Bob Dylan – Desire

Esta es la historia del boxeador Rubin “Huracan” Carter, un hombre que fue injustamente encarcelado en 1966 y que pasó más de veinte años en prisión acusado de un triple asesinato que nunca cometió.

Su vida fue llevada al cine en la película de 1999 “Huracán Carter” protagonizada por Denzel Washington y dirigida por Norman Jewison. En 1975, Bob Dylan canta su libertad escribiendo “Hurricane” a modo de protesta, denunciando esta terrible situación. El impacto que causó “Hurricane”, rodeó a “Desire” de cierta raíz social, provocando considerables movilizaciones ciudadanas para que se aclarase el caso de Rubin Carter.

Para las sesiones de grabación, el disco contó con la colaboración de un importante elenco de músicos como la violinista Scarlett Riviera, Emmylou Harris, Ronee Bakley, Rob Stoner, Vincent Bell, Dom Cortese, Steven Soles y el legendario Eric Clapton a la guitarra. Posteriormente, Clapton abandonó el proyecto por distintos puntos de vista musicales con Bob Dylan.

Varios de ellos procedían de la banda que Dylan reunió para realizar la anterior gira al lanzamiento de este disco,  la célebre “Rolling Thunder Revue”. Una parte considerable de las letras de “Desire” fueron compuestas por Bob junto a Jacques Levy, que ya había trabajado con el grupo estadounidense “The Byrds”.

Publicado en 1976 por el sello Columbia Records, “Desire” es el decimoséptimo disco de estudio de Bob Dylan. Impregna a todo este álbum un atractivo sonido country rock y folk rock. Incluyendo nueve pistas, abre con el clásico entre clásicos “Hurricane”, momento álgido y canción dedicada al boxeador Rubin “Huracan” Carter.

Continúa con los maravillosos toques de piano y violín de la balada “Isis”, pasa por “Mozambique”, interpretada por Dylan y acompañado por la cantante de country rock Emmylou Harris, haciendo gala de unas buenas armonías vocales.  “One More Cup of Coffee (Valley Below)”, es un auténtico lujo con el que a más de uno se le caerá una lágrima por la mejilla. Emotivos, “Oh Sister” y “Joey”. De nuevo, nos deleitará con dos diamantes en bruto “Romance in Durango” y “Black Diamond Bay”. Finaliza con “Sara”, hermosa balada y canción aclamada que el genio de Minessota dejó para la posteridad.

Así concluye Desire, un disco que se introdujo en la memoria colectiva de la mano de su incomparable creador. Un especial poeta que nos ha regalado infinidad de hits e instantes emblemáticos para el rock.

Al final, Rubin “Huracan” Carter recuperó su tan ansiada libertad.

<<Actualmente, Rubin Carter se dedica a defender los derechos de los reclusos que han sido injustamente condenados>>

Jimmy Witherspoon and Eric Burdon – Guilty!-MGM-1971

En 1970, estos dos grandes iconos se unen para grabar un histórico álbum de blues impregnado de temática carcelaria. Dada la tristeza y el dolor que esta situación conlleva, suponemos que surge a modo de protesta, por la dureza excesiva  que se empleaba en centros de reclusión como San Quintín, Folsom o Soledad en el estado de California.

Grabado  en  los Wally Heider´s y MGM Studios en Hollywood, cuenta con un tema adicional en directo que se recoge en la prisión de San Quintín, acompañados por la banda del penal. Otros músicos como Johnny Cash en su “At San Quentin” o el rey del blues B.B. King en su “Live at San Quentin”, realizaron en este centro penitenciario espléndidas actuaciones en vivo.

Llegando por caminos diferentes y desde distintos puntos geográficos, estas dos célebres figuras convergen en el blues creando un tándem de lujo: De una parte Eric Burdon, nacido en Newcastle y fundador de una de las bandas británicas esenciales de  los 60 “The Animals”. Eric pronto se convierte en una estrella de voz poderosa e inigualable. Establecido en los EE.UU, Eric Burdon abandona los Animals en su etapa psicodélica, para crear otra banda: “Eric Burdon & War”, más orientada hacia el blues, funk y jazz-rock. Siempre se encuentra rodeado de músicos sobresalientes, que también forman parte  de esta grabación y que junto a otros integrantes la denominaron “ Tovarish!”, únicamente para esta ocasión.

