David Bowie – The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (RCA 1972)

Ziggy CoverYa están aquí. Ya han llegado. Miles de testigos les han visto surcando los cielos de todo el planeta. Algunos incluso comentan que han presenciado, perplejos, el aterrizaje de un insólito ser extraterrestre con ojos de distinto color y que responde al nombre de Ziggy Stardust. Y no viene solo, a bordo de su nave, le acompañan las “Arañas de Marte”, con la única misión de evitar que en los próximos cinco años el mundo que conocemos se desintegre.

 A nuestro juicio, la imaginación del británico David Bowie, todo un icono fundamental del universo glam rock, no entiende de límites. Corría el ya lejano 1972, cuando decidió dejarnos un álbum absolutamente estelar al que bautizó como “The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars”. Para su realización, ideó a un personaje ficticio creado por él mismo al que llamó Ziggy Stardust.

La extravagante historia que Bowie se inventó para este disco no tiene el más mínimo desperdicio: el álbum, narra las peripecias de Ziggy Stardust, un alien andrógino encarnado en estrella del rock, que llega a la Tierra con el objetivo de advertir a la humanidad de su extinción.

Ziggie StardustPara lograr su misión, busca la manera de salvar al mundo a través de la música, enviando un mensaje de paz y esperanza, pero finalmente sería corrompido por los excesos de la fama y el ego, cayendo en la decadencia.  Y por supuesto, que para completar tan ardua tarea, no dudó en ayudarse de las “Arañas de Marte” un genial grupo de rock liderado por el guitarrista Mick Ronson, el bajista Trevor Bolder y Mick Woodmansey a la batería.

 Quizás, este rocambolesco relato de Bowie sea el fiel reflejo de una parte de su vida y del ambiente musical impregnado por las drogas que se respiraba en la década de los 70.

Durante toda la historia del rock, los analistas han utilizado multitud de apodos para referirse a David Bowie como “El Camaleón del Rock“, El Duque Blanco” o “Ziggy Stardust”. Desde mi humilde opinión, describiré a Bowie en tan solo tres palabras: “un artista irrepetible”. Aparte de su faceta como músico multi-instrumentista y excelente compositor, es también un ávido lector y un fantástico actor que bebe de diversas fuentes como la filosofía, el teatro, la literatura o el cine. Sin duda, Bowie aportó significativas dosis de teatralidad al rock, inspirándose en el cantante británico Vince Taylor.

Ziggie II

Pero si hay algo muy especial que distingue a Bowie por encima de los demás, es su peculiar y camaleónica forma de vestir. En sus conciertos, aparece ante el público totalmente maquillado y calza elevados tacones, se enfunda en trajes elásticos y bañado en purpurina, ofrece una imagen muy cuidada, casi hipnótica y súper estética que causó una gran revolución en la moda.

 Incluso, me atrevería a decir que su look fusiona a la perfección el género masculino y femenino. Bowie tiene un concepto que va mucho más allá de lo que significa él y ella.  Sin duda, una mezcla explosiva en la que ellos pueden teñirse el pelo de colores y calzar tacones. Y ellas, pueden llevar pantalones y se visten igual que los hombres. Ciertamente, el aspecto de Bowie, dista mucho de aquel al que otras leyendas del rock nos tienen acostumbrados.

 Centrándonos en el álbum, quinto de su discografía,  incluye 11 pistas y fue grabado entre 1971 y 1972 en los “Trident Studios” de Londres para el sello RCA Records. Publicado el 5 de Junio de 1972, día de alineación astral favorable, contó con la producción del propio David Bowie y Ken Scott. 

Ziggie

Como ya es costumbre, haremos una mención a los músicos que participaron en esta glamurosa obra: David Bowie (voz, guitarra y teclados), Mick Ronson (guitarra, voz y piano), Trevor Bolder (bajo), Mick Woodmansey (batería).

