Link Wray- I Got a Rumble (Polydor 1974)

Por Javier Torres

Fred Lincoln Wray, más conocido por el apelativo de Link y en el panorama musical como <<Link Wray>>, fue un pionero del rock and roll y un músico innovador. Un semidesconocido rey del género, si lo comparamos con sus homólogos, y solo el tiempo ha sido capaz de colocarlo al lado de los más grandes del rock.

Link nació en Dunn (Carolina del Norte) y era descendiente de los “shawnee”, una tribu amerindia con una larga historia y avatares pasados sufridos en otras épocas, pero eso lo dejaré para juicio de los historiadores. Con esto quiero decir, que estamos ante una de las escasas estrellas de rock con orígenes nativos americanos, junto a bandas como la inolvidable Redbone. Su carrera se fragua en los años 50, y gracias a su peculiar forma de tocar la guitarra e inconfundible estilo, Link logra hacerse un hueco en el rock.

En 1994 y como premio a su rica y dilatada carrera, directores de cine como Quentin Tarantino lo llevan a lo más alto incluyendo sus canciones en bandas sonoras de películas como <<Pulp Fiction>>, que popularizó todavía más su Rumble”, una clásica canción del rock. Otros filmes no menos importantes, también añadieron a sus B.S.O temas históricos de Link comoDesperado y su “Jack de Ripper o “Independence Day» con “Rumble de nuevo.

En este artículo de hoy, me decanto por analizar una etapa distinta, rescatando “I Got a Rumble de 1974. Un disco redondo en todos los sentidos, con canciones que abarcan el blues, el rock más visceral, baladas exquisitas, u otras que recuerdan a las mejores bandas del movimiento de los 60 en San Francisco.

Producido por Skip Drinkwater y Bruce Steinberg en 1974 para Polydor, el álbum contiene 10 maravillas en las que Link Wray es el compositor de casi todas las canciones. Los músicos que lo acompañan son John Dzerigian a la guitarra, un conocido por nosotros como Boz Scaggs (guitarra), Mark Jordan (piano), Rick Shlosser (batería), Tom Rutley (bajo) y Joe Crane que lo acompañó en una nueva versión de su “Rumbleal bajo.

Es digno de mención la aportación de Bernie Krause al sintetizador en el tema “Good Time Joe”, conocido mundialmente por grabar el sonido natural del mundo y su proyecto Wild Sanctuary”. Un tema que transporta a paisajes sonoros que no pasan desapercibidos. En otros cortes como I Got a Rumble”, Link crea una canción con una dedicatoria que reza en el disco: “Dedicado a la memoria de Duane Allman”. Es de suponer que Link influenció de algún modo en la corta, pero brillante carrera del virtuoso guitarra sureño.

Otros temas del disco como “Rockett 88”, “Walkin´ Bulldog”, “Backswoods Preacher Man” etc… nos muestran a un guitarrista serio y con recursos, apasionado, y lleno de música.

En la contraportada del álbum podemos leer un extenso artículo elaborado por Pete Townshend, que nos explica su acertado punto de vista tanto en el análisis del disco, como su relación musical y sus experiencias. Link Wray fue un músico muy querido por generaciones posteriores y una gran influencia para muchas de las estrellas que años más tarde despuntaron en la historia del rock and rollLink falleció en el año 2005, pero nos quedó su extraordinaria música y su especialísima forma de tocar la guitarra, una preciosa Yamaha SG-2 de la que era inseparable.

Siempre vestido con ropa de cuero negra y su característico tupé rocker, escuchar a Link Wray es un placer.

Sixto Rodriguez – Cold Fact (Sussex Records 1970)

Cold Fact

Esta es la historia de los que nunca ganan. Y si me lo permiten, un conmovedor relato que pocos podrán arrancarse de la memoria. Corren los años 60 y por los suburbios de Detroit se rumorea de un cantautor que toca de espaldas al público. Se hace llamar Rodríguez. Sus canciones hablan de las miserias del ghetto, de la calle, y de cómo sobreviven día a día los sectores más desfavorecidos de la sociedad.

Jesús Sixto Díaz Rodríguez, Detroit, Míchigan, 1942, nunca obtuvo el reconocimiento que merecía. Fue ignorado por la industria musical durante más de 40 años. Grabó solamente dos LP’S, Cold Fact (1970) y Coming from Reality (1971), y se retiró frustrado de la escena musical estadounidense tras intentar hacerse con un lugar que nunca consiguió.

