The Jimmy Dawkins Band – Blisterstring (Delmark – 1976)

Jimmy Dawkins es considerado un grande del blues eléctrico de Chicago desde los años 70. Su original estilo y peculiar forma de tocar la guitarra, se reconoce de inmediato.

Nacido en 1936 en Tchula (Mississippi), James Henry Dawkins comienza a tocar la guitarra siendo un adolescente, influenciado por otros bluesman legendarios como Smiley Lewis o el gran Little Milton. Es de sobra conocido, el éxodo de la población del Mississippi hacia Chicago durante los años 50, en busca de prosperidad y oportunidades. Y el caso de Jimmy no ha sido una excepción, instalándose a mediados de los 50 al norte de la ciudad del viento.

Rápidamente se impregna del blues de aquella época, hasta que logra formar su primera banda y también realiza otras colaboraciones como músico de sesión. Ofrece giras por locales emblemáticos de Chicago como The Pink Poodle, The Big Squeeze Club o el The Copa Cabana and Alice´s Revisited, tocando al lado de mitos como Magic Sam, Wild Child Butler o Jimmy Rogers. La amistad que le une a Magic Sam, le sirve para grabar “Fast Fingers” en 1969, primer disco de su carrera.

Este álbum de debut fue aclamado por la crítica, llegando a conquistar un galardón en Francia y supone su aparición en el mítico festival de blues “Ann Arbor Blues Festival”. Desde entonces, Dawkins se sitúa como un miembro de la élite del blues de Chicago y del “West Side Sound”, un sonido definido según el crítico musical Jim Feeney como: “sin pulir, arenoso, crudo, agresivo, despojado y potente”.

Jimmy continúa su trayectoria grabando con infinidad de músicos, hasta que en 1976 publica “Blistrestring”, su sexto álbum en solitario. Editado en los famosos estudios “Chess” de Chicago, en el “Honeywell Building”, según varias fuentes, ha sido esta, la última grabación de blues allí realizada.

Fue producido por Steve Tomashefsky y la Jimmy Dawkins Band para el sello Delmark Records de Bob Koester. Para su grabación, Jimmy contó con miembros habituales de la Delmark Records y amigos como el virtuoso Jimmy Johnson (guitarra rítmica), Sonny Thompson (piano), Sylvester Boines (bajo) y Tyrone Centuray (batería).

El elepé original incluye ocho temas, y en 1996 se reedita nuevamente incorporando cuatro pistas inéditas, lo que todavía cubre más de gloria a este disco. Contiene clásicos como “Feel So Bad”, magnífica versión de más de siete minutos de duración, el incendiario “Chilitns Con Carne” del magistral guitarrista Kenny Burrell, un espléndido “Blues With A Feeling” y hits como “Ode To Billie Joe”. Otros cortes de cosecha propia como “She Got The Blues”, la bella y triste “Welfare Line” – hoy todo un clásico – , o canciones de la nueva edición como “Shuffin The Blues”, “People Will Talk” y “Sea Of Luv”, harán las delicias de los amantes del blues eléctrico.

Gracias a su arte genuino a las seis cuerdas y a su carismática voz, Jimmy Dawkins se convirtió en uno de los músicos más activos del entorno blues de Chicago. Desde los años 80, colaboró en el prestigioso magazine “Living Blues”, y crea su propio sello discográfico “Leric Music Co.”, albergando en él a nuevas generaciones de promesas del blues.

Jimmy “fast fingers” siguió tocando, experimentado y grabando álbumes. Logró ser admirado tanto en su país, como en Canadá, Europa y Japón. El 10 de Abril de 2013, la muerte hizo su aparición triunfal y se llevó a este bluesman. Este artículo es nuestro más sentido homenaje.

Gary Moore – Back On The Streets (MCA Records 1978)

La colaboración estelar de la leyenda del rock Phil Lynott en este elepé causó un fuerte impacto en el panorama sonoro de los 70. De una parte, Lynott, poeta del rock y carismático líder de los Thin Lizzy, por otra, Gary Moore, amigo personal de Lynott y excelente guitarrista. Moore logró moldear una obra que no pasó desapercibida para la historia del rock.

Originario de Belfast (Irlanda del Norte), Gary Moore tuvo una infancia difícil. Marcado por problemas familiares, se marcha de su casa a los dieciséis años para establecerse en Dublín,  – ciudad en  dónde comienza su carrera – obteniendo rápidamente un lugar destacado en la escena musical del momento gracias a su virtuosismo a las seis cuerdas.

En 1974, Phil Lynott, cantante, bajista, y compositor de los Thin Lizzy, decide ficharle  para sustituir al guitarrista Eric Bell. Y el gran Gary continúa dando muestras de su buen hacer a la guitarra, tocando como miembro de los Lizzy en su Nightlife de 1974. Un año después, recala en las filas de otra magnífica agrupación: Colosseum II.

