Boz Scaggs – Boz Scaggs (Atlantic 1969)

Compositor, guitarrista, vocalista, y compañero inseparable de Steve Miller en los años 60. Una gran carta de presentación la de Boz Scaggs, que también colaboró poniendo su voz en dos discos históricos de la Steve Miller Band. Y en 1969, Boz graba este magistral álbum homónimo, que considero como imprescindible en su carrera.

Natural de Ohio, Boz Scaggs se traslada a Texas siendo tan sólo un adolescente y coincide en la escuela con Steve Miller. Rápidamente surge una estrecha amistad que les llevaría a estudiar juntos en la universidad. Durante esta etapa de su vida se empapó de blues, pero sobre todo de la música tradicional americana. En 1965, Boz se embarca en una aventura musical por Europa, estableciendo su base en Inglaterra y Suecia, dónde graba su primer álbum en solitario, obteniendo algún éxito pero escasa repercusión. Durante este tiempo adquiere conocimientos sobre el “British Blues” y otros estilos, y por fin, Steve Miller decide contar con él para su nueva formación, con la que edita dos álbumes emblemáticos en la era psicodélica del San Francisco de 1968.

Su facilidad innata para componer canciones, y su especialísima voz, no pasan desapercibidas para el sello discográfico Atlantic Records. En 1968, es fichado para esta gran compañía, comienza a grabar con la Muscle Shoals de Alabama y con el legendario guitarrista Duane Allman, por aquella época miembro permanente de la “Muscle Shoals Rythm Section”.

Centrándonos en el disco, se publica en 1969 y lo produjo Boz Scaggs, Jan Wenner y Marlin Greene. Se graba en los estudios “Muscle Sounds Sound Recorders” de Alabama. La Atlantic Records cuenta con un gran número de excepcionales músicos que participan de este elepé: Duane “Skydog” Allman (dobro, slide y guitarra), Boz Scaggs, Eddie Hinton y Jimmy Johnson (guitarras), Barry Beckett (teclados), David Hood (bajo) Roger Hawkins (batería) y Al Lester (violín).

Como ya era habitual en la Atlantic Records, una excelente sección de vientos apoya en todo momento a estos virtuosos músicos, entre los que se encuentran Charles Chalmers y Floyd Newman (saxos) Ben Cauley (trompeta), Gene «Bowlegs» Miller (trompeta y trombón) y Joe Arnold y James Mitchell (saxos). Para poner la guinda final a este carrusel interminable de instrumentistas, es de obligada referencia mencionar los coros femeninos: Jeannie Greene, Donna Thatcher y Mary Holiday por un lado, y Tracy Nelson, Irma Routen y Joyce Dunn para otros temas.

Como dato curioso, destacar que el disco y su estilo se catalogaron como «Blue – Eyed -Soul», que viene a significar coloquialmente hablando «Soul hecho por blancos».

El LP contiene 9 temas compuestos por Boz Scaggs salvo algunas excepciones. Abre con un movido «I´m Easy» y continúan con el clásico de clásicos «I´ll Be Long Come«, una de las baladas más bellas de la época. Te deleitan con canciones delicadas como «Another Day (another letter)« y el country de «Now You´re Gone« dónde se disfruta de los coros y del sonido del violín.

Las canciones que le siguen, mantienen en mayor o menor medida una línea similar a las anteriores y son «Finding Her« y «Look What I Got«, ésta vez con Duane Allman imprimiendo su calidad al dobro. En «Waitin For A Train«, Boz Scaggs nos traslada a las viejas películas del Oeste y a aquellas canciones de la guerra de secesión, muy bien interpretadas.

El punto álgido del disco llega con un triste blues  “Loan Me A Dime”, propiedad del bluesman Fenton Robinson. Con más de doce minutos de duración, Boz Scaggs realiza una espléndida versión con su voz, apoyado en una sección rítmica perfecta y el virtuosismo de Duane Allman, que nos dejó uno de los riffs de guitarra más recordados de su corta, pero intensa carrera. Concluyen con “Sweet Release”, una canción con unos coros sobresalientes, al igual que el resto de la banda.

