JOE BONAMASSA – DUST BOWL (J&R Adventures 2011)

El bluesman neoyorquino Joe Bonamassa es uno de los nuevos “guitar hero” modernos. Sus increíbles solos pentatónicos a toda velocidad, combinado con un personalísimo estilo blues rock, le convirtieron en una leyenda de las seis cuerdas. Bonamassa mezcla estilos como el blues, el country, el funk, el boogie o el rock duro en su música. Una fusión única que hace de Joe un músico impredecible, siendo capaz de ofrecer conciertos que van desde el blues rock, hasta el rock duro más áspero, pasando por el rock sureño.

Joe Bonamassa, 1977, New Hartford, Nueva York, comienza a tocar la guitarra a los cuatro años de edad, influenciado por su entorno familiar y por mitos del blues como Buddy Guy o B.B.King, llegando a ser telonero de este último a los doce años. El legendario creador de The Thrill Is Gone, declaraba en 1989 tras verle actuar: “Este chico tiene un potencial increíble, es uno de eses especiales». No se equivocó el gran B.B.

Centrándonos en el disco, Dust Bowl se publicó en 2011 por el sello J&R Adventures y contiene 12 canciones. Como ya es habitual, haremos mención a los músicos que hicieron posible este álbum: Joe Bonamassa (voz y guitarra), Carmine Rojas (Bajo), Tal Bergman (batería) y Rick Melick (piano).

Bonamassa es todo un animal del directo – su hábitat natural – y respira blues por los cuatro costados. Tiene la buena costumbre de hacernos llegar regalos para el oído como Slow Train”, – todo un hit propiedad de Bob Dylan que abre el disco –  y que versiona de manera magistral. Este “tren lento” transporta puro sonido sur nativo americano, y recomendamos visualizar su versión en directo “Slow Train Live At Beacon Theatre”.

A mi juicio, Dust Bowl es un disco con cierta tendencia al country americano, pero también con esencia blues rock made in Bonamassa.  Canciones como “Tennessee Plates (con la colaboración del cantautor John Hiatt), “Black Lung Heartache”, “You Better Watch Yourself”, “Sweet Rowenao la gran versión del Heartbreaker de los míticos Free, son la mejor prueba de ello. Destacar la balada “The Last Matador Of Bayonne”, en la que Joe realiza un gran solo de guitarra y nos muestra otra vez su personalísimo estilo. 

El blues no ha muerto. Joe vive.

Les Dudek – Say No More (CBS 1977)

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Les Dudek es uno de los grandes guitarristas americanos, pero su carrera pasó desapercibida para el público europeo. Con este artículo vamos a intentar rescatar del olvido “Say No More”, un disco de 1977 que a mi juicio merece el mayor de los elogios.

Les nace en 1952 en la Estación Naval Aérea de Quoinset Point (Rhode Island) perteneciente al estado norteamericano de Nueva Inglaterra. Pero solo permanece allí hasta los seis años de edad, momento en que su familia se traslada al sur de Florida.

Como sucede en otros muchos casos de guitarristas ilustres, Les Dudek comienza a tocar desde su adolescencia y es influenciado por grupos como Cream o Jimi Hendrix. Su trayectoria musical se inicia formando parte de un elevado número de bandas, consiguiendo una gran reputación. El talento desbordante de Les no pasa inadvertido para The Allman Brothers Band, cuando deciden contar con él – sobre todo Dickey Betts – para colaborar en el histórico “Brothers And Sisters” de 1973, ya sin el legendario Duane Allman en sus filas.

Dudek nos dejó solos de guitarra inmortales, como en el inolvidable “Ramblin’ Man” y una colaboración acústica en la célebre canción “Jessica”, de los Allman Brothers. Pero nunca obtuvo el reconocimiento que merecía, – especialmente por parte Dickey Betts – con el que tuvo varias disputas a lo largo de los años por la composición de Jessica”.

Les Dudek II

Les logró convertirse en un reputado guitarrista en el círculo de las bandas sureñas de entonces, y se integró con músicos de la talla de Boz Scaggs o Steve Miller. En 1976, la prestigiosa casa CBS se fija en él para iniciar su carrera en solitario, primero con el álbum “Les Dudek” y luego con éste su segundo y espléndido “Say No More”, que a día de hoy podemos catalogar como un clásico en toda regla.

