Les Dudek – Say No More (CBS 1977)

Les_Dudek_-_Say_No_MorerAunque Les Dudek es uno de los grandes guitarristas americanos, su carrera musical pasó prácticamente desapercibida para el público europeo. Y con éste artículo vamos a intentar rescatar del olvido este “Say No More”, un disco de 1977 que consideramos esencial y que, a nuestro juicio, merece el mayor de los elogios.

Les Dudek nace a principios de los cincuenta en la Estación Naval Aérea de Quoinset Point (Rhode Island) perteneciente al estado norteamericano de Nueva Inglaterra. Pero solo permanecería allí hasta los seis años de edad, momento en que su familia se traslada al sur de Florida.

Como sucede en otros muchos casos de guitarristas ilustres, Les Dudek comienza a tocar la guitarra desde su adolescencia y es influenciado por grupos como Cream o Jimi Hendrix. Su trayectoria musical se inicia formando parte de un elevado número de bandas, consiguiendo una gran reputación. El talento desbordante de Les no pasa inadvertido para The Allman Brothers Band, cuando deciden contar con él – sobre todo Dickey Betts –  para colaborar en el histórico “Brothers And Sisters” de 1973, ya sin el legendario Duane Allman en sus filas.

Dudek nos dejó solos de guitarra inmortales, como en el inolvidable “Ramblin’ Man” y una colaboración acústica en la célebre canción “Jessica”, de los Allman Brothers. Pero nunca obtuvo mérito reconocido,  – especialmente por parte Dickey Betts –  con el que tuvo varias disputas a lo largo de los años por la composición de Jessica”.

Les Dudek IILes logró convertirse en un reputado guitarrista en el círculo de las bandas sureñas de entonces, y posteriormente se integró con bandas y músicos como  Boz Scaggs o Steve Miller.  Finalmente en 1976, la prestigiosa casa CBS se fijó en él para iniciar su carrera en solitario, primero con el álbum “Les Dudek” y luego con éste su segundo y espléndido “Say No More”, que a día de hoy podemos catalogar como un clásico en toda regla.

Producido por Bruce Botnick para la Columbia en 1977, el LP se grabó en los emblemáticos Capitol Studios de Hollywood, donde se gestaron muchas de las mejores de grabaciones de la historia. Incluye nueve temas compuestos por el propio Les, que van desde el más puro rock sureño pasando por el blues rock e incluso otros temas con connotaciones jazz rock o funk. Para la realización del LP, Les Dudek (guitarra y voz) contó con un gran elenco de músicos como Alan Feingold, David Paich y Ted Straton (teclados), el genial batería Jeff Porcaro, Gerald Johnson (bajo), Kevin Calhoun, Reymondo y Pat Murphy (percusión), y un coro femenino de “ruiseñores” – tal y como indica en el interior del disco – formado por Sherlie Matthews, Rebecca Louis, y Clydie King, entre otros muchos de sesión.

LeS DudekDentro del elepé nos encontraremos con excelentes canciones como “Old Judge Jones” de claro estilo sureño, un marcado funky “What´s It Gonna Be”, el exquisito y dulce  acústico “I Remember” o el aire jazzístico de “Zorro Rides Again”. Uno de los puntos álgidos llegará con “Avatar”, tema imprescindible con fantásticos “solos” de guitarra, una magnífica sección rítmica a la que acompaña con acierto el coro vocal.

En la portada del disco podemos contemplar una foto obra de David Stahl, en la que aparece Les Dudek con su mítica guitarra Gibson Les Paul, al lado de la sobrina del popular actor Telly Savalas, recordado por su papel en la serie “Kojack”.

Dudek continuó durante todos estos años participando en multitud de conciertos y publicando discos en solitario. Se situó como un músico referente, que actualmente se mantiene en muy buena forma y nos deleita con su virtuosismo a la guitarra.

Rory Gallagher – Deuce (Atlantic Records 1971)

Rory Gallagher DeuceTras separarse de Taste y dejarnos un primer disco absolutamente mágico, Rory Gallagher, el irlandés de fuego, decidió escribir otro capítulo histórico para la música rock. Le llamó “Deuce”. Solamente el paso de los años, logró situar a este disco en el lugar que le correspondía, ya que en un principio recibió críticas negativas.

Es ésta su obra más íntima, quizás no tan dura como otras, pero rebosante de calidad  y sentimiento. Rory juega aquí con el folk, pero también con el blues y el rock. Canciones como “I’m Not Awake Yet” – todo un hit que abre el elepé – o “Don’t Know Where I’m Going”, impregnada de un bello aire folk, son el mejor ejemplo de su grandeza.