El diseño y las fotografías de la portada e interior del LP fueron obra de Stephen Paley, y se observa la simpática imagen de Duane Allman completamente desnudo, con un sombrero en la cabeza y tapándose sus genitales, entre otras de los músicos más representativos. En su día, este disco pasó con más pena que gloria por los ojos de la crítica especializada. Han tenido que pasar más de 45 años para que lo considerasen una obra de culto. Una obra básica para los amantes de la época dorada del rock y para los seguidores de Boz Scaggs y del gran Duane Allman.

Boz Scaggs inició con este LP su período de esplendor. En la actualidad y a sus 66 años, es uno de los grandes héroes de la música americana.

El Artista Invitado – Cansancio Clónico (2007) / Fuerzas Aliadas (2010)

A mi juicio, el buen rock nunca debe pasar desapercibido. Y “El Artista Invitado”, formación catalana nacida en 2001, es la mejor prueba de ello. Comienzan su historia por el amargo camino del rock un invierno de 2001, cuando el multi instrumentista J. Bernat “Bernie”, Ángel Camacho, Toni Benavente y Dani Pujol, se asocian para grabar unas canciones que Bernat tenía escritas. Fruto de esta colaboración realizan su primera demo “Seriedad Capilar”, nombrada demo del mes en la revista Rock Hard.

En 2002 son llamados para abrir los conciertos de Rosendo en la sala Razzmatazz 1. En 2005 graban en los estudios “La Boni” el disco “Inútil Sin Referencias”, en el que Bernie se hace cargo de la sección rítmica (batería, bajo, guitarras), con Toni Benavente a la guitarra solista. En 2006, regresa a los estudios “La Boni” para reflejar “Sensible Al Tacto”.

En 2007, sale a la luz “Cansancio Clónico”, grabado y mezclado entre los estudios EDISON de Cornellà de Llobregat y los Udbon de Esplugues de Llobregat. En él, participan Jordi Bernat (voz, guitarra rítmica, bajo, batería y coros), Toni Benavente (guitarra solista), Sergi Milan (órgano hammond, piano), Nico Alvarez (coros) y Jordi Udina (técnico de sonido).

“Cansancio Clónico” incluye cinco pistas y abre con “Amagos de Muerte”, una canción de estilo hard rock envuelta por unos soberbios riffs de guitarra. Seguidamente llega “Alto el fuego”, tema impregnado de un excelente órgano y un potente riff de guitarra. “Fiesta”, es una pista con cierto aire hacia la psicodelia.

Destacamos su elaborada sección rítmica y su órgano. Ejecutada a un ritmo frenético se presenta “Segunda Oportunidad”, con unos buenos riffs de guitarra, se sitúa como uno de los temas estrella del disco. Finalizan con “No voy a buscarte”, una balada de corte pop. Tras ofrecer una serie de conciertos por diversos clubs, logran girar con Status Quo, abriendo los conciertos de su gira española en 2009.

En 2010 publican “Fuerzas Aliadas”, disco producido por  Jordi Bernat y grabado en los estudios “Udbon” de Esplugues de Llobregat (Barcelona), entre mayo y octubre de ese mismo año.  Incluyendo 7 pistas, todas las canciones fueron escritas por el multi instrumentista Jordi Bernat, exceptuando “Vuela Alto” y “No Mires Atrás” (J. Bernat / Pedro Caparrós). Durante esta etapa son llamados para tocar junto a Europe en la sala Razzmatazz de Barcelona.

“Fuerzas Aliadas” inicia con “En mí habita el mal”,  tema  bien armado rítmicamente con unas contundentes guitarras a su final, al igual que  “No Mires Atrás” la pista que le sucede. Con altas dosis de electricidad se presenta “Puerta de Servicio”, en dónde se capta una clara influencia a los AC/DC, dado que Bernie, su cantante, tiene su pasado en la “The Bon Scott Band”, una banda tributo al legendario grupo australiano.