De otra parte, Jimmy Witherspoon, un excelente intérprete y mito en la historia del blues y el jazz. Nacido en Arkansas, posee un estilo musical muy cautivador, produce unos arreglos innovadores y tiene una voz especial. Colabora con los artistas más prestigiosos de blues desde los años 40 y nos deja estándares que años más tarde versionan otros grupos y solistas como el clásico “Ain’t Nobody’s  Business”.

“Guilty!”, producido por Jerry Goldstein y Eric Burdon, nos muestra una portada inconfundible, con un hombre se cree que de poder, portando en el interior de  su frente a unos presos agarrando los barrotes de una celda. En la contraportada refleja una carta escrita por John Pence Wagner, preso y editor del San Quentin News, en la que nos describe el día a día y la soledad que puede llegar a sentir un recluso.

Incluyendo nueve temas, abre en su cara A con un maravilloso “Driftin/Once Upon A Time”, continúa con un tema compuesto por el cantautor James Taylor “Steam Roller”, hoy en día un básico del blues. “The Laws Must Change”, perteneciente a  Mayall, procede del álbum experimental  y acústico “The Turning  Point”, en dónde estos dos maestros  ejecutan una monumental versión eléctrica, mucho más contundente.

Uno de los momentos álgidos del álbum es el tema “Soledad”, propiedad de Burdon y dedicada a la prisión de Soledad, en Salinas Valley. “Goin´Down Slow”, fue  grabado en directo en San Quintín, acompañados por la banda del penal, en la cual se  encontraba el guitarrista Ike White. Años más tarde grabaría un buen disco, por supuesto, con el permiso del alcaide. Otras canciones interesantes son:”Have Mercy Judge” de Chuck Berry, “Home Dream”, “Headin´For Home” y “The Time Has Come”.

Eric Burdon llegó a decir que “le gustaría haber nacido negro” por su clara afición al blues y que sumado a la veteranía de Jimmy Witherspoon, nos dejaron un  curioso álbum. Muy difícil de conseguir con su portada original, más adelante se reditó con el nombre “Black and White Blues”. Jimmy Witherspoon repitió fórmula años más tarde con el gran guitarrista Robben Ford, obsequiándonos con otro magnífico disco, esta vez en directo.

Esta obra fue grabada en julio de 1970 y en  septiembre del mismo año , Jimi Hendrix murió tras una jam session con Eric Burdon & War, en el club de jazz “Ronnie Scott” de Londres. Eric Burdon se dio un respiro. Meses más tarde, comenzaría su carrera en solitario.

Si no lo escuchas te considero… ¡ culpable !

Neil Young – After the Gold Rush

Sigo la estela del anterior artículo, analizando discos en solitario de antiguos integrantes de los Crossby, Stills, Nash & Young. Hoy le toca el turno al aclamado compositor y guitarrista canadiense Neil Young, que nos dejó un histórico y políticamente cargado “After the Gold Rush” de 1970.

Amanece una nueva década y se publica After The Gold Rush, cortesía del bardo canadiense. Un músico con letras mayúsculas que escribió varios de los episodios  más célebres del rock. Contó con la colaboración de Stephen Stills y componentes de la banda “Crazy Horse” como Ralph Molina, Billy Talbot o Nils Lofgren.

El disco se publica en un momento álgido de su carrera, fue el tercero en su discografía y consta de once temas. Está repleto de clásicos como los acústicos “Don’t Let It Bring You Down”, “Tell me Why”, “After the Gold Rush” y “Only Love Can Break Your Heart”,  que acompañado de “Till the Morning Comes”, te roban el corazón. Sensibilidad y melancolía son las sensaciones predominantes en todo el álbum: “Oh, Lonesome Me” y “Birds”, son el mejor ejemplo.

El punto culminante del elepé lo pone “Southern Man”, tema inmortal de incisivas letras con el que critica duramente la discriminación racial y la esclavitud en el sur de los Estados Unidos. “Southern Man”, se convirtió en uno de sus himnos más brillantes y junto a otro gran tema “Alabama” (del álbum “Harvest” de 1972) fueron la pieza angular sobre la que se apoyó la formación sureña Lynyrd Skynyrd para dar origen al popular “Sweet Home Alabama”.

