Jimmy Smith – Jimmy Smith Live! Root Down – (Verve 1972)

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Hablar de Jimmy Smith es hablar de uno de los mejores organistas de jazz de todos los tiempos. Así de simple es nuestro punto de vista sobre este músico americano. Nacido en Norristown, en el estado de Pensilvanya en 1928, Jimmy es un niño prodigio con un talento innato para la música provocado por tradición familiar. El pequeño Jimmy se especializa en el uso del órgano y en particular, en el conocido Órgano Hammond”, allá por los 50.

Comienza su carrera tocando estilos que van desde el rythm and blues al hard bop o el jazz, y pronto se hace con un lugar destacado en el ambiente jazzístico neoyorquino. Y es en la ciudad de los rascacielos y capital del jazz, dónde ficha por el histórico sello discográfico Blue Note. Años más tarde trabaja con Verve, tocando con varios de los músicos más célebres de este género, como los guitarristas West Montgomery o Kenny Burrell, los saxofonistas Lou Donalson o Stanley Turrentine y el trompetista Lee Morgan entre otros muchos míticos de los 60.

Jimmy Smith es un músico incansable y prolífico donde los haya. Explora como todo músico de jazz que se precie, la búsqueda de sonidos y de diferentes estilos. De él, fluye una energía desbordante y se decanta primero por el soul y el funky jazz de los setenta. Con su genial música influyó a generaciones venideras, donde se puede apreciar éste tipo de música fusión.

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Centrándonos en el álbum en directo, Root Down se graba durante su estancia en la costa oeste americana. Las grabaciones se registran un 9 de febrero de 1972 en el Bombay Bicycle Club”, un pequeño club de Los Ángeles, convirtiéndose meses después en un clásico y vigoroso disco de jazz funk. Producido por Eddie Ray, originalmente contenía 6 temas, añadiéndo en la redición del año 2000 una pista más y otros no editados en su momento.

Jimmy Smith (órgano hammond), estuvo apoyado en una espectacular banda formada por Arthur Adams (guitarra), Wilton Felder (bajo), Paul Humprey (batería), Buck Clarke (congas y percusión) y Steve Williams (armónica).

El elepé comienza con un movido Sagg Shotin´His Arrow”, puro instrumental y con un magistral Arthur Adams a la guitarra, respaldado por un Jimmy Smith demoledor y una grandísima sección rítmica. Inesperadamente giran hacia un bello tema titulado “For Everyone Under the Sun más bien de estilo soul jazz, alternando la guitarra y el órgano. A continuación, demuestran su virtuosismo en el estándar de blues “After Hours”, obra del mítico pianista de Alabama Avery Parish.

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Root Down es la marca que deja huella en el disco. Funky jazz en estado puro, con más de 12 minutos soberbios (en la edición del 2000) y que da el nombre al LP. Lleno de improvisación, wah-wahs, un Jimmy soberbio y una excelente sección rítmica. Esta canción también sirvió mediados los 90 a la reconocida banda de Nueva York “The Beasty Boys “, para incluirla en un disco dónde se situó como uno de sus temas más conocidos.

Una impecable versión del Let´s Stay Together de Al Green, anima y hace cómplice al público presente esa noche, con ovaciones sonoras hacia el guitarrista a mitad del tema y por supuesto, también a su terminación. Para finalizar, otro tema funky de larga duración Slow Down Sagg”, dónde se refleja la fuerza de éste estilo y la grandeza de unos músicos inolvidables que nos dejaron una actuación para la posteridad.

Concluyo este análisis con la frase que reza en la parte trasera del disco: “Jimmy Smith forma parte esencial del jazz moderno. En sus primeros años en Nueva York el enfoque veloz de sus dedos define el papel del instrumento con un éxito sin precedentes”.

Ya sobran las palabras.

Rory Gallagher – Deuce (Atlantic Records 1971)

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Tras abandonar Taste y dejarnos un primer disco mágico, Rory Gallagher escribe otro capítulo histórico para la música rock. Le llamó “Deuce”. Solo el paso de los años logra situar a este disco en el lugar que le corresponde, ya que en un principio recibe críticas negativas.

Esta es su obra más íntima, quizás no tan dura como otras, pero rebosa de calidad y sentimiento. Rory juega aquí con el folk, pero también con el blues y el rock. Canciones como “I’m Not Awake Yet” – todo un hit que abre el elepé – o “Don’t Know Where I’m Going”, impregnada de un bello toque folk, son el mejor ejemplo de su grandeza. “In Your Town” es un magistral blues rock en donde se capta la influencia de mitos como Muddy Waters. Otras pistas que completan el LP son: “Used To Be”una joya de tema – , “Whole Lot Of People”, con cierto aire al rock de los 50 y “Should’ve Learnt My Lesson”, en dónde nos recuerda a los viejos bluesman americanos del Misisipi.