Rodriguez

Centrándonos en el disco, “Cold Fact” se publica en marzo de 1970 por el sello Sussex Records e incluye 12 pistas. Destacar que en su momento también fue editado por las casas discográficas Blue Goose Music en Australia y A & M Records en Sudáfrica. En 2008, el LP fue  reeditado en EEUU por Light In The Attic. De su producción se encargó Mike Theodore y Dennis Coffey, este último, un reputado guitarrista de sesión de la histórica Motown Records.

Dentro del álbum – a mi juicio repleto de hits – nos encontramos con canciones extremadamente preciosistas como “Hate Street Dialogue”, “Forget It”, “Crucify Your Mind” o el pegadizo estribillo de “I Wonder”, con unos toques de bajo muy bellos. Todas ellas exploran un vasto territorio sónico, pasando por el folk, el folk rock el blues e incluso guiños hacia la psicodelia (Only Good For Conversation es la mejor prueba de ello).

Y si hay un tema estrella y por el que es más famoso Rodríguez ese es “Sugar Man”, toda una joya folkie con unas profundas letras que abren el elepé. Esta canción también le sirvió de apodo a Rodríguez, siendo más conocido por el nombre de Sixto “Sugar Man” Rodríguez.

SR

Así concluye “Cold Fact”, un excelente elepé que vendió miles de unidades en Nueva Zelanda, Sudáfrica y Australia, países que consideran a Rodríguez como un mito a la altura de Elvis o Dylan.

Sixto Rodríguez permaneció ajeno a todo este éxito durante más de cuatro décadas y se ganó la vida como obrero de la construcción. Las profundas letras de sus canciones (muchas de ellas llegaron a prohibirse) se tomaron como un símbolo de lucha contra el apartheid en Sudáfrica. Sus discos fueron censurados, algunos de ellos rayados e incluso destruidos por completo.

images

En 2012 el director Malik Bendjelloul realizó un oscarizado documental en el que tratan de descubrir el paradero de este cantante y todo el misterio que le rodea. Finalmente le encontraron – algunos decían que había fallecido – y Rodríguez volvió a ofrecer un gran concierto en Sudáfrica ante miles de espectadores. Dos años después del estreno del documental, el director sueco Malik Bendjelloul se suicidó debido a una depresión el 13 de mayo de 2014.

En la actualidad y a sus 72 años, Jesús Sixto Díaz Rodríguez ha ganado una buena suma de dinero (se habla de 500.000 euros) por los cinco shows que brindó en Sudáfrica. A pesar de esto nada ha cambiado en él, ni su estilo de vida, ni su personalidad. Sigue viviendo en la misma casa desde principios de los 60. No tiene coche, ni ordenador, ni teléfono móvil. La mayor parte de su dinero lo reparte entre amigos y familia, según las declaraciones de su hija.

<<Debo admitir que el dinero es indecente, tengo muchos compromisos y la lista no hace más que crecer>>. Sixto Rodríguez.

Sí, todos estamos de acuerdo, Dylan es Dylan, pero RodríguezRodríguez… te llega al corazón.

Led Zeppelin – Led Zeppelin IV (Atlantic – 1971)

ledzeppelin4

Hoy, 20 de septiembre de 2014, este blog cumple tres años de rock desde que dos ourensanos decidieron allá por 2011 darle forma para hablar de sus discos favoritos. Durante este tiempo hemos visto como otros muchos blogs se quedaron atrás, algunos ya nos han olvidado y otros quizás, motivados por la pasión hacia la música, se quedaron con nosotros para siempre. En especial, queríamos agradecer a Gonzalo Aróstegui del blog Ragged Glory, – e invitamos a que no dejéis de visitar sus respectivos espacios – , y a Aurelio de historias del rock and roll, sus visitas a esta casa. Y en general, a todo aquel que de vez en cuando se deja caer por aquí para echarle un vistazo a nuestros artículos.

