Rory Gallagher – Deuce (Atlantic Records 1971)

Rory Gallagher DeuceTras separarse de Taste y dejarnos un primer disco absolutamente mágico, Rory Gallagher, el irlandés de fuego, decidió escribir otro capítulo histórico para la música rock. Le llamó “Deuce”. Solamente el paso de los años, logró situar a este disco en el lugar que le correspondía, ya que en un principio recibió críticas negativas.

Es ésta su obra más íntima, quizás no tan dura como otras, pero rebosante de calidad  y sentimiento. Rory juega aquí con el folk, pero también con el blues y el rock. Canciones como “I’m Not Awake Yet” – todo un hit que abre el elepé – o “Don’t Know Where I’m Going”, impregnada de un bello aire folk, son el mejor ejemplo de su grandeza.

“In Your Town” es un magistral blues rock en donde se capta la influencia de mitos como Muddy Waters.  Otras pistas que completan el LP son: “Used To Be” – una joya de tema – , el apoteósico “Whole Lot Of People”, poseedor de un cierto aire al rock de los 50, un bello “Should’ve Learnt My Lesson”, en dónde por un momento, nos recordará a un viejo bluesman americano.

RGDeuce“Out of my mind” es una preciosista balada de toques country, y finalmente cierra el disco con “Crest Of Wave”, ejecutado a un ritmo trepidante con un inolvidable riff de guitarra.

El álbum, se grabó en los Tangerine Studios de Londres, fue producido por el propio Rory Gallagher e incluye 10 pistas. Segundo en su discografía, fue publicado en 1971 por el sello Atlantic Records, y en 1999 fue reditado nuevamente incluyendo una pista más llamada “Persuasion”. Como ya es habitual, haremos mención a los músicos que hicieron posible la realización del disco: Rory Gallagher (guitarra eléctrica, voz y armónica), su inseparable Gerry McAvoy (bajo y coros) y Wilgar Campbell (batería).

RGallagher DeuceIIIAsí concluye esta obra maestra, cortesía del legendario Rory Gallagher. Un tipo de carácter sencillo, que nunca se dejó manejar por las discográficas. Se alejaba de las producciones mastodónticas y de las portadas. Lo único que le importaba era la música.

Cuando su popularidad aumentó, después de los conciertos entraba a los bares para tomar un par de cervezas con la gente que lo había visto. Una vez, estando de gira, sus representantes describieron como recorrió media ciudad buscando a un músico callejero para darle dinero. Jamás se alejó de la peña. Jamás se vendió.

Rory Gallagher falleció el 14 de Junio de 1995 de un fallo hepático, derivado de su alcoholismo crónico. Tenía 47 años.  Muy poco tiempo antes de su muerte, se quejó de que no se le había reconocido lo suficiente su labor en el rock y en el blues. Es el alto precio que desafortunadamente, un músico tiene que pagar por hacer lo que quiere.

A nuestro juicio, representó a la perfección los sentimientos, ideales y actitudes del rock.

 

Kenny Burrell – Midnight Blue (Blue Note 1967)

Kenny BurrellKenny Burrel se convirtió por méritos propios en una de las figuras más relevantes de la música jazz, que ha dado momentos de gloria al histórico sello de jazz americano “Blue Note”. Este prestigioso músico, destaca por su versatilidad a la guitarra y por su talento innato para componer excelentes álbumes. Y nos dejó obras excepcionales en colaboración con los artistas más grandes de dicho género.

La ciudad motorizada de Detroit, vio nacer a Kenneth Earl Burrell a comienzos de la década de los treinta. Desde muy temprana edad se inicia en el arte de las seis cuerdas, dado que se cría en el seno de una familia con un amplio currículum musical.  A principio de los cincuenta y con apenas 20 años, debuta con sus primeras grabaciones, muy influenciado por guitarristas extraordinarios como Django Reinhart, Charlie Hayden o Wes Montgomery.

KBIIICon una gran trayectoria musical a sus espaldas, Burrell graba álbumes sin cesar, tanto para su propia banda, como para otras estrellas americanas del jazz. Y desde este preciso instante, tiene la idea de grabar un álbum de blues en 1963. (Este dato es confuso, ya que hemos consultado varias fuentes que dan esta fecha como la de la publicación, sin embargo en el CD original que poseemos, la fecha  que data literalmente es: “Recorded on April 21, 1967 at the Village Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Yersey”.