Producido por Bruce Botnick para la Columbia en 1977, el LP se grabó en los emblemáticos Capitol Studios de Hollywood, donde se gestan muchas de las mejores de grabaciones de la historia. Incluye nueve temas compuestos por el propio Les, que van desde el más puro rock sureño pasando por el blues rock e incluso otros temas con connotaciones jazz rock o funk. Para la realización del LP, Les Dudek (guitarra y voz) contó con un gran elenco de músicos como Alan Feingold, David Paich y Ted Straton (teclados), el genial batería Jeff Porcaro, Gerald Johnson (bajo), Kevin Calhoun, Reymondo y Pat Murphy (percusión), y un coro femenino de “ruiseñores” – tal y como indica en el interior del disco – formado por Sherlie Matthews, Rebecca Louis, y Clydie King, entre otros muchos de sesión.

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Dentro del elepé nos encontramos con excelentes canciones como “Old Judge Jones” de claro estilo sureño, un marcado funky “What´s It Gonna Be”, el exquisito y dulce acústico “I Remember” o el aire jazzístico de “Zorro Rides Again”. Uno de los puntos álgidos llega con “Avatar”, tema imprescindible con buenos riffs y una magnífica sección rítmica a la que acompaña con acierto el coro vocal.

En la portada del disco podemos contemplar una foto obra de David Stahl, en la que aparece Les Dudek con su mítica guitarra Gibson Les Paul, al lado de la sobrina del popular actor Telly Savalas, recordado por su papel en la serie “Kojack”.

Dudek continua participando en multitud de conciertos y publicando discos en solitario. Es un músico referente, que se mantiene en muy buena forma y nos deleita con su virtuosismo a la guitarra.

Rory Gallagher – Deuce (Atlantic Records 1971)

Rory Gallagher Deuce

Tras abandonar Taste y dejarnos un primer disco mágico, Rory Gallagher escribe otro capítulo histórico para la música rock. Le llamó “Deuce”. Solo el paso de los años logra situar a este disco en el lugar que le corresponde, ya que en un principio recibe críticas negativas.

Esta es su obra más íntima, quizás no tan dura como otras, pero rebosa de calidad y sentimiento. Rory juega aquí con el folk, pero también con el blues y el rock. Canciones como “I’m Not Awake Yet” – todo un hit que abre el elepé – o “Don’t Know Where I’m Going”, impregnada de un bello toque folk, son el mejor ejemplo de su grandeza. “In Your Town” es un magistral blues rock en donde se capta la influencia de mitos como Muddy Waters. Otras pistas que completan el LP son: “Used To Be”una joya de tema – , “Whole Lot Of People”, con cierto aire al rock de los 50 y “Should’ve Learnt My Lesson”, en dónde nos recuerda a los viejos bluesman americanos del Misisipi.

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“Out of my mind” es una preciosista balada de sutil country. Cierra el disco con “Crest Of Wave”, ejecutado a un ritmo trepidante con un inolvidable riff de guitarra.

El álbum se graba en los Tangerine Studios de Londres, fue producido por Rory Gallagher e incluye 10 pistas. Segundo en su discografía, se publica en 1971 por el sello Atlantic Records, y en 1999 fue reditado incluyendo una pista más llamada Persuasion”. Como ya es habitual, haremos mención a los músicos que hicieron posible la realización del disco: Rory Gallagher (guitarra eléctrica, voz y armónica), su inseparable Gerry McAvoy (bajo y coros) y Wilgar Campbell (batería).

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Así concluye esta obra maestra cortesía del legendario Rory Gallagher, el irlandés de fuego. Un tipo de carácter sencillo que nunca se dejó manejar por las discográficas. Se alejaba de las producciones mastodónticas y de las portadas. Lo único que le importaba era la música. Cuando su popularidad aumentó, después de los conciertos entraba a los bares para tomar cervezas con la gente que lo había visto. Una vez, estando de gira, sus representantes describieron como recorrió media ciudad buscando a un músico callejero para darle dinero. Jamás se alejó de la peña. Jamás se vendió.