Dentro del disco, repleto de  hits, nos encontraremos con canciones de gran calidad musical “Five Years”, que abre el álbum, “Soul Love” y temas más duros como “It Ain’t Easy”, “Suffragette City” o Hang On To Yourself”.

 Una de las joyas del LP  es la preciosista semi balada “Starman”, sus tonos acústicos y su pegadizo estribillo, la convirtieron en todo un clásico entre clásicos obteniendo un gran éxito. Llegará uno de los puntos álgidos con “Ziggy Stardust”, canción central del disco, en la que explica su auge y declive como figura del rock. Para cerrar el disco, se presenta un amargo “Rock ‘n’ Roll Suicide”, sus bellos sonidos acústicos y la voz de Bowie lo sitúan como otra de las referencias inexcusables del Long Play.  La fotografía de portada del elepé, que fue un trabajo del diseñador Brian Ward, tuvo lugar en el Nº 23 de la calle Heddon de Londres.

David Bowie Así concluye esta magistral aventura sonora, cortesía del rey indiscutible del glam rock. Ya han pasado más de cuarenta años desde su publicación, pero su música tomó dimensiones interplanetarias. Buena fe de ello, puede dar el astronauta canadiense Crhis Hadfield, que recientemente interpretó una versión acústica del tema “Space Oddity” de Bowie, desde el espacio exterior, en estado de ingravidez.

Quizás la música de Bowie sea glam rock, pero es también rock salvaje en toda su esencia. Guste o no a los sectores más puristas del rock, ese hombre de las estrellas llamado David Robert Jones provocó un fuerte impacto en la música y cultura popular del siglo XX. Y nos obsequió, con una de las obras más importantes, espectaculares y emblemáticas que ha dado el rock.

DVD Ziggy Al margen de este álbum, Bowie y sus arañas de marte ofrecieron un apoteósico concierto en el teatro “Hammersmith Odeon” de Londres el 3 de Julio de 1973. Esa noche, sería la última vez que Bowie representó el papel de Ziggy Stardust, un curioso extraterrestre que llegó a intentar adueñarse de la propia vida personal de Bowie, llevándolo casi hacia la degeneración. Tiempo después, declaró que << No sabía si yo estaba controlando a los personajes o los personajes me estaban controlando a mí, o si todos éramos la misma persona>>.

El show,  grabado por D.A. Penenbaker, fue publicado por la casa discográfica EMI en formato DVD en 2003, con motivo de su 30º aniversario bajo el título de :“Ziggy Stardust And The Spiders From Mars (The Motion Picture)”.

Metallica – Metallica – Black Album (Elektra Records 1991)

Metallica (The Black Album)

A Mara…

Desataron un vendaval eléctrico de dimensiones desproporcionadas,  encendieron la llama de la emotividad y nos dejaron un álbum épico que entró en el olimpo del metal y el rock desde el primer  momento en que salió publicado. Siempre conviene recordarlo y hay que tenerlo muy presente, porque  Metallica ha convertido este disco en único y quién sabe si irrepetible.

Este álbum homónimo al grupo, más conocido bajo el nombre de “Black Album” por su portada negra, obtuvo un gran éxito, casi directamente proporcional a la polémica que generó. Para los puristas del trash metal, el álbum negro se aleja por completo del característico sonido de Metallica y toma una orientación más comercial.  Y una buena parte de culpa de esta controversia, la tuvo el productor Bob Rock, personaje clave en esta obra y el centro de iras para muchos de los fans de Metallica.

Metallica

Surgidos a principios de los ochenta en Los Ángeles y  procedentes del underground musical más profundo,  los Metallica fueron herederos directos del sonido más duro del heavy metal y del punk más áspero, siendo fundados por el batería Lars Ulrich y el  vocalista James Heitfield.

