David Bowie – The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (RCA 1972)

Ya están aquí. Ya han llegado. Miles de testigos les han visto surcar los cielos de todo el planeta. Algunos comentan que han presenciado, perplejos, el aterrizaje de un insólito ser extraterrestre con ojos de distinto color y que responde al nombre de Ziggy Stardust. Y no viene solo, a bordo de su nave le acompañan las “Arañas de Marte”, con la única misión de evitar que en los próximos cinco años el mundo que conocemos se desintegre.

A mi juicio, la imaginación del británico David Bowie, todo un icono del glam rock, no entiende de límites. Corría 1972, cuando nos dejó un álbum estelar al que bautizó como “The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars”. Para su realización, ideó a un personaje ficticio llamado Ziggy Stardust. La extravagante historia que Bowie se inventó para este disco no tiene el más mínimo desperdicio: el álbum narra las peripecias de Ziggy Stardust, un alien andrógino encarnado en estrella del rock, que llega a la Tierra con el objetivo de advertir a la humanidad de su extinción.

Para lograr su misión, busca la manera de salvar al mundo a través de la música, enviando un mensaje de paz y esperanza, pero finalmente sería corrompido por los excesos de la fama y el ego, cayendo en la decadencia.  Y para completar tan ardua tarea, no dudó en ayudarse de las “Arañas de Marte” un grupo de rock liderado por el guitarrista Mick Ronson, el bajista Trevor Bolder y Mick Woodmansey a la batería.  Quizás, este rocambolesco relato de Bowie sea el fiel reflejo de una parte de su vida y del ambiente musical impregnado por las drogas que se respiraba en los 70.

Durante toda la historia del rock, los analistas han utilizado multitud de apodos para referirse a David Bowie: “El Camaleón del Rock“, El Duque Blanco” o “Ziggy Stardust”. Desde mi opinión, describiré a Bowie en tres palabras: “un artista irrepetible”. Aparte de su faceta como músico multi-instrumentista y excelente compositor, es también un ávido lector y un fantástico actor que bebe de diversas fuentes como la filosofía, el teatro, la literatura o el cine. Bowie aportó significativas dosis de teatralidad al rock, inspirándose en el cantante británico Vince Taylor.

Pero si hay algo muy especial que distingue a Bowie por encima de los demás, es su peculiar y camaleónica forma de vestir. En sus conciertos, aparece ante el público totalmente maquillado y calza elevados tacones, se enfunda en trajes elásticos y bañado en purpurina, ofrece una imagen muy cuidada, casi hipnótica y súper estética que causó una gran revolución en la moda.

Me atrevo a decir que su look fusiona a la perfección el género masculino y femenino. Bowie tiene un concepto que va mucho más allá de lo que significa él y ella.  Es una mezcla explosiva en la que ellos pueden teñirse el pelo de colores y calzar tacones. Y ellas, pueden llevar pantalones y se visten igual que los hombres. El aspecto de Bowie dista mucho de aquel al que otras leyendas del rock nos tienen acostumbrados.

 Centrándonos en el álbum, quinto de su discografía,  incluye 11 pistas y fue grabado entre 1971 y 1972 en los “Trident Studios” de Londres para el sello RCA Records. Se publica el 5 de Junio de 1972, día de alineación astral favorable y cuenta con la producción del propio David Bowie y Ken Scott. 

Como ya es costumbre, haremos mención a los músicos que participan en esta glamurosa obra: David Bowie (voz, guitarra y teclados), Mick Ronson (guitarra, voz y piano), Trevor Bolder (bajo), Mick Woodmansey (batería).

Dentro del disco, repleto de  hits, nos encontramos con canciones de gran calidad:  “Five Years«, que abre el álbum, “Soul Love” y temas más duros como “It Ain’t Easy”, “Suffragette City” o Hang On To Yourself”.

Una de las joyas del LP  es la preciosista semi balada “Starman”, sus tonos acústicos y su pegadizo estribillo, la convierten en todo un clásico entre clásicos que obtuvo  gran éxito. Llega uno de los puntos álgidos con “Ziggy Stardust”, canción central que explica su auge y declive como figura del rock. Para cerrar el disco se presenta un amargo “Rock ‘n’ Roll Suicide”. Sus bellos sonidos acústicos y la voz de Bowie lo sitúan como otra de las referencias inexcusables del Long Play.  La fotografía de portada  es un trabajo del diseñador Brian Ward y tuvo lugar en el Nº 23 de la calle Heddon de Londres.

