Led Zeppelin – The Song Remains The Same (Swan Song Records 1976)

<<Y una vez más, el Zeppelin se alzó gigantesco, sobrevolando el firmamento del rock and roll>>

The Song Remains The Same, película concierto de una altura sin precedentes, capta al grupo Led Zeppelin, reyes de del acid rock, en escena y fuera de ella, a lo largo de su apoteósica gira de 1973 por los Estados Unidos de América.

Led Zeppelin,  memorable cuarteto,  ha sido uno de los nombres principales en la historia del rock. Auténticas bestias musicales que viven del directo, su hábitat natural y que nos obsequiaron con este extraordinario concierto en el que solamente hay que sentarse, escucharlo y aplaudir.

Centrándonos en el álbum en directo, fue grabado en vivo los días 27, 28 y 29 de Julio de 1973 en el Madison Square Garden de Nueva York. Producido por Jimmy Page, se publicó en formato LP en Septiembre de 1976 por el sello Swan Song Records. En 2007, la casa discográfica Warner Bros lo reeditó en DVD y CD, añadiendo diverso material extra y temas inéditos que no habían sido incluidos en el disco original.

Como ya es costumbre, haremos una mención especial a los integrantes de Led Zeppelin que participaron en esta histórica obra: Robert Plant (voz y armónica), Jimmy Page (guitarra y guitarra de 12 cuerdas),  John Paul Jones (bajo y teclados) y John Bonham (batería).

Sin desmerecer  al resto de leyendas que componen Led Zeppelin, destacaremos la increíble calidad musical  que mostró el baterista John Bonham en este concierto. Quizás, golpeó a la eternidad, cual ángel de la guarda, ahuyentando todas las miserias que invaden este mundo. Desafortunadamente, Bonham falleció en la casa de Jimmy Page en 1980 debido a una intoxicación etílica. Tenía 32 años.

Antes del inicio del evento, podremos ver unas bellas imágenes de los Led Zeppelin paseando por Nueva York…

Y da comienzo el show, con un intenso tema denominado “Rock and Roll”, todo un clásico entre clásicos impregnado por  la desgarradora voz de Robert Plant y la poderosa entrada de batería de Bonham.  Continúan con una joya llamada “Celebration Day”, para seguidamente hacer enloquecer al respetable con  “The Song Remains The Same”.

Como no podía ser de otra manera, la explosividad del bajista John Paul Jones y la magistral guitarra de Jimmy Page – por aquella época considerado como uno de los mejores guitarristas del momento – se unen para tocar  hits como “Black Dog”, “Dazed and Confused”, el antológico “Whole Lotta Love” y el épico “Stairway to Heaven”, una de las canciones más oscuras y famosas de los Zeppelin, a la que envuelve cierta atmósfera hipnótica.

De sencillamente espectacular, calificaremos a “Since I’ve Been Loving You”, tremendo blues que hace las delicias del público. Me faltan adjetivos para describir a “No Quarter” y “Moby Dick”, casi mejor, será que veáis al batería Bonham con vuestros propios ojos.

Y así concluye este monumental ¡Live!, cortesía de los británicos Led Zeppelin, aquellos que nos dejaron un documento imprescindible para poder entender el rock de los 70. A nuestro juicio, el escenario de aquel mítico pabellón neoyorquino sintió todo el estruendo, histeria,  fuerza y pasión, que solamente el rock sabe transmitir.

 

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AC/DC – Back In Black (1980)

Tras sufrir la pérdida del cantante Bon Scott,  los australianos AC/DC  alcanzaban la cima del éxito gracias a este magnífico LP, que provocó un fuerte impacto en la escena musical de los 80. Ciertamente los comienzos de AC/DC allá por 1973 fueron muy difíciles, pero poco a poco fueron conquistando el corazón del mundo, a base de ingentes descargas de rock.  Primero se ganaron Australia, su país de origen, para dar el salto definitivo a Inglaterra, Europa y los Estados Unidos.