La portada fue tomada por el afamado fotógrafo Joel Berstein, en la observamos a Neil Young paseando por Greenwich Village, ya forma parte del recuerdo colectivo del rock. Así concluye After the Gold Rush, que entró en la leyenda de la mano de  Neil Percival Young. Un rey del folk-rock  que fue capaz de jugar con diferentes estilos como el rock o el country rock.  En ocasiones, me faltan adjetivos para describir su música.

Stephen Stills – Stephen Stills – (Atlantic 1970)

Formó parte de bandas fundamentales como Buffalo Springfield. Militó en las filas del legendario súper grupo Crosby, Stills, Nash & Young. Grabó con verdadero acierto el clásico “Supersession” junto a Mike Bloomfield y Al Kooper. A mi juicio, el guitarrista estadounidense Stephen Stills es un genio. Y nos dejó este disco magistral, primero en solitario.

Gracias a su personalidad y gusto musical, pudo contar con la colaboración de los mejores talentos de la era dorada del rock. Su propósito era crear una obra íntima y personal. Para ello, compuso todos los temas que se incluyen en este elepé, tocando instrumentos como el bajo, guitarras, percusión o los teclados. Nada más ver la luz, se convierte en una obra cumbre en la historia, siendo el único artista y el único álbum que conozco que logra incorporar a Jimi Hendrix y Eric Clapton.

Lanzado en noviembre de 1970, se graba en los “Island Studios” de Londres y en el “Wally Heiders  Studio lll & The Record Plant” de Los Ángeles. Consta de diez temas, en los que van desfilando un considerable número de músicos como por ejemplo sus compañeros David Crosby, Graham Nash, Calvin “Fuzzy” Daniels, John Barbata, de CSNY. Seguidamente John B. Sebastian, Booker T. Jones,  Sidney George y un tal “Richie”, pseudónimo que utilizó el Beatle Ringo Star. Por otro lado un buen elenco de voces femeninas, entre las se encuentran Rita Coolidge, Priscila Jones o la gran Cass Elliot de “TheMamas & The Papas”.

Abren con uno de los temas más conocidos “Love The One You´re With”, magnífica melodía que apenas un año más tarde es inmortalizada por Aretha Franklin en su “Live At Fillmore West”. “Do For The Others” es un acústico al más puro estilo de CS&N, sin acompañamiento, tocando la guitarra, el bajo y la percusión, y da muestra de su enorme potencial como músico. A continuación nos encontramos ante un tema de estilo góspel, perfectamente acompañado por un coro maravilloso llamado “The Chorus”.

Los dos temas que le siguen cuentan con la intervención de los genios de la guitarra, Jimi Hendrix en “Old Times Good Times” y Eric Clapton en “Go Back Home”. Una pequeña, pero histórica aportación, que eleva el álbum a los altares del rock and roll, con sendos y extraordinarios riffs, apoyados por una gran banda.

Otros esenciales son “To A Flame” con protagonismo del dúo Stills / Ringo Starr, la profunda y acústica “Black Queen”, del más puro estilo blues, “Cherokee” con la grata incorporación de metales y “Sit Yourself Down” en dónde Stephen Stills refleja un sólido conocimiento de la música americana, el country, el blues o incluso el góspel.

La portada fue un diseño de Henry Diltz, fotógrafo oficial del concierto de Woodstock e integrante en los años 60 del grupo folk  «Modern Folk Quartet”. Además, Henry también se encargó de inmortalizar a los Doors  en su “Morrison Hotel”, e interviene en el último corte del disco, “We Are Not Helpless”.

Jimi Hendrix falleció el 18 de Septiembre de 1970, antes de ser publicado el disco . Stephen Stills decide dedicárselo y le rinde homenaje: “Dedicated to James Marshall Hendrix”.

En definitiva, un espectacular disco… ¿a quién no le hubiera gustado pasar por dichas grabaciones?

Rory Gallagher – Irish Tour 1974

En 1974, el músico irlandés Rory Gallagher recorre la senda de los sueños con “Irish Tour”, que se convierte en uno de los directos más aclamados de la historia del rock.  Al primer contacto, cuando llega a tus oídos, ya entra a formar parte de  esos discos que cambian tu vida. Y lo hace de manera instantánea.