Rory Gallagher fallece el 14 de Junio de 1995 de un fallo hepático derivado de su alcoholismo crónico. Tenía 47 años. Muy poco tiempo antes de su muerte, se quejó de que no se le había reconocido lo suficiente su labor en el rock y en el blues. Es el alto precio que un músico tiene que pagar por hacer lo que quiere. A mi juicio, Rory representó a la perfección los sentimientos, ideales y actitudes del rock.

The Black Keys – El Camino (Nonesuch Records 2011)

The Black Keys El CaminoUn triunfo del rock moderno, así considero este disco de The Black Keys.  Y aunque la base de su sonido la toman de géneros como el blues, rockabilly, garaje rock, blues rock, o el soul de los 60 y 70, El Camino es una obra pegajosa y guitarrera que combina con simpleza pero con gran eficacia los estilos anteriormente mencionados.

Originarios de Akron, en el estado norteamericano de Ohio, The Black Keys se consolidan como dúo musical en 2001, formados por  el multiinstrumentalista Dan Auerbach y el batería Patrick Carney. Un año después de su creación graban para el sello “Alive Records” magníficos álbumes de blues rock como The Big Came Up”, “Brothers” o Thickfreakness” (2003), haciéndose con un lugar importante en la escena de rock alternativo del momento.

“El Camino” fue el séptimo de su discografía, se publica en diciembre de 2011 por la casa Nonesuch Records e incluye 11 pistas. También logró numerosos premios y certificaciones. Fue producido por The Black Keys y el músico estadounidense Danger Mouse, que colaboró como coautor en todas las composiciones del elepé.

The Black KeysHaremos referencia a los músicos que hicieron posible este álbum: Dan Auerbach (guitarra, bajo y voz), Patrick Carney (batería), B. Burton (teclados), Heather Rigdon, Ashley Wilcoxson y Leisa Han (coros).

Abren con “Lonely Boy”, un tema ejecutado a un ritmo trepidante que se sitúa como uno de los destacados del disco. También fue lanzado como sencillo en 2011 y se utiliza como banda de sonora de multitud de eventos deportivos, series de TV y videojuegos. “Dead Gone”, está impregnada por un sonido setentero y orientada hacia el más puro rock garaje. “Gold On The Ceiling”, posee unos excelentes riffs de guitarra,  con cierto influjo del sintetizador y una espléndida batería.

AuerbachEl punto álgido llega con Little Black Submarines”, semi-balada de bella introducción acústica y adictivo estribillo, queda marcada a fuego en la memoria del rock por sus poderosos riffs de guitarra. Esta canción es todo un himno. Hablamos dentro de 20 años.

“Run Right Back” y “Money Maker”, son dos ejemplos de rock bien armado rítmicamente, poderoso, contundente y sin espacio para el descanso. El resto de pistas que completan el disco son “Sister”, “Hell Of A Season”, “Stop Stop”, “Nova Baby” y “Mind Eraser”, en dónde se palpa una clara tendencia hacia el clásico sonido del rock de los años 60 y 70. Sin duda es una curiosa amalgama sonora que resulta nostálgica para el oyente. Por eso gusta.

BKAsí concluye este álbum, cortesía de unos tipos de barrio que grababan discos en garajes y sótanos. En sus inicios, ofrecen conciertos en bares y se mueven en el underground. Su pasión por el rock y por bluesman legendarios como Robert Johnson, Muddy Waters, Son House o Misisipi Fred McDowell, les llevó a encontrarse con el éxito, casi de manera repentina.

Quizás sea ésta su obra más comercial – no por ello exenta de calidad – pero se echa en falta las fuertes raíces bluseras de sus primeros discos. A mi juicio, las teclas negras escogieron el camino correcto y nos llevaron en un emotivo viaje por el rock y el blues de antaño. ¿Utilizarían la destartalada furgoneta de portada?…

Un clásico.