Tras un inicio arrollador con la salida de su primer álbum (Kill ‘Em All 1983), el sonido del grupo traspasa las fronteras del heavy metal, logrando crear una nueva corriente musical junto a otras bandas de renombre como Slayer, Megadeth o Anthrax. Desde ese preciso instante, Metallica se consolida como una de las formaciones pioneras de un nuevo estilo al que los analistas bautizaron como “trash-metal”.

Durante la década de los ochenta, nos obsequiaron con variedad de álbumes que podemos considerar como lo mejor del género y que forjaron la trayectoria imparable de Metallica, a pesar de las constantes idas y venidas de algunos de sus miembros. Incluso, tuvieron que sobreponerse al desafortunado fallecimiento del bajista Cliff Burton.

Centrándonos en el disco, quinto de su discografía, el Black Album fue grabado en los estudios “One on One” de Los Ángeles (California), entre octubre de 1990 y junio de 1991. Y por fin, un 13 de Agosto del 91, sale a la luz pública por el prestigioso sello Elektra Records. Fue producido por Bob Rock (su primer trabajo con la banda) y por los propios fundadores de Metallica (James Hetfield y el danés Lars Ulrich).

Metallica Band I

Mezclado por el ingeniero Randy Stoub, por aquel entonces considerado como uno de los más prolíficos de su tiempo, dotó al Black Album de un sonido más blando, ocasionando fuertes críticas por parte de los incondicionales del puro sonido “Metallica”. Sin duda, esto provocó un giro brusco, sorprendente y totalmente inesperado.

Como ya es costumbre, haremos una mención especial a los integrantes de Metallica que inmortalizaron este LP: Lars Ulrich (batería), James Hetfield (voz, guitarra rítmica), Jason Newsted (bajo) y el magnífico guitarrista Kirk Hammett.

El álbum, repleto de himnos generacionales para la década de los noventa, contiene 12 temas, de los cuales media docena fueron auténticos hits y consiguieron atrapar a un tipo de público muy poco común para las bandas de trash metal. Toda esta conjunción de factores, originó un gran escándalo, llegando a tildar el disco como <<uno de los peores de su carrera>>, no siendo así el reflejo multimillonario de sus ventas.  De algún modo, cayeron en las peligrosas redes del mainstream, pero sin descuidar algo tan esencial como la calidad musical.

Abre el disco con un legendario tema llamado “Enter Sandman”, dejándonos para la posteridad uno de los riffs de guitarra más antológicos del metal y el rock. La vena más pesada la podemos encontrar en cortes como “Sad But True”, “Holier Than True”. A continuación llegará cierta sensación de tristeza demostrada en “The Unforgiven”.

Metallica Band IV

Uno de los puntos álgidos tendrá lugar con la “Nothing Else Matters”, una balada extremadamente preciosista dedicada a los fans del grupo, que se sitúa como uno de los temas estrella. Otras pistas como “Wherever I Many Roam”, “The God That Failed” o “The Struggle Within”, atesoran un espléndido sonido y un buen trabajo a la guitarra, siempre respaldados por una impecable sección rítmica y la peculiar voz de James Hetfield.

Destacaremos su curiosa y sencilla portada, en la que podemos visualizar una amenazante serpiente (todavía no sabemos si estaba lista para atacar), acompañada del nombre de la banda.

Así concluye esta inolvidable aventura sonora, despreciada por muchos y alabada por otros. A nuestro juicio, el Black Album permanecerá eterno al paso del tiempo. Con él,  Metallica llegó al corazón de miles de almas, utilizando para ello, un lenguaje universal que se llama  rock and roll.

 ….namaste……

John Mayall – The Turning Point (Polydor 1969)

John Mayall (The Turning Point)Como el propio título del álbum indica, el británico John Mayall logró traspasar la frontera del blues y el rythm & blues, originando un “punto de inflexión” con este disco absolutamente magistral, sólo a la altura de los más grandes. “The Turning Point” es el resultado de un maravilloso experimento llevado a cabo por Mayall, padrino del blues blanco y creador de los míticos Bluesbreakers.