Bajo la producción del propio Rory, El “Irish Tour” se graba en 1974 y coincide con un tiempo en el que su Irlanda natal se encuentra sumergida en una etapa convulsa, de fuerte agitación social y políticamente cargada. Factores como la violencia forman parte de la realidad cotidiana e impregnan el ambiente de Belfast de tensión y nerviosismo. Incluso, un periódico de Belfast declaró: Rory Gallagher nunca se olvidó de Irlanda del Norte, regresó a lo largo de los años 70, cuando otros artistas de su calibre no se atrevían a venir cerca del lugar». Una muestra más, de la personalidad y carácter de este emblemático artista, dando a entender que la música posee cierto poder sobrenatural y que es capaz de unir a los pueblos.

Pero aún con dificultades, se logran captar las actuaciones que Rory Gallagher realizó en diferentes puntos del país como el “Ulster Hall” de Belfast, Dublín y “Cork Carlton Cinema City Hall”. Destacar los músicos que acompañan a Rory Gallagher: su inseparable Gerry McAvoy (bajo), Lou Martin (teclados) y Rod de’Ath a la batería.

Abren el telón… “Ladies and gentlemen… Rory Gallagher“… con un poderoso “Cradle Rock», con el que ya calentamos motores. Continúa con un sensible blues «I Wonder Who», de Muddy Waters. Llega el momento álgido con “Tattoo’d Lady”, clásico tema para el recuerdo colectivo del rock. Sus riffs endiablados, parecen haber salido de lo más profundo del infierno. Un clásico entre clásicos y toda una erupción de rock and roll.

 “Too Much Alcohol” y el acústico “As the Crow Flies” con armónica incluida, caerás rendido a sus pies… Increíble “A Million Miles Away” infinitos sus nueve minutos… para pasar a un soberbio “Walk on Hot Coals”. Apoteósico, el “Who’s That Coming”, para poner punto y final con el blues de “Back on My Stompin’ Ground (After Hours)” y el emotivo e instrumental “Maritime”.

En 1998, se publica una nueva redición del Irish Tour en formato CD, realizada por el sello RCA-Capo. En el año 2000 se publica el DVD dirigido por Tony Palmer “Rory Gallagher Irish Tour 1974”, que contiene numeroso material extra y entrevistas a Rory Gallagher.

Así concluye el Irish Tour, cortesía de un maestro de la guitarra y mito del rock, que consiguió transmitirnos la sutileza del blues y la energía del rock and roll. Rory Gallagher falleció el 14 de Junio de 1995, víctima de una infección producida por el consumo excesivo de alcohol. Amanecerán nuevas décadas y el tiempo no se detendrá. Pero le contaré a generaciones venideras: «Hubo una vez un colosal músico… se llamaba Rory Gallagher».

Chicago Transit Authority – Chicago Transit Authority (1969 – CBS – Columbia)

En Enero de 1969 y adoptando el nombre de la compañía de transportes públicos de Chicago, debuta esta excelente banda con un álbum revolucionario. Fusionan blues, jazz, rock, y crean un estilo innovador que logra perdurar hasta nuestro días.

Los Chicago T. A son una de las primeras macro bandas de la historia formadas por una orquesta a modo de Big Band, pero girando en torno al rock. Junto a sus compañeros de época, los Blood, Sweet & Tears, exploran un nuevo territorio sónico, introducen una completa sección de vientos y buenas armonías vocales con gran acierto. Chicago quizás con algo más de profundidad, arrolla en sus tres primeros LP´s. Bajo la producción del peculiar y emblemático músico de sesión, aparte de director de cine James William Guercio, se gesta este primer e histórico doble álbum de Chicago T. A.

Una genial formación, constituida por Robert Lamm (teclados y voz), Terry Kath (guitarra y voz), Peter Cetera (bajo y voz), Daniel Seraphine (batería), Lee Loughnane (trompeta), James Pankov (trombón) y Walter Parazaider (saxo, flauta y clarinete).