En lo que no tenemos ninguna duda es que Kenny contó para la grabación de este magnífico álbum con una estelar banda de acompañamiento, integrada por el gran saxofonista tenor Stanley Turrentine, por el contrabajista Major Holley, Jr, con Bill English a la batería y con el espectacular toque latino que impregnó a este disco el percusionista Ray Barreto a las congas. Producido por Alfred Lyon, el elepé original salió a la luz con siete temas, agregándose dos más en la edición remasterizada de 1998.

KBIEl disco abre con  “Chilints Con Carne”, fantástica canción con una  inolvidable intro a cargo de Stanley al saxo, que ya nos va preparando para atraernos con un sonido realmente sensual. Este tema compuesto por Kenny Burrell, pasó a formar parte de los standars de blues prácticamente desde que se publicó, y fue versionado en multitud ocasiones por bluesman de la talla de Otis Rush o más recientemente por Stevie Ray Vaughan.

“Mule”, con algo más de seis minutos de duración, es una delicia y nos sorprende la calma con la que ejecutan este blues. Seguidamente, “Soul Lament”, una triste pero bellísima interpretación de Burrell. Continúan con “Midnight Blue”, pista que da título al álbum,  con un apoteósico guitarreo de Kenny Burrell sólo a la altura de los más grandes.

KBIIOtros cortes que completan el LP son: “Wavy Gravy” y “Gee Baby, Ain´t I Good To You”, en dónde nos siguen dando muestras del antológico disco ante el que nos encontramos. El clásico  “Saturday Night Blues”, es todo un ejemplo del virtuosismo de Burrell. Para finalizar, dos temas añadidos posteriormente, y no menos espléndidos  “Kenny´s Sound” y “K Twist”.

A nuestro juicio, Kenny Burrell es una parte esencial de los mayores talentos que el jazz ha dado en los Estados Unidos, que ha deslumbrado al público como un guitarrista único y un trabajador incansable. Nos obsequió con un magistral disco de blues y se situó como un músico admirado y respetado en todo el mundo.

Actualmente, a sus 82 años, continúa deleitándonos con su música y con el particular sonido que logra sacar de su Gibson. Simplemente, genial.

Johnny Jenkins – Ton-Ton Macoute! – (Atco – Capricorn 1970)

johnny_jenkins-ton-ton_macouteUna buena parte de este álbum, se grabó en 1968 en los “Rick Hall´s Fame”,Studio B – pertenecientes a la histórica casa discográfica “Muscle Shoals”, (Alabama) y en los “Capricorn Studios” de Macon (Georgia). Curiosamente, el disco fue programado para ser el primero en solitario del legendario guitarrista Duane Allman, justo antes de formarse The Allman Brothers Band.

El proyecto quedó aparcado hasta que apareció Johnny Jenkins, que ficha por el sello Capricorn Records. Algunos años antes, en 1962, Jenkins grabaría junto a un jovencísimo Otis Redding en la banda “The Pinetoppers”, dónde ya demostraba su valía a la guitarra y su peculiar voz. Pero Johnny nunca cosechó tanto éxito como su mítico compañero, con el que quedó profundamente enemistado.

Diversas fuentes también argumentan  que el mismísimo Jimi Hendrix quedó prendado de su buen hacer a la guitarra y de su moderno estilo, sirviéndole de gran influencia antes de empezar con su estelar pero corta carrera.

JOHNNY_KENKINSEntre 1969 y 1970,  bajo la producción de Johnny Sandlin, Duane Allman  y arreglado por Phil Waden (el artífice de esta idea), sacaron adelante el Long Play, grabado en la ciudad de Macon, sede de los Allman Brothers. El disco cuenta con la colaboración de músicos excepcionales, como Pete Carr  y Jimmy Nails (guitarras), Paul Hornsby (teclados y batería), Robert Popwell (bajo), unos coros estupendos y los miembros de los Allman Brothers: Butch Trucks, Jaimoe, y Berry Oakley, como apoyo moral.

Este fantástico LP, aunque un tanto oscuro y misterioso, nos resulta difícil clasificarlo, pudiéndonos encontrar desde el blues más pantanoso, hasta el rythm & blues más atrevido e incluso suena con una variante funk única. Originalmente, el disco contiene nueve temas, incorporando dos más en la esperadísima reedición de 2007, editándose por primera vez en formato CD y  hasta la fecha casi imposible de conseguir esta joya de valor incalculable.

