Crosby, Stills, Nash & Young – Déjà Vu (Atlantic 1970)

Nunca hubo un disco como este y nunca más lo habrá. Una vez más, la historia se repite y como el propio título del álbum indica, los reyes del folk rock vuelven a escribir uno de los episodios más célebres del rock.  Con “Déjà Vu”, los CSNY alcanzan el número 1 en las listas de éxitos de la época y  nos dejan un documento esencial para comprender lo que significó el movimiento hippy de la Costa Oeste de los Estados Unidos.

Consideramos este Long Play como el debut oficial del cuarteto estadounidense, ya que en sus inicios sólo eran tres (Crosby, Stills y Nash) los componentes del grupo. Para la realización de este disco tuvieron la idea de invitar a un cuarto miembro, un canadiense llamado Neil Young, que les aportó todo su virtuosismo e hizo que “Déjà Vu” se cubriera  todavía más de gloria. Finalmente, la banda quedaría para los anales de la historia bajo el nombre de “Crosby, Stills, Nash & Young”.

 Centrándonos en el álbum, segundo de su discografía, se publica en 1970 por el sello Atlantic Records e incluye 10 pistas. Producido por los propios CSNY, se grabó en 1969 en los “Wally Heider’s Studio C”, de San Francisco y en los “Wally Heider’s Studio III”, de Los Ángeles.

 Como ya es costumbre mencionaremos  a los integrantes de CSNY que hicieron posible esta obra: David Crosby (voz y guitarra), Stephen Stills (voz, guitarra, teclados y bajo) Graham Nash (voz, teclado y guitarra) Neil Young  (voz, guitarra, armónica).

Como todo gran disco que se precie, no pudo faltar la colaboración estelar de músicos como el líder de Grateful Dead, Jerry Garcia (guitarra pedal steel), Greg Reeves (bajo),  John Sebastian (armónica) y el baterista Dallas Taylor, que muy poco tiempo después acompañó a Stephen Stills en su proyecto “Manassas” de 1972.

Abre el álbum con el clásico “Carry On” de Stephen Stills, todo un hit de bellas armonías vocales. Me faltan adjetivos para describir “Teach Your Children”,  tema extremadamente preciosista de Graham Nash con el protagonismo del pedal steel de Jerry Garcia.

 Otras pistas magníficas son “Almost Cut My Hair”, que según cuenta la leyenda, fue escrita por David Crosby la misma noche que asesinaron a Robert Kennedy, fiscal general de los EE.UU.  A la balada acústica “Helpless” de Neil Young, la acompaña la magistral guitarra de Stills. Realizan una fantástica versión denominada “Woodstock”: Un tema de Joni Mitchell al que considero como una oda al hippysmo.  Mitchell lo compuso como dedicatoria al tan aclamado festival.

“Déjà Vu”, es la pista que da título al álbum y destaco la excelente armónica de John Sebastian. Graham Nash toma el mando en “Our House” para pasar a un simple pero grandioso “4 + 20”. Muy estética su guitarra, junto a una perfecta sincronización vocal. Para finalizar con un ritmo eléctrico y a toda velocidad se presenta “Everybody I Love You”, que pone el cierre a un disco legendario. Crossby, Stills, Nash & Young nos dejaron un vendaval de sentimientos al que llamaron  “Déjà Vu”.

The Allman Brothers Band – Wipe The Windows, Check The Oil, Dollar Gas (Capricorn 1976)

Presentando a dos nuevos integrantes, Lamarr Williams (bajo) y Chuck Leavell (piano) en sustitución de los fallecidos Duane Allman y Berry Oakley, los Allman Brothers hacen todos honores al rock sureño con “Wipe The Windows, Check The Oil, Dollar Gas”, otro de los discos emblemáticos del sexteto de Jacksonville.