Este disco posee doce temas, compuestos en su mayoría por Lamm, Kath y Guercio, excepto la magnífica versión del popular “I´m A Man” de Stevie Winwood y James Miller, en su etapa con The Spencer David Group, una versión mucho más contundente y con un solo de batería inolvidable. La mitad de canciones se publican en forma de single, como la hermosa y melódica “Beginnings”, una de las más recordadas “Questions 67 And 68” o “Poem 58” con un espectacular solo de Kath, al igual que la improvisación “Free Form Guitar” que grabada en una sola toma, emula a su amigo y fan absoluto Jimi Hendrix.

“South California Purples” es otro magistral corte de aire blues-rock, con un sonido poderoso. Como curiosidad, nos encontramos con dos temas que en su introducción se puede oír a manifestantes reales del 29 de agosto de 1968 de Chicago, durante la Convención Nacional del Partido Demócrata Americano, situados en el Parque Grant de la ciudad, pero que luego siguieron hasta el lugar de dicha convención, el Anfiteatro Internacional de Chicago. Todo ello, en medio de grandes disturbios y miles de heridos protestando por malas políticas y sobre todo por la sangrante guerra del Vietnam.

Los temas son: “Prologue, (August 29, 1969)” y “Someday (August 29, 1968)”. En la última canción, “Liberation” nos dejan una jam épica, de algo más de catorce minutos de duración,  demostrando su enorme calidad musical.

 Chicago Transit Authority, en su segundo álbum se quedó solo con el nombre de “Chicago” a secas, debido a problemas con el Ayuntamiento. Su carrera sería sólida, con éxitos más bien comerciales, pero sin renunciar a su inconfundible estilo que aún se mantiene en la actualidad, pese al trágico fallecimiento en 1978 de uno de sus fundadores, el extraordinario guitarrista Terry Kath, por un disparo accidental y el continuo ir y devenir de sus integrantes originales.

Con una libertad asombrosa, encabezada primero por su productor y por unos músicos sobresalientes, desarrollan una de las mejores obras de finales de los 60, siendo pioneros del rock- fusión y abriendo las puertas a una nueva década para la vanguardia y la evolución del rock.

Eric Clapton – Crossroads Guitar Festival 2010

Los festivales “Crossroads” apadrinados por Eric Clapton son un espectáculo único en el mundo. Varios de los guitarristas más importantes del planeta se dan cita en beneficio de la fundación Crossroads en Antigua, una institución de tratamiento y recuperación para las personas que sufren algún tipo de adicción.

Esta tercera edición de 2010 se celebra en Chicago, la capital del blues y el elenco de músicos vuelve a ser espectacular: B.B.King, John Mayer, Jeff Beck, Derek Trucks & Susan Tedeschi Band, Stevie Winwood, Sonny Landreth, Eric Clapton, David Hidalgo, Cesar Rosas, Ronnie Wood, Buddy Guy, Robert Cray, Jimmie Vaughan, Sheryl Crow, ZZ Top, Albert Lee, Joe Bonamassa, Warren Haynes, Hubert Sumlin y un largo etcétera. Todos ellos representan el presente y pasado, pero también el futuro del blues y el rock, géneros predominantes en este evento de cuatro horas y media de duración.

Especial mención haremos sobre el guitarrista de blues Hubert Sumlin, recientemente fallecido a los 80 años víctima de un cáncer. En los últimos años y pese a su delicado estado de salud, ofrecía conciertos con la ayuda de una botella de oxígeno.

Hubert fue el héroe de la guitarra en la escena blues del Chicago de los 50, siendo integrante de la banda del legendario Howlin’ Wolf, aparte de definir el blues eléctrico e influenciar a generaciones venideras con su particular estilo. También nos ha dejado frases históricas, como <<El blues estará aquí, por que lo han hecho un poco más lento allá, ¿Sabéis de que hablo? Pero no ha muerto, no estaba por morir, estará aquí hasta que nos vayamos y se vayan los otros, y se vaya todo el mundo, la música estará aquí, y punto>>. El guitarrista de los Stones, Keith Richards, costeó todos los gastos de su funeral.