Comienzan con “I Walk On Guilded Splinters”, quizás la canción más recordada del álbum y la única grabada en directo por casi todos los integrantes, incluido Duane Allman. Nos obsequiaron con un maravilloso trabajo al dobro, acompañado de una gran intensidad a los timbales, cortesía de Jaimoe y Trucks.

descarga (1)También posee versiones clásicas como el célebre “Leaving Truck” de Sleepy John Estes, o el “Rollin´Stone” de Muddy Waters en dónde Duane Allman brilla con luz propia a la Slide Guitar. Seguidamente, tendrán lugar otras versiones como el “Dimples”, de Bracken / Hooker, que más adelante versionarían los Allman Brothers Band.

 La poderosa  voz de Johnny Jenkins hace acto de presencia en “Sick And Tired”, y en el  “Down Along The Cove” de Dylan, otra vez con Duane a la slide y su emblemático sonido. Otras pistas memorables que completan el elepé son: “Bad News”, el genial “Voodoo In You”, la movida “I Don´t Want No Woman”, en dónde la banda nos da muestras de su virtuosismo incontestable. Y para finalizar, un melancólico blues de Otis Rush llamado  “My Love Will Never Die”.

images Quizás, Johnny Jenkins nunca obtuvo el reconocimiento que se merecía por parte de la crítica. Su carrera tampoco fue espectacular, pero convirtió un proyecto inconcluso de Duane Allman en un álbum de inmensa valía musical. Logró hacerlo tanto suyo como del propio  Duane, que lo respaldó en todo momento sin ningún ánimo de protagonismo. Y también, Jenkins, nos advirtió de la gran personalidad que el tristemente desaparecido Allman ostentaba.

La palabra  “tonton macoute”, procede de la isla caribeña de Haití,  cuyo  significado es “hombre del saco” y está vinculada a la revolución haitiana de los cincuenta, a un cuento popular,  y tiene mucho que ver con el vudú….

The Jimmy Dawkins Band – Blisterstring (Delmark – 1976)

JDBandJimmy Dawkins es considerado un grande del blues eléctrico de Chicago desde la década de los setenta, debido a su original estilo y a su peculiar manera de tocar la guitarra, que al oírla de inmediato se reconoce.

Nacido en la localidad de Tchula (Mississippi) en el año 1936, James Henry Dawkins comienza a tocar la guitarra siendo un adolescente, influenciado por otros bluesman legendarios como Smiley Lewis o el gran Little Milton. Es de sobra conocido, el éxodo de las gentes del estado de Mississippi hacia Chicago durante la década de los cincuenta, en busca de prosperidad y oportunidades. Y en el caso de Jimmy no ha sido una de excepción, instalándose a mediados de los años 50 en el norte de la ciudad del viento.

Rápidamente se impregna del blues de aquella época, hasta que logra formar su primera banda, colabora como músico de sesión y  ofrece giras por locales emblemáticos de Chicago como The Pink Poodle, The Big Squeeze Club o el The Copa Cabana and Alice´s Revisited, tocando al lado de mitos como Magic Sam, Wild Child Butler o Jimmy Rogers. La amistad que le unía al gran  Magic Sam, le sirvió para grabar “Fast Fingers” en 1969, primer disco y fundamental en su carrera.

JD2Este álbum de debut fue aclamado por la crítica, llegando a conquistar un galardón en Francia y supondría su aparición en el mítico festival de blues “Ann Arbor Blues Festival”. Desde entonces,  Dawkins se sitúa como un miembro de la élite del blues de Chicago y del “West Side Sound”, un sonido definido según el crítico musical Jim Feeney como: “sin pulir, arenoso, crudo, agresivo, despojado y potente”.

Jimmy continúa su excelente trayectoria musical grabando junto a infinidad de músicos, hasta que en 1976 publica  “Blistrestring”, su sexto álbum en solitario. Editado en los famosos estudios “Chess” de Chicago, en el “Honeywell Building”, según varias fuentes, ha sido esta, la última grabación de blues allí realizada.

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Fue producido por Steve Tomashefsky y la propia Jimmy Dawkins Band, para el prestigioso sello Delmark Records de Bob Koester, Para su grabación, Jimmy contó con miembros habituales de la Delmark Records y amigos como el virtuoso Jimmy Johnson (guitarra rítmica), Sonny Thompson (piano), Sylvester Boines (bajo) y Tyrone Centuray (batería).