Habían  pasado  ya casi 7 años de rock, de historia y de carretera, cuando en 1980 la voz de Bon “Dragón Tatuado” Scott se apagó para siempre. La conmoción que produjo este terrible incidente estuvo a punto de disolver al grupo, pero supieron rehacerse y obsequiar a la comunidad musical con un soberbio disco al que llamaron “Back In Black”.

Sin duda, muchos españoles recordaremos con nostalgia la primera vez que vimos actuar a los AC/DC y a Bon Scott. Ocurrió en 1980, en aquel programa de televisión denominado “Aplauso”, en dónde fueron presentados por Silvia Tortosa. Invadieron el plató a un ritmo vertiginoso, con un  <<Highway to Hell>> que captó la atención de jóvenes y mayores. Diez días después, Bon Scott falleció.  Y así, se iniciaba el mito de los AC/DC, aquellos que tomaron su nombre de las letras de una máquina de coser que rezaba en su parte inferior <<ACϟDC>> (corriente alterna / corriente directa). Sin duda, música de alto voltaje para una banda que se consolidó como los nuevos héroes del hard rock.

Centrándonos en el álbum, séptimo de su discografía, fue grabado en los Compass Point Studios de Nassau (Bahamas) y se publicó en Julio de 1980. Producido por Robert Lange, Back In Black llegó a vender más de  50 millones de copias en todo el mundo, situándose como uno de los discos más vendidos de la historia musical.

Como ya es costumbre, haremos una mención especial a los integrantes de AC/DC, que hicieron posible esta célebre obra: Brian Johnson (voz), Angus Young (guitarra), Malcolm Young (guitarra rítmica), Cliff Williams (bajo) y Phil Rudd (batería).

Incluyendo 10 pistas, el LP incluye hits como el inmortal <<Back In Black>>, que da nombre al disco, << You Shook Me All Night Long>>, poseedor de un poderoso riff y pegadizo  estribillo, <<Let Me Put my Love Into You>>, <<Shoot to Thrill>>,  <<Rock ‘n’ Roll Ain’t Noise Pollution>>  o <<Hells Bells>>. Y si a todos ellos, le sumamos la afilada voz de Brian Johnson, arropado por una sección rítmica desbordante y la enérgica guitarra de Angus Young, el resultado que se obtiene es un todo un álbum clásico en el rock.

Destacaremos la portada del álbum, en la que podemos visualizar el logo de AC/DC sobre fondo negro, está dedicada a la memoria de Bon Scott, antiguo vocalista de la banda, que falleció el 19 de Febrero de 1980 debido a una intoxicación etílica. En este disco, aparece por primera vez el cantante británico Brian Johnson, que sustituyó a Bon Scott después de su desafortunada muerte.

AC/DC es uno de los grupos más queridos del rock, una banda de culto y toda una leyenda viva del universo musical que siguen agotando entradas para sus conciertos en cuestión de horas. Allá donde se dirijan, abarrotarán estadios y harán vibrar al público en inolvidables noches  llenas de adrenalina, de electricidad y de rock.

Bob Marley & The Wailers – Exodus (Island 1977)

En la década de los setenta, Bob Marley se convierte por méritos propios en el máximo exponente del reggae, un género musical surgido en Jamaica a finales de los 60. La música reggae, emerge como movimiento musical en esta colonia británica, para inicialmente dar el salto a Inglaterra y poco tiempo después, proyectarse a nivel mundial.

El reggae (aunque según los analistas no está muy claro) tomó su mayor influencia de la música negra americana, sobre todo de lugares relativamente próximos como New Orleans y del nacimiento de la música soul, aunque el principal atractivo de dicho género, es que proviene del folklore ancestral y primitivo de la propia isla.

Bob Marley, hijo de madre jamaicana y de padre capitán de la armada inglesa, fue el mayor de cinco hermanos. Con apenas dieciséis años, ya graba sus primeras composiciones y es por estas fechas cuando comienza a relacionarse con otros músicos fundamentales de la isla, y con los que serían durante años, sus eternos compañeros los Wailers.