Es posible que para la crítica sólo signifique un disco más de los Allman Brothers. Pero a mi juicio, se puede sentir la absoluta complicidad de sus componentes en todas y cada una de sus canciones. Y todo ello, después de sufrir las pérdidas del héroe de la guitarra Duane Allman (1971) y el bajista Berry Oakley (1972). De algún modo utilizaron este elepé para despedirse de su público, dando por finalizada una primera etapa.

Este doble álbum en directo se publica en 1976 por el sello Capricorn Records y consta de 11 temas. Producido por los propios Allman Brothers, recoge varias actuaciones en vivo realizadas en Nueva Orleans (1972), San Francisco (1973), Nueva York, Bakersfield y Oakland (1975).

Haremos mención a la plantilla de los Allman Brothers que hicieron posible esta obra: Gregg Allman (guitarra, voz y órgano), Richard “Dickey” Betts (guitarra y voz), Chuck Leavell (piano y voz), Lamarr Williams (bajo), Jay Johanny Johanson y Butch Trucks (baterías).

Abren con la introducción de Bill Graham (propietario del auditorio Fillmore East de Nueva York) y a continuación, un magnífico “Wasted Words”, para calentar motores. En “Southbound”, destacar el guitarreo incesante a cargo de Gregg Allman. El momento álgido llega con “Ramblin’Man”, clásico entre clásicos y aclamado hit del 73 . Un corte al más puro estilo southern es “In Memory of Elizabeth Reed”, de 17 minutos de duración dónde demuestran porqué son los reyes de la improvisación.

La grandeza de “Don’t Want You No More”, se palpa a lo largo de sus 2.47 minutos y en dónde rememoran una vez más su extraordinario debut de 1969. Finalizan con “Jessica”, una pegadiza canción instrumental que pone la guinda a este álbum en vivo.

La peculiar portada del LP fue un trabajo del pintor estadounidense Jim Evans. El curioso nombre que da título al disco “Wipe The Windows, Check The Oil, Dollar Gas”, proviene de la canción «Too Much Monkey Business» de Chuck Berry. Así concluye este Long Play, cortesía de la banda precursora del rock sureño. Cuando este álbum se publicó no captó la atención necesaria por parte de la crítica. Pudo deberse a que para la memoria del respetable, siempre está presente el monumental directo “At The Fillmore East” de 1971, aunque las comparaciones resulten odiosas. Para muchos, el mejor ¡Live! de todos los tiempos.

Traffic – Welcome To The Canteen (Island 1971)

Incontables, han sido las diferencias internas y las constantes idas y venidas de los miembros de la banda británica Traffic. Poco tiempo después de editar lo que sería su cuarto y exitoso álbum llamado “John Barleycorn Must Die”, se reorganizan en 1971 para ofrecer una serie de conciertos con todos sus integrantes originales e incorporando a tres nuevos componentes.

En 1968, Dave Mason es expulsado de Traffic, ya que su gran poder como compositor provoca muchas discrepancias en el seno de la formación y especialmente con Stevie Winwood y Jim Capaldi. Llegados a este punto, Dave Mason inicia su carrera en solitario, involucrándose en proyectos musicales para amigos personales como Jimi Hendrix o los Rolling Stones. Aunque los Traffic continúan sin Dave Mason, posteriormente anuncian su disolución cuando Winwood crea junto con Eric Clapton la mítica agrupación Blind-Faith en 1969.

Pero como ya hemos mencionado, Winwood reorganiza Traffic en 1970 y con su vuelta obtienen un gran éxito con el álbum “John Baeleycorn Must Day”. Una y otra vez, Winwood, Jim Capaldi y Chris Wood, nos dan muestras de la creatividad que poseen, pero nunca desmerecen al resto de la banda que realiza una labor multi-instrumentalista absolutamente brillante.