Aprovechando este tercer aniversario, os traemos Led Zeppelin IV, un clásico entre clásicos de esos que no pueden faltar en la estantería de todo amante del rock. Producido por Jimmy Page, se publica el 8 noviembre de 1971, incluye 8 pistas y es el cuarto de estudio en la discografía del cuarteto británico: (Robert Plant, voz, Jimmy Page, guitarra, John Paul Jones, bajo y John Bonham, batería).

led-zeppelin 1

Ya han pasado más de cuarenta años de su publicación, pero sigue siendo tan grande como el primer día. Sus geniales canciones ya forman parte de la historia del rock. Hits como “Black Dog” atención a los riffs del maestro Jimmy Pageo la demoledora introducción de batería de “Rock And Roll” a cargo de John Bonham, nos demuestra el poderío de los Zeppelin en los albores de los 70.

Pero si hay un tema de referencia obligada y el más famoso de los Zeppelin, ese es “Stairway To Heaven / Escalera al Cielo, una semi – balada que contiene uno de los riffs de guitarra más célebres del rock, cortesía de Jimmy Page. Mucho y muy variado se ha escrito sobre esta fantástica canción, así como la polémica que la rodea. Acusaron al grupo de incluir mensajes satánicos en sus letras y de hacer alusión al ocultismo. Fenómenos paranormales al margen, “Stairway To Heaven” es una de las canciones más solicitadas por las emisoras de radio de todo el mundo, y también un punto de inflexión para el rock and roll.

zoso1

Otros cortes imprescindibles que completan el disco son “Misty Mountain Hop”, un bello “Going To California”, “The Battle of Evermore” y el aire blusero de “When The Levee Breaks”. Destacar la llamativa portada del elepé, así como el arte que se encuentra en su interior. Una mención aparte, merecen los símbolos rúnicos que aparecen en la funda, que se corresponden con los cuatro miembros de la banda.

Así concluye este disco sin título, etiquetado como “Led Zeppelin IV” por los medios de comunicación. Porque ha sido éste y no otro, el que catapultó a los Zeppelin hacia el estrellato internacional, convirtiéndoles en leyendas de la historia musical contemporánea.

Hey, hey mama said the way you move, / gon’ make you sweat, gon’ make you groove…

John Lennon / The Plastic Ono Band – (Apple / Emi 1970)

John Lenno Plastic Ono Band

En abril de 1970 los Beatles eran ya oficialmente historia. Tras su separación, John Lennon se involucra con The Plastic Ono Band para dar forma a este revolucionario e íntimo disco con el que acrecentó todavía más su leyenda. Lo considero un vendaval de sentimientos y un canto de frustración. Sus desgarradoras y profundas letras hablan de los traumas infantiles de Lennon, la religión, el amor, o la problemática de la clase trabajadora.

Plastic Ono Band es el primer elepé en solitario de John Lennon. Se publica en diciembre de 1970 por el sello EMI e incluye 11 pistas. Producido por el propio Lennon, junto a Yöko Ono y Phil Spector, se graba en los estudios Abbey Road de Londres. Destacar que todas las canciones del álbum fueron compuestas por John Lennon, un genio cuya creatividad no entiende de límites. En el año 2000 sale a la luz una nueva redición del disco, añadiéndo 2 pistas más “Power To The People” y “Do The Oz”.

Una obligada referencia merecen los músicos de la Plastic Ono Band que tocaron al lado de Lennon (guitarra, piano y voz): Klaus Voormann (bajo), Billy Preston y Phil Spector (piano), Alan White (batería y percusión), Yöko Ono (vientos) y Ringo Starr (batería).

JLPON

“Mother”, canción que abre el LP y de elevada delicadeza, refleja la historia personal de John Lennon en su niñez. Muy elaborada se encuentra “Hold On”, un tema suave impregnado por la voz de John y los nítidos instrumentos de su banda. El rock and roll hace acto de presencia en “I Found Out” uno de los cortes más duros del disco. “Working Class Hero” es todo un himno de la clase trabajadora. Quizás, Lennon trató de expresar que el rock and roll es el lamento que incomoda al rico.

“Isolation” es una pista de excelente factura instrumental con un tranquilo y espléndido piano, al igual que en “Remember” (cuidado con la explosión final). Seguidamente llega “Love”, pista conmovedora. Una vez más, el rock and roll furioso hace acto de presencia en “Well Well Well”, a nuestro juicio uno de los temas más impactantes del LP.

JLENNON

El punto álgido del LP es una joya llamada “God”, una de las canciones más importantes en la carrera de Lennon y de la Plastic Ono Band. Para la posteridad quedará su majestuoso estribillo: <<I don’t Believe in Jesus / I don’t Believe in Beatles / I don’t Believe in Zimmerman / I just Believe in me / Yoko and me. >> Cierra el disco “My Mummy, s Dead”, quizás, una canción de cuna.