Sumergido profundamente en la cultura rasta e involucrado hasta la médula en los problemas político-sociales, ejerce como pacifista, sobre todo en los suburbios de Trench Town, la ciudad que lo vio nacer. Y así se forja la leyenda de aquel jovencísimo Bob Marley durante los 70, grabando sus primeros álbumes con los Wailers y situándose como el rey indiscutible del reggae.

Después de realizar varios discos y obtener un buen número de éxitos, Bob Marley sufre un atentado en Jamaica en 1976, debido a los recelos políticos y a su condición de pacifista, en el que también estuvieron implicados su mujer y su mánager.

Motivado por este desafortunado incidente, Marley decide abandonar Jamaica y se instala en Londres para grabar <<Exodus>>. Desde el primer momento en que se publicó, el disco logra colocarse como el mejor álbum de la música reggae y posiciona a Bob como uno de los compositores más relevantes de la música popular. Incluso, sería todo un referente para otras estrellas de la música como Eric Clapton o los mismísimos Led Zeppelin.

Centrándonos en el álbum, Exodus fue grabado en Londres a principios de 1977 y se publicó en Junio de ese mismo año para el sello discográfico Island Records. Bob Marley, dio vida a este LP siempre acompañado por sus inseparables Wailers, entre los que se encontraban Aston “Familyman” Barret (bajo), el hermano de Aston, Carlton Barret (batería y percusión), Tyrone Downie (teclado y voz), Alvin “Seeco” Patterson (percusión) Julian “Junior” Marvin (guitarra solista) y el recordado coro femenino formado por su hermana Rita Marley, Marcia Griffiths y Judy Mowatt.

Producido por el propio Bob Marley y sus Wailers, el Long Play contiene varias de las canciones más representativas de su carrera y está repleto de composiciones llenas de fuerza y amor, destacando hits históricos como “Jamming”, las exquisitas baladas “Waiting In Vain” o “Turn Your Ligths Down Low”. Llegará un tema titulado “Exodus”, que da nombre al disco y que referencia el “Movement Of Jah People”, movimiento rastafari basado en el nombre divino de la biblia a Yavé.

Otras pistas esenciales que completan el LP son “Natural Mystic”, “The Heathen” y los mundialmente conocidos que irradian una alegría inusitada: “Three Little Birds” y “One Love/ People Get Ready”.

Y así concluye esta obra maestra, cortesía de Bob Marley, aquel que apodaron como el <<Dylan negro>>. Gracias a este legendario álbum, se consolidó como una de las grandes figuras de la historia musical contemporánea. Marley cambió el sonido del rock en los 70 y difundió como nadie supo hacerlo la situación jamaicana en aquella época. Y para ello, utilizó el mensaje de los rastas, que venía cargado de música, paz y amor.

A nuestro juicio, Bob Marley, mesías del reggae, es el ejemplo de que la música tiene poder para cambiar el mundo.

Y ahora, vamos todos: ¡¡¡ one love! one heart! let’s get together and feel all right… !!!

Albert King With Stevie Ray Vaughan – In Session (Stax Records – 1999)

En un principio, esta célebre reunión de leyendas  del blues estuvo a punto de no producirse debido a la negativa de Albert King en 1983. Y el principal motivo, fue que Albert King dijo que no sabía quién era  aquel guitarrista tejano llamado Stevie Ray Vaughan.

Vaughan era un fiel seguidor de Albert King y cada vez que ofrecía uno de sus conciertos, el mítico Stevie no perdía la oportunidad de verle actuar.  Finalmente, Albert King decidió tocar con SRV, pero solamente porque le reconoció como un asiduo a sus conciertos. In Session es un disco especial, a nuestro juicio, lo consideramos como un homenaje de Stevie Ray Vaughan a todo un grande del  blues eléctrico, Albert King. En él, podremos sentir la tremenda complicidad musical de estos dos geniales artistas.

Centrándonos en el álbum, las sesiones fueron grabadas en directo para la televisión el 6 de diciembre de 1983 en los <<CHCH-TV Studios>> de Hamilton, Ontario (Canadá) y se publicaron el 17 de Agosto de 1999 por el sello Stax Records. En 2010, se edita en formato DVD, conteniendo entrevistas y diverso material extra.