Y la fórmula que utilizó para realizar este LP,  consistió en prescindir de la batería y del potente sonido de la guitarra eléctrica (aunque en contadas ocasiones, suena una Telecaster a muy bajo volumen). Sin duda, algo muy poco común hasta la fecha en la mayoría de las bandas, dado el intenso momento musical que se vivía. John Mayall encumbró todavía más el año 1969, considerado por los críticos musicales como uno de los años más prolíficos del rock.

En 1969, Mayall ya poseía una trayectoria fructífera y cargada de varios álbumes esenciales del blues y rythm & blues británico. Durante esta década, decide cambiar su orientación musical, a raíz de sus constantes giras y vivencias personales en los Estados Unidos.

Mayall VImpregnado de la cultura hippie, crea un grupo con una suave orientación blues, eliminando un instrumento tan indispensable como la batería e introdujo la flauta. Para las filas de su nueva banda, reclutó al exquisito guitarrista acústico Jon Mark y a un  talentoso bajista de jazz llamado Steve Thompson. A todo esto, se le sumaba el multi-instrumentista Johnny Almond (flauta, saxos y percusión) y el propio John Mayall (voz, armónica, guitarra, panderetas y percusión)

Centrándonos en el álbum, producido y diseñado por Mayall (por aquel entonces, Mayall era un fichaje reciente del sello Polydor), fue publicado en 1969. En apenas cuatro semanas de ensayos, se grabó en directo el 12 de julio de 1969 en el teatro “Bill Graham´s Fillmore East” de Nueva York. Y por supuesto, contó la ayuda del prestigioso ingeniero de sonido Eddie Kramer.

El LP incluye siete pistas realmente extraordinarias, una buena parte compuestas por Mayall, exceptuando solamente dos que fueron coescritas junto al bajista Steve Thompson. En todas y cada una de ellas, relatan de algún modo sus vivencias personales, observando a los jóvenes de la época como caen en la amargura de las drogas, pasando por romances y otras  historias llenas de realidad.

Mayall IIEl disco abre con un magnífico “The Laws Must Change”, gloriosa canción en dónde podremos apreciar el excelente trabajo a la flauta de Johnny Almond, que  intercambia “solos” con la maestría a la armónica de Mayall. Continúan con un delicado “Saw Mill Gulch Road” y el tema dedicado al bluesman J. B. Lenoir “I´m Gonna Figth For You J.B”, de clara influencia blues.

“So Hard To Share” es una pieza con un ritmo brillante, que se convierte en una de las joyas del elepé y con un soberbio Jon Mark a la guitarra. Como dato anecdótico, destacaremos que durante la grabación de los conciertos, Mark estuvo acompañado por  Marianne Faithfull, la cantante y actriz que anteriormente fuera pareja sentimental del vocalista de los Rolling Stones Mick Jagger.

Y para concluir este clásico, tres temas espléndidos, iniciando con el transcendental “California” de casi diez minutos de pura improvisación. Seguidamente aparece “Thoughts About Roxanne”, un blues triste dedicado a un antiguo y especial amor de John Mayall en Los Angeles.

Mayall IIIEl punto álgido del Long Play llega con el inmortal  “Room To Move”, imposibles y antologicos sus solos, al igual que los extraños sonidos de la armónica de Mayall en la parte central del tema, con el hacen las delicias de un público totalmente entregado en la parte final del show. Curiosamente, en el álbum original y debajo del título de esta última canción,   Mayall lo dedica de la siguiente manera: <<a la necesidad de un músico de la libertad personal a amar sin enredo>>

En 2001, el disco se reedita en formato CD, remasterizado con un sonido espectacular y le añaden tres bonus-tracks.

“The Turning Point”, se situó como todo un éxito de ventas y fue el primer disco de oro en la carrera de este venerado artista. John Mayall es un músico tremendamente admirado por todos sus colegas a los dos lados del Atlántico. Un tipo sencillo, de ideas sencillas, amante de la experimentación y la libertad musical, que fue capaz de dejarnos uno de los discos en directo más emblemáticos e innovadores de su tiempo.