Centrándonos en el álbum, segundo en su discografía, se publica en septiembre de 1978 por el sello MCA Records y contiene 8 pistas.  Producido por Gary Moore y Chris Tsangarides, se graba en los estudios Morgan de Londres y  tiende al hard rock y al blues, dos de los géneros por los que Moore y Lynott sienten gran pasión.

Haremos mención a los músicos que hicieron posible este LP: Gary Moore (voz y guitarra), Phil Lynott (bajo, guitarra y voz), John Male (bajo), Don Airey (piano), Brian Downey (ex Thin Lizzy) y Simon Phillips (batería).

Dentro del disco, nos encontraremos con pistas de bella factura como “Back On The Streets”, «Song for Donna», los instrumentales “Hurricane” y “Fight of the Snow Moose”  o “Don’t Believe a Word”  y «Fanatical Fascists», con la participación de Phil Lynott.

Pero si hay un tema que sobresale por encima de los demás, ese es “Parisienne Walkways”, todo un hit e inmortal balada que lleva el sello inconfundible de Lynott / Moore. El paraíso debe ser algo parecido a esta canción, cargada de blues y melancolía.

La muerte hizo su aparición triunfal y se llevó a estos dos geniales músicos para siempre. El 4 de Enero de 1986, Phil Lynott falleció víctima  de una sobredosis de alcohol y las drogas a los 36 años de edad. El 6 de Febrero de 2011, el cuerpo sin vida de Gary Moore se encontró en una habitación del Hotel Bahía de Estepona (Málaga), según se comenta, debido a un ataque al corazón. Tenía 58 años.

Pero no se fueron, sin antes obsequiarnos con un vendaval de sentimientos al que llamaron “Back On The Streets”.

Dr. Feelgood – Stupidity (United Artists 1976)

Mediados los años 80, se crea en el Reino Unido “Q Magazine”, una popular revista de rock y pop que nomina a este álbum entre los  “20 mejores álbumes en directo de todos los tiempos”, debido a su energía y a la frescura interpretativa de esta histórica banda en sus shows en directo.

Dr. Feelgood, originarios del condado de Essex – muy cerca de la capital británica –  comienzan su andadura en los albores de los 70, convirtiéndose en uno de los grupos esenciales del “pub rock”, género del que son auténticos líderes. Recorren infinidad de locales y brillan en todas y cada una de sus actuaciones, que están cargadas de rhythm and blues y rock and roll a un ritmo trepidante. A mi juicio,  Dr. Feelgood fue la herencia directa de algunas bandas clásicas del panorama musical británico de los 60.

En 1974 publican “Down by The Jetty”,  primer y exitoso álbum que obtiene una muy buena acogida tanto en Europa como en América, lo que les vale para grabar al año siguiente su clásico “Malpactrice”, siendo ambos discos, de los más relevantes en su ya extensa carrera.

Los Dr. Feelgood estaban  capitaneados por el excelente armonista e intérprete Lee Brilleaux, el magnífico guitarra y compositor Wilko Johnson, respaldados por los incuestionables  John B. Sparks (bajo) y John Martin (batería),  apodado éste último “The Big Figure”.

Gracias a la fama que consiguieron con estos dos álbumes de culto, en 1975 publican el directo “Stupidity”, con el que capturan toda la fuerza, poderío y el énfasis de sus antológicas actuaciones.

El disco fue producido por los propios Dr. Feelgood y se graba en dos localizaciones diferentes  a lo largo de 1975. Finalmente, sale a la luz pública en septiembre de 1976 y se coloca como Nº1 en las listas británicas durante nueve semanas consecutivas. Sin duda, un éxito sin precedentes en pleno auge del “glam rock” y en el momento cumbre de otras grandes formaciones de la historia del rock.

El  elepé original cuenta con 13 temas grabados en dos lugares distintos, el primero fue en la localidad de Sheffield, concretamente en el Sheffield City Hall y el segundo en el  “Southend Kursaal», en la ciudad de Southen-On-Sea, condado de Essex, un 8 de noviembre de 1975.

El LP contiene espléndidas versiones de  artistas fundamentales del rock, del blues y rythm and blues, como “Talking About You” de Chuck Berry, “Stupidity” de Solomon Burke, el inmortal “I´Am A Man”, obra del maestro Bo Diddley, “Walking The Dog” de Rufus Thomas o eternos del blues como “Cheking Up On My Baby” de Sonny Boy Williamson.