En Mayo de 1971, deciden expandirse y le dan una oportunidad a Jim Gordon, batería de los Derek & The Dominos, para que tocase con ellos. Esta situación, produce un desplazamiento de Jim Capaldi hacia un nuevo énfasis como emergente vocalista y con la novedosa incorporación del bajista Rick Grech y el percusionista Ghanés “Rebop” Kwku Baah. La banda seduce con una flamante sección rítmica, que deriva en la relajación musical de Winwood y Capaldi.

Todo esto, unido al regreso de Dave Mason, deja la banda constituida por: Stevie Winwood (voz, órgano, piano y guitarra), Rick Grech (bajo), Dave Mason (voz, guitarra solista, guitarra acústica), Jim Gordon (batería), Jim Capaldi (voz, percusión y pandereta), Chris Wood (saxo, flauta, piano eléctrico, órgano) y al africano Rebop a las congas, timbales y bongos.

Centrándonos en el álbum, fue producido por el sello discográfico Island Records, que observó con gran habilidad el significado y magnitud de tan apoteósica reunión. Contaron con la colaboración del ingeniero de sonido Brian Humphries y fue grabado en directo en dos shows. El primero, tuvo lugar en julio de 1971 en el centro cultural «Fairfield Hall» de Croydon, ubicación habitual para las grabaciones de la BBC. La segunda parte es un concierto denominado “Oz Benefit Concert”. Las dos actuaciones, fueron en Londres.

El disco contiene solo seis temas, cuidadosamente seleccionados por el grupo y procedentes de sus álbumes anteriores, entre los que se encuentran “Medicated Good”, las composiciones individuales de Dave Mason “Sad And Deep As You”, (delicioso tema acústico) y “Shouldn´t Have Took More Than You Gave”, de incesante ritmo guitarrero.

Seguidamente llegarán baladas de excelente factura y canciones fundamentales como “40,000 Headmen”, y los infinitos diez minutos de duración del clásico “Dear Mr. Fantasy” . Y para finalizar, una magistral jam del  “Gimme Some Lovin´”.

Aunque esta reunión duró solo seis conciertos y tuvo críticas más bien duras, puso de manifiesto el virtuosismo de una banda con todos sus músicos en estado de gracia. Quizás, nos dejaron con la incertidumbre de lo que pudo haber pasado si esta agrupación tuviera continuidad.

Como curiosidad, en la portada del disco no se menciona la palabra “Traffic”. Pero sí su conocido emblema en la parte posterior, figurando los nombres de todos los integrantes sin ningún ánimo de protagonismo. Este fue el nombre del grupo en un primer momento. Tiempo más tarde se publica como “Traffic”.

Bienvenidos a la taberna del rock.

Delaney & Bonnie & Friends – On Tour with Eric Clapton (ATCO 1970)

Después de un breve noviazgo y unidos también como dúo musical, Delaney Bramlett y Bonnie Lyn contraen matrimonio en 1967. Pero ni por un momento, se pueden imaginar la gran aventura sonora en la que se vieron involucrados pocos años después.

Delaney Bramlett  nace en 1939 en el estado de Mississippi. Posteriormente ingresa en la Marina Americana y una vez licenciado se traslada a Los Ángeles, dónde comienza su periplo musical formando parte del dúo “The Shindogs”,  adquiriendo cierta relevancia en los años 60. Y es en 1967 cuando conoce a Bonnie, una bella mujer con voz maravillosa que venía de formar parte de las “Ikettes” de Ike and Tina Turner, que había cantado con Fontella Bass y que también había colaborado con el mítico Albert King. Después de su rápido noviazgo y de su boda, la pareja comienza a tocar, grabando para un sello independiente sin apenas repercusión. En 1968, logran fichar por la Stax Records, una sello de reciente creación especializado en soul y rythm & blues y siempre respaldados por los Booker T & The MG´S.

Con un poder de atracción inusual, Delaney y Bonnie forman una legendaria “banda de amigos” llamada simplemente “Friends”, que llegó a contar con algunos de los mejores músicos de la historia, entre los que se encontraban artistas como  Leon Russell, Duane Allman, Rita Coolidge, Jim Gordon, Bobby Whitlock, Jim Price, Carl Raddle o Bobby Keys, con los que grabaron el antológico álbum “The Original Delaney & Bonnie” de 1969.

