Session II

En la parte 2, reseñar la aportación de Al Kooper y Steve Stills, este último tocando con su particular country rock y en dónde se notan los distintos puntos de vista musicales con Mike Bloomfield. En 2003, La compañía Legacy Records reedita una nueva versión de este clásico álbum en el que añaden cuatro pistas más, una de ellas en directo. Algún tipo de poder divino tocó a este trío de hombres blancos de alma muy negra. Fueron capaces de dejarnos un disco con letras mayúsculas, de esos que no se olvidan.

Las estrellas, están en el cielo.

ALTYAII<<In Memoriam, Alvin Lee – 19/12/1944 – 06/03/2013>>

Ayer por la noche se produjo una triste noticia para el rock.  El guitarrista Alvin Lee, carismático líder de la banda británica Ten Years After, fallece a los 68 años de edad debido a una complicación quirúrgica, según el comunicado oficial que emiten en su web. El rock llora su pérdida. Alvin Lee ha sido una  leyenda de nuestro tiempo. Un hombre de aspecto corriente y una de las pocas estrellas del rock al que parece NO haber afectado la fama ni la gloria del dinero. Tampoco le importó demasiado tocar con el grupo de rock ourensano Los Suaves. Puso a su disposición su magistral guitarra en aquel gran elepé  “Maldita Sea Mi Suerte” de 1991. Recuerdo aquella frase de Alvin Lee, que se puede leer en el interior del disco: <<“¿A quién se le ocurrió esta idea tan loca? Esto fue lo primero que dijo Alvin Lee cuando entro en el estudio. Todos sonreímos y yo pensé que no sabía si la idea era loca o no. Lo único que sabía es que nunca hubo una reunión de tantos y tan buenos guitarristas y sobre todo de tantas y tan buenas personas. A todos con nuestro agradecimiento lo único que puedo decirles es que al estar en nuestro disco, es que como si estuvieran en nuestro corazón”>>

ALTYAAlvin Lee paseó su espectacular blues rock desde los años 60 por todo el planeta. El 17 de Agosto de 1969 no fue un domingo cualquiera para  Lee. En Woodstock’ 69, la lluvia convirtió aquel prado en un gigantesco barrizal de lodo y fango. Pero no fue impedimento  para que los Tean Years After nos dejaran un antológico “I’m Going Home”, cuajando una de las actuaciones más aclamadas del histórico festival.

Alvin Lee salió a hombros de Woodstock ’69. Las estrellas, están en el cielo.

Freddie King – Texas Cannonball (Shelter 1972)

Freddie King (Texas Cannonball)

Bajo la supervisión del pianista Leon Russell, se publica en 1972 “Texas Cannonball», gran disco de blues rock. Curiosamente, lo grabaron para el sello “Shelter Records”, una casa discográfica de reciente creación en aquella época y fundada por Leon Russell y Denny Cordell.

“Texas Cannonball”, fue el segundo LP del legendario guitarrista Freddie King para la Shelter Records, después del no menos clásico Getting Ready”. Llega en uno de los momentos álgidos de su carrera, en el que continúa con su progresión hacia un nuevo estilo e introduce en su blues explosivo, nuevas audiencias más orientadas a un público con ganas de escuchar el mejor blues-rock americano a ambos lados del Atlántico.

Freddie King nace en 1934, en Texas, estado de la estrella solitaria. Desde su infancia comienza a tocar la guitarra, siendo muy influenciado por sus compatriotas tejanos Lightnin´ Hopkins y el pionero de la guitarra eléctrica T-Bone Walker. A principios de los 50, su familia se traslada a Chicago y durante su adolescencia actúa con varios mitos del blues. Rápidamente se consolida como una pieza básica en el circuito blues de Chicago, con temas clásicos como el versionadísimo Hideway”.

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Centrándonos en el álbum, se graba en dos localidades distintas y por dos bandas diferentes. La primera sesión tuvo lugar los días 2,3 y 4 de febrero de 1972 en los Skyhill Studios de Los Ángeles , interviniendo Freddie King a la guitarra, Leon Russell (piano), Don Preston (guitarra), Donald “Duck” Dunn (bajo) y Al Johnson (batería), estos dos últimos, miembros de los Booker T & The MG´S.

En esta parte de la grabación, los seis temas escogidos fueron “I´d Rather Be Blind”, con una base rítmica demoledora y firmado por Russell. Seguidamente nos encontraremos con Can´t Trust Your Neighbor, composición histórica del tándem Isaac Hayes-David Porter, y en dónde Freddie King nos deleita con su maestría a la guitarra, introduciendo una curiosa sección de cuerdas un tanto desconcertante…

Otras pistas que se acercan más al puro estilo Chicago son You Were Wrong y el How Many More Years” de Howlin´Wolf. Con un sobresaliente, califico al estándar The Sky Is Crying. Y para completar esta parte,  una maravillosa versión de Bill Withers y su Ain´t No Sunshine”.