Bob Seger & the Silver Bullet Band – Nine Tonight (Capitol Records 1981)

Bob Seger & The Silver Bullet Band(Nine Tonight)Un incansable gladiador del rock, un luchador infatigable, o quizás si lo prefieren, el búfalo de Detroit. Pero lo cierto, es que detrás de estos simples adjetivos se esconde uno de los personajes más carismáticos e imaginativos que ha dado el complejo universo musical. A nuestro juicio,  la música de Seger enciende la llama de la emotividad, suena nostálgica y hace todos los honores al rock and roll clásico.

Muy influenciado por el soul y el rock and roll de los cincuenta, Robert Clark Seger, más conocido por el nombre de Bob Seger, comienza su carrera musical en 1964. Con apenas 15 años, decide  formar su propio grupo de rock al que bautizó como “The Decibels”. Tiempo después, funda una nueva banda “The Bob Seger System”, pero no sería hasta 1968, cuando su carrera cambia definitivamente y gracias a su talento compositivo, ficha por el sello Capitol Records, obteniendo un gran éxito con temas como “2+2” o “Ramblin’ Gamblin’ Man”. Al margen de esto, también dejó gloriosos álbumes como “Back in ’72”.

Durante esta etapa de su vida, las dudas le asaltan y se plantea retirarse de la música para iniciar una carrera universitaria. En 1975 y por suerte para el rock,  Seger vuelve a irrumpir de manera impactante en la escena musical de los Estados Unidos, con discos como “Beautiful Looser” (grabado con músicos de gran nivel, procedentes de la “Muscle Shoes Rhythm Section”) o “Night Moves ya acompañado por sus incombustibles The Silver Bullet Band”.

Bob SegerCentrándonos en el doble álbum, las grabaciones en vivo de este “Nine Tonight” se captaron en 1980 en los auditorios “Cobo Hall” de Detroit y en el “Boston Garden” de Boston. Publicado en 1981 por el sello Capitol Records, fue producido por el propio Bob Seger y Punch Andrews e incluye 16 pistas.

Como ya es costumbre, haremos una mención especial a los músicos que hicieron posible este excelente disco en directo: Bob Seger  (guitarra, piano, voz), Kathy Lamb,  Pamela Moore  June Tilton y Colleen Beaton (voz),  Drew Abbott (guitarra), Chris Campbell (bajo y voz), Craig Frost (piano), Shaun Murphy (percusión), Alto Reed (flauta y saxofón) y David Teegarden  (batería y voz).

Bob Seger Live

De celebridades sonoras rebosa este LP, pudiéndonos encontrar con el clásico entre clásicos “Old Time Rock And Roll” (un viejo rock and roll), su canción más emblemática y por la que será eternamente recordado. Por si fuera poco, se le suman un genial “Night Moves”  (la noche pasa), arropado por la calidez vocal del coro y un magnífico saxo cortesía de Alto Reed.

Dice Seger que el rock and roll no perdona, y buena fe de ello la dan un rítmico “Rock And Roll Never Forgets”  y el guitarreo incesante de “Let It Rock”, tema de pegadizo estribillo, siempre respaldado por el saxofón de Alto Reed y la desgarradora voz de Bob Seger. Otros cortes de espléndida factura son la balada “Mainstreet”, un contundente “The Fire Down Bellow” y el hit “Against The Wind”. A toda máquina y a un ritmo trepidante, se presentan un poderoso “Feel Like A Number” y “Her Strut”, tema invadido por la voz de Seger y las vibrantes guitarras de la Silver Bullet Band.