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“Out of my mind” es una preciosista balada de sutil country. Cierra el disco con “Crest Of Wave”, ejecutado a un ritmo trepidante con un inolvidable riff de guitarra.

El álbum se graba en los Tangerine Studios de Londres, fue producido por Rory Gallagher e incluye 10 pistas. Segundo en su discografía, se publica en 1971 por el sello Atlantic Records, y en 1999 fue reditado incluyendo una pista más llamada Persuasion”. Como ya es habitual, haremos mención a los músicos que hicieron posible la realización del disco: Rory Gallagher (guitarra eléctrica, voz y armónica), su inseparable Gerry McAvoy (bajo y coros) y Wilgar Campbell (batería).

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Así concluye esta obra maestra cortesía del legendario Rory Gallagher, el irlandés de fuego. Un tipo de carácter sencillo que nunca se dejó manejar por las discográficas. Se alejaba de las producciones mastodónticas y de las portadas. Lo único que le importaba era la música. Cuando su popularidad aumentó, después de los conciertos entraba a los bares para tomar cervezas con la gente que lo había visto. Una vez, estando de gira, sus representantes describieron como recorrió media ciudad buscando a un músico callejero para darle dinero. Jamás se alejó de la peña. Jamás se vendió.

Rory Gallagher fallece el 14 de Junio de 1995 de un fallo hepático derivado de su alcoholismo crónico. Tenía 47 años. Muy poco tiempo antes de su muerte, se quejó de que no se le había reconocido lo suficiente su labor en el rock y en el blues. Es el alto precio que un músico tiene que pagar por hacer lo que quiere. A mi juicio, Rory representó a la perfección los sentimientos, ideales y actitudes del rock.

The Black Keys – El Camino (Nonesuch Records 2011)

The Black Keys El CaminoUn triunfo del rock moderno, así considero este disco de The Black Keys.  Y aunque la base de su sonido la toman de géneros como el blues, rockabilly, garaje rock, blues rock, o el soul de los 60 y 70, El Camino es una obra pegajosa y guitarrera que combina con simpleza pero con gran eficacia los estilos anteriormente mencionados.

Originarios de Akron, en el estado norteamericano de Ohio, The Black Keys se consolidan como dúo musical en 2001, formados por  el multiinstrumentalista Dan Auerbach y el batería Patrick Carney. Un año después de su creación graban para el sello “Alive Records” magníficos álbumes de blues rock como The Big Came Up”, “Brothers” o Thickfreakness” (2003), haciéndose con un lugar importante en la escena de rock alternativo del momento.

“El Camino” fue el séptimo de su discografía, se publica en diciembre de 2011 por la casa Nonesuch Records e incluye 11 pistas. También logró numerosos premios y certificaciones. Fue producido por The Black Keys y el músico estadounidense Danger Mouse, que colaboró como coautor en todas las composiciones del elepé.

The Black KeysHaremos referencia a los músicos que hicieron posible este álbum: Dan Auerbach (guitarra, bajo y voz), Patrick Carney (batería), B. Burton (teclados), Heather Rigdon, Ashley Wilcoxson y Leisa Han (coros).

Abren con “Lonely Boy”, un tema ejecutado a un ritmo trepidante que se sitúa como uno de los destacados del disco. También fue lanzado como sencillo en 2011 y se utiliza como banda de sonora de multitud de eventos deportivos, series de TV y videojuegos. “Dead Gone”, está impregnada por un sonido setentero y orientada hacia el más puro rock garaje. “Gold On The Ceiling”, posee unos excelentes riffs de guitarra,  con cierto influjo del sintetizador y una espléndida batería.

AuerbachEl punto álgido llega con Little Black Submarines”, semi-balada de bella introducción acústica y adictivo estribillo, queda marcada a fuego en la memoria del rock por sus poderosos riffs de guitarra. Esta canción es todo un himno. Hablamos dentro de 20 años.

“Run Right Back” y “Money Maker”, son dos ejemplos de rock bien armado rítmicamente, poderoso, contundente y sin espacio para el descanso. El resto de pistas que completan el disco son “Sister”, “Hell Of A Season”, “Stop Stop”, “Nova Baby” y “Mind Eraser”, en dónde se palpa una clara tendencia hacia el clásico sonido del rock de los años 60 y 70. Sin duda es una curiosa amalgama sonora que resulta nostálgica para el oyente. Por eso gusta.

BKAsí concluye este álbum, cortesía de unos tipos de barrio que grababan discos en garajes y sótanos. En sus inicios, ofrecen conciertos en bares y se mueven en el underground. Su pasión por el rock y por bluesman legendarios como Robert Johnson, Muddy Waters, Son House o Misisipi Fred McDowell, les llevó a encontrarse con el éxito, casi de manera repentina.