La segunda parte de las grabaciones fueron realizadas los días 26 y 27 de febrero en los “Ardent Studios de Memphis (Tennessee). Para la ocasión, Leon Russell seleccionó personal de su propia banda, dado que Russell, todo un caballero originario de Oklahoma, era todo un especialista en el Sonido Tulsa”. Y por supuesto, toca junto a Freddie King y otros geniales músicos de su tiempo, como Don Preston, John Gallie (órgano), Carl Radle (bajo), Chuck Blackwell y Jim Gordon (baterías).

FKIEsta magnífica formación colabora en cuatro canciones: inician con un movido Lowdown In Lodi de John Fogerty, siguen con Reconsider Baby”,aquí el gran  Freddie King nos demuestra que es uno de los reyes del blues.  En Big Legged Woman y Me And My Guitar”, el grupo ejecuta dos soberbios temas con cierto aire funk-rock, un estilo que caracterizaría a Freddie King en sus siguientes álbumes hasta su prematura muerte en 1976.

Freddie King y Leon Russell. Talento innegable y trabajo exquisito. Dos grandes nombres que nos dejaron discos de incalculable valor. Después de cuarenta años, es todavía un placer, el poder seguir disfrutándolos.

Atlanta Rhythm Section – A Rock and Roll Alternative (Polydor 1976)

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El rock sureño es uno de los géneros de mayor sentimiento. Para los analistas, la “Atlanta Rhythm Section” no ha sido una de las bandas más conocidas e idolatradas. Pero, a mi juicio, estos caballeros del sur reflejaron con orgullo a través de su música cual era su procedencia.

Oriundos de Doraville (Georgia), la ARS se constituye a principios de los 70 en los “Studio One” de Atlanta, uno de los primeros y más prestigiosos estudios de grabación construidos por el ingeniero Rodney Mills. Por sus salas han pasado artistas de la talla de Al Kooper, Lynyrd Skynyrd o Dickey Betts.

Una buena parte de los componentes de la Atlanta Rhythm Section ya habían tocado con bandas como “Classics IV” o “The Candymen”, durante los años 60. Pero fue la visión musical de su carismático líder, el vocalista, productor y mánager Buddy Buie, quien ensambló a la perfección todo el talento de estas dos formaciones para dar lugar a la Atlanta Rhythm Section. Así mismo, Buddy Buie también fue el responsable del éxito que obtuvo la ARS durante su trayectoria y el autor de varios de sus temas más célebres.

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En sus inicios, editan sus primeros discos “Atlanta Rhythm Section” (1972), “Back Up Against the Wall” (1973) y Third Annual Pipe Dream (1974), realizando una interesante mezcla de country / rock / blues / pop, que le valió para ganarse cierta reputación en el panorama musical del momento. En 1976 se publica “A rock And Roll Alternative” , su obra más completa. Editado por el sello discográfico Polydor, incluye ocho pistas. Como ya es costumbre, haremos mención especial al personal que hizo posible este LP: Buddy Buie (voz), Barry Bailey (guitarra), J.R. Cobb (guitarra, voz), Paul Goddard (bajo), Dean Daughtry (teclados), Robert Nix (batería) y Ronnie Hammond (voz).

Dentro del disco nos encontraremos con su memorable hit “So Into You”, destacando su bella melodía y elegancia instrumental de aire pop. Otras pistas de excelente factura son «Sky High», “Hitch-Hikers’ Hero», “Neon Nites” o la gran versión del “Outside Woman Blues” perteneciente a los Cream de Eric Clapton.

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El infortunio se cebó una vez más sobre las figuras de la ARS. El vocalista Ronnie Hammond falleció en 2011 víctima de un ataque al corazón y el baterista Robert L. Nix nos deja en 2012 a los 67 años de edad. Tras sufrir diversos cambios en sus filas, la ARS continúa ofreciendo conciertos, realizando miradas nostálgicas a los 70, su época de máximo esplendor.

Así concluye la sexta aventura de la Atlanta Rhythm Section. Este grupo se presentó como una alternativa más calmada a los míticos Allman Brothers Band o los Lynyrd Skynyrd, pero su música resultó igualmente brillante. Qué amarga es la vida del rock and roll, la Atlanta Rhythm Section ha sido una de las bandas más infravaloradas del rock.