Magic Slim And The Teardrops – Raw Magic (Alligator 1982)

Magic Slim Raw Magic

Bruce Iglauer, el insigne fundador del sello Alligator Records, afirmó en una ocasión: <<El blues valiente y mágico de Magic Slim , se basa fundamentalmente en lo que es el puro blues de Chicago, pisando fuerte, haciendo gruñir su guitarra y con una voz afilada basada especialmente para beber y bailar en el bar, tanto para los buenos como para los malos momentos>>. Con estas acertadas palabras, define Bruce Iglauer la música de Magic Slim y sus Teardrops a principios de los 80.

Morris Holt, más conocido por el sobrenombre de Magic Slim”, nace en 1937 en Torrance, Mississippi, cuna de otros tantos músicos de la familia del blues de Chicago. Desde su infancia, comienza a tocar la guitarra en la ciudad de Grenada, pero en 1955 se traslada a la ciudad del viento, dónde se gana cierta reputación tocando el bajo para <<el otro mágico>>, llamado Magic Sam. La relación entre ambos fue tan cordial, que después de la prematura muerte de Magic Sam, suponemos que Slim decidió adoptar su apodo como honor personal.

MLTEARDROPS

Magic Slim era un músico veterano con cientos de actuaciones a sus espaldas y que llegó a compartir su vida musical con la de conductor de camión. En 1965 y después de tocar varios años bajo el nombre de “Mr. Pitiful And The Teardrops”, reestablece su banda y se centra en su música, tocando en los locales más concurridos de Chicago junto a otros músicos procedentes de otros grupos. Pero no sería hasta mediados los setenta, cuando le llega su gran oportunidad, siendo invitado a tocar con el mítico Hound Dog Taylor. Desde ese preciso momento, Slim se plantea vivir de su propia música.

Durante años, Slim toca durante tres, cuatro, e incluso cinco noches por semana en el South Side – el barrio por excelencia del blues de Chicago – en lugares tan famosos como el Checkerboard. En otras ocasiones, gusta de tocar en el North Side – otra parte de la ciudad – en locales como el B.L.U.E.S. y el Zoo Bar de Lincoln en el estado de Nebraska, alternando todos estos conciertos con innumerables incursiones en Europa.

Magic Slim II

Con un estilo genuino y carismática voz, realiza sus primeras grabaciones aunque no en primera línea con los grandes de Chicago. Pero en 1979, ya es incluido en los históricos álbumes de la Alligator <<Living Chicago Blues>>

Centrándonos en el álbum, Raw Magic se graba en los “Condorcet Studio” en Tolouse, siendo producido en Francia (debido a la multitud de shows que ofrecían en este país por esas fechas) por Didier Tricard y en EEUU por Bruce Iglauer, para la prestigiosa Alligator Records en 1982. Como ya es costumbre, haremos una mención especial a los integrantes de Magic Slim y “sus ardillas”, que hicieron posible este LP: Magic Slim (guitarra solista y voces), su hermano Nick Holt (bajo), Junior Pettis (guitarra) y Nate Applewhite (batería). Todos ellos, experimentados músicos de blues.

Conteniendo tan sólo siete temas, el disco inicia con el blues auténtico de “You Can´t Lose Never Had” y continúan con uno de sus éxitos de siempre Gravel Road al más puro estilo Chicago. Magic y su banda siguen desgranando clásicos de blues eléctrico como Ain´t Doing Too Bad, el extraordinario “Mama, Talk To Your Daughter” de J. B Lenoir, a un ritmo infernal y con virtuosas guitarras, o el tantas versionado y bailable “Mustang Sally”, sencillamente fantásticos sus casi ocho minutos de duración, para finalizar con “In The Heart Of The Blues”.

Magic Slim

A partir de la década de los 80, Magic Slim fue aclamado como uno de los mejores guitarristas de blues de Chicago. Formó un equipo excepcional al lado de sus Teardrops, dotó a su música con un ritmo caliente, enérgico y se dedicó durante toda su vida al blues, su gran pasión. A mi juicio, creó una música divertida y mágica. Magic Slim fallece el 22 de febrero de 2013 a los 75 años de edad, pero siempre nos quedará su legado, su magistral estilo a la guitarra, su simpatía y su buen hacer como grande del blues.

Mágico.