Como ya es costumbre, haremos una mención al personal que colaboró en este excelente show: Albert King (guitarra, voz), Stevie Ray Vaughan (guitarra), Tony Llorens (órgano, piano), Gus Thornton (bajo) y Michael Llorens (batería).

Incluyendo 11 temas, abre el disco con el clásico “Call It Stormy Monday” perteneciente a T-Bone Walker,  un blues lento en dónde nos muestran su virtuosismo a las seis cuerdas, siempre respaldados por una sección rítmica espectacular.

Seguidamente, “Old Times” segunda pista del disco en dónde tiene lugar una interesante conversación entre King y Vaughan, en la que intercambian opiniones y recuerdos. Vaughan, nostálgico, evoca la primera vez que vio tocar a Albert King allá por 1973. Como respuesta, Albert King elogia la calidad musical del tejano, diciéndole que hay muy pocos guitarristas que posean velocidad y “alma de blues”. Sin duda, dos cualidades que convirtieron a Stevie Ray Vaughan en un mito del blues.

Llegará uno de los puntos álgidos con “Pride And Joy”, todo un hit propiedad de Vaughan procedente de su explosivo álbum de debut Texas Flood de 1983. Otros cortes que completan el disco son la magnífica versión del “Ask Me No Questions” de B.B. King, un suave y exquisito “Blues At Sunrise”,  el guitarreo incesante de “Match Box Blues”  y el extraordinario “solo” de “Overall Junction”.

Destacaremos la portada del LP, que de alguna manera, transmite a la perfección la sencillez  del arte del blues, un estilo que no necesita de abarrotados estadios ni supermillonarias producciones para demostrar su grandeza.

Así concluye esta obra, cortesía de Stevie Ray Vaughan y Albert King. Desafortunadamente, la denominada “música del alma” perdió para siempre a Stevie Ray Vaughan en 1990, en un fatídico accidente de helicóptero. En 1992, Albert King fallecía de un ataque cardíaco en Memphis. Pero no se fueron sin antes dejarnos una colaboración histórica, que sirvió para iluminar una vez más el firmamento del blues.

Pink Floyd – The Dark Side Of The Moon (Harvest / Capitol 1973)

The Dark Side Of The Moon, el lado oscuro de la luna, o quizás si me lo permiten,  todo un disco de culto que provocó la apoteosis definitiva del rock sinfónico y progresivo. Con él, los británicos Pink Floyd alcanzaban el éxito absoluto, situándose durante más de tres años consecutivos en lo más alto de las listas musicales de la época.

Pink Floyd se convirtió desde ese momento, en un fenómeno musical a escala mundial gracias a este Long Play, considerado por muchos como su obra magna. The Dark Side Of The Moon es uno de los álbumes más vendidos de toda la historia musical contemporánea. A nuestro juicio, creemos que 70 millones de copias dan buena fe de ello.

Sin duda, me faltan adjetivos para describir a una de las formaciones más influyentes, rompedoras y legendarias que ha dado el rock. Mediante este LP, nos mostraron sus inquietudes artísticas, su tremenda calidad musical e hicieron gala de un virtuosismo instrumental fuera de lo común.

Centrándonos en el álbum,  octavo de su discografía, se grabó entre 1972 y 1973 en los “Abbey Road Studios” de Londres e incluye 10 pistas. Publicado en Marzo de 1973, fue producido por los propios Pink Floyd y  contó con la ayuda del  famoso ingeniero de sonido Alan Parsons, un personaje clave en esta obra, que aportó  todo un derroche de innovación musical nunca vista hasta la fecha.

Destacaremos la profundidad de las letras del LP, escritas en su mayoría por Roger Waters, que abarcan una compleja temática referente a las distintas fases de la vida humana como el envejecimiento, la muerte o la locura,  haciendo especial énfasis en esta última, dado la gran conmoción que supuso para el grupo que Syd Barrett, su miembro fundador, les abandonara en 1968.