“In Your Town” es un magistral blues rock en donde se capta la influencia de mitos como Muddy Waters.  Otras pistas que completan el LP son: “Used To Be” – una joya de tema – , el apoteósico “Whole Lot Of People”, poseedor de un cierto aire al rock de los 50, un bello “Should’ve Learnt My Lesson”, en dónde por un momento, nos recordará a un viejo bluesman americano.

RGDeuce“Out of my mind” es una preciosista balada de toques country, y finalmente cierra el disco con “Crest Of Wave”, ejecutado a un ritmo trepidante con un inolvidable riff de guitarra.

El álbum, se grabó en los Tangerine Studios de Londres, fue producido por el propio Rory Gallagher e incluye 10 pistas. Segundo en su discografía, fue publicado en 1971 por el sello Atlantic Records, y en 1999 fue reditado nuevamente incluyendo una pista más llamada “Persuasion”. Como ya es habitual, haremos mención a los músicos que hicieron posible la realización del disco: Rory Gallagher (guitarra eléctrica, voz y armónica), su inseparable Gerry McAvoy (bajo y coros) y Wilgar Campbell (batería).

RGallagher DeuceIIIAsí concluye esta obra maestra, cortesía del legendario Rory Gallagher. Un tipo de carácter sencillo, que nunca se dejó manejar por las discográficas. Se alejaba de las producciones mastodónticas y de las portadas. Lo único que le importaba era la música.

Cuando su popularidad aumentó, después de los conciertos entraba a los bares para tomar un par de cervezas con la gente que lo había visto. Una vez, estando de gira, sus representantes describieron como recorrió media ciudad buscando a un músico callejero para darle dinero. Jamás se alejó de la peña. Jamás se vendió.

Rory Gallagher falleció el 14 de Junio de 1995 de un fallo hepático, derivado de su alcoholismo crónico. Tenía 47 años.  Muy poco tiempo antes de su muerte, se quejó de que no se le había reconocido lo suficiente su labor en el rock y en el blues. Es el alto precio que desafortunadamente, un músico tiene que pagar por hacer lo que quiere.

A nuestro juicio, representó a la perfección los sentimientos, ideales y actitudes del rock.

 

The Black Keys – El Camino (Nonesuch Records 2011)

The Black Keys El CaminoUn triunfo del rock moderno, así consideramos este disco de The Black Keys.  Y aunque la base de su peculiar sonido la toman de géneros como el blues, rockabilly, garaje rock, blues rock, o el soul de los 60 y 70, El Camino es una obra pegajosa y guitarrera que combina con simpleza pero con gran eficacia los estilos anteriormente mencionados.

Originarios de la ciudad de Akron, en el estado norteamericano de Ohio, The Black Keys se consolidan como dúo musical en el año 2001, formados por  el multiinstrumentalista Dan Auerbach y el batería Patrick Carney. Un año después de su creación, graban para el sello “Alive Records” magníficos álbumes de blues rock como “The Big Came Up”, “Brothers” o “Thickfreakness” (2003), haciéndose con un lugar importante en la escena de rock alternativo del momento.

Centrándonos en el álbum, “El Camino” fue el séptimo de su discografía, se publicó en diciembre de 2011 por la casa discográfica Nonesuch Records e incluye 11 pistas. Así mismo, también logró numerosos premios y certificaciones. Fue producido por los propios The Black Keys y el músico estadounidense Danger Mouse, que también colaboró como coautor en todas las composiciones del elepé.

The Black KeysComo ya es costumbre, haremos referencia a los músicos que hicieron posible este álbum: Dan Auerbach (guitarra, bajo y voz), Patrick Carney (batería), B. Burton (teclados), Heather Rigdon, Ashley Wilcoxson y Leisa Han (coros).

Abren con “Lonely Boy”, un tema ejecutado a un ritmo trepidante que se sitúa como uno de los destacados del disco, también lanzado como sencillo en 2011 y utilizado como banda de sonora de multitud de eventos deportivos, series de TV y videojuegos. “Dead Gone”, está impregnada por un sonido setentero y orientada hacia el más puro rock garaje. “Gold On The Ceiling”, posee unos excelentes riffs de guitarra,  con cierto influjo del sintetizador y una espléndida batería.

AuerbachEl punto álgido del disco llegará con “Little Black Submarines”, semi-balada de bella introducción acústica y un adictivo estribillo, quedará marcada a fuego en la memoria del rock por sus poderosos riffs de guitarra. Desde mi opinión, esta canción es todo un himno. Hablamos dentro de 20 años.