“Basta de Cerdos” y “Fuego Cruzado”, son canciones con las bases bien asentadas en el hard rock y la voz melódica de Bernie. “Vuela Alto” es una semi balada y tema clave del disco, con especial atención a sus riffs de guitarra. Cierran con “Si Tu Padre Te Viera”, una pegadiza canción que posee unas desenfadadas letras.

No puede faltar en este artículo  una mención al personal que hizo posible este disco: Jordi Bernat “Bernie” (voz, guitarra rítmica, bajo batería y coros), Sergi Milán (órgano hammond, piano y acordeón), Alberto Arias (guitarra solista), Tite “Patri” Castelló (guitarra solista), Tito Ferrer (guitarra solista), Pedro Caparrós (guitarra solista) y Carlos Ruiz (guitarra solista), David Benavente (coros), Jordi Udina (técnico de Sonido) y Antoni Alarcón (diseño gráfico).

Dice El Artista Invitado en una de sus canciones, que buscan una segunda oportunidad. Merecen una primera.

http://www.elartistainvitado.net/

https://www.facebook.com/elartistainvitado

https://myspace.com/elartistainvitado

The Rolling Stones – Let It Bleed (Decca Records 1969)

Es indiscutible, que uno de los fenómenos más espectaculares de la historia del rock han sido los Rolling Stones. Todo lo que hacen produce una repercusión inmediata. Sus asombrosos conciertos, su especial conexión con los fans y la conciencia social de sus letras, le han situado como una parte  esencial en la mitología del rock. Baten todos los récords existentes. Y más que hubiera.

Con sus antológicas canciones, Los Stones han sabido llegar al corazón de una gran cantidad de admiradores en todo el mundo. Las amplias giras de los Rolling son hitos destacados en la música, así como los diversos álbumes que han publicado en sus 50 años de carrera.  Y aquí Let It Bleed juega un papel muy relevante porque es un disco de culto.

Let It Bleed se publica el 28 de Noviembre de 1969 por el sello Decca Records e incluye 9 pistas.  Grabado en los Olympic Studios de Londres, cuenta con la producción del emblemático Jimmy Miller, un famoso ingeniero de sonido que ya había trabajado con otras bandas del nivel de Blind Faith o The Spencer Davis Group. Muchas y muy variadas, han sido las rediciones de este gran clásico bajo otras casas discográficas como la de ABCKO (Formato LP, 1986) o la de Decca (Formato CD, 1995).

El álbum obtiene un enorme éxito y  alcanza los primeros puestos en las listas musicales de la época: el número 1 en el Reino Unido y el 3 en los Estados Unidos. También recibe numerosos premios y certificaciones. A mi juicio, Let It Bleed es un disco importantísimo para el rock. Transciende a su tiempo como una llama que nunca se apaga. Es muy, muy grande, al igual que sus legendarios creadores.

Haremos una mención a los músicos que hicieron posible esta obra: Mick Jagger (voz, armónica), Keith Richards (guitarra), Mick Taylor (guitarra), Brian Jones (guitarra, arpa y percusión), Bill Wyman (bajo) y Charlie Watts (batería).

Si ya de por sí los Stones son geniales músicos, de obligada referencia es el personal adicional que participó a su lado: Ian Stewart, Nicky Hopkins, Leon Russell y el mítico Al Kooper (pianos), Ry Cooder (mandolina), Jimmy Miller (batería y percusión), Rocky Dijon (percusión), Bobby Keys (saxo tenor), Jack Nitzche, Merry Clayton y Nanette Newman (coros), y un extraordinario violinista de bluegrass llamado Byron Berline, vinculado dos años después al proyecto Manassas, de Stephen Stills.

En cuanto el vinilo comienza a rodar, de manera instantánea entra a formar parte de esa colección de discos que cambian tu vida. Su apertura con “Gimme Shelter”, ya nos demuestra el porqué de su grandeza. “Gimme Shelter”, una de las canciones más célebres de los Stones, fue versionada hasta la saciedad por multitud de grupos, prestando especial atención a la Grand Funk Railroad, (Survival 1971). Destacaré su sección rítmica, su profundidad lírica (inspirada en la guerra del Vietnam) y sus fantásticos coros con Merry Clayton. Pero lo que nos quedará para siempre en la memoria es su majestuoso estribillo :<< War, children, it’s just a shot away / It’s just a shot away / War, children, it’s just a shot away / It’s just a shot away>>.