 

 

Eric Clapton – Just One Night (RSO 1980)

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Este magistral doble álbum en directo mezcla de rock y blues, fue la carta de presentación de Eric Clapton en una de las décadas más difíciles para estos géneros. A finales de los 70, comienza el declive del blues y el rock, originado esto por las nuevas corrientes musicales y los diferentes estilos, como el pop más puro y comercial.

Backless”, su último disco grabado en estudio hasta esa fecha, provoca que Clapton y su banda se embarquen en una nueva gira mundial, llena de éxitos y con “manolenta” en estado de gracia. Esta gira que comenzó en el mes de marzo en Irlanda, salta tiempo después a los Estados Unidos, dónde Clapton se instala durante la primavera y los inicios del verano. Tras un parón en septiembre regresa a Europa, tocando en países como Inglaterra, Polonia, Austria, Alemania o la extinta Yugoslavia.

Para llegar al lugar dónde se grabó el disco, Clapton y su grupo viajan en otoño por Israel y Asia, pasando por Filipinas, Tailandia y Hong Kong, recalando finalmente en el imperio del sol naciente. En el interior del elepé, podemos apreciar una reseña que Clapton deja el 12 de marzo de 1980 <<una gira por Japón es algo a lo que siempre me acerco con sentimientos encontrados…”>> entre otras frases que se aproximaban a la realidad del país nipón. También destacaremos la ilustración de Ken Konno y las fotografías, que fueron obra de Dave Brown y Koichiro Hiki.

ECJUIPara la realización del LP, Clapton cuenta con la colaboración de una poderosa banda, – perfectamente engrasada – que tocó las frías noches del 3 y 4 de diciembre en el Budokan Theatre de Tokio. De obligada referencia, es su mención: Henri Spinetti (virtuoso batería) el mítico Chris Stainton (teclados), Dave Markee (bajo) y un enorme Albert Lee con Eric Clapton a las guitarras y voces. De la producción se encargó Jon Astley, para el histórico sello de la vaca roja RSO (del  productor musical Robert Stigwood), y se publica en abril de 1980.

Con 14 pistas espléndidas, el disco abre con “Tulsa Time”, una canción de su último trabajo y con unos ritmos claramente marcados por el tulsa sound. Seguidamente y como norma del álbum, Clapton enlaza con un blues tradicional Early In The Morning”, con una excelente slide.

En la primera parte del LP reflejan temas emblemáticos como el country de Lay Down Sally”, la bella balada Wonderful Tonighty una gran versión del If Don´t Be There By Morning”, de Bob Dylan. El blues más puro vuelve a hacer acto de presencia con el clásico atemporal de Maceo Merriweather Worried Life Blues”, “All Our Past Timesy el After Midnight de J.J Cale con el que concluyen esta cara A.

La segunda parte abre con Double Trouble”, un tremendo blues de impecable factura, propiedad del zurdo Otis Rush. Setting Me Up es una composición de Mark Knopfler procedente del magnífico debut de los Dire Straits, a la que Albert Lee pone la voz y su estupenda guitarra Telecaster.

ECJUEl tramo final del show en el teatro japonés no tiene desperdicio alguno. Nos obsequian con cuatro canciones de auténtico infarto y nos demuestran el porqué Eric Clapton es uno de los héroes de la guitarra más grandes que ha dado la música. Ofrece una descarga  memorable en temas como Blues Power”, el clásico Rambling On My Mindde Robert Johnson o el soberbio Cocaine”, intercambiando la guitarra Clapton primero y Albert Lee después. Para poner punto y final Further On Up the Road”, otra de las canciones preferidas de Eric en sus conciertos en directo. Just One Night fue muy bien acogido por el público y la crítica en 1980. Alcanzó puestos relevantes en las listas, tanto en las americanas, como en las inglesas. En 1981, ya fue distribuido por la Polydor Records.

Clapton y su famosa guitarra blackie del 57, inmortalizaron junto a una excepcional banda este show  hace ya 35 años. Se convirtió en uno de los álbumes más legendarios de su tiempo, porque a mi juicio, jamás tuvieron miedo de las nuevas tendencias musicales. Regresaron al blues más puro, acompañados por uno de los dioses de la guitarra.

One, two, three…..