Pero el clímax de esta estupenda reunión, se vio incrementada nada más y nada menos que con Eric Clapton, Dave Mason y George Harrison. El beatle era un ferviente admirador del dúo y enseguida le propuso que fueran los teloneros de Blind Faith, grupo en el que militaba por aquel entonces Eric Clapton. Se origina así una admiración recíproca, que sería la consecuencia del disco en el que nos centraremos.

“Delaney & Bonnie & Friends On Tour With Eric Clapton” fue grabado durante la gira que ofrecen por Inglaterra, el 7 de diciembre de 1969, saliendo publicado oficialmente en junio de 1970 por el sello ATCO, subsidiario de la Atlantic Records.

Producido por Jimmy Miller y el propio Delaney Bramlett, es de justicia mencionar el equipo que completa esta súper banda formada por Delaney y Bonnie (guitarra rítmica y voces), Eric Clapton (guitarra solista), Dave Mason (guitarra), Carl Radle (bajo), Jim Gordon (batería), B. Whitlock (órgano), Jim Price (trompeta y trombón), Bobby Keys (saxo), Tex Johnson (conga y bongos) y Rita Coolidge acompañando las voces.

Con ocho magníficos temas, el álbum abre con “Things Get Better”, pista con reminiscencias del más puro estilo soul, dónde se pueden admirar las buenas armonías vocales de esta pareja, con un Eric Clapton soberbio a la guitarra. A continuación, dos composiciones estelares de cosecha propia: “Poor Elijah-Tribute To Johnson”, la primera con toques góspel y entremezclándose con la segunda a un ritmo más movido.

La banda realiza una excelente versión del aclamado hit compuesto por Dave Mason “Only You Know And I Know” y siguen con “I Don´t Want To Discuss It”, dónde Mr. Clapton realiza un solo de guitarra magistral.

El Long Play cuenta también con incursiones en el blues como “That´t What My  Man Is For”, aires de rock sureño “Where There´s A Will, There´s A Way” o  el espléndido “Coming Home”  tema central del LP, al más puro estilo Delaney & Bonnie.  Y para finalizar, “Little Richard Medley”, que como el propio nombre indica, es un pequeño homenaje a Little Richard y al rock and roll,  con cuatro temas consecutivos, empezando con “Tutti Frutti«, enlazan con “The Girl Can´t Help It” / “Long Tall Sally” y concluyen con “Jenny Jenny”. 

En la divertida portada del álbum, se observan unos pies colgando hacia el exterior de la ventanilla de un  Rolls-Royce Silver Cloud en el medio del desierto. Fue obra del gran fotógrafo Barry Feinstein. Como curiosidad, los agradecimientos de la realización del disco fueron para el dueño de la Atlantic, Ahmet  Ertegun y para un tal “Mysterioso”. Creemos que se trata de George Harrison.

El magnetismo de esta pareja, tanto en el plano musical como el personal, hizo que grandes estrellas del rock como Eric Clapton , George Harrison o Dave Mason, protagonicen junto a ellos una de las giras más apoteósicas de 1970. Nos dejaron para la posteridad uno de de sus álbumes más reconocidos.

Blodwyn Pig – Ahead Rings Out (Island 1969)

Tras abandonar Jethro Tull en 1969 debido a desencuentros con Ian Anderson, el guitarrista Mick Abrahams funda una nueva banda llamada “Blodwyn Pig”. Originarios del Reino Unido, obtienen gran popularidad en la escena musical del momento gracias a este álbum de debut. Haciendo gala de un espectacular blues rock con cierta tendencia jazzística, alcanzan un notorio lugar en las listas de éxitos de la época.