Como ya es costumbre, haremos una mención a los músicos que hicieron posible este antológico álbum: David Gilmour (voz, guitarra, sintetizador), Roger Waters (bajo, voz, sintetizador), Richard Wright (teclados, voz sintetizadores) y Nick Mason (batería).

De sencillamente espectacular, podemos calificar al personal adicional que colaboró con Pink Floyd, pudiéndonos encontrar con una espléndida y esencial sección de coros liderada por la gran dama de la canción Doris Troy, Lesley Duncan, Clare Torry,  Barry St. John y Liza Strike. Y por supuesto, siempre respaldados por el saxofonista Dick Parry.

Comienza a rodar el vinilo y rápidamente nos trasportará hasta los confines más recónditos del rock espacial. Y es que el lado oscuro de la luna es grande, muy grande, tanto que en ocasiones sentiremos que los Pink Floyd consiguieron descifrar los secretos del vuelo astral a través del rock.

Experiencias extracorpóreas al margen, canciones como “The Great Gig in the Sky”,  la introducción instrumental “Speak to Me”, o los infinitos siete minutos de “Us and Them”, nos demuestran una y otra vez que Pink Floyd es mucho más que una banda de rock.

Uno de los puntos álgidos del LP tendrá lugar con el clásico entre clásicos “Money”, monumental tema de los más utilizados por el grupo en sus gloriosos shows en directo. Otra de las joyas musicales que completan el disco es “Time”, extraordinaria composición  cortesía de los cuatro jinetes del rock sinfónico.

Y que mejor manera de poner punto y final que con “Eclipse”, célebre pista e inolvidables sus latidos de corazón a bajo volumen. Para el recuerdo colectivo, quedará  la frase que pronuncian al cerrar el LP: <<No hay lado oscuro en la Luna, en realidad toda la Luna es oscura>>

 Para la posteridad quedará la enigmática portada del disco,  en la que podemos visualizar un prisma piramidal refractando una luz, fue obra del diseñador George Hardie.

Mucho y muy variado se ha escrito sobre el significado del cover, rodeado de un profundo halo de misterio. Y como la misión de este blog no es ni mucho menos explorar los dominios de lo sobrenatural, creemos que para realizar tan arduo trabajo de investigación de lo paranormal, ya tenemos a nuestro querido presentador del canal Cuatro de televisión española, Iker Jiménez, que nos acompaña semanalmente capitaneando la “nave del misterio” en su programa Cuarto Milenio.

Y así concluye esta delicia sonora, propiedad de Pink Floyd, los caballeros del rock sinfónico y progresivo. Tiempo después, seguirían obsequiando a la comunidad musical con geniales álbumes como  “Wish You Were Here” (1975) o The Wall (1979).

Solamente Pink Floyd, han sido capaces de hacer este disco único y quién sabe si irrepetible.

Joe Cocker – With A Little Help From My Friends (A&M – Emi – 1969)

Aquella estelar actuación en el festival de Woodstock’ 69, situó a Joe Cocker como uno de los grandes intérpretes y vocalistas del rock de todos los tiempos. Y si a esto, le unimos su impactante álbum de debut unos pocos meses antes, sería el punto de partida de una intensa carrera plagada de éxitos.

El cantante británico Joe Cocker nace en 1944 en Sheffield, ciudad industrial ubicada al norte de Inglaterra. Desde la adolescencia, comienza a formar parte de algunas bandas de escasa transcendencia y compagina su trabajo con el de actuar en infinidad de locales y pubs nocturnos. Su gran oportunidad le llegaría a mediados de los años 60, cuando funda los históricos “The Grease Band”, junto al excelente pianista e inseparable amigo, Chris Stainton. Este primer grupo contó con la participación de una amplia selección de músicos, varios de ellos fundamentales del rock británico, como Jimmy Page, Stevie Winwood, Henry McCullough o Albert Lee entre otros.

La particularidad de este álbum surge meses antes de publicarse, ya que dos de sus temas estrella salen en formato single el año anterior y se graban en los estudios Olympia” y Trident de Londres.