Dire Straits – Dire Straits (Vertigo Records 1978)

Dire Straits

El debut estelar de los Dire Straits se incrustó en la memoria del rock. A mi juicio, este disco ya estaba destinado a perdurar en el tiempo desde el primer momento en que ve la luz. En un principio no obtuvo el reconocimiento que se merecía, incluso, las ventas fueron pobres. Pero por suerte para el rock se consolidó como uno de los LP’S más famosos de la época. Y todo ello en plena explosión punk.

Centrándonos en el álbum, primero en su discografía y homónimo al grupo, se publica en junio de 1978 por el sello Vertigo Records en Europa y por la Warner en los EEUU. Incluye 9 pistas, se graba en los Basing St. Studios de Londres y cuenta con la producción de Muff Winwood, ex integrante de la Spencer Davis Group y hermano de Stevie Winwood. Todas las canciones del LP fueron compuestas por Mark Knopfler, (Glasgow, 1949).

Como ya es costumbre, haremos mención a los músicos que hicieron posible este histórico disco: Mark Knopfler (guitarras y voz), David Knopfler (guitarra, coros) John Illsley (bajo, coros) y Pick Withers (batería).

Mark Knopfler

Abre el elepé con «Down to the Waterline«, todo un hit que destaca por su lenta introducción y el aumento rítmico a medida que se desarrolla. El característico riff de guitarra que realiza Mark Knopfler, lo convierte en todo un éxito y en una de las piezas célebres de los Dire Straits.

Continúan con el aire blues de «Water of Love«, para pasar a “Setting me up”, con un gran riff y pegadizo estribillo. «Six Blade Knife» es un corte suave y tranquilo, impregnado por la voz ronca de Knopfler y unos nítidos punteos de guitarra. En «Southbound Again» un bello tema, predomina la guitarra de Mark Knopfler y nos da muestra de su virtuosismo a la guitarra.

LLega una joya llamada “Sultans Of Swing”, canción estrella y clásico entre clásicos del rock, está llena de magistrales riffs de guitarra. Sultans Of Swing es un homenaje que los Dire Straits dedican a varios grupos de jazz que amenizaban la noche londinense.

Dire Straits Band II

Emitida sin cesar por las emisoras radiofónicas de todo el planeta,Sultans Of Swing fue el primer single de los Dire Straits y se situó como una de las canciones emblemáticas de la banda, logrando obtener numerosos premios y certificaciones. Quizás, a muchos españoles nos invada la nostalgia cuando recordemos aquella tarde de junio del 79, año en el que por primera vez, pudimos ver la actuación en directo de los Dire Straits en el programa de televisión Aplauso”.

Otras excelentes pistas que completan el LP son la balada “Wild West End”, “In The Gallery” y una hipnotizante “Lions”. Así concluye este álbum, el que lanzó a los británicos Dire Straits hacia el estrellato internacional. Un elepé mítico que asombró a medio mundo gracias a su imaginación desbordante y a su gran calidad. Y el que convierte a Mark Knopfler en el nuevo profeta de las seis cuerdas.

Elvis Presley – Aloha From Hawaii Via Satellite (RCA 1973)

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La obra que a continuación vas a leer ha sido grabada en día de alineación astral favorable, 14 de Enero de 1973, noche de hechizo. Una noche mágica en la que Elvis Presley fue como un rayo en llamas.

<<Antes de Elvis no había nada>>. Esta frase de John Lennon, es la que consideramos más adecuada para dedicar este artículo a la memoria de Elvis Aaron Presley, la figura más transcendental del rock and roll.

Tal día como hoy, 16 de Agosto de 2013, se conmemora el 36º aniversario de su muerte y el 40º de Aloha From Hawaii. A estas alturas del siglo XXI ya sobran todos los adjetivos para referirse a la leyenda más grande del rock. Nadie ha vendido más discos que él y nadie encarnará jamás el rock como él. Porque Elvis es el corazón del rock and roll. Ha sido la luz que ha guiado a los demás artistas y si me lo permiten, una religión.

Elvis Presley

Centrándonos en el álbum en directo, la actuación se graba el 14 de Enero de 1973 en el Honolulu International Center Arena de Hawai y fue publicado por el sello RCA Records el 4 de Febrero de 1973. Producido por Marty Pasetta y Joan Deary, Aloha From Hawaii fue retransmitido vía satélite y se convierte en el primer concierto televisado a escala mundial. Alrededor de 1500 millones de personas, vibraron desde su televisor con el show que ofreció el rey del rock and roll.