Pero si hay un músico imprescindible en el característico sonido de esta formación, ese es Jack Lancaster. Co-fundador del grupo junto con Mick Abrahams, Lancaster se consolidó como un virtuoso saxofonista, flautista y violinista, que ha colaborado con músicos de la talla de Gary Moore, Brian Eno o Vangelis.

Centrándonos en el álbum, se publica en agosto de 1969 por el sello Island Records e incluye 9 pistas. Grabado en los “Morgan Studios” de Willesden (Inglaterra), contó con la producción de Andy Johns, un ingeniero de sonido británico que trabajó con bandas del nivel de Humble Pie o Free. En 2006, sale a la luz una nueva redición remasterizada por la casa discográfica EMI, en la que se añaden 7 pistas adicionales. Haremos una mención a los integrantes de Blodwyin Pig que hicieron posible este “Ahead Rings Out”: Mick Abrahams (guitarra y voz), Andy Pyle (bajo), Jack Lancaster (violín, flauta y saxo) y Ron Berg (batería).

Abre el Long Play con “It’s Only Love”, frenética canción con un fantástico saxofón de Lancaster y la peculiar voz Abrahams. Seguidamente nos encontramos con un relajante “Dear Jill”, para pasar al aclamado hit “Sing Me a Song That I Know”, que ya nos prepara para resto del disco. En todo su esplendor sentiremos a Jack Lancaster en “The Modern Alchemist” (el alquimista moderno), uno de los puntos álgidos del LP, impregnado de aires jazzísticos.

Otra de las pistas destacadas son el “Leave it With Me” (sobresaliente la flauta de Jack Lancaster), o el “Ain’t Ya Coming’ Home, Babe?, que cierra el disco.

Para el recuerdo quedará su divertida portada, en la que observamos un cerdo con auriculares, gafas de sol y un cigarrillo. Fue obra del fotógrafo Brian Ward. En 1970 y para dar continuación a este disco, editan su segundo y último LP “Getting To This”.

Blodwin Pig tuvo una corta pero intensa carrera repleta de calidad musical. Durante esta etapa, Abrahams decide abandonar y los Blodwyn Pig anuncian su disolución. Los demás miembros intentan seguir con el proyecto, pero los fans echan en falta la magistral guitarra de Mick Abrahams, un músico con letras mayúsculas.

The Faces – First Step (Warner 1970)

Surgidos en la Inglaterra de 1969 y para dar continuidad a los Small Faces, los rebautizados como “The Faces”, se forman con los integrantes más destacados de dos bandas transcendentales del rock británico: los Small Faces y The Jeff Beck Group.

De los Small Faces, con su sonido más bien de orientación mod y psicodélica, provienen el mítico bajista Ronnie Lane, el baterista Kenny Jones y el tecladista Ian McLagan, dejando a la otra parte del grupo seguir su propio camino, como el caso del gran Steve Marriot que finalmente recaló en las filas de los Humble Pie.

De la Jeff Beck Group, una vez disuelta en el verano de 1969, ya con un sonido más duro y con incursiones en el blues, proceden Rod Stewart, un extraordinario vocalista de voz áspera y extraña, y el guitarrista Ron Wood. Esta virtuosa formación comienza en 1970 una carrera de éxitos mayúscula, a la par que Rod Stewart inicia varias grabaciones en solitario, originando una curiosa dualidad que en determinados momentos provoca ciertos problemas internos en el seno de la banda.

Centrándonos en el álbum, se graba en los «De Lane Lea Recording Studios« de Londres el 21 de Marzo de 1970 para la Warner y fue producido por los propios Faces en un tiempo récord. En apenas cuatro meses, realizan un gran trabajo, aunque reciben duras críticas por parte de los analistas. Hoy en día, “First Step” se ha convertido en un disco de culto para los amantes del rock y que mejora con el tiempo, como los buenos vinos.

Como ya hemos mencionado antes, la banda quedó conformada para este LP con: Rod Stewart (voz y banjo), Kenny Jones (batería), Ronnie Lane (bajo y guitarra acústica), Ron Wood (guitarras, armónica) y Ian McLagan (órgano y piano).