John Mayall – Blues From Laurel Canyon (Decca 1968)

Blues From Laurel Canyon

Bob El OsoHite, miembro fundador de los Canned Heat invita a John Mayall a pasar tres semanas de vacaciones en su casa del Laurel Canyon (California), ubicada en plena naturaleza. Mayall, fascinado por la belleza del paraje en que se encuentra, se inspira para crear este Blues From Laurel Canyon”, todo un clásico del blues rock.

Tiempo después, Mayall se instala en el cañón, haciendo una vida en solitario, como si de un indígena se tratase. Ya había dejado atrás la época de los BluesBreakers de Peter Green y Eric Clapton.

El álbum, séptimo de su amplia discografía (primero sin los Bluesbreakers), se graba en los Decca Studiosde Londres e incluye 12 temas. Producido por el propio John Mayall y el histórico Mike Vernon, se publica en agosto de 1968 para el sello Decca, reditándose de nuevo en el Reino Unido en 2007. Todas las canciones del elepé fueron compuestas por John Mayall.

John Mayall Blues

Respecto a los músicos que acompañaron a Mayall en esta aventura por el Cañón del Laurel, destacar a un jovencísimo Mick Taylor, que realiza un trabajo espectacular a la guitarra con 19 años de edad. Solo unos pocos meses después, en 1969, Mick Taylor pasa a las filas de los Rolling Stones, sustituyendo a Brian Jones. Completando la formación de Mayall, por allí estaba el bajista Steve Thompson y el baterista Colin Allen. Todos ellos, músicos de gran nivel que ya poseía una experiencia más que contrastastada.

Dentro del álbum, nos encontramos con temas como Vacation”, un vibrante blues rock de adictivos riffs. Seguidamente Walking on Sunset”, en dónde la armónica de Mayall se combina a la perfección con la guitarra de Mick Taylor. “Laurel Canyon Homees una balada suave y tranquila, de esas que no pueden faltar en los discos de blues.

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Continúan con  2401 y Ready to Rideblues rock con la marca inconfundible de Mayall. Uno de los cortes más llamativos del LP es Medicine Man”, una experimentación de John Mayall con un cierto ritmo indio. Por un momento, parece transportarnos a una reserva cheroqui, intentando transmitir sus costumbres ancestrales. El punto álgido del disco llegacon The Bear, todo un hit de John Mayall dedicado al líder de los Canned Heat Bob “El Oso” Hite. Otras pistas dignas de mención son Miss James”, la balada “Long Gone Midnight” y Fly Tomorrow”, que cierra el álbum a golpe de punteos guitarreros.

Así concluye el blues para el cañón del laurel, cortesía de un mito llamado John Mayall, Macclesfield, 1933. Durante toda su carrera, acogió en su seno a músicos de la talla de Eric Clapton, Peter Green, Mick Fleetwood, Keef Hartley, Coco Montoya, Jack Bruce y un larguísimo etcétera. Actualmente, John Mayall a sus 80 años continúa deleitando al público con sus  shows en directo, demostrando una pasión desmedida por la música del alma. Su nombre, es sinónimo de blues.

The Electric Flag – An American Music Band – “A Long Time Comin” (CBS 1968)

The Electric Flag

Después de colaborar con gran éxito al lado de Bob Dylan en su “Highway 61 Revisited”, y de grabar álbumes magistrales con la The Paul Butterfield Blues Band”, el legendario guitarrista Mike Bloomfield forma una talentosa banda con sede en el Chicago de 1966. Al margen de esto, recordar que Mike Bloomfield publicó discos elementales como “East – West” de 1966, siendo miembro de la The Paul Butterfield Blues Band.

Esta nueva agrupación a la que bautiza como The Electric Flag”, es co-liderada por el músico y compositor Barry Goldberg, acompañado de Nick Gravenites, Harvey Brooks y un jovencísimo Buddy Miles. Establecen así los cimientos de una gran banda apoyada por una espectacular sección de vientos. En 1967, se trasladan a San Francisco para grabar la B.S.O. de The Trip”, toda una película de culto dirigida por Roger Corman (el rey de los films de serie B), protagonizada por Peter Fonda y escrita por Jack Nicholson. Un clásico de los años 60 en dónde se pone de manifiesto el consumo de LSD.