La curiosa portada del disco, en la que podemos visualizar a Lennon en un bosque y acostado sobre el regazo de Yöko Ono, ya forma parte de la historia del rock. Aquellos cuatro cobardes balazos no pudieron acabar con su leyenda. Lennon perdió la vida, pero entró en la inmortalidad. Y discos como éste, son la mejor prueba de ello.

Gracias, John.

Neil Young – Harvest (Reprise Records 1972)

neilyoungharvest

Harvest fue un disco aclamado por la crítica y una de las obras célebres del cantautor canadiense Neil Young. Por aquella época Neil padece una enfermedad que le impide mantenerse erguido, pero aún con estas dificultades logra sacar adelante uno de los discos más famosos del rock. Combina a la perfección estilos como el country, el folk o el rock, e incluso arreglos orquestales en varias canciones.

El álbum, cuarto de su discografía, se publica en febrero de 1972 e incluye 10 pistas. Producido por Neil Young junto a Elliot Mazer, Jack Nitzsche y Henry Lewy, se graba entre los “Quadrafonic Sound Studios” de Nashville, Royce Hall UCLA (California), “Barking Tow Hall” de Londres y los Broken Arrow Studio” de Woodside (California). Destacar la profundidad lírica de sus canciones, que aborda temáticas como las drogas, problemas sentimentales, las guerras o el racismo.

Una obligada referencia merecen los músicos que participaron al lado de Neil Young (guitarra, armónica, voz y piano) para la realización del elepé: Tim Drummond (bajo), Jack Nitzsche (guitarra y piano), Ben Keith (guitarra pedal steel) y Kenny Buttrey (batería). Todos ellos músicos de sesión pertenecientes a la formación “The Stray Gators”, que Neil Young reclutó para la ocasión.

Neil Young II

Por allí también estaban David Crosby, Graham Nash y Stephen Stills (coros), Teddy Irwin (guitarra), John Harris y James McMahon (piano), James Taylor (voz, banjo), Linda Ronstadt (coros), respaldados por la Orquesta Sinfónica de Londres.

Dentro del disco nos encontramos con clásicos como “Heart Of Gold” (Corazón de Oro), una balada acústica extremadamente preciosista con elegantes sonidos de armónica. “Old Man” es un hit que se convirtió en una de las canciones más identificables del bardo canadiense. “Alabama” es otra de las joyas del elepé, de pegadizo estribillo y con pequeñas dosis de electricidad. La polémica que desató “Alabama” por su temática antirracista, molestó a los sureños de los EEUU, que le respondieron con el “Sweet Home Alabama”, de Lynyrd Skynyrd.

“There’s a World”, encaja perfectamente como banda sonora de cualquier película. “Harvest” es la pista que da nombre al LP, y en dónde Neil Young nos muestra un bello folk rock con ritmo country.

Neil Young

“Out on the Weekend el corte que abre el LP, es un tema de estilo folk rock con el personalísimo sello de Neil Young. En “Are You Ready for the Country?” destacaremos su introducción de piano y su orientación country. The Needle And The Damage Done, es una pieza en directo que se grabó en UCLA.

En la actualidad y a sus 68 años este introvertido poeta continúa ofreciendo conciertos, representando el espíritu del rock and roll. Con Neil Young, el rock ha sido mucho más grande.

Barón Rojo – Volumen Brutal (Chapa Discos – 1982)

Baron-Rojo-Volumen-Brutal

Se oye comentar a las gentes del lugar / los rockeros no son buenos / si no te portas bien / te echarás pronto a perder / y caerás en el infierno.

Todavía no sabemos si los rockeros caerán al infierno, pero lo cierto es que Barón Rojo se ganó a pulso un más que merecido primer puesto en el rock nacional a base de explosivas guitarras y grandes dosis de heavy rock. “Barón Rojo” o “Red Baron” nace de las cenizas de la agrupación Coz, ya que los hermanos Carlos y Armando de Castro formaron parte de esta banda a finales de los años 70. Su debut fue demoledor: “Larga Vida al Rock and Roll”, es un disco que deja huella, con buenas letras y de gran calidad.