El gran éxito de ventas que obtuvo Aloha From Hawaii, fue directamente proporcional a su elevado coste de producción de casi 2,5 millones de dólares. Por aquel entonces se situó como el espectáculo más caro del mundo. El evento no se vio en Europa hasta el día siguiente, el 15 de Enero de 1973. Y en USA no lo visualizaron hasta 4 meses más tarde, debido a que coincidió con la celebración de la Super Bowl.

Como ya es costumbre, haremos mención a los músicos que tocaron con Elvis en esta filmación: la TCB Band, integrada por artistas del nivel de Ronnie Tutt (batería), James Burton (guitarra), John Wilkinson (guitarra rítmica), Glen Hardin (piano y teclados), Charlie Hodge (guitarra acústica y voz), Jerry Scheff (Bajo), los coros vocales J.D. Sumner & the Stamps Quartet (Donnie Sumner, Ed Enoch, Bill Baize, , Edward Wideman), la voz de cristal de Kathy Westmoreland, las coristas The Sweet Inspirations (Sylvia Shemwell, Myrna Smith, Estelle Brown). Y por supuesto, respaldados por la genialidad de la “Joe Guercio Orchestra”.

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Para el recuerdo del imaginario colectivo, Aloha From Hawaii es un concierto de dimensiones épicas. Elvis llegó en helicóptero al evento y comenzó a desgranar a un ritmo trepidante antológicas canciones, tanto de su etapa inicial como de la más reciente. Entremezcló temas con gran acierto y amenizó el show con diálogos divertidos y entretenidos, demostrándonos su gran personalidad y su calidad humana.

Como era habitual en la época, el espectáculo inicia con “Also Sprach Zarathustra”, un tema realizado por el compositor alemán Richard Strauss en el siglo XIX, para musicalizar un poema de Friedrich Nietzsche. Apenas unos años antes, Stanley Kubrick lo había utilizado para la película “2001: Una Odisea Del Espacio”.

Elvis contó con la colaboración de Joe Guercio, que lleva las riendas de su orquesta y dota a su música de una gran profundidad, acompañada por una sección de vientos que llegó a ser considerada por Elvis como <<formidable>>, en el momento de su presentación.

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El set list que ofreció incluye más de veinte canciones e interpreta temas clásicos en su repertorio como “Blue Suede Shoes”, “Fever”, “Hound Dog”, “Love Me”, y el medley “Long Tall Sally/ “Whole Lotta Shakin´Goin´On”, algunos catalogados como clásicos en los albores del rock and roll y compuestos por el tándem Jerry Leiber / Mike Stoller.

El disco cuenta también con pistas de blues – género fundamental del que se alimentó Elvis – y nos obsequia con temas como “See See Rider” o “Stemroller Blues”, dónde se aprecia el virtuosismo del guitarrista James Burton a lomos de su Fender Telecaster. “My Way”, corte fantástico, es una versión popularizada años atrás por su amigo Frank Sinatra. Aquí Elvis aporta una voz pletórica, aterciopelada y a su vez rotunda. Se atreve también con una balada romántica de The Beatles llamada Something”, perteneciente a George Harrison y con el clásicos “Johnny B. Good”, de Chuck Berry.

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Y lo que fue constante durante los años 70 en su repertorio, fueron hermosas canciones de amor y desamor como It´s Over”, “I Can´t Stop Loving You”, “Il Remember You” o “I´m Lonesome I Could Cry”, con las que hipnotiza a un amplio sector de público femenino. Otras pistas demoledoras que forman parte importante del elepé son: Burnning Love”, “You Gave Me A Mountain”, la exitosa “Suspicious Minds” o la épica “An American Trilogie” basada en himnos de la Guerra Civil Americana, con una soberbia interpretación vocal. Finaliza con la balada de baladas “I Can´t Help Falling In Love”.

Elvis Presley estuvo arropado en todo momento por un grupo de músicos con letras mayúsculas. Se sentía realmente cómplice con el trío rítmico Burton, Tutt y Scheff, quizás no muy conocidos para el público en general, pero grandísimos músicos en sus respectivos puestos. Unidos al rey y a su voz eterna, nos regalaron estelares actuaciones en directo. El traje blanco que Elvis lució para la ocasión, decorado con pedrería y el emblema de un águila, es todo un objeto de culto y permanece expuesto en su mansión de Graceland.