Compuesta casi en su totalidad por Bloomfield, su música no pasa desapercibida y son invitados al Monterey Pop Festival de 1967, dejando para la historia una estelar actuación.

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En marzo de 1968, sale a la luz A Long Time Comin”, uno de los álbumes esenciales de los 60, en el que participan un elevado número de músicos, debido a la gran cantidad de instrumentos que utilizaron para su realización.

Producido por John Court y grabado en los estudios de la Columbia Records, el elepé cuenta con Michael Bloomfied, Harvey Brooks y Sicuva (guitarras), Barry Goldberg, Herbie Ritch y Mike Fontara (teclados), Harvey Brooks (bajo) y Buddy Miles (batería).

La sección de vientos estuvo compuesta por Peter Strazza y Herbie Rich (saxos tenores, saxo barítono) y Marcus Doubleday (trompeta). Destacar que este disco fue uno de los pioneros en grabarse con sampler, un instrumento que sirve para mezclar diferentes grabaciones. A la percusión contribuyen la mayoría de los músicos mencionados anteriormente.

Cabe también citar al cantautor Richie Havens tocando el sitar, Paul Beaver (sintetizador Moog) y un equipo de cuerdas: Bob Notkoff, Julius Held, Leo Daruczeck, Geroge Brown y Charles McCracken.

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Dentro del LP, nos encontramos ante estilos bien diferenciados, que van desde el soul, la psicodelia, el rock, o el blues más puro de Chicago. Incluyendo diez pistas en su versión original, contiene joyas como Killing Floor”, canción que abre el álbum y versión extraordinaria del blues de Chester Burnnet (Howlin´ Wolf), con un gran trabajo de Bloomfield a las seis cuerdas.

Continúan con los clásicos “Groovin´Is Easy” y She Should Have Just”, y otros temas en medio en los que Buddy Miles coge el mando a las voces, con un aire más soul como en “Over-Lovin´You”. El disco también posee cortes tradicionales como el vigoroso rock and roll de Wine”, y el auténtico sabor a blues de “Texas”, con un finísimo Mike, otra vez magnífico con su Gibson Les Paul.

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Para finalizar The Electric Flag nos deleitan con Sittin´In Circles”, una balada interpretada por Buddy Miles titulada You Don´t Realice”, (“Dedicada con gran respeto para Steve Crooper y Otis Reeding”), el extenso “Another County” y Easy Rider”, tema compuesto por Bloomfield. En la reedición de 2003 incorporan cuatro bonus track, con pistas no incluidas en su día como la versión de “Sunny”, “Mystery”, “Look into My Eyes” y el clásico blues Goin Down Slow”.

The Electric Flag, como otras tantas formaciones de la época, no tuvo apenas continuidad. En 1968 Bloomfield se marchó para embarcarse en otros proyectos, y aunque siguieron funcionando durante un breve período de tiempo, anuncian su disolución en 1969. Cada uno escogió su propio camino, pero no se fueron sin antes dejarnos este antológico elepé. Un clásico entre clásicos que se gestó en medio de unos años turbulentos, de cambios, de conmoción social, de drogas y de rock. Pero sobre todo de música, de muy buena música.

Lonnie Mack – Live! – Attack of the Killer V (Alligator Records 1989)

Lonnie Mack Live

Para el legendario guitarrista tejano Stevie Ray Vaughan, el bluesman Lonnie Mack ha sido su mayor fuente de inspiración y una referencia inexcusable de la música del alma.

Lonnie nace en Indiana en 1941 y desde muy joven se inicia en el blues, comenzando a tocar en diversos locales de su ciudad. Debido a su virtuosismo a las seis cuerdas, es fichado para realizar sesiones de grabación al lado de mitos como Freddie King o James Brown. En 1963 edita una versión instrumental del clásico “Memphis” de Chuck Berry, obtiene gran éxito y se establece como un músico muy valorado por la crítica del momento. Tiempo después, sale a la luz “Wham”, otro de sus hits que fue versionado magistralmente por Stevie Ray Vaughan en 1983.