Y también sobresalientes, las composiciones propias: “Twenty Yards Behind”, “All Trought The city” , “She Does It Right”,  y la magistral “Back In The Night” /“Roxette”, con el guitarrista Wilko Johnson en estado de gracia. El disco,  de sonido rotundo, está apoyado por la voz y armónica de Lee Brilleux y una gran sección rítmica que hace las delicias de un público totalmente entregado a este  cuarteto.

 En  1998 se edita bajo el sello Grand Records una nueva edición del álbum en formato CD,  incluyendo dos temas nuevos, uno de ellos el célebre “Riot In Cell Block No.9” y el “Johnny B. Good” de Berry. En 2005 se publica el DVD “Going Back Home”, con el que disfrutaremos de su mítica actuación en el Southend Kursaal. Así mismo, también añaden un segundo disco con el concierto completo en directo.

“Stupidity” coincidió justamente cuando florecía el punk rock en Inglaterra. Grupos emblemáticos como los Sex Pistols o The Clash, sonaban sin cesar en las emisoras de radio británicas. Pero Dr. Feelgood se sitúa como un grupo brillante que sabe llegar a una audiencia joven. Llenan grandes salas, también teatros e incluso pubs de menor aforo, en medio  de una época de protestas y agitación social en la Inglaterra de los 70. Aunque hubo muchos cambios en el seno del grupo, jamás renunciaron a sus raíces, que perduraron hasta nuestros días.

En la actualidad, Dr. Feelgood está considerada como una de las bandas legendarias del rock.

 

Elliott Murphy – Aquashow (Polydor 1973)

Elliott Murphy. Poeta del underground. Semidesconocida estrella del rock y si me lo permiten, todo un músico de culto. A mi juicio el rock de Murphy es un universo cargado de creatividad, de emoción, de compromiso y de autenticidad. A pesar de su gran calidad musical no obtiene ningún éxito comercial, pero logra consolidarse como uno de los cantautores más admirados en todo el mundo.

Nacido en Long Island, Nueva York, en 1949, desde muy temprana edad siente una pasión desmedida por la música y forma su primer grupo “The Rapscallions”, que ameniza las fiestas escolares y resulta vencedor de varios concursos para jóvenes promesas. Su carrera está marcada por dificultades y en un principio decide emprender un viaje por Europa, versionando canciones de Bob Dylan en locales nocturnos de Roma para ganar algún dinero. Y también aprovecha su otra faceta de actor, llegando a obtener un pequeño papel en la película “Roma” de Federico Fellini.

Por suerte para el rock, Murphy abandona su idea de convertirse en actor y regresa a los Estados Unidos, dónde empieza a colaborar con artistas como Patti Smith. Escribe canciones sin descanso y respira el ambiente underground de los pubs de la gran manzana.

En 1973, debuta con “Aquashow”, un álbum que fue alabado por la crítica de la época. Centrándonos en el disco, se publica en 1973 por el sello Polydor e incluye 10 pistas. Grabado en los estudios Record Plant y los Sterling Sound de Nueva York, destacar que todas las canciones que lo conforman son compuestas por Elliott Murphy.

Como ya es habitual, haremos una mención hacia el personal que hizo posible este disco: Elliott Murphy (voz, guitarra, teclados y armónica), Teddy Irwin (guitarra), Matthew Murphy (bajo), Frank Owens y Pat Rebillot (teclados), Tasha Thomas, Dennis Ferrante, Jim Mason, Eddie Mottau, Maretha Stewart, Linda November, Dick Wagner (coros) y Gene Parsons (batería).

Abre el elepé con el hit “Last Of The Rock Stars”, posiblemente su canción más identificable y de las más utilizadas en sus conciertos en vivo. Otros espléndidos cortes que completan el disco y muy elaborados instrumentalmente son “Hangin’Out”, “Graveyard Scrapbook”, “Marilyn” o “Hometown” en dónde se aprecia su personalísima voz.

Así concluye esta historia, la del genial músico, periodista y escritor cuyo eslogan da nombre a nuestro blog. Elliott Murphy, a sus 64 años, continúa deleitando al público con sus fantásticos shows en directo, siempre acompañado por los “The Normandy All Stars” y un mago de la guitarra llamado Olivier Durand. Y por supuesto, sigue haciendo del rock and roll su adicción y de la literatura su religión.

Quizás, Murphy sea la última estrella del rock and roll.

Miguel Ríos – Conciertos De “Rock y Amor” – (Hispavox – 1972)

La carrera de Miguel Ríos, músico, cantante, y andaluz universal, está plagada de éxitos y de reconocimiento. Corre el año 1972 cuando se embarca en una gira sin precedentes a lo largo y ancho de España, “logrando por primera vez, según muchos críticos musicales, las infraestructuras necesarias para realizar dicho evento musical”.
Los años 70 han sido una de las épocas de mayor agitación social para nuestro país. Pero Miguel Ríos logra convertir este show en uno de los primeros conciertos de rock and roll grabados en directo en España. Y todo ello, en medio de un tiempo difícil y políticamente cargado.