Actualmente, Bob Seger, unos de los artistas más queridos del mundo sonoro, continúa ofreciendo ingentes descargas de rock en sus conciertos.  Quiero creer, que seguirá levantando al público de sus sillones en inolvidables noches  llenas de adrenalina. Y todo ello, aunque solamente sea eso, un viejo, pero espectacular rock and roll.

Shuggie Otis – Here Comes (Epic 1970)

Shuggie Otis - Here Comes“Here Comes”, grabado con tan sólo dieciséis años de edad, fue el primer disco en solitario de Shuggie Otis, hijo del pionero y afamado músico de rythm & blues, Johnny Otis.

El padre de Shuggie, el californiano Johnny Otis, comenzó allá por los años cuarenta a forjar su extensa carrera, tocando el piano en innumerables bandas y orquestas de Swing. A mediados de esta década formó su propio grupo, integrando estilos como el swing, rythm & blues o el blues y consigue alcanzar éxitos de gran repercusión, llegando incluso a establecerse como un extraordinario productor y descubridor de nuevos talentos musicales.

Y en 1953, nace su hijo Johnny Alexander Veliotes, más conocido por el seudónimo de “Shuggie”. Rodeado desde su infancia por  músicos de relevancia y prácticamente desde la cuna, ya toca la guitarra y un amplio abanico de instrumentos.

Con un aprendizaje como si de un genio se tratase, Shuggie comienza a trabajar como profesional con tan sólo doce años en la banda de su padre, adquiriendo una prodigiosa madurez y visión musical que resultó inusual en un músico tan joven. Desde este momento, es comparado con los más grandes guitarristas de la época y se siente tremendamente influenciado por el blues, el jazz y por artistas de la talla de B.B. King o Lowell Fulson. Este último, el espejo en el que Shuggie se miraría durante años.

Shuggie Otis IEn 1969 y después de actuar con reputados músicos, realiza la grabación del álbum “Here Comes” con un elevado número de excelentes músicos invitados, entre los que se encontraban su padre Johnny Otis, el reconocido bajista Wilton Felder, el pianista Ray Johnson o el tecladista Leon Haywood entre otros no menos conocidos y arropados por una espectacular sección de vientos.

Por si fuera poco, también podremos escuchar a Shuggie en su faceta de multi-instrumentista, tocando la guitarra, la armónica, el piano, el órgano, la celesta y el clavicémbalo. Y todo ello, aderezado con una sección de cuerdas compuesta por violines, violas y celos realmente magnífica.

Centrándonos en el álbum, producido por Johnny Otis, se publicó en 1970 por el sello discográfico Epic. Cuenta con diez temas llenos de frescura, imaginación desbordante y un maravilloso trabajo a la guitarra, que abarcan géneros como el soul, funky, blues o el soul psicodélico.

El elepé inicia con el clásico “Oxford Gray”, poderoso instrumental psicodélico, con dos partes diferenciadas y un final espléndido. Continúan con la balada “Jennie Lee”, un  rítmico “Bootie Cooler” o con temas al más puro estilo funky y como el propio nombre indica: “Funky Thithee”.

Shuggie Otis IIEn la segunda parte del LP nos encontramos con el fantástico “Shuggie´s Boogie”, un antológico blues en el que Shuggie Otis nos demuestra su virtuosismo a la guitarra, al igual que en “Gospel Groove”. Otras pistas de extrema elegancia musical son “Hurricane”, “Baby, “I Needed you” y “The Hawks”, que ponen la guinda a un disco absolutamente histórico.

Antes de editar este “Here Comes”, Shuggie Otis venía de participar en el álbum “Kooper Session” de 1969 junto al emblemático Al Kooper. Durante esas fechas, el bluesman B.B. King llegó a afirmar que <<Shuggie era uno de sus guitarristas favoritos>>. Poco tiempo después, otro ilustre músico llamado Frank Zappa lo reclutó para grabar el memorable “Hot Rats”, en el que Shuggie toca magistralmente el bajo en el eterno tema “Peaches And Regalia”.