“Volumen Brutal”, fue el segundo álbum de su discografía, se publica en febrero de 1982 e incluye 10 pistas. Producido por Barón Rojo, se graba en los estudios “Kingsway” de Londres (propiedad del cantante de Deep Purple, Ian Gillian) y logra vender más de dos millones de copias, siendo una de las obras más exitosas de la banda. En 1982 se lanza una versión en inglés del elepé que se comercializa en mercados extranjeros como el japonés e inglés.

Baron Rojo

La gran repercusión que alcanza Volumen Brutal, posibilita que el grupo comparta cartel con artistas de la talla de Uria Heep, Michael Schenker (Scorpions), Marillion, Gary Moore o Iron Maiden en el festival de Reading de 1982.

Mencionaré a los músicos que hicieron posible este trabajo: los hermanos Carlos y Armando de Castro (guitarra, coros y voz), José Luis “Sherpa” Campuzano (bajo, coros y voz), Hermes Calabria (batería), Mel Collins (saxofón) y Colin Towns (teclados).

barón rojo banda

Dentro del álbum nos encontramos con himnos como “Resistiré” /”Stand Up”, una canción que hace todos los honores al heavy metal y al rock duro. “Resistiré” llegó a ocupar el número 1 en las listas musicales del momento. Las poderosas guitarras de Incomunicación” y «Dame la oportunidad» hacen las delicias de todo aficionado al heavy metal y al buen rock en general. “Son como hormigas”, es uno de los mejores cortes del disco. «Los Rockeros van al infierno», es uno de los temas más llamativos, todo un hit de pegadizas letras y canción célebre de la banda. Otras pistas de obligada referencia que completan el LP son: Hermano del Rock & roll”, “El Barón sobrevuela Inglaterra” y “Sátanico Plan” (Volumen Brutal) o “Concierto para ellos”.

Concluye así este álbum. El segundo vuelo del barón, una de las bandas que más prestigio han dado a España. Si he de escoger entre ellos y el rock / elegiré mi perdición / sé que al final tendré razón / ¡y ellos no! / Mi rollo es el rock.

Ya está todo dicho.

The Band – The Band (Capitol Records 1969)

The-Band-The-Band1

Tras dejarnos aquel histórico “Music From Big Pink” de 1968, los canadienses The Band irrumpen en la escena musical de los 60 con este disco homónimo. Si algún adjetivo tengo para calificarlo ese es inolvidable, como casi todo lo que ha hecho este quinteto… ¿Quién no recuerda aquel “Último Vals” de 1976?

“The Band”, en español simplemente conocidos como “La Banda”, fueron compañeros de ruta de Bob Dylan en su transformación del folk hacia el rock eléctrico. Procedentes de un país de meteorología antipática, les une una pasión común que nos dejó un legado imborrable, discos perfectos y canciones sin fecha de caducidad. Acrecentaron su maravillosa leyenda durante los años 60 y 70, cuando se alejan del rock psicodélico que reina en aquella época y toman como base de su sonido los estilos tradicionales americanos.

Centrándonos en el álbum, segundo en su discografía, fue publicado por el sello Capitol Records en septiembre de 1969 y contiene 12 pistas. En la redición del año 2000, remasterizada por Capitol Records, se añaden 7 temas adicionales y material extra. Producido por John Simon, el LP logró situarse como una obra de culto por su temática relacionada con la guerra civil americana.

thebandb

No puede faltar en este post una mención a los músicos que hicieron posible este trabajo: Robbie Robertson (guitarra), Rick Danko (trombón, bajo, violín, voz), Garth Hudson (teclados, órgano, clavinet, piano, acordeón, saxofón, trompeta), Richard Manuel (voz, piano, batería, saxofón, armónica), Levon Helm (mandolina, batería, voz y guitarra acústica).

Dentro del LP, nos encontramos con temas como “Up On Cripple Creek” o Rag Mama Rag” impregnados de folk, blues y country. El punto álgido es “The Night They Drove Old Dixie Down”, todo un hit, canción emblemática y de las más utilizadas en sus conciertos en directo. Destacar la peculiar voz del batería Levon Helm, que hace que este tema se cubra todavía más de gloria.