Originalmente, el elepé incluye ocho temas, y en 1996 se reedita nuevamente incorporando cuatro pistas inéditas, lo que todavía cubre más de gloria este fantástico disco.

Contiene clásicos como “Feel So Bad”, magnífica versión de más de siete minutos de duración, el incendiario “Chilitns Con Carne” del magistral guitarrista Kenny Burrell, un espléndido “Blues With A Feeling”  y hits como “Ode To Billie Joe”. Otros cortes de  cosecha propia, como “She Got The Blues”, la bella y triste “Welfare Line” – hoy todo un clásico – , o canciones de la nueva edición como “Shuffin The Blues”, “People Will Talk” y  “Sea Of Luv”, harán las delicias de los amantes del blues.

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Gracias a su arte genuino a las seis cuerdas y a su carismática voz, Jimmy Dawkins se convirtió en uno de los músicos más activos del entorno blues de Chicago. Desde los años ochenta, colaboró en el prestigioso magazine “Living Blues”, y también decide crear su propio sello discográfico “Leric Music Co.”, albergando en él a nuevas generaciones del blues.

Jimmy “fast fingers” siguió tocando, experimentado y grabando innumerables álbumes. Logró ser admirado tanto en su país, como en Canadá, Europa y Japón, hasta que desgraciadamente la muerte hizo su aparición triunfal y se lo llevó el 10 de Abril de 2013.

Y este artículo, es nuestro más sentido homenaje.

Magic Slim And The Teardrops – Raw Magic (Alligator 1982)

Magic Slim Raw MagicBruce Iglauer, el insigne fundador del sello Alligator Records, afirmó en una ocasión: <<El blues valiente y mágico de Magic Slim, se basa fundamentalmente en lo que es el puro blues de Chicago, pisando fuerte, haciendo gruñir su guitarra y con una voz afilada basada especialmente para beber y bailar en el bar, tanto para los buenos como para los malos momentos>>. Con estas acertadas palabras, definía Bruce Iglauer la música de Magic Slim y sus Teardrops a principios de los ochenta.

Morris Holt, más conocido por el sobrenombre de “Magic Slim”, nace en 1937 en Torrance, Mississippi, cuna de otros tantos músicos de la familia del blues de Chicago. Desde su infancia, comienza a tocar la guitarra en la ciudad de  Grenada, pero en 1955 decide trasladarse a la ciudad del viento, dónde se gana cierta reputación tocando el bajo para <<el otro mágico>>, llamado Magic Sam. La relación entre ambos fue tan cordial, que después de la prematura muerte de Magic Sam, suponemos que Slim decidió adoptar su apodo como honor personal.

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Magic Slim era un músico veterano con cientos de actuaciones a sus espaldas y que llegó a compartir su vida musical con la de conductor de camión. En 1965 y después de tocar varios años bajo el nombre de  “Mr. Pitiful And The Teardrops”, reestablece su banda y se centra más que nunca en su música, tocando en los locales más concurridos de Chicago junto a otros músicos procedentes de otros grupos. Pero no sería hasta mediados los setenta, cuando le llegaría su gran oportunidad, siendo invitado a tocar con el mítico Hound Dog Taylor. Desde ese preciso momento, Slim se plantea vivir de su propia música.

 Durante años, Slim toca durante tres, cuatro e incluso cinco noches por semana en el South Side – el barrio por excelencia del blues de Chicago – en lugares tan famosos como el Checkerboard. En otras ocasiones, gustaba de tocar en el North Side – otra parte de la ciudad – en locales como el B.L.U.E.S. y el Zoo Bar de Lincoln en el estado de Nebraska, alternando todos estos conciertos con innumerables incursiones en Europa.

Magic Slim IICon un estilo genuino, arropado por su carismática voz y su peculiar forma de interpretar, realiza sus primeras grabaciones, aunque no en la primera línea de los grandes de Chicago, pero, en 1979, ya es incluido en los históricos álbumes de la Alligator <<Living Chicago Blues>>

Centrándonos en el álbum, Raw Magic se grabó en los “Condorcet Studio” en Tolouse, siendo producido en Francia (debido a la multitud de shows que ofrecían en este país por esas fechas) por Didier Tricard y en EEUU por Bruce Iglauer, para la prestigiosa Alligator Records en 1982. Como ya es costumbre, haremos una mención especial a los integrantes de Magic Slim y “sus ardillas”, que hicieron posible este magnífico LP: Magic Slim (guitarra solista y voces), su hermano Nick Holt (bajo),  Junior Pettis (guitarra) y Nate Applewhite (batería). Todos ellos, experimentados músicos de blues.