Sin apenas tiempo para realizar las composiciones, estos magistrales instrumentistas fueron capaces de atreverse con todo, demostrando una gran madurez musical. Nos obsequiaron con diez auténticas perlas, llegando a versionar al mismísimo Bob Dylan en el tema “Wicked Messenger” que abre el disco. La personalísima voz de Rod Stewart se aprecia en bellas canciones como “Devotion”, la tristeza que impregna “Nobody Knows” y en “Flying”, uno de las canciones estrella del elepé, propiedad de John Baldry.

La versatilidad de los Faces se pone de manifiesto en pistas como la folky “Stone”, los instrumentales “Pineapple And Monkey” o el “Looking Out The Windows”, con un Rod Wood en estado de gracia. Para finalizar el álbum, nos deleitan con “Three Button Hand Me Down”, que define a la perfección el sonido de los Faces.

Para la posteridad queda su divertida portada, tomada por el fotógrafo Martin Cook. En ella, se observa a todos los miembros de los Faces sentados. Con ironía, sobresale en el centro de la imagen Ron Wood, que lee «First Step» un magazine de la época para principiantes de guitarra. Incluso se puede leer debajo de su título: “cómo tocar la guitarra”, acompañados de Mickey Mouse con su pulgar levantado.

Concluye esta obra y The Faces dan su primer paso hacia la gloria. En 1970 se embarcan en una gira por los Estados Unidos, dónde siguieron llamándoles “Small Faces”, insertando el nombre en los discos originales americanos. Los Faces, logran consolidarse como una de las grandes formaciones que ha dado el rock, rivalizando incluso, con los todopoderosos Rolling Stones.

Jefferson Airplane – Volunteers (RCA Records 1969)

La década de los 60. Época de flores y jipismo. Un tiempo en que la música se encuentra a la vanguardia de los movimientos de protesta. Esa generación constituyó el símbolo antibélico por excelencia: paz y amor.

 Así es “Volunteers”, disco de culto impregnado de un fuerte sentimiento en contra de la guerra del Vietnam como trasfondo. Este elepé es la adecuada conclusión a una época de protestas, de paz y amor. Una época difícil y políticamente cargada, cuando la gente todavía cree en el poder de la música para cambiar el mundo.  Sus reivindicativas letras le situan como un emblema de lucha y desaprobación no sólo contra los conflictos bélicos, sino también en el aspecto político- social.

Originarios de San Francisco (California), los Jefferson Airplane se constituyen en 1965, siendo fundados por el vocalista Marty Balin, que conoció al guitarrista Paul Kantner en los locales de ambiente musical de San Francisco. Su formación inicial estuvo compuesta por Marty Balin y Signe Anderson (voz), Jorma Kaukonen y Paul Kantner (guitarras), Jack Casady (bajo) y Skip Spence (batería).  En 1966, Signe Anderson abandona el grupo y es reemplazado por la cantante femenina Grace Slick, de potente voz y belleza exuberante.

Rápidamente se consolidan como una de las bandas más representativas del movimiento contracultural y psicodélico de la costa oeste americana en los 60. Obtienen gran éxito con su Long Play de 1967 “Surrealistic Pillow” y con sus actuaciones en el Monterey Pop Festival de 1967 y Woodstock’69.

 Centrándonos en el al álbum, sexto de su discografía, se publica en 1969 por el sello RCA Records e incluye 10 pistas. Grabado en los “Wally Heider Studios” de San Francisco, cuenta con la producción de Al Schmitt, un famoso ingeniero de sonido que trabajó para artistas de la talla de Neil Young o Ray Charles. En 2004, sale a la luz una nueva redición de Volunteers  en la que se añade material extra y 5 pistas adicionales en directo. Entre ellas podemos encontrar su clásico “Somebody To Love” de su LP “Surrealistic Pillow” de 1967.