Seguidamente llega “Love In Vain”, una excelente versión del bluesman Robert Johnson. Solo los Stones han sido capaces de transformar este tema en  único y quien sabe si irrepetible. Uno de los puntos álgidos será “Country Honk”, versión de cierto aire folk / country del “Honky Tonk Women”, con un sensacional violín a cargo de Byron Berline y la guitarra de Mick Taylor. El  piano de Ian Stewart cobra un protagonismo mayúsculo en “Let It Bleed”, el corte que da nombre al disco.

En “Live With Me”, se nota el virtuosismo del guitarrista Mick Taylor, respaldado en todo momento por un espléndido riff de bajo. Una grata sorpresa nos encontramos en “You Got The Silver”, una bella balada en dónde canta Keith Richards. De inolvidable calificaré el riff de “Monkey Man”.  El blues, la música del alma,  hace acto de presencia en “Midnight Rambler”, sexta joya del álbum con una perfecta armónica y un elegante guitarreo.

Y para poner el broche de oro a un álbum absolutamente redondo “You Can’t Always Get What You Want. Escrita por Jagger y Richards, es un diamante de canción con una angelical introducción  a cargo del coro  góspel “London Bach Choir”, e influida por los arreglos de Al Kooper.

En el recuerdo del imaginario colectivo permanece su curiosa portada. De una elevada calidad gráfica, fue un trabajo del diseñador Robert Brownjohn. En ella podemos visualizar a los componentes de los Stones tocando en el último nivel de una tarta, formada por un neumático, una pizza, un reloj y una cinta magnética apoyada sobre un tocadiscos. En su interior reza la siguiente frase: <<«Esta grabación debería reproducirse a  un volumen elevado»>>

Así concluye Let It Bleed, un elepé que resulta fundamental para entender qué es y lo que significa el rock and roll. Confieso que en este artículo de hoy no he podido ser todo lo objetivo que quisiera. Me he dejado llevar por la pasión que siento por los Rolling Stones, la banda de rock and roll más grande que ha dado la música contemporánea.

Déjalo sangrar.

Thin Lizzy – Jailbreak (Mercury Records 1976)

Si hubiera un olimpo real de discos de hard rock, éste Jailbreak de Thin Lizzy ocuparía los primeros puestos.  Magistrales canciones como “Cowboy Song” o  “The Boys Are Back In Town» – su hit más célebre – nos demuestran la grandeza de un elepé y de una banda ya de por sí legendaria.

Jailbreak, la pista  que da nombre al disco, abre con un poderoso riff que hace todos los honores al rock duro. “Angel From The Coast” se presenta como un tema pegadizo, ejecutado a un ritmo trepidante y de magnífico guitarreo. Con las baladas “Fight Or Fall”   y “Running Back”, sentimos  la fantástica voz de Phil Lynott. Otros temas  de gran calidad y de obligada referencia son “Emerald” y “Warriors” (una de las joyas del álbum), que elevan al hard rock a la máxima potencia.

A mi juicio Jailbreak es absolutamente redondo. Perfecto de principio a fin. Y una buena parte de culpa la tiene su excelente dúo de guitarras formado por Scott Gorham y Brian Robertson, acompañados por el carisma y la voz de Phil Lynott.

El álbum, sexto en su discografía, se publica el 26 de marzo de 1976 por el sello Mercury Records e incluye 9 temas. Grabado en los “Ramport Studios” de Londres, fue producido por el ingeniero de sonido John Alcock. Jailbreak se convirtió en el elepé más vendido de los Lizzy, y de alguna forma le abrió las puertas hacia el mercado americano. Destacar, que todas las canciones fueron compuestas por ese poeta del rock llamado Phil Lynott.