Los temas escogidos fueron “Marjorine” y “With A Little Help from My Friends”. El primero no alcanzó el éxito acordado, no siendo así con el segundo, todo un hit y fantástica versión de The Beatles, que rápidamente elevó a Joe Cocker y a su grupo a un más que merecido Nº1 en Inglaterra.

Aprovechando la gran repercusión y calidad musical de la banda, en 1969 siguen grabando los temas que conformarían el Long Play en los mismos estudios. Finalmente, la alineación de tan espectacular banda quedaría constituida por Jimmy Page y Henry McCullough (guitarras), Stevie Winwood y Matthew Fisher (teclados), Chris Stainton (piano) Mike Kellie (bajo) y B. J Wilson (batería). Y por supuesto, siempre arropados por la poderosa voz de Joe Cocker y un extraordinario coro liderado por la cantante americana Madeleine Bell y Rosa Hightower.

Centrándonos en el disco, se editó en abril de 1969 por el sello discográfico A&M / EMI. Fue producido por Dennis Cordell, ayudado por el ingeniero de sonido Tony Visconti, muy conocido por sus colaboraciones con David Bowie. Haciendo gala de una gran inteligencia y visión musical, deciden titular el álbum como “With A Little Help From My Friends”, dada la enorme popularidad que consiguieron gracias a esta famosa canción.

De los diez temas que contiene el LP, siete son versiones y tres composiciones propias del dúo Cocker / Stainton. Abren con el “Feeling Alright” de Dave Mason y Traffic, pista especialmente escogida por Cocker, haciéndola prácticamente suya, obsequiándonos con una versión antológica y con una memorable introducción emulando música latina. Fue grabada en Los Ángeles con músicos de sesión de la A&M Records durante la gira que ofrecieron por América.

Continúan con clásicos de bella factura como la balada “Bye Bye Blackbird” dónde podemos disfrutar de un genial “solo” de Jimmy Page. Siguen con “Change In Louise” y “Marjorine”, notándose la influencia de los Beatles, en el tema más pop del álbum. Dos versiones de Bob Dylan, “Just Like A Woman” y “I Shall Be Released”, ponen de manifiesto la gran voz de Joe Cocker, curiosamente, las dos cierran sendas caras del LP original.

El resto de pistas que completan el disco son: una hermosa balada llamada “Do I Still Figure In Your Life?”, la movida “SandPaper Cadillac”, y una apoteósica versión del “Don´t Let Me Be Misunderstood”, tema compuesto para Nina Simone en 1964 y popularizado un año más tarde por los Animals, siempre respaldados por una banda sencillamente excepcional.

El punto álgido del LP tendrá lugar con el “With A Little Help From My Friends”, todo un himno generacional perteneciente a Lennon / McCartney que también da nombre al disco, con el que ponen punto y final.

Meses después, la nueva “Grease Band” tocó en el Festival de Woodstock 69, dejándonos para la posteridad una de las mejores actuaciones del evento. Joe Cocker, aquel chico de aspecto desaliñado, realizó una interpretación monumental. Siempre se recordarán sus peculiares “toques de guitarra sin guitarra” y sus característicos gestos cargados de expresividad, que de algún modo, quedaron reflejados en la portada del álbum.

A nuestro juicio, buena parte del éxito que cosechó, fue gracias a Woodstock 69 y a este sobresaliente disco, que marcó el inicio de una brillante carrera. Por suerte para el rock y después de muchos excesos, Joe Cocker logró llegar felizmente hasta nuestros días.

Cream – Wheels of Fire (Polydor 1968)

En 1968, los británicos Cream alcanzaban el éxito absoluto gracias a un legendario segundo álbum al que llamaron “Disraeli Gears”, con el que logran originar un cambio radical en la orientación musical del momento hacia la música de vanguardia. Grabado en Diciembre de 1967, se convirtió en uno de los pilares básicos del rock psicodélico, un género que llegó a su máxima popularidad ese mismo año.