Como ya es costumbre, haremos mención a los integrantes de Jefferson Airplane: Grace Slick (voz y piano), Marty Balin (voz y percusión), Paul Kantner, Jorma Kaukonen (guitarras y voz), Jack Casady (bajo) y Spencer Dryden (batería). Destacar el histórico personal adicional que colaboró en este disco, como el gran pianista Nicky Hopkins, los componentes de CSNY David Crosby y Stephen Stills o Jerry García de Grateful Dead entre otros.

 Abren  «We Can Be Together«, magnífico riff de guitarra y polémico tema escrito por Paul Kantner, ya que contenía la frase  <<Up against the wall, motherfucker>> (contra la pared, hijos de puta). El sello discográfico RCA mostró su descontento, pero finalmente Jefferson Airplane logró que se publicara.

 Otras joyas que se posicionan como las mejores pistas del disco son «A Song for All the Seasons«, balada de cierto aire country, el corte tradicional «Good Shepherd» sobresaliendo la voz de Marty Balin, o el “Hey Fredrick”, con un excelente piano de Hopkins y la voz de Grace Slick, que son los protagonistas de esta eléctrica canción de más ocho minutos de duración.

 La épica demostrada en “Eskimo Blue Day” queda para la posteridad, al igual que  “Wooden Ships” que lleva la firma de Stills, Kantner y Crosby. Y para poner el cierre a un disco legendario,  el aclamado hit “Volunteers”, todo un clásico que da nombre al álbum.  En 1972, anuncian su disolución tras sufrir  problemas internos entre sus miembros, poniendo fin a una de las agrupaciones más emblemáticas del rock.

Considero Volunteers como una politizada aventura sonora de Jefferson Airplane. Utilizaron el rock para expresar que el mundo está exhausto de guerras  inútiles que no llevan a ninguna parte. En la mayoría de los casos provocadas por líderes políticos con demasiadas ansias de poder. Por eso, se matan los hombres.

Son Seals – Live and Burning (Alligator 1992)

Son Seals se ha convertido por méritos propios en uno de los bluesman más reputados de Chicago en el último tercio del siglo XX y principios del XXI. Seals es un tipo con talento a la guitarra y poderosa voz.

Nacido en Osceola (Arkansas) en 1942, con tan solo 13 años ya se desenvuelve en el mundo de la música. A los 16, se establece como profesional, colaborando con artistas de renombre como Albert King, Bobby Bland o Junior Parker entre otros.

En 1971 se muda a la gran urbe del blues y Chicago le da la bienvenida logrando fichar por Alligator Records, un sello discográfico de reciente creación que poco tiempo después alcanza el estatus de histórico. Por allí estaba el célebre productor Bruce Iglauer, que lo acoge sin dudar.

Centrándonos en el álbum, “Live And Burning” se graba en 1978, pero no sale a la luz pública hasta 1992. Esta grabación en directo fue concebida después de sus dos primeros discos para el sello del caimán, recogiendo de manera extraordinaria una actuación que Son Seals ofreció en un local que frecuenta habitualmente. Y allí se encontraba, cómodo, tocando para amigos, familia y clientes asiduos al club.

Son Seals realiza giras muy constantes. Es un músico cuyo hogar es la carretera: en ocasiones se le puede ver actuar en un festival en Paris, como pocos días después toca en el South-Side de Chicago, lugar dónde era realmente feliz.

Y a su lado, una incendiaria banda que hace las delicias del público: Son Seals (guitarra y voz), el legendario A.C. Reed (saxo), Lacy Gibson (guitarra rítmica), Snapper Mitchun (bajo), Tony Gorden (batería) y Alberto Gianquinto (piano).

“Live And Burning” fue producido por Son Seals, Bruce Iglauer y Richard McLeese y se graba en el norte de Chicago, en el “Wise Fools Pub”.uno de los locales que Seals visitaba por esas fechas.