Shuggie Otis grabó infinidad de LP`S con lo más granado de la élite musical hasta nuestros días, no siendo así en su trayectoria como solista, con tan sólo cuatro álbumes en su haber. Pero nos dejó instantes imborrables, tanto en sus discos como en sus colaboraciones, siempre acompañado por su mentor y legendario padre, Johnny Otis.

J.J. Cale – Troubadour (Shelter Records 1976)

J.J. Cale (Troubaudor)J.J. Cale es el artista entre artistas. Un semidesconocido mago de la música que tras dejarnos espléndidos álbumes como “Naturally” (1971) o “Really” (1973), decidió volver a escribir otro de los episodios más célebres y emblemáticos del rock… le llamó “Troubadour”.

 Sin duda, nos encontramos ante uno de los personajes más peculiares del rock. Originario de Oklahoma y poseedor de un gran talento compositivo, J.J. Cale es un tipo sencillo que padece de cierta alergia hacia la fama y el estrellato, apartándose continuamente de los focos y de la ajetreada vida provocada por la popularidad.

 Centrándonos en el álbum, cuarto de su discografía, se publicó en 1976 por el sello Shelter Records e incluye 12 pistas. Todas las canciones fueron escritas por J.J. Cale excepto I’m a Gypsy Man”, que es propiedad de Sonny Curtis. 

J.J. Cale Photo

Como ya es costumbre, haremos una mención especial a la amplia selección de músicos (la gran mayoría amigos personales de Cale) que hicieron posible esta obra: J. J. Cale (voz, guitarra y piano), Doug Bartenfeld, Gordon Payne, Chuck Browning, Reggie Young, Harold Bradley, Bill Boatman, Lloyd Green, Buddy Emmons (guitarras), Bill Raffensberger, Charles Dungey, Tommy Cogbill, Joe Osborn (bajistas), Kenny Buttrey,  Karl Himmel,  Buddy Harman, Jimmy Karstein, Kenny Malone (baterías), Farrell Morris, Audie Ashworth, J.I. Allison (percusión), Don Tweedy (arpa), Bobby Woods y Bill Purcell (piano), George Tidwell (trompeta), Dennis Goode (trombón) y Billy Puett (saxofón).

 Dentro del disco, nos encontraremos con sorprendentes temas impregnados del característico “Sonido Tulsa”, (una mezcla de country, rock y blues, del que J.J. Cale fue uno de sus creadores) como “Hey, baby” que abre el LP, un impecable “Travelin’ Light” o “You Got Something”, una bella canción que transmite una grata sensación de calma y tranquilidad gracias a su exquisita percusión.

J.J. Cale Photo II

El aire jazzístico de “Hold On”, nos demuestra porqué J.J. Cale es uno de los mitos más grandes que ha dado el universo sonoro. Y si este Long Play es recordado eternamente, buena parte de culpa la tiene “Cocaine”, pegadizo riff  y clásico entre clásicos perteneciente a J.J. Cale, que fue versionado con gran éxito por Mr. Eric Clapton en su álbum “Slowhand” de 1977.

 Otros cortes destacables son el instrumental “Let Me Do It to You” y la versión del “I’m a Gypsy Man” de Sonny Curtis, quizás el tema más duro y rockero dentro del relajado estilo de J.J Cale. Y para poner el cierre a un álbum absolutamente brillante se presentan “Cherry” y “You Got Me on So Bad”, invadidas por su calidez vocal.

 Así concluye “Troubadour”, cortesía de J.J. Cale, todo un trovador errante del rock y eterno fugitivo del mainstream. A nuestro juicio, Cale ha ejercido su arte esquivando  los a veces ridículos caprichos del mundo de la música,  escapando del despliegue publicitario habitual en las discográficas y haciendo caso omiso de las exigencias comerciales.  Su música, se ha hecho leyenda y nos obsequió con un disco excepcional que se sitúa entre los mejores de su ya longeva carrera.