Disraeli Gears obtuvo tanto reconocimiento, que fue declarado disco del año en innumerables países del mundo y por un amplio sector de críticos musicales, lo que desembocó en una de las giras más apoteósicas que recuerdan los Estados Unidos de América.

Durante esta tremenda y abarrotada gira, nace “Wheels Of Fire” publicándose por primera vez en Agosto de 1968 como doble álbum, uno denominado “In The Studio” y el otro “Live At The Fillmore”. Y los responsables de esta espléndida obra, fueron tres gigantes de la escena musical de todos los tiempos: Eric Clapton (guitarra y voz), Jack Bruce (bajo, armónica y voz principal) y el genial baterista Ginger Baker.

La producción del LP corrió a cargo de Felix Pappalardi, personaje clave dentro de Cream y más adelante bajista de Mountain. Pappalardi, venía de colaborar con Cream desde Disraelí Gears, implicándose en las composiciones y aportando su gran calidad como multi-instrumentista. Incluso, en ocasiones llegaron a considerarle como <<el cuarto integrante de la banda>> pero solamente participaba en discos de estudio.

Wheels Of Fire también contó con los arreglos de Robert Stigwood, mánager de los Cream y gran empresario discográfico, ayudado por el ingeniero de sonido Tod Down.

Una de las partes del álbum en estudio, se grabaron durante los meses de Julio y Agosto de 1967 en los IBC Studios de Londres. La otra parte, tuvo lugar en los meses de Septiembre y Octubre de 1967 y entre Enero, Febrero y Junio de 1968, en los Atlantic Studios de Nueva York.

En cuanto el vinilo comienza a rodar, ya nos daremos cuenta del porqué de su grandeza. Abre el álbum con el clásico entre clásicos “White Room”, uno de sus temas más conocidos, impregnado del característico sonido “Made In Cream” y de la fantástica guitarra de un por aquel entonces jovencísimo Eric Clapton.

Continúan con “Sitting On Top the World”, una magnífica versión propiedad del bluesman Howlin´ Wolf. Sin duda, todo un blues de alto octanaje en el que cabe destacar de manera sobresaliente el buen hacer de este joven, pero a su vez veterano trío. La psicodelia hace acto de presencia en canciones como “Pressed Rat And Warthog”, “Those Were The Days” (inolvidables sus campanas de fondo), “Passing The Time” o el acústico “As You Said”.

Otros cortes mayúsculos de esta parte en estudio son “Deserted Cities Of the Heart”, “Politician”, un excelente blues fruto de la relación musical que Jack Bruce inició junto a su amigo y músico Pete Brown, creador también de varios hits para los Cream. Llegará el himno generacional “Born Under A Bad Sign”, antológica versión de Booker T., que Albert King inmortalizó para siempre en el disco que lleva el mismo nombre.

La segunda parte del Long Play, llamada “Live At Fillmore West” (aunque en el álbum tres pistas están localizadas en el auditorio Winterland de San Francisco), se captó en directo en Marzo del 68 y contiene cuatro temas de auténtico éxtasis. Abren con el “Crossroads” de Robert Johnson, en el que Eric Clapton nos deja un magistral “solo” de guitarra para la posteridad.

Siguen con el “Spoonful” de Willie Dixon, en dónde los Cream se emplean a fondo, realizando una versión absolutamente brillante y llena de improvisación durante sus infinitos dieciséis minutos de duración. Para finalizar, se presentan “Traintime”, canción con la que tratan de transportarnos hacia el Delta del Mississippi y un monumental “Toad”, poseedor de uno de los “solos” de batería más espectaculares de la historia del rock, cortesía del baterista Ginger Baker.

La portada del álbum, fue obra del dibujante underground Martin Sharp, todo un polifacético artista de origen australiano.

Y así concluye esta esencial aventura sonora, protagonizada por la banda que se adelantó tres años a su tiempo. La crème de la crème, tres virtuosos músicos ingleses que revolucionaron el rock. Verdaderos talentos, que pocos meses después, tocaban su canción de despedida en el auditorio Royal Albert Hall de Londres.