Así concluye esta magistral aventura sonora, cortesía del rey indiscutible del glam rock. Ya han pasado más de cuarenta años desde su publicación, pero su música tomó dimensiones interplanetarias. Buena fe de ello puede dar el astronauta canadiense Crhis Hadfield, que recientemente interpretó una versión acústica del tema “Space Oddity” de Bowie, desde el espacio exterior en estado de ingravidez.

La música de Bowie es glam rock, pero también es rock salvaje en toda su esencia. Guste o no a los sectores más puristas del rock, ese hombre de las estrellas llamado David Robert Jones provocó un fuerte impacto en la música y cultura popular del siglo XX. Y nos obsequió con una de las obras más emblemáticas que ha dado el rock.

 Al margen de este álbum, Bowie y sus arañas de marte ofrecieron un apoteósico concierto en el teatro “Hammersmith Odeon” de Londres el 3 de Julio de 1973. Esa noche, sería la última vez que Bowie representó el papel de Ziggy Stardust, un curioso extraterrestre que llegó a intentar adueñarse de su propia vida, llevándolo hacia la degeneración. Tiempo después, declaró que << No sabía si yo estaba controlando a los personajes o los personajes me estaban controlando a mí, o si todos éramos la misma persona>>.

El show,  grabado por D.A. Penenbaker, fue publicado por la casa discográfica EMI en formato DVD en 2003, con motivo de su 30º aniversario bajo el título de :“Ziggy Stardust And The Spiders From Mars (The Motion Picture)”.

Metallica – Metallica – Black Album (Elektra Records 1991)

A Mara…

El álbum negro desató un vendaval eléctrico de dimensiones desproporcionadas. Encienden la llama de la emotividad y dejan una obra épica para el metal y el rock. Conviene recordarlo y hay que tenerlo muy presente, porque  Metallica ha convertido este disco en único y quién sabe si irrepetible.

Este elepé homónimo al grupo, más conocido bajo el nombre de “Black Album” por su portada negra, obtuvo gran éxito, casi directamente proporcional a la polémica que generó. Para los puristas del trash metal, el álbum negro se aleja por completo del característico sonido de Metallica y toma una orientación más comercial.  Una buena parte de culpa de esta controversia la tuvo el productor Bob Rock, personaje clave en esta obra y centro de iras para muchos de los fans de Metallica.

La banda surge a principios de los 80 en Los Ángeles y  proceden del underground musical más profundo. Herederos directos del sonido más duro del heavy metal y del punk más áspero, los funda el batería Lars Ulrich y el  vocalista James Heitfield.

Tras un inicio arrollador con su primer álbum (Kill ‘Em All 1983), el sonido del grupo traspasa las fronteras del heavy metal. Logran crear una nueva corriente musical junto a otras bandas de renombre como Slayer, Megadeth o Anthrax. Desde ese preciso instante, Metallica se consolida como una de las formaciones pioneras de un nuevo estilo que los analistas bautizan como “trash-metal”. Durante los 80 nos obsequian con variedad de álbumes que consideramos como lo mejor del género, forjando una trayectoria imparable a pesar de las constantes idas y venidas de sus miembros. También tuvieron que sobreponerse al fallecimiento del bajista Cliff Burton.

Quinto de su discografía, el Black Album se graba en los estudios “One on One” de Los Ángeles (California), entre octubre de 1990 y junio de 1991. Un 13 de Agosto del 91 sale publicado por el sello Elektra Records. Lo produce Bob Rock (su primer trabajo con la banda) y por los fundadores de Metallica: James Hetfield y el danés Lars Ulrich.

Mezclado por el ingeniero Randy Stoub, por aquel entonces considerado como uno de los más prolíficos de su tiempo, dota al Black Album de un sonido más blando, ocasionando fuertes críticas por parte de los incondicionales del puro sonido “Metallica”. Esto provoca un giro brusco, sorprendente e inesperado.

Como ya es costumbre, haremos mención a los integrantes de Metallica que inmortalizaron este LP: Lars Ulrich (batería), James Hetfield (voz, guitarra rítmica), Jason Newsted (bajo) y el magnífico guitarrista Kirk Hammett.

El álbum