Ike & Tina Turner – Working´ Together (Liberty 1971)

Ike & Tina Turner(Working´ Together)El dúo formado por el matrimonio Ike y Tina Turner, se consolidó durante años como una de las parejas más explosivas de la historia del rock,  tanto en el aspecto musical como en el sentimental.

Ike Turner nace en el año 1931 y es oriundo de la localidad de Clarksdale (Mississippi). Gracias al entusiasmo que siente por la guitarra, rápidamente comienza a grabar en la década de los cincuenta, obteniendo un notable éxito.

En esta década y siempre acompañado de su banda, la “Turner Revue”, Ike es capaz de abordar magníficamente diversos estilos como rythm and blues, el blues o el rock and roll. El constante aprendizaje musical al que se sometía, le valió para tocar con mitos de la talla de Bobby Bland, Howlin´ Wolf o B.B. King. Y durante esta etapa de su vida, se cruzaría en su camino una mujer llamada Anne Mae Bullock, más conocida por el seudónimo de Tina Turner, una vez establecidos como matrimonio.

Tina Turner nace en Nustbush, (Tennesse) en 1938. A finales de los cincuenta, siente una ferviente admiración por Ike y su grupo, hasta que una noche, le surge la posibilidad de cantar para Ike. A raíz de esta actuación, se forma una de las parejas musicales más prolíficas, míticas y pasionales de este arte llamado rock and roll. Con un elevado número de singles, grabaciones y miles de conciertos a sus espaldas, Tina Turner se convierte en la reina indiscutible de la música negra, junto a su inseparable y visionario Ike Turner.

Ike & Tina TurnerDespués de diversos álbumes y de célebres hits como “River Deep Mountain High” de 1966, (producido por el mago Phil Spector), se publica este “Working´ Together” en 1971, bajo el sello Liberty, en su segunda colaboración con esta casa discográfica. Y todo ello, siendo ya poseedores de una veteranía y madurez musical más que contrastada.

El disco producido por Ike Turner, se grabó a finales de 1970 y contó con la colaboración de una espectacular banda, siempre arropados por el coro “Ikettes”, tres bellas bailarinas y excelentes vocalistas que durante años fueron parte esencial del grupo.

El Long Play consta de once temas absolutamente legendarios y en su interior nos podremos encontrar con versiones clásicas como el “Get Back” y el “Let It Be” de los Beatles, canciones estilo funky como el soberbio “Funkier Than A Mosquita´s Tweeter” y otras revisitadas de épocas anteriores como el “Ooh Pooh Pah Doo”.

La total influencia de los Rolling Stones se puede palpar en “The Way Love Me”. Quizás, causada por giras anteriores con sus satánicas majestades. Pero si hay un tema especial en el álbum, ese se llama “Proud Mary”, el hit más grande de su carrera y versión extraordinaria propiedad del ilustre John Fogerty.

Ike & Tina Turner II

Al resto del disco, lo impregna el talento compositivo de Ike Turner, reflejado en pistas como “Workin´ Together” o  la bella balada “You Can have It” .Curiosamente, en el LP original Ike Turner firma como “Eki Renrut”, que viene a ser su propio nombre pero escrito al revés.

 Y así concluye esta aventura sonora, cortesía de un dúo pasional que a la par de su enorme popularidad, también tuvo una relación extremadamente turbulenta. Todo ello, lo podremos apreciar en la película de 1994 What’s Love Got To Do With It’”, basada en su libro biográfico <<Yo, Tina>>. El film, fue protagonizado por las estrellas de Hollywood Angela Bassett y Laurence Fishburne.

El LP cuenta también con una de las portadas más emblemáticas de la época dorada, en la que podemos visualizar su fotografía, que logra reflejar de alguna manera el temperamento de estos dos sensacionales artistas. Trabajando juntos, consiguieron dejarnos uno de los discos más grandes que ha dado la música contemporánea.