Conteniendo tan sólo siete temas, el disco inicia con el blues auténtico de “You Can´t Lose Never Had” y continúan con uno de sus éxitos de siempre titulado “Gravel Road” al más puro estilo Chicago.  Magic y su banda siguen desgranando clásicos de blues eléctrico como “Ain´t Doing Too Bad”, el extraordinario “Mama, Talk To Your Daughter” de J. B Lenoir, a un ritmo infernal y con virtuosas guitarras, o el tantas versionado y bailable “Mustang Sally”, sencillamente fantásticos sus casi ocho minutos de duración, para finalizar con “In The Heart Of The Blues”.

Magic SlimA partir de la década de los ochenta, Magic Slim fue aclamado como uno de los mejores guitarristas de blues de Chicago. Formó un equipo excepcional al lado de sus Teardrops, dotó a su música con un ritmo caliente, enérgico y se dedicó durante toda su vida al blues, su gran pasión. A nuestro juicio, creó una música divertida y mágica. Magic Slim falleció el 22 de febrero de 2013 a los 75 años de edad, pero siempre nos quedará su legado, su magistral estilo a la guitarra, su simpatía y su buen hacer como grande del blues.

Mágico.

Albert King With Stevie Ray Vaughan – In Session (Stax Records – 1999)

Albert King With Stevie Ray Vaughan In SessionEn un principio, esta célebre reunión de leyendas  del blues estuvo a punto de no producirse debido a la negativa de Albert King en 1983. Y el principal motivo, fue que Albert King dijo que no sabía quién era  aquel guitarrista tejano llamado Stevie Ray Vaughan.

Vaughan era un fiel seguidor de Albert King y cada vez que ofrecía uno de sus conciertos, el mítico Stevie no perdía la oportunidad de verle actuar.  Finalmente, Albert King decidió tocar con SRV, pero solamente porque le reconoció como un asiduo a sus conciertos. In Session es un disco especial, a nuestro juicio, lo consideramos como un homenaje de Stevie Ray Vaughan a todo un grande del  blues eléctrico, Albert King. En él, podremos sentir la tremenda complicidad musical de estos dos geniales artistas.

Centrándonos en el álbum, las sesiones fueron grabadas en directo para la televisión el 6 de diciembre de 1983 en los <<CHCH-TV Studios>> de Hamilton, Ontario (Canadá) y se publicaron el 17 de Agosto de 1999 por el sello Stax Records. En 2010, se edita en formato DVD, conteniendo entrevistas y diverso material extra.

AK SRV In SessionComo ya es costumbre, haremos una mención al personal que colaboró en este excelente show: Albert King (guitarra, voz), Stevie Ray Vaughan (guitarra), Tony Llorens (órgano, piano), Gus Thornton (bajo) y Michael Llorens (batería).

Incluyendo 11 temas, abre el disco con el clásico “Call It Stormy Monday” perteneciente a T-Bone Walker un blues lento en dónde nos muestran su virtuosismo a las seis cuerdas, siempre respaldados por una sección rítmica espectacular.

Seguidamente, “Old Times” segunda pista del disco en dónde tiene lugar una interesante conversación entre King y Vaughan, en la que intercambian opiniones y recuerdos. Vaughan, nostálgico, evoca la primera vez que vio tocar a Albert King allá por 1973. Como respuesta, Albert King elogia la calidad musical del tejano, diciéndole que hay muy pocos guitarristas que posean velocidad y “alma de blues”. Sin duda, dos cualidades que convirtieron a Stevie Ray Vaughan en un mito del blues.

AKSRVIILlegará uno de los puntos álgidos con “Pride And Joy”, todo un hit propiedad de Vaughan procedente de su explosivo álbum de debut Texas Flood de 1983. Otros cortes que completan el disco son la magnífica versión del “Ask Me No Questions” de B.B. King, un suave y exquisito “Blues At Sunrise”,  el guitarreo incesante de “Match Box Blues”  y el extraordinario “solo” de “Overall Junction”.

Destacaremos la portada del LP, que de alguna manera, transmite a la perfección la sencillez  del arte del blues, un estilo que no necesita de abarrotados estadios ni supermillonarias producciones para demostrar su grandeza.