Centrándonos en el álbum en directo, se publica en 1989 por el histórico sello Alligator Records e incluye 8 pistas. De su producción se encargó Bruce Iglauer, ilustre fundador de la casa Alligator, que ya había trabajado con otras estrellas del blues como Fenton Robinson, Son Seals o Koko Taylor. Como ya es habitual, mencionaremos a los músicos que hicieron posible esta obra: Lonnie Mack (guitarra, voz), Michael Freeman (bajo), Dumpy Rice (piano) y Maxwell Schauf (batería).

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Dentro del LP, nos encontramos con temas que hacen todos los honores al blues eléctrico: “Riding The Blinds” abre el disco con un espléndido piano y un adictivo guitarreo. El punto álgido llega con “Natural Disaster”, todo un hit y canción central. “Stop” y “I Found a Love” son unas bellas baladas bluseras en las que Lonnie y su banda depositan un gran sentimiento. El meddley “Camp Washington Chili/If You Have to Know”, es sólo una muestra más del talento innato de Lonnie Mack a la guitarra.

De sencillamente geniales, calificaré las pistas Satisfy Suzie” y “The Move”, ejecutado a un ritmo trepidante que junto a “Cincinnati Jail» ponen punto y final a un elepé redondo. Y así concluye esta aventura sonora, cortesía de Lonnie Mack. Todo un músico con letras mayúsculas, que acompañado de su inseparable Gibson Flying V Serial númber 7, fue capaz de obsequiarnos con un Live de los que nunca se olvidan.

Lonnie

Durante su amplia carrera, Lonnie Mack pasó por muchas dificultades, llegando incluso a estar cinco años sin tocar. Pero en 1983 y coincidiendo con la popularidad de Stevie Ray Vaughan, vuelve a sobresalir en el panorama blues. Colaboró con Vaughan en varios discos y se codeó con músicos de la talla de Keith Richards, Ry Cooder o Bob Dylan.

Lonnie Mack no forma parte del cruel negocio de la música y su éxito comercial fue escaso. Tuvo serios problemas con las multinacionales discográficas y en más de una ocasión regresó desilusionado a su Indiana natal para tocar en bares y pubs, alejándose del nauseabundo business. Lonnie no quiere ser un títere en manos de poderosos ejecutivos discográficos a los que tanto les da vender discos que calcetines. Y esto, demuestra la autenticidad de un músico.

Stevie Ray Vaughan and Double Trouble – In Step (Epic 1989)

In Step

A estas alturas del siglo XXI ya quedan muy pocos adjetivos para describir a Stevie Ray Vaughan. A mi juicio, este legendario guitarrista tejano representó el espíritu de sacrificio que exigía el momento: resucitar el blues.

In Step, fue el último elepé que SRV grabó junto a sus inseparables Double Trouble. En 1990, Stevie grabó otro disco llamado “Family Style” en colaboración con su hermano Jimmie. Muy poco tiempo después, la muerte hizo su aparición triunfal en aquel fatídico accidente de helicóptero, privándonos de su especial fantasía y talento a los 35 años de edad. Pero In Step fue el cierre perfecto para un bluesman que vivió toda su carrera instalado en la excelencia musical.

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Centrándonos en el disco, se publica en 1989 por el sello Epic e incluye 10 pistas. Destacar que en el año 1999 se lanza una nueva redición del LP, añadiéndo 5 pistas más en directo, algunas de ellas ya clásicos del blues como “Let Me Love You Baby” de Willie Dixon o el fantástico “Texas Flood” de 1983.

Como ya es habitual, haremos mención a los músicos que hicieron posible esta obra: Stevie Ray Vaughan (guitarra y voz), Tommy Shannon (guitarra y bajo), Reese Wynans (teclado), Joe Sublett (saxofón), Darrell Leonard (trompeta) y Chris Layton (batería).

Dentro del LP, nos encontramos con temas que hacen todos los honores al blues eléctrico: “Tightrope” y Wall of denial”, son sólo una pequeña muestra del virtuosismo de Stevie a la seis cuerdas, impregnadas de unos maravillosos solos de guitarra. “Travis Walk”, es un caso aparte, de esas canciones enérgicas, rápidas y que difícilmente se olvidan, al igual que el Let Me Love You Baby” de Willie Dixon.