“Run Right Back” y “Money Maker”, son dos ejemplos de rock bien armado rítmicamente, poderoso, contundente y sin espacio para el descanso. El resto de pistas que completan el disco son “Sister”, “Hell Of A Season”, “Stop Stop”, “Nova Baby” y “Mind Eraser”, en dónde podemos palpar una clara tendencia hacia el clásico sonido del rock de los años 60 y 70. Sin duda, una curiosa amalgama sonora que puede resultar nostálgica para el oyente. Por eso gusta.

BKY así concluye este álbum, cortesía de unos tipos de barrio que grababan discos en garajes y sótanos. En sus inicios, ofrecían conciertos en bares y se movían en la oscuridad del underground. Su pasión desmedida por el rock y por bluesman legendarios como Robert Johnson, Muddy Waters, Son House o Misisipi Fred McDowell, les llevó a encontrarse con el éxito, casi de manera repentina.

Quizás, sea ésta su obra más comercial – no por ello exenta de calidad – pero se echa en falta las fuertes raíces bluseras de sus primeros discos. A nuestro juicio, las teclas negras escogieron el camino correcto y nos llevaron en un emotivo viaje por el rock y el blues de antaño. ¿Utilizarían la destartalada furgoneta de portada?…

Un clásico.

 

Eric Clapton – Just One Night (RSO 1980)

Eric_Clapton-Just_One NightEste  magistral doble álbum en directo mezcla de rock y blues, fue la carta de presentación de Eric Clapton en una de las décadas más difíciles para estos géneros, originado esto por las nuevas corrientes musicales y  los diferentes estilos que surgieron a finales de los 70, como el pop más puro y comercial.

 “Backless”, su último disco grabado en estudio hasta esa fecha, provocó que Clapton y su prodigiosa banda se embarcaran en una nueva gira mundial, llena de éxitos  y con “manolenta” en estado de gracia. Esta gira que comenzó en el mes de marzo en  Irlanda, saltó posteriormente a los Estados Unidos, dónde Clapton se instaló durante toda la primavera y los inicios del verano. Tras un parón en septiembre regresó a Europa, tocando en países como   Inglaterra, Polonia, Austria, Alemania o la extinta Yugoslavia.

 Para llegar al lugar dónde se grabó el disco, Clapton y su grupo viajan aquel otoño por Israel y Asia, pasando por Filipinas, Tailandia y Hong Kong, recalando finalmente en el imperio del sol naciente. En el interior del elepé, podemos apreciar una reseña que Clapton dejó el 12 de marzo de 1980 <<una gira por Japón es algo a lo que siempre me acerco con sentimientos encontrados…”>> entre otras frases que se aproximaban a la realidad del país nipón. También destacaremos la  ilustración de Ken Konno  y las fotografías, que fueron obra de Dave Brown y Koichiro Hiki.

 ECJUIPara la realización del LP, Clapton contó con la colaboración de una poderosa banda, – perfectamente engrasada –  que tocó las frías noches del 3 y 4 de diciembre en el “Budokan Theatre” de Tokio. Y es de obligada referencia, su mención: Henri Spinetti (virtuoso batería) el mítico Chris Stainton (teclados), Dave Markee (bajo) y un enorme Albert Lee con Eric Clapton a las guitarras y voces.  De la producción se encargó Jon Astley, para el histórico sello de la vaca roja “RSO” (del insigne productor musical Robert Stigwood),  y se publica en abril de 1980.

 Con 14 pistas realmente espléndidas, el disco abre con “Tulsa Time”, una canción de su último trabajo y con unos ritmos claramente marcados por el “tulsa sound”. Seguidamente y como norma del álbum, Clapton enlaza con un blues tradicional  “Early In The Morning”, con una excelente slide.

 En la primera parte del LP reflejan temas emblemáticos como el country de  “Lay Down Sally”, la bella balada “Wonderful Tonight” y una gran versión del “If Don´t Be There By Morning”, de Bob Dylan.  El blues más puro vuelve a hacer acto de presencia con el clásico atemporal de Maceo Merriweather “Worried Life Blues”, “All Our Past Times” y el “After Midnight” de J.J Cale con el que concluyen esta cara A.

 La segunda parte abre con “Double Trouble”, un tremendo blues de impecable factura, propiedad del zurdo Otis Rush. “Setting Me Up” es una composición de Mark Knopfler que saldría en el magnífico debut de los Dire Straits, a la que Albert Lee pone la voz y su estupenda guitarra Telecaster.