Posteriormente, cada uno escogió su propio camino y anunciaron su disolución definitiva, debido a las constantes discrepancias que se producían en el seno de la formación. Irónicamente y en palabras de uno de sus miembros, los Cream eran <<una fábrica de hacer dinero>> y como muy bien expresa el título del disco <<iban caminando sobre ruedas de fuego>

J.J. Cale & Eric Clapton – The Road To Escondido (Reprise Records 2006)

El dúo musical formado por el mago de Oklahoma y Slowhand obtuvo una gran aceptación por parte de la crítica en 2006. J.J Cale y Eric Clapton son tipos sencillos, de ideas sencillas,  eternos fugitivos del mainstream y  viejos amigos que sienten una admiración mutua.

En 2005, decidieron poner rumbo hacia la población de “Escondido” (de ahí el nombre del disco), valle ubicado cerca de San Diego, (California) y lugar impregnado de cierta aureola mística, dado los rituales que allí se llevan a cabo por los indios americanos.

El álbum, grabado y producido por  J.J. Cale y Eric Clapton, se publicó en noviembre de 2006 por el sello discográfico Reprise Records e incluye 14 temas. Está dedicado a la memoria del magnífico pianista Billy Preston, por ser el último disco en que colaboró.

 Billy Preston, falleció en junio de 2006, víctima de una enfermedad renal producida por el continuo abuso de alcohol y drogas. Músico con letras mayúsculas, durante toda su carrera tocó al lado de  leyendas como George Harrison, Bob Dylan, The Rolling Stones o John Lennon.

Como ya es costumbre, haremos una mención especial a la amplia selección de músicos que realizaron esta obra: J.J. Cale (guitarra, voz y teclados), Eric Clapton (guitarra y voz), Derek Trucks, Christine Lakeland, Doyle Bramhall II, John Mayer y Albert Lee (guitarras), Gary Gilmore,  Nathan East, Pino Palladino y Willie Weeks (bajistas), Abraham Laboriel Jr,  Jim Karstein, James Cruce y Steve Jordan (baterías), Taj Mahal (armónica), Bruce Fowler, Jerry Peterson , Marty Grebb y Steve Madaio (sección de vientos), Dennis Caplinger (violín), Walt Richmond (piano),  Simon Climie , David Teegarden (percusión) y el pianista Billy Preston.

Sin duda, entre este elenco estelar de mitos del rock nos podemos encontrar con la propia banda de acompañamiento de J.J. Cale,  artistas de la talla de John Mayer, Albert Lee o Derek Trucks (uno de los grandes guitarristas del momento), con el embajador del blues Taj Mahal y con el monumental pianista Billy Preston.

El disco, invadido por el blues y el característico “Sonido Tulsa”, del que fue pionero J.J. Cale, abre con “Danger”, canción de marcados toques bluseros arropada por la peculiar voz de Clapton. Muy elaboradas instrumentalmente se presentan “Heads In Georgia”, un rítmico “Missing Person” y “When This War Is Over”, con unos excelentes punteos de guitarra cortesía de Mr. Eric Clapton.

“Sporting Life Blues”, nos hará sentir una grata sensación de calma y tranquilidad, gracias a un blues suave, lento y muy vocal, siempre respaldados por la genial armónica de Taj Mahal. Continúan con el gracioso aire country y el espectacular violín  de “Dead End Road”, tema en dónde J.J. Cale nos demuestra su virtuosismo a la guitarra y con el que nos transportarán en un viaje hacia el lejano oeste…

Otras pistas como “Don’t Cry Sister” o “Last Will And Testament”, Cale y Clapton brillan con luz propia, tanto en el aspecto vocal como a las seis cuerdas. Y para finalizar, “Ride The River”, corte de cierto aroma a pantano en el que Clapton vuelve a tomar un protagonismo mayúsculo.

Así concluye esta aventura sonora, propiedad de dos de los artistas más célebres que ha dado la historia musical contemporánea. Quiero creer, en una leyenda del rock que dice que los verdaderos músicos hacen música por el placer de hacerla y no por dinero. Su nombre, J.J. Cale y Eric Clapton.