Volviendo al festival, la presentación corre a cargo del actor Bill Murray, abriendo el telón Eric Clapton y Sonny Landreth con “Promise Land”. Crossroads 2010 está repleto de actuaciones excelentes  y haremos una selección de los temas más representativos de este concierto:

Los tejanos ZZ Top, con  “Waiting for the Bus” y “Jesus Just Left Chicago”, “Going Down” con Pino Daniele, Robert Randolph & The Family Band y Joe Bonamassa, Robert Cray con Jimmie Vaughan y Hubert Sumlin interpretan “Killing Floor” y “Six Strings Down”, una vez más, el veterano Hubert Sumlin, nos da muestras de que el blues se lleva en el alma, Stefan Grossman y Keb’Mo’ con su “Mississippi Blues”.

Gran actuación de Derek Trucks & Susan Tedeschi Band, con su balada “Midnight In Harlem”… ya hacía tiempo, que no llegaba a nuestros oídos un tema de esta categoría. Continúan con otro excelente “Coming Home”, junto al ex miembro de The Allman Brothers Band, Warren Haynes. Soberbios, los Buddy Guy, Jonny Lang y el Stone Ronnie Wood en “Miss You” y “Five Long Years”…Con rotura de cuerda incluida…

Le llega el turno a  Steve Winwood y Eric Clapton con “Dear Mr. Fantasy” y “Had To Cry Today” cuajando una gran interpretación. Y que mejor manera de poner punto y final, que con el clásico “The Thrill Is Gone” de B.B. King.

Concluye “Crossroads 2010” con el mismo espíritu que en sus anteriores ediciones de 2004 y 2007: La ayuda desinteresada a aquellos que más lo necesitan. Y ahí es donde estos virtuosos músicos demuestran su grandeza… y va más allá de lo que puedan hacer con sus guitarras. Los años pasan y se les recuerda por sus estelares apariciones en los “Crossroads”. También por el legado que nos dejaron y por su música. Pero sobre todo por su solidaridad, su bondad y su calidad humana.

Larga vida al Crossroads Guitar Festival.

MC 5 – Back In The USA

Motor City Five (MC5), son las siglas de esta revolucionaria e histórica banda surgida en Detroit a finales de los 60. Irrumpieron en el panorama musical de aquella época con un sonido arrollador y una espectacular puesta en escena. Realizando unas actuaciones semi-salvajes y rodeadas de polémica, en 1968 publican su primer clásico grabado en directo: “Kick Out The Jams”.

MC5 ya poseía una trayectoria anterior, llegando a ser muy populares en los garitos de Detroit tocando estilos como garaje-rock o blues-rock. En 1969 y con cierta veteranía a sus espaldas, el éxito llama a su puerta saliendo en la portada del magazine “Rolling Stone”, por aquel entonces de reciente creación. Incluso antes de publicar su primer álbum oficial, poco tiempo después ficharían por el sello discográfico Elektra Records.

“Kick Out The Jams”, es un disco en directo brutal y arrollador para la época: prestigiosos analistas musicales no supieron en que género encuadrarlo.

Con él, los MC-5 hacen famosa la frase que siempre usaban en sus conciertos y que se convierte en un símbolo de la banda: “Kick Out The Jams, motherfuckers!». Una frase obscena para la época, que no gustó a los responsables de los grandes almacenes Hudson´s, una de las superficies comerciales más famosas de Detroit y de los EEUU. A partir de este momento dejan de vender el disco por continuas discusiones con los responsables del sello Elektra. “Los Cinco” forzaban su salida de esta discográfica.

Gracias al periodista y productor Jon Landau y casi de manera accidental, son contratados por la Atlantic Records con la que graban este “Back In The USA”, siendo influenciados al igual que en su primer disco por el poeta, gurú y comprometido activista político John Sinclair.

La banda estaba formada por cinco excelentes músicos capitaneados por el cantante Rob Tyner, los guitarristas Wayne Krammer y Fred “Sonic” Smith, el bajista Michael Davis y el soberbio baterista Dennis Thompson. Para esta grabación también contaron con la colaboración de Danny Jordan a los teclados.

“Back In The USA” es el primer disco producido por el prolífico Jon Landau en la industria de la música. Años después, se le reconoce como un reputado periodista y productor en la etapa fundamental de Bruce Springsteen. Hizo un magnífico trabajo, experimenta con acierto, aporta buenas ideas y dota a MC 5 de una gran identidad.