 ECJUEl tramo final del show en el teatro japonés no tiene desperdicio alguno. Nos obsequian con cuatro canciones de auténtico infarto y nos demuestran el por qué Eric Clapton es uno de los héroes de la guitarra más grandes que ha dado la música. Ofrece una descarga absolutamente memorable en temas como “Blues Power”, el clásico “Rambling On My Mind” de Robert Johnson o el soberbio “Cocaine”, intercalándose a la guitarra Clapton primero y Albert Lee después. Y para poner punto y final  “Further On Up the Road”, otra de las canciones preferidas de Eric en sus conciertos en directo.

 Just One Night fue muy bien acogido por el público y la crítica en 1980. Alcanzó puestos relevantes en las listas, tanto en las americanas, como en las inglesas. En 1981, ya fue distribuido por la Polydor Records.

 Clapton y su famosa guitarra “blackie” del 57, inmortalizaron junto a una excepcional banda este show único hace ya 35 años. Se convirtió en uno de los álbumes más legendarios de su tiempo, porque, a nuestro juicio, jamás tuvieron miedo de las nuevas tendencias musicales. Regresaron al blues más puro, acompañados por uno de los dioses de la guitarra.

 One, two, three…..

 

John Mayall – Blues From Laurel Canyon (Decca 1968)

Blues From Laurel CanyonBob “El Oso” Hite,  miembro fundador de los Canned Heat, decidió invitar a John Mayall a pasar tres semanas de vacaciones en su casa del Laurel Canyon (California), ubicada en plena naturaleza. Mayall, fascinado por la belleza del paraje en que se encontraba, se inspiró para crear este “Blues From Laurel Canyon”, todo un clásico del blues rock.

Posteriormente, Mayall se instala en el Cañón, haciendo una vida en solitario, como si de un indígena se tratase. Ya había dejado atrás la época de los BluesBreakers  de Peter Green y Eric Clapton.

El álbum, séptimo de su amplia discografía (primero sin los Bluesbreakers), se grabó en los “Decca Studios” de Londres e incluye 12 temas. Producido por el propio John Mayall y el histórico Mike Vernon, se publicó en agosto de 1968 para el sello Decca, reditándose nuevamente en el Reino Unido en 2007. Reseñaremos que todas las canciones del elepé fueron compuestas por John Mayall.

John Mayall Blues

Respecto a los músicos que acompañaron a Mayall en esta aventura por el Cañón del Laurel destacaremos  a un jovencísimo Mick Taylor,  que realiza un trabajo espectacular a la guitarra con solamente 19 años de edad. Muy poco tiempo después, en 1969,  Mick Taylor pasó a las filas de los Rolling Stones, sustituyendo a Brian Jones. Completando la formación, por allí estaba el excelente bajista Steve Thompson y el  exquisito baterista Colin Allen. Todos ellos, músicos de gran nivel que ya poseían una experiencia más que contrastada.

Dentro del álbum, nos encontraremos con temas como “Vacation”, un vibrante blues rock impregnado de adictivos riffs guitarreros. Seguidamente “Walking on Sunset”, en dónde la armónica de Mayall se combina a la perfección con la espléndida guitarra de Mick Taylor. “Laurel Canyon Home” es una balada suave y tranquila, de esas que no pueden faltar en los discos de blues.

JMI

Continúan con unos magníficos “2401” y “Ready to Ride” fantásticos blues rock con la marca inconfundible de Mayall.  Uno de los cortes más llamativos del LP es “Medicine Man”, una experimentación de John Mayall con un cierto ritmo indio. Por un momento, parece transportarnos a una reserva cheroqui, intentando transmitirnos sus costumbres ancestrales.

El punto álgido del disco llegará con “The Bear”, todo un hit de John Mayall dedicado al líder de los Canned Heat Bob “El Oso” Hite. Otras pistas dignas de mención son “Miss James”, la balada “Long Gone Midnight” y “Fly Tomorrow”, que cierra el álbum a golpe de punteos guitarreros.

Y así concluye el blues para el cañón del laurel, cortesía de un mito llamado John Mayall, Macclesfield, 1933. Durante toda su carrera, acogió en su seno a músicos de la talla de Eric Clapton, Peter Green, Mick Fleetwood,  Keef Hartley,  Coco Montoya, Jack Bruce y un larguísimo etcétera.

Actualmente, John Mayall a sus 80 años continúa deleitando al público con sus apoteósicos shows en directo, demostrando una pasión desmedida por la música del alma. Y es que su nombre, es sinónimo de blues.