WoodstockBand

Levon Helm fallece el 19 de Abril de 2012 debido a un cáncer a los 71 años de edad. El rock and roll perdió así a una de sus grandes estrellas, pero su legado permanece eterno al paso del tiempo. Otros cortes de obligada referencia que completan el disco son: “Rockin’ Chair”, de bello guitarreo acústico, la balada “Whispering Pines”, “Jawbone” y el pegadizo piano de “Look Out Cleveland”. Para completar este post, decir que The Band vivieron instalados en la excelencia musical toda su carrera. Sus canciones son patrimonio de la humanidad.

Supertramp – Breakfast In America (A&M Records 1979)

Supertramp Breakfast In AmericaEn el ocaso de los 70, los británicos Supertramp desayunan en América con un disco que explora un vasto territorio sónico. Experimentan con el pop, pero también con el rock, el rock progresivo y le añaden pinceladas de blues.

Supertramp se crea bajo el patrocinio del holandés Stanley August en 1969, que le propuso al teclista y cantante Rick Davies la formación de un grupo de rock.  Tiempo después se le unen el multi-instrumentista Roger Hodgson, el batería Bob Miller y el guitarrista Richard Palmer. Tras sufrir diversos cambios en sus filas, finalmente debutan con un disco homónimo en 1970 sin apenas repercusión. Según avanza  la década graban álbumes magníficos como “Crime Of The Century” (1974) o  “Even In The Quietest Moments” (1977), obteniendo reconocimiento por parte de la crítica. En 1979 consiguen fama internacional gracias a Breakfast In America.

SupertrampCentrándonos en el elepé, “Breakfast In America” fue el sexto en su discografía, se publica en 1979 por el sello A&M Records e incluye 10 pistas. Todas las canciones fueron compuestas por el dúo Hodgson / Davies. Producido por Supertramp y Peter Henderson, se remasteriza en los años 2002 y 2010 agregando diversas pistas y material extra. Breakfast In America alcanzó un gran éxito comercial y obtuvo el número 1 en las listas musicales de la época.

Mencionaré a los músicos que hicieron posible esta obra: Rick Davies (teclados y voz), Roger Hodgson (guitarra, voz y teclados), Dougie Thomson (bajo), Bob Siebenberg (batería), John Helliwell (coros y saxofón) y Slyde Hyde (trombón).

Supertramp BandDentro del disco, repleto de hits, nos encontramos con  canciones clásicas como “Breakfast In America” con un delicado piano y una sutil batería en su inicio.  El pegadizo “Goodbye Stranger” destaca por la peculiar voz de Roger Hodgson. “Logical Song” es su hit por excelencia y hay que prestar atención a su memorable solo de saxofón.

«Take The Long Way Home», «Lord Is It Mine», «Child of Vision” y «Oh Darling» son cortes que nos demuestran el virtuosismo de un grupo en estado de gracia. Juegan aquí con el pop, pero también con el rock e incluso con el rock progresivo. Realizan una mezcla fantástica, originando que Breakfast In America se convierta en uno de los álbumes más célebres de los años 70.

En la portada del disco se observa el centro de Manhattan y una mujer simulando la estatua de la libertad con un desayuno  en la mano. Fue un trabajo del diseñador Mikel DougAsí concluye este obra conceptual de Supertramp, una banda que se ganó un merecido puesto en la memoria del rock. Y éste, es su legado.

El Artista Invitado – Cansancio Clónico (2007) / Fuerzas Aliadas (2010)

Fuerzas AliadasA mi juicio, el buen rock nunca debe pasar desapercibido. Y “El Artista Invitado”, formación catalana nacida en 2001, es la mejor prueba de ello. Comienzan su historia por el amargo camino del rock un invierno de 2001, cuando el multi instrumentista J. Bernat “Bernie”, Ángel Camacho, Toni Benavente y Dani Pujol, se asocian para grabar unas canciones que Bernat tenía escritas. Fruto de esta colaboración realizan su primera demo “Seriedad Capilar”, nombrada demo del mes en la revista Rock Hard.

En 2002 son llamados para abrir los conciertos de Rosendo en la sala Razzmatazz 1. En 2005 graban en los estudios La Boni” el disco “Inútil Sin Referencias”, en el que Bernie se hace cargo de la sección rítmica (batería, bajo, guitarras), con Toni Benavente a la guitarra solista. En 2006, regresa a los estudios “La Boni” para reflejar “Sensible Al Tacto”.