Pionero del rock en España, Miguel Ríos nace en la ciudad andaluza de Granada en 1944. Con apenas 16 años destaca como cantante, interpretando temas de autores ya famosos, motivo para que dos años después grabe su debut, permaneciendo desde 1962 como el auténtico precursor del rock and roll en nuestro país.

En 1970, Mike Ríos salta al estrellato mundial con una obra maestra del rock sinfónico, el “Himno a La Alegría”. Una adaptación del último movimiento de la 9ª sinfonía de Ludwig Van Beethoven, fruto de una estrecha colaboración durante años con el arreglista, pianista y director de orquesta argentino Osvaldo Nicolás Ferrara, más conocido por el seudónimo de Waldo De Los Ríos.

Con varios millones de discos vendidos por todo el planeta y gracias a este hit histórico, Miguel Ríos se coloca como número 1 en las listas musicales de los Estados Unidos. Vive una de sus etapas más fructíferas, dejándonos álbumes magistrales en pleno apogeo del rock sinfónico. Durante esos años, organiza una gira de puro rock and roll por las grandes ciudades de España, acompañado por músicos de primer orden y dotado de un magnífico equipo de sonido, algo nunca visto hasta esas fechas en la España de la dictadura.

Como dato anecdótico, en la parte posterior del álbum reza la siguiente información: “Grabación totalmente realizada durante los Conciertos celebrados en el Monumental Cinema de Madrid, los días 27, 28, y 29 de abril de 1972. Para captar el extraordinario clima de éstos Conciertos, se emplearon dieciséis micrófonos conectados a un equipo grabador de ocho pistas, por medio equipo de control de sonido especialmente construido por HISPAVOX. S. A, equipos reductores de ruido, “Dolby” y compresores “Bellman”.

Esto, aunque parezca sencillo y quizás muy normal para otros países, en España fue algo novedoso e inusual, dando origen a un glorioso sonido para el show en directo, convirtiendo este álbum en toda una obra de culto.

El LP, producido por Hispavox, fue dirigido por el excelente guitarrista Johnny Galvao. De las 11 pistas originales, la mayoría son versiones de clásicos del rock de los 50, exceptuando algunos temas básicos de la discografía de Mike.

Y en honor a la excepcional banda que perpetró la consecución de este disco en directo, es de justicia mencionar a estos músicos de diversas nacionalidades capitaneados por Miguel Ríos a la voz solista, Daniel García (órgano), Cabu Michaud (bajo), Ernesto Duarte (percusión, saxo tenor y flauta), Juan Carlos Padilla (flauta y saxo tenor), Bob Thackway (batería), José Luis Medrano (trompeta) y Jim Kashishian (trombón).

Interactuando con el poco acostumbrado público y su tímida asistencia a este tipo de conciertos multitudinarios en la España de esa época, Mike inicia su repertorio exaltando al respetable y animando con comentarios explicativos, muy acertados y sutiles.

Con temas clásicos del rock, como “Hound Dog”, “Tutti Frutti”, el básico “Jailhouse Rock”, “Land Of Thousand Dances” y “Whai´d I Say”, y uno de los mayores éxitos en español titulado “Popotitos”, (popularizado por la formación mexicana Teen Pops en 1957), la banda ejecuta con mucha brillantez la primera parte del álbum.

La segunda parte abre con el clásico tema folky “Abraham, Martin And John”, un homenaje a celebres personajes de la historia que lucharon por los derechos humanos, como Abraham Lincoln, Martin Luther King y John Kennedy.

Continúan con “Cantares”, poema eterno del sevillano Antonio Machado y popularizado por el cantautor Joan Manuel Serrat, siendo éste uno de los temas más recordados del álbum. Siguen con “Sabor”, dónde Mike nos presenta a su gran banda, a un ritmo impresionante.

Finalizan con el legendario “Yo Sólo soy un Hombre”, de José Fernando Arbex, batería de los Brincos y productor de incontables artistas de la música española. Cierran con el clásico “Vuelvo A Granada”, compuesto por Miguel Ríos. En posteriores ediciones del LP, se añade el “Himno A la Alegría” y el espléndido “Unidos”, en directo esta vez.

Así concluye este valioso documento, a mi juicio imprescindible, para comprender la esencia del rock en España. Lo dotaron de un sonido fantástico y nos demostraron la grandeza del rock and roll en una España marcada por el conflicto político. Miguel Ríos, gracias a su pasión desmedida por la música, consiguió crear y ser escuchado, además de ser admirado en todo el mundo.

Gracias, Mike.