The Electric Flag – An American Music Band – “A Long Time Comin” (CBS 1968)

The Electric FlagDespués de colaborar con gran éxito al lado de Bob Dylan en su emblemático “Highway 61 Revisited”, y de grabar álbumes magistrales con la The Paul Butterfield Blues Band”, el inquieto y legendario guitarrista Mike Bloomfield decide formar una banda de verdaderos talentos musicales con sede en el Chicago de 1966. Al margen de esto, recordaremos que Mike Bloomfield publicó discos elementales como aquel genial “East – West” de 1966, siendo miembro de la The Paul Butterfield Blues Band.

Esta nueva agrupación,  a la que bautizó como “The Electric Flag”, es co-liderada desde el primer momento por el excelente músico y compositor Barry Goldberg, siempre acompañado por los históricos Nick Gravenites, Harvey Brooks y un jovencísimo Buddy Miles. Establecían así, los cimientos de una apoteósica banda, apoyada por una espectacular sección de vientos. En 1967, se trasladan a San Francisco para grabar la B.S.O. de “The Trip”, toda una película de culto dirigida por Roger Corman (el rey de los films de serie B), protagonizada por Peter Fonda y escrita por Jack Nicholson. Sin duda, un clásico de los años 60, en dónde se pone de manifiesto el consumo de LSD.

Compuesta casi en su totalidad por Bloomfield, su música no pasó desapercibida y son invitados a actuar en el Monterey Pop Festival de 1967, dejando para la historia una estelar actuación.

EFIEn marzo de 1968, sale a la luz este sensacional “A Long Time Comin”, uno de los álbumes esenciales de los 60, en el que participaron un elevado número de músicos, debido a la gran cantidad de instrumentos que utilizaron para su realización.

Producido por John Court y grabado en los estudios de la Columbia Records, el elepé contó con Michael Bloomfied, Harvey Brooks y Sicuva (guitarras), Barry Goldberg, Herbie Ritch y Mike Fontara (teclados), Harvey Brooks (bajo) y Buddy Miles (batería). La sección de vientos estuvo compuesta por Peter Strazza y Herbie Rich (saxos tenores, saxo barítono) y Marcus Doubleday (trompeta). Destacaremos que, como este disco fue uno de los pioneros en grabarse con sampler (un instrumento que sirve para mezclar diferentes grabaciones), a la percusión contribuyen la mayoría de los músicos mencionados anteriormente.

Cabe también citar al cantautor Richie Havens tocando el sitar, Paul Beaver (sintetizador Moog) y un equipo de cuerdas: Bob Notkoff, Julius Held, Leo Daruczeck, Geroge Brown y Charles McCracken.

EFIIIDentro del LP, nos encontraremos ante estilos bien diferenciados, que van desde el soul, la psicodelia, el rock, o el blues más puro de Chicago. Incluyendo diez pistas en su versión original, contiene joyas de incalculable valor como “Killing Floor”, canción que abre el álbum y versión extraordinaria del blues de Chester Burnnet (Howlin´ Wolf), con un gran trabajo de Bloomfield a las seis cuerdas.

Continúan con los clásicos “Groovin´Is Easy”  y “She Should Have Just”, y otros temas en medio en los que Buddy Miles coge el mando a las voces, con un aire más soul como en “Over-Lovin´You”.  El disco también posee cortes tradicionales como el vigoroso rock and roll de “Wine”, y el auténtico sabor a blues de “Texas”, con un finísimo Mike,  otra vez  magnífico con su inseparable Gibson.

ElectricFlag Para finalizar, The Electric Flag nos deleitan con una dulce “Sittin´In Circles”, una balada interpretada por el inconfundible Buddy Miles titulada “You Don´t Realice”, (“Dedicada con gran respeto para Steve Crooper y Otis Reeding”), el extenso “Another County” y “Easy Rider”, tema compuesto por Bloomfield. En la reedición de 2003 deciden incorporar cuatro bonus track, con pistas no incluidas en su día como la versión de “Sunny”, “Mystery”, “Look into My Eyes” y el inmortal blues “Goin Down Slow”.

Desafortunadamente, The Electric Flag, como otras tantas formaciones de la época, no tuvo apenas continuidad. En 1968 Bloomfield se marchó para embarcarse en otros proyectos, y aunque siguieron funcionando durante un breve período de tiempo, anunciaron su disolución definitiva en 1969. Cada uno, escogió su propio camino, pero no se fueron sin antes obsequiarnos con este antológico elepé, clásico entre clásicos en medio de unos años turbulentos, de cambios, de conmoción social, de drogas y de rock. Pero sobre todo de buena, muy buena música.