No puede faltar en este artículo una mención hacia los integrantes de Thin Lizzy, que hicieron posible esta obra: Phil Lynott (bajo y voz), Scott Gorham (guitarra), Brian Robertson (guitarra) y Brian Downey (batería).

Así concluye este álbum, cortesía del histórico cuarteto irlandés. A  golpe de un rock electrizante, fueron capaces de ganarse un puesto en los altares del rock. Thin Lizzy nos dejó un legado  eterno.  Y buena parte de culpa la tienen discos gloriosos como éste.

¿Sabes? ¡Phill Lynott Murió!, en 1986,  víctima del alcohol y las drogas, pero  permanece vivo en el corazón del rock.

 

 

Ted Nugent – Free For All (Epic 1976)

Originario de Detroit, ciudad situada al norte de los EEUU y famosa por la fabricación de automóviles, esta gran urbe también ha sido cuna de ilustres músicos como el guitarrista Ted Nugent. En 1965 y siendo tan sólo un adolescente, el joven Ted entra a formar parte de “The Amboy Dukes”, una de las bandas psicodélicas más populares de su zona. Comienza así a forjar su leyenda cuando en 1967 publican su primer disco, convirtiéndose en una de las formaciones de rock duro más primitivas que se recuerdan.

Tras dejarnos cuatro álbumes clásicos del rock, en 1970 pasa a liderar su grupo bajo el nombre de “Ted Nugent & The Amboy Dukes”, continuando así otro período con tres elepés más grabados hasta 1974. Concluida esta etapa, Ted decide seguir en solitario para iniciar una exitosa y prolífica carrera, dando un giro radical en su música, a la que dota de ritmos mucho más poderosos: Ted realiza una explosiva mezcla de rock and roll y heavy metal.

Centrándonos en el álbum, “Free For All” pasa a ser el segundo en su discografía en solitario. Publicado en 1976, se graba para el sello Epic e incluye 9 temas. De su producción se encargó por Tom Werman, Cliff Davies y Lew Futterman.

Como ya es habitual, haremos mención a la espectacular banda de Ted Nugent (guitarra solista, rítmica, bajo) que pone voz a la canción que da título al disco. Por allí estaba Cliff Davies, un histórico batería inglés procedente del grupo If, Rob Grange (bajo), Steve McRay (teclados) y Tom Werman (percusión). Derek St. Holmes sería en un principio el responsable de la voz, pero por disputas con Ted, sólo graba dos canciones y se aleja a media grabación, sustituyéndolo un jovencísimo Meatloaf, que graba el resto de temas excepto uno, ya citado anteriormente.

Abre el LP “Free-For-All”, con el que nos preparan para un electrizante viaje por el estilo único y contundente de Nugent. Entre otros cortes magníficos y riffs extraordinarios, continúan con “Dog Eat Dog” y un extenso “Writing On The Wall”, ésta vez con Meat Loaf a la voz. Con unas letras muy atrevidas, llega el genial “Street Rats” y la balada “Together”, que hizo suya Meat Loaf.

El resto de pistas que completan el LP son “Light My Way” – que desprende una energía sorprendente -, y “Hammerdown”, compuesta por el propio Ted. Y para finalizar “I Love You So I Told You A Lie”, todo un hit de los más recordados del disco. Sus peculiares atuendos también pasaron a formar parte de la historia del rock and roll, junto a sus míticas guitarras Gibson Byrland elaboradas por Paul Smith. Éstas quedaron inmortalizadas en la portada del disco, con un gran montaje fotográfico obra de Houghton / SteinBicker y diseño de Paula Scher.

Ted Nugent siempre ha sido un ejemplo de trabajo y el mejor espejo para un número considerable de músicos a los que influenció. Artista de una gran humildad, nos dejó gloriosos discos de estudio y magistrales shows en directo. A sus 65 años, sigue ofreciendo conciertos y se mantiene en plena forma. Nugent es un músico legendario. Dedicó este álbum con la siguiente frase:

“A todos ustedes compadres a quienes yo llamo amigos. Estoy contento de teneros conmigo, porque estamos aquí de nuevo”…