En 2007, sale a la luz Cansancio Clónico”, grabado y mezclado entre los estudios EDISON de Cornellà de Llobregat y los Udbon de Esplugues de Llobregat. En él, participan Jordi Bernat (voz, guitarra rítmica, bajo, batería y coros), Toni Benavente (guitarra solista), Sergi Milan (órgano hammond, piano), Nico Alvarez (coros) y Jordi Udina (técnico de sonido).

Cansancio Clonico“Cansancio Clónico incluye cinco pistas y abre con “Amagos de Muerte”, una canción de estilo hard rock envuelta por unos soberbios riffs de guitarra. Seguidamente llega “Alto el fuego”, tema impregnado de un excelente órgano y un potente riff de guitarra. “Fiesta”, es una pista con cierto aire hacia la psicodelia.

Destacamos su elaborada sección rítmica y su órgano. Ejecutada a un ritmo frenético se presenta “Segunda Oportunidad”, con unos buenos riffs de guitarra, se sitúa como uno de los temas estrella del disco. Finalizan con No voy a buscarte”, una balada de corte pop. Tras ofrecer una serie de conciertos por diversos clubs, logran girar con Status Quo, abriendo los conciertos de su gira española en 2009.

El Artista InvitadoEn 2010 publican “Fuerzas Aliadas”, disco producido por  Jordi Bernat y grabado en los estudios “Udbon” de Esplugues de Llobregat (Barcelona), entre mayo y octubre de ese mismo año.  Incluyendo 7 pistas, todas las canciones fueron escritas por el multi instrumentista Jordi Bernat, exceptuando “Vuela Alto” y “No Mires Atrás” (J. Bernat / Pedro Caparrós). Durante esta etapa son llamados para tocar junto a Europe en la sala Razzmatazz de Barcelona.

“Fuerzas Aliadas” inicia con “En mí habita el mal”,  tema  bien armado rítmicamente con unas contundentes guitarras a su final, al igual que  “No Mires Atrás” la pista que le sucede. Con altas dosis de electricidad se presenta “Puerta de Servicio”, en dónde se capta una clara influencia a los AC/DC, dado que Bernie, su cantante, tiene su pasado en la The Bon Scott Band”, una banda tributo al legendario grupo australiano.

El Artista Invitado Band“Basta de Cerdos” y “Fuego Cruzado”, son canciones con las bases bien asentadas en el hard rock y la voz melódica de Bernie. “Vuela Alto” es una semi balada y tema clave del disco, con especial atención a sus riffs de guitarra. Cierran con “Si Tu Padre Te Viera”, una pegadiza canción que posee unas desenfadadas letras.

No puede faltar en este artículo  una mención al personal que hizo posible este disco: Jordi Bernat “Bernie” (voz, guitarra rítmica, bajo batería y coros), Sergi Milán (órgano hammond, piano y acordeón), Alberto Arias (guitarra solista), Tite “Patri” Castelló (guitarra solista), Tito Ferrer (guitarra solista), Pedro Caparrós (guitarra solista) y Carlos Ruiz (guitarra solista), David Benavente (coros), Jordi Udina (técnico de Sonido) y Antoni Alarcón (diseño gráfico).

Dice El Artista Invitado en una de sus canciones, que buscan una segunda oportunidad. Merecen una primera.

http://www.elartistainvitado.net/

https://www.facebook.com/elartistainvitado

https://myspace.com/elartistainvitado

The Rolling Stones – Let It Bleed (Decca Records 1969)

Let It BleedEs indiscutible, que uno de los fenómenos más espectaculares de la historia del rock han sido los Rolling Stones. Todo lo que hacen produce una repercusión inmediata. Sus asombrosos conciertos, su especial conexión con los fans y la conciencia social de sus letras, le han situado como una parte  esencial en la mitología del rock. Baten todos los récords existentes. Y más que hubiera.

Con sus antológicas canciones, Los Stones han sabido llegar al corazón de una gran cantidad de admiradores en todo el mundo. Las amplias giras de los Rolling son hitos destacados en la música, así como los diversos álbumes que han publicado en sus 50 años de carrera.  Y aquí Let It Bleed juega un papel muy relevante porque es un disco de culto.

Let It Bleed se publica el 28 de Noviembre de 1969 por el sello Decca Records e incluye 9 pistas.  Grabado en los Olympic Studios de Londres, cuenta con la producción del emblemático Jimmy Miller, un famoso ingeniero de sonido que ya había trabajado con otras bandas del nivel de Blind Faith o The Spencer Davis Group. Muchas y muy variadas, han sido las rediciones de este gran clásico bajo otras casas discográficas como la de ABCKO (Formato LP, 1986) o la de Decca (Formato CD, 1995).