Quizás sea ésta su obra más comercial – no por ello exenta de calidad – pero se echa en falta las fuertes raíces bluseras de sus primeros discos. A mi juicio, las teclas negras escogieron el camino correcto y nos llevaron en un emotivo viaje por el rock y el blues de antaño. ¿Utilizarían la destartalada furgoneta de portada?…

Un clásico.

 

 

Eric Clapton – Just One Night (RSO 1980)

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Este magistral doble álbum en directo mezcla de rock y blues, fue la carta de presentación de Eric Clapton en una de las décadas más difíciles para estos géneros. A finales de los 70, comienza el declive del blues y el rock, originado esto por las nuevas corrientes musicales y los diferentes estilos, como el pop más puro y comercial.

Backless”, su último disco grabado en estudio hasta esa fecha, provoca que Clapton y su banda se embarquen en una nueva gira mundial, llena de éxitos y con “manolenta” en estado de gracia. Esta gira que comenzó en el mes de marzo en Irlanda, salta tiempo después a los Estados Unidos, dónde Clapton se instala durante la primavera y los inicios del verano. Tras un parón en septiembre regresa a Europa, tocando en países como Inglaterra, Polonia, Austria, Alemania o la extinta Yugoslavia.

Para llegar al lugar dónde se grabó el disco, Clapton y su grupo viajan en otoño por Israel y Asia, pasando por Filipinas, Tailandia y Hong Kong, recalando finalmente en el imperio del sol naciente. En el interior del elepé, podemos apreciar una reseña que Clapton deja el 12 de marzo de 1980 <<una gira por Japón es algo a lo que siempre me acerco con sentimientos encontrados…”>> entre otras frases que se aproximaban a la realidad del país nipón. También destacaremos la ilustración de Ken Konno y las fotografías, que fueron obra de Dave Brown y Koichiro Hiki.

ECJUIPara la realización del LP, Clapton cuenta con la colaboración de una poderosa banda, – perfectamente engrasada – que tocó las frías noches del 3 y 4 de diciembre en el Budokan Theatre de Tokio. De obligada referencia, es su mención: Henri Spinetti (virtuoso batería) el mítico Chris Stainton (teclados), Dave Markee (bajo) y un enorme Albert Lee con Eric Clapton a las guitarras y voces. De la producción se encargó Jon Astley, para el histórico sello de la vaca roja RSO (del  productor musical Robert Stigwood), y se publica en abril de 1980.

Con 14 pistas espléndidas, el disco abre con “Tulsa Time”, una canción de su último trabajo y con unos ritmos claramente marcados por el tulsa sound. Seguidamente y como norma del álbum, Clapton enlaza con un blues tradicional Early In The Morning”, con una excelente slide.

En la primera parte del LP reflejan temas emblemáticos como el country de Lay Down Sally”, la bella balada Wonderful Tonighty una gran versión del If Don´t Be There By Morning”, de Bob Dylan. El blues más puro vuelve a hacer acto de presencia con el clásico atemporal de Maceo Merriweather Worried Life Blues”, “All Our Past Timesy el After Midnight de J.J Cale con el que concluyen esta cara A.

La segunda parte abre con Double Trouble”, un tremendo blues de impecable factura, propiedad del zurdo Otis Rush. Setting Me Up es una composición de Mark Knopfler procedente del magnífico debut de los Dire Straits, a la que Albert Lee pone la voz y su estupenda guitarra Telecaster.

ECJUEl tramo final del show en el teatro japonés no tiene desperdicio alguno. Nos obsequian con cuatro canciones de auténtico infarto y nos demuestran el porqué Eric Clapton es uno de los héroes de la guitarra más grandes que ha dado la música. Ofrece una descarga  memorable en temas como Blues Power”, el clásico Rambling On My Mindde Robert Johnson o el soberbio Cocaine”, intercambiando la guitarra Clapton primero y Albert Lee después. Para poner punto y final Further On Up the Road”, otra de las canciones preferidas de Eric en sus conciertos en directo. Just One Night fue muy bien acogido por el público y la crítica en 1980. Alcanzó puestos relevantes en las listas, tanto en las americanas, como en las inglesas. En 1981, ya fue distribuido por la Polydor Records.

Clapton y su famosa guitarra blackie del 57, inmortalizaron junto a una excepcional banda este show  hace ya 35 años. Se convirtió en uno de los álbumes más legendarios de su tiempo, porque a mi juicio, jamás tuvieron miedo de las nuevas tendencias musicales. Regresaron al blues más puro, acompañados por uno de los dioses de la guitarra.

One, two, three…..