Así concluye Aloha From Hawaii, cortesía de Elvis Aaron Presley. Originario de Tupelo, Mississippi, 1935, nos dejó un legado magistral y sentó las bases de lo que actualmente se conoce como rock. La muerte hizo su aparición triunfal y se llevó a Elvis un maldito 16 Agosto de 1977 y las lágrimas cayeron sobre la mejilla de la humanidad.

Atrás quedó la bella historia de aquel solitario soñador. Un chico pobre de Memphis que conducía un camión y que desencadenó el movimiento cultural más poderoso del siglo XX. En agosto del 53, Elvis decidió entrar a las oficinas de los estudios Sun Records, en Memphis (Tennessee) para grabar un disco. Y creo que fue allí, y no en otro lugar, en dónde nació el rock and roll.

<<Rock and roll: si te gusta, si lo sientes, no puedes dejarlo. Esto es lo que me pasó. No Pude dejarlo>>. Elvis Presley.

Mike Oldfield – Tubular Bells (Virgin Records 1973)

Tubular Bells

Mike Oldfield. Gurú del rock sinfónico-progresivo. Maestro multiinstrumentista o si lo prefieren, uno de los músicos más grandes del siglo XX. En 1973 publica «Tubular Bells«, un disco legendario con el que muestra un extraordinario despliegue de virtuosismo, imaginería y talento al servicio del rock.

Así comienza la historia de las campanas tubulares. Oldfield se esforzó al máximo intentando captar algo nuevo, explorando un vasto territorio sónico y tocando más de veinte instrumentos.

Aclamado por la crítica, Tubular Bells obtuvo un gran éxito, tanto para Mike Oldfield como para la casa de discos Virgin Records, logrando alcanzar el número uno en las listas musicales del momento y situándose como uno de los LP’S más vendidos de todos los tiempos. El disco también originó un doble debut, el de Mike Oldfield y la Virgin, por aquel entonces, sello discográfico de reciente creación.

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El álbum, primero de estudio en su discografía, se publica el 25 de Mayo de 1973 para la Virgin Records e incluye dos extensos temas de 25 y 23 minutos de duración. Producido por el ingeniero Tom Newman, Simon Heyworth y Mike Oldfield, Tubular Bells vio la luz gracias a Richard Branson, personaje clave en esta obra. Por aquella época era un pequeño pero inteligente empresario que había creado la Virgin Records. Las complejas sesiones de grabación tuvieron lugar en los estudios “The Manor” de Inglaterra.

Como ya es costumbre, haremos mención los músicos que hicieron posible este magnífico trabajo: Mike Oldfield en condición de multiinstrumentista, su hermana, Sally Oldfield y Mundy Ellis (voces), Jon Field (flautas), Lydsay Cooper (bajos), Steve Broughton (baterías), Vivian Stanshall (maestro de ceremonias), Inhar I de Espilla y el coro “The Manor” .

En cuanto el vinilo comienza a rodar, ya nos damos cuenta del porqué de su grandeza. A mi juicio, Tubular Bells es el mejor ejemplo de que la música es un estado de ánimo. En ocasiones, nos invade la melancolía, en otras enciende la llama de la emotividad y nos abre la puerta hacia un nuevo mundo sonoro por descubrir.

Mike Oldfield 1973

Para la posteridad queda uno de sus pasajes instrumentales, que se utilizó como BSO de la película de terror “El Exorcista” de 1973, dirigida por William Friedkin. Toda esta conjunción de factores aumentaron todavía más la fama del álbum y lo convierten en un objeto de culto. Destacar la emblemática portada del elepé, en la que se observa la campana tubular, fue realizada por el diseñador inglés Trevor Key.

A raíz de la popularidad que consiguió el álbum y justo un mes después de su publicación, se organiza un concierto de presentación en el auditorio Queen Elizabeth Hall de Londres. Para la ocasión, Mike Oldfield formó una banda compuesta por músicos como el guitarrista de los Stones, Mick Taylor, Pierre Morlen o Steve Hillage entre otros. En 2009, sale a la luz una redición en formato CD en la que añaden diverso material extra y un DVD.

Así concluye esta obra maestra, todo un patrimonio cultural de la humanidad repleto de sonidos secretos y celebridades sonoras. Una obra histórica que lanzó al británico Mike Oldfield, Reading 1953, hacia el estrellato del rock. Su nombre, siempre irá ligado a Tubular Bells.