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Más de uno, saltará del sillón con un frenético The House is Rockin”, ejecutado al más puro estilo Stevie Ray Vaughan. El punto álgido del Long Play llega con “Crossfire”, todo un hit de pegadiza melodía en dónde los Double Trouble nos explican el porqué de su grandeza. Reseñamos la gran labor de Reese Wynans, arropando al grupo con su teclado.

En todo elepé de blues que se precie, no puede faltar esa balada delicada, suave y llena de sentimiento. Stevie decidió revisar el Leave My Girl Alone” de Buddy Guy, dejándonos una apoteósica versión. No menos bella, resulta Riviera Paradise”, a la que me referiré como extremadamente preciosista en sus casi 9 minutos de duración.

Así concluye In Step, cortesía de Stevie Ray Vaughan, todo un héroe de la guitarra. Ataviado con su poncho a lo mariachi, sus sombrero tejano y su mítica Fender Stratocaster del 59, devolvió al blues al lugar que le correspondía.

Gary Moore – Back On The Streets (MCA Records 1978)

Gary Morre & Phill LynottLa colaboración estelar de la leyenda del rock Phil Lynott en este elepé causó un fuerte impacto en el panorama sonoro de los 70. De una parte, Lynott, poeta del rock y carismático líder de los Thin Lizzy, por otra, Gary Moore, amigo personal de Lynott y excelente guitarrista. Moore logró moldear una obra que no pasó desapercibida para la historia del rock.

Originario de Belfast (Irlanda del Norte), Gary Moore tuvo una infancia difícil. Marcado por problemas familiares, se marcha de su casa a los dieciséis años para establecerse en Dublín,  – ciudad en  dónde comienza su carrera – obteniendo rápidamente un lugar destacado en la escena musical del momento gracias a su virtuosismo a las seis cuerdas.

GM

En 1974, Phil Lynott, cantante, bajista, y compositor de los Thin Lizzy, decide ficharle  para sustituir al guitarrista Eric Bell. Y el gran Gary continúa dando muestras de su buen hacer a la guitarra, tocando como miembro de los Lizzy en su Nightlife de 1974. Un año después, recala en las filas de otra magnífica agrupación: Colosseum II.

Centrándonos en el álbum, segundo en su discografía, se publica en septiembre de 1978 por el sello MCA Records y contiene 8 pistas.  Producido por Gary Moore y Chris Tsangarides, se graba en los estudios Morgan de Londres y  tiende al hard rock y al blues, dos de los géneros por los que Moore y Lynott sienten gran pasión.

Haremos mención a los músicos que hicieron posible este LP: Gary Moore (voz y guitarra), Phil Lynott (bajo, guitarra y voz), John Male (bajo), Don Airey (piano), Brian Downey (ex Thin Lizzy) y Simon Phillips (batería).

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Dentro del disco, nos encontraremos con pistas de bella factura como “Back On The Streets”, «Song for Donna», los instrumentales “Hurricane” y “Fight of the Snow Moose”  o Don’t Believe a Word”  y «Fanatical Fascists», con la participación de Phil Lynott.

Pero si hay un tema que sobresale por encima de los demás, ese es “Parisienne Walkways”, todo un hit e inmortal balada que lleva el sello inconfundible de Lynott / Moore. El paraíso debe ser algo parecido a esta canción, cargada de blues y melancolía.

La muerte hizo su aparición triunfal y se llevó a estos dos geniales músicos para siempre. El 4 de Enero de 1986, Phil Lynott falleció víctima  de una sobredosis de alcohol y las drogas a los 36 años de edad. El 6 de Febrero de 2011, el cuerpo sin vida de Gary Moore se encontró en una habitación del Hotel Bahía de Estepona (Málaga), según se comenta, debido a un ataque al corazón. Tenía 58 años.

Pero no se fueron, sin antes obsequiarnos con un vendaval de sentimientos al que llamaron “Back On The Streets”.