El disco contiene nueve canciones de auténtico vértigo, impregnadas de una guitarra extremadamente afilada y su excelente voz. Acompañándole, una formación de verdaderos músicos de blues, como el saxofonista A.C. Reed.

Esta obra, aderezada en algunos casos con letras sencillas pero directas, es una joya del blues y posee temas fantásticos de composición propia, invadidos por el más puro sonido eléctrico de Chicago.

Inicia el disco con el clásico “I Can´t Hold Music” para pasar a “Blue Shadows Falling”, dónde se aprecia el trabajo de este genial bluesman de carretera, apoyado por el saxo de A.C. Reed.

Con todo el calor del público, continúan con una sucesión de temas movidos y lentos como el célebre “Funky Bitch”, compuesta por el mismo, “The Woman I Love” o “Help Me, Somebody”. El resto del álbum, que nos trasladará inmediatamente a un local de Chicago, contiene otras perlas como “She´s Fine”, “Call My Job” o “Last Night” y para terminar el clásico de Seals “Hot Sauce”.

En la imagen de la portada, podemos observar a Son Seals entregándose plenamente sobre el escenario rodeado de llamas. Es un fiel reflejo de como aborda su música.

Son Seals tuvo una vida muy agitada, casi proporcional a la intensidad de sus conciertos. Una y otra vez, lo marcan diversos problemas y una salud muy delicada. Nos obsequió con un espectacular legado, hasta que en 2004 y por complicaciones de la diabetes, nos dejó para siempre.

Irrepetible.

Grand Funk Railroad – Survival (Capitol Records 1971)

1971 sería una fecha memorable para la Grand Funk Railroad. Tras un  gran debut con su disco “On Time” de 1968 y otros como “Grand Funk” (1969) y “Closer To Home” (1970), los de Michigan nos presentan “Survival”, todo un álbum de culto con el que aumentan todavía más su leyenda. Quizás “Survival” sea un Long Play más suave que sus antecesores, pero marcó un antes y un después en la carrera de la Grand Funk.

Con él, conquistan el corazón de América y obtienen mucho éxito en Europa. Su prehistórica portada con la banda emulando a unos hombres de las cavernas, fue ideada por Terry Knight. “Survival”, es todo un derroche de blues rock con  tendencia al rock duro.

Centrándonos en el álbum, se publica en Abril de 1971 por el sello discográfico Capitol Records e incluye 7 pistas. Contó con la producción de Terry Knight, mentor de la Grand Funk Railroad y ex integrante del grupo. En 2002, sale a la luz una nueva redición en formato CD añadiendo 5 Bonus Tracks y  material inédito. Como ya es costumbre, haremos mención los miembros de este  power trio : Mark Farner (voz, teclados y guitarra),  Mel Schacher (bajo) y Don Brewer (batería y voz).

Dentro del disco, encontramos magníficos temas como el que abre el LP “Country Road”, muy elaborado instrumentalmente y con un espectacular Mel Schacher al bajo. Uno de los puntos álgidos llega con “All You’ve Got Is Money”, excelente su riff de guitarra y los  desgarradores gritos de Mark Farner.

 “Comfort Me” es un clásico de la Grand Funk marcado por pegadizos punteos de guitarra y una seductora batería. Cerrando la cara A del vinilo, se presenta una extraordinaria versión del hit “Feelin’ Alright” perteneciente a Dave Mason de Traffic.

La Cara B comienza con «I Want Freedom« , tema impregnado de cierto aire góspel y apoyado en unos espléndidos coros femeninos. Continúan con una maravillosa balada “I Can Feel Him in the Morning” y cierran con una demoledora versión del famoso “Gimme Shelter” de los Rolling Stones. Así concluye la cuarta obra de la Grand Funk Railroad. En su día fueron el centro de iras por parte de la crítica, pero  lograron consolidarse como uno de las formaciones más impactantes del rock.

Sobreviviendo.