Grabado el 15 de febrero de 1970, el elepé es una colección de temas clásicos de escasos tres minutos de duración. Pero son intensos, con un marcado contenido social y político de la época, en algunos casos incluso subversivos, de claro mensaje y en cierto modo, buscando los orígenes del rock & roll. Incorporan dos clásicos imperecederos de los años 50: “Tutti-Frutti” de Little Richard y el “Back In The USA” de Chuck Berry, que aporta el título al disco.

“Tonight”, “High School” o “The American Ruse” poseen unos riffs antológicos que se pegan al instante, o el caso del “Looking At You” uno de los himnos emblemáticos de la música de garaje. Con “Let Me Try” crean un cambio , consiguiendo una bella balada de estilo soul, siendo el más largo de todo el LP. Otras espléndidas canciones, con estribillos enérgicos y buenas armonías vocales son “Shakin´Street” y “Teenage Lust”.

MC-5 están considerados junto a sus compatriotas “Stooges”, de la “Iguana” Iggy Pop, los precursores de la música punk. “Back In The USA”, fue el segundo en su corta discografía de tres albumes, pero sería suficiente para consagrarse con una obra, que al primer contacto parece sencilla. Altamente recomendada, muy pocos lograron recrearla. Y es que resulta esencial para la música rock.

Rob Tyner y Fred “Sonic” Smith, que más adelante se casaría con Patti Smith, fallece en la década de los 90. Rob Tyner dejó un epitafio en su tumba que decía: “Let Me Be Who I Am”, (“Déjame ser quien soy”.)

The Allman Brothers Band – The Allman Brothers Band

La historia del rock ha visto nacer a formaciones musicales legendarias. Algunas de ellas nos obsequiaron con obras memorables que permanecen inalterables al paso del tiempo. Con seguridad, las recordaremos durante décadas, quedando grabadas a fuego en nuestra retina. Muy pocas bandas han tenido un debut tan poderoso como la precursora del rock sureño “The Allman Brothers Band”.

Publicado en 1969 por el sello Capricorn, fue el disco homónimo al grupo. Los llevó al estrellato y de paso, escriben una de las páginas más hermosas del rock. La juventud con la que cuentan sus integrantes en aquellos lejanos años 60 no fue impedimento para moldear este soberbio trabajo. Los Duane Allman a la slide, Gregory Allman, Dick Betts, Berry Oakley, Butch Trucks y Jai Johanny Johanson, rebosan de una creatividad y calidad a la altura de unos pocos elegidos. Nos dejaron un gran legado y se situaron con firmeza en el olimpo del rock junto a otros mitos de este género.

Antes del lanzamiento de “The Allman Brothers Band”, los Allman se curtieron sobre los escenarios, tocando en varios festivales en el sur de los EE.UU. Componentes como el maestro de la slide Duane Allman y su hermano Gregg, provenían de formaciones como los “Escorts”, los “Allman Joys” y los “Hour Glass”, consiguiendo sacar a la luz pública algunos álbumes con los que no obtendrían buenos resultados, pero este disco fue su redención.

Incluyendo siete pistas, abren con una gran versión instrumental del “Don’t Want You No More” de la Spencer Davis Group, canción que nos da muestra de la genial banda que estaba amaneciendo en el rock y lo enlazan con “It’s Not My Cross to Bear”…

Continúan con ese diamante en bruto que nos regala Gregg Allman, “Black Hearted Woman”, siguen con el clásico de Muddy Waters: “Trouble No More”, te desbordan con “Every Hungry Woman”, llegan a tu corazón con la sutileza de “Dreams”, para finalizar con el imperecedero “Whipping Post”, cinco minutos de duración muy importantes y que dos años después disfrutaríamos todavía más: En 1971 se convierten en infinitos veintitrés, dentro de su estelar directo “The Allman Brothers Band – At Fillmore East”.

La curiosa portada interior con Berry Oakley haciendo de Jesucristo y los Allman semi-desnudos queda para la posteridad. Así concluye esta obra que entró en los anales del rock de la mano de sus incomparables creadores. Unos músicos con letras mayúsculas, reyes de la improvisación que bebieron de diferentes estilos como el blues, soul, rock, o el jazz. Ya han pasado más de cuarenta años de carrera, de éxitos y también de tragedias e infortunios, pero su música permanece intacta y sigue sonando en todos los rincones del planeta.