Así concluye esta obra, cortesía de Stevie Ray Vaughan y Albert King. Desafortunadamente, la denominada “música del alma” perdió para siempre a Stevie Ray Vaughan en 1990, en un fatídico accidente de helicóptero. En 1992, Albert King fallecía de un ataque cardíaco en Memphis. Pero no se fueron sin antes dejarnos una colaboración histórica, que sirvió para iluminar una vez más el firmamento del blues.

J.J. Cale & Eric Clapton – The Road To Escondido (Reprise Records 2006)

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El dúo musical formado por el mago de Oklahoma y Slowhand obtuvo una gran aceptación por parte de la crítica en 2006. J.J Cale y Eric Clapton son tipos sencillos, de ideas sencillas,  eternos fugitivos del mainstream y  viejos amigos que sienten una admiración mutua.

En 2005, decidieron poner rumbo hacia la población de “Escondido” (de ahí el nombre del disco), valle ubicado cerca de San Diego, (California) y lugar impregnado de cierta aureola mística, dado los rituales que allí se llevan a cabo por los indios americanos.

El álbum, grabado y producido por  J.J. Cale y Eric Clapton, se publicó en noviembre de 2006 por el sello discográfico Reprise Records e incluye 14 temas. Está dedicado a la memoria del magnífico pianista Billy Preston, por ser el último disco en que colaboró.

 Billy Preston, falleció en junio de 2006, víctima de una enfermedad renal producida por el continuo abuso de alcohol y drogas. Músico con letras mayúsculas, durante toda su carrera tocó al lado de  leyendas como George Harrison, Bob Dylan, The Rolling Stones o John Lennon.

JJ Cale & Eric Clapton IIComo ya es costumbre, haremos una mención especial a la amplia selección de músicos que realizaron esta obra: J.J. Cale (guitarra, voz y teclados), Eric Clapton (guitarra y voz), Derek Trucks, Christine Lakeland, Doyle Bramhall II, John Mayer y Albert Lee (guitarras), Gary Gilmore,  Nathan East, Pino Palladino y Willie Weeks (bajistas), Abraham Laboriel Jr,  Jim Karstein, James Cruce y Steve Jordan (baterías), Taj Mahal (armónica), Bruce Fowler, Jerry Peterson , Marty Grebb y Steve Madaio (sección de vientos), Dennis Caplinger (violín), Walt Richmond (piano),  Simon Climie , David Teegarden (percusión) y el pianista Billy Preston.

Sin duda, entre este elenco estelar de mitos del rock nos podemos encontrar con la propia banda de acompañamiento de J.J. Cale,  artistas de la talla de John Mayer, Albert Lee o Derek Trucks (uno de los grandes guitarristas del momento), con el embajador del blues Taj Mahal y con el monumental pianista Billy Preston.

JJ Cale & Eric Clapton I

El disco, invadido por el blues y el característico “Sonido Tulsa”, del que fue pionero J.J. Cale, abre con “Danger”, canción de marcados toques bluseros arropada por la peculiar voz de Clapton. Muy elaboradas instrumentalmente se presentan “Heads In Georgia”, un rítmico “Missing Person” y “When This War Is Over”, con unos excelentes punteos de guitarra cortesía de Mr. Eric Clapton.

“Sporting Life Blues”, nos hará sentir una grata sensación de calma y tranquilidad, gracias a un blues suave, lento y muy vocal, siempre respaldados por la genial armónica de Taj Mahal. Continúan con el gracioso aire country y el espectacular violín  de “Dead End Road”, tema en dónde J.J. Cale nos demuestra su virtuosismo a la guitarra y con el que nos transportarán en un viaje hacia el lejano oeste…

Otras pistas como “Don’t Cry Sister” o “Last Will And Testament”, Cale y Clapton brillan con luz propia, tanto en el aspecto vocal como a las seis cuerdas. Y para finalizar, “Ride The River”, corte de cierto aroma a pantano en el que Clapton vuelve a tomar un protagonismo mayúsculo.

Así concluye esta aventura sonora, propiedad de dos de los artistas más célebres que ha dado la historia musical contemporánea. Quiero creer, en una leyenda del rock que dice que los verdaderos músicos hacen música por el placer de hacerla y no por dinero. Su nombre, J.J. Cale y Eric Clapton.