RSLITEl álbum obtiene un enorme éxito y  alcanza los primeros puestos en las listas musicales de la época: el número 1 en el Reino Unido y el 3 en los Estados Unidos. También recibe numerosos premios y certificaciones. A mi juicio, Let It Bleed es un disco importantísimo para el rock. Transciende a su tiempo como una llama que nunca se apaga. Es muy, muy grande, al igual que sus legendarios creadores.

Haremos una mención a los músicos que hicieron posible esta obra: Mick Jagger (voz, armónica), Keith Richards (guitarra), Mick Taylor (guitarra), Brian Jones (guitarra, arpa y percusión), Bill Wyman (bajo) y Charlie Watts (batería).

Si ya de por sí los Stones son geniales músicos, de obligada referencia es el personal adicional que participó a su lado: Ian Stewart, Nicky Hopkins, Leon Russell y el mítico Al Kooper (pianos), Ry Cooder (mandolina), Jimmy Miller (batería y percusión), Rocky Dijon (percusión), Bobby Keys (saxo tenor), Jack Nitzche, Merry Clayton y Nanette Newman (coros), y un extraordinario violinista de bluegrass llamado Byron Berline, vinculado dos años después al proyecto Manassas, de Stephen Stills.

RSLITIIEn cuanto el vinilo comienza a rodar, de manera instantánea entra a formar parte de esa colección de discos que cambian tu vida. Su apertura con “Gimme Shelter”, ya nos demuestra el porqué de su grandeza. “Gimme Shelter”, una de las canciones más célebres de los Stones, fue versionada hasta la saciedad por multitud de grupos, prestando especial atención a la Grand Funk Railroad, (Survival 1971). Destacaré su sección rítmica, su profundidad lírica (inspirada en la guerra del Vietnam) y sus fantásticos coros con Merry Clayton. Pero lo que nos quedará para siempre en la memoria es su majestuoso estribillo :<< War, children, it’s just a shot away / It’s just a shot away / War, children, it’s just a shot away / It’s just a shot away>>.

Seguidamente llega “Love In Vain”, una excelente versión del bluesman Robert Johnson. Solo los Stones han sido capaces de transformar este tema en  único y quien sabe si irrepetible. Uno de los puntos álgidos será “Country Honk”, versión de cierto aire folk / country del Honky Tonk Women”, con un sensacional violín a cargo de Byron Berline y la guitarra de Mick Taylor. El  piano de Ian Stewart cobra un protagonismo mayúsculo en “Let It Bleed”, el corte que da nombre al disco.

STONESLITBEn “Live With Me”, se nota el virtuosismo del guitarrista Mick Taylor, respaldado en todo momento por un espléndido riff de bajo. Una grata sorpresa nos encontramos en “You Got The Silver”, una bella balada en dónde canta Keith Richards. De inolvidable calificaré el riff de “Monkey Man”.  El blues, la música del alma,  hace acto de presencia en “Midnight Rambler”, sexta joya del álbum con una perfecta armónica y un elegante guitarreo.

Y para poner el broche de oro a un álbum absolutamente redondo “You Can’t Always Get What You Want. Escrita por Jagger y Richards, es un diamante de canción con una angelical introducción  a cargo del coro  góspel London Bach Choir”, e influida por los arreglos de Al Kooper.

RSTONESEn el recuerdo del imaginario colectivo permanece su curiosa portada. De una elevada calidad gráfica, fue un trabajo del diseñador Robert Brownjohn. En ella podemos visualizar a los componentes de los Stones tocando en el último nivel de una tarta, formada por un neumático, una pizza, un reloj y una cinta magnética apoyada sobre un tocadiscos. En su interior reza la siguiente frase: <<«Esta grabación debería reproducirse a  un volumen elevado»>>

Así concluye Let It Bleed, un elepé que resulta fundamental para entender qué es y lo que significa el rock and roll. Confieso que en este artículo de hoy no he podido ser todo lo objetivo que quisiera. Me he dejado llevar por la pasión que siento por los Rolling Stones, la banda de rock and roll más grande que ha dado la música contemporánea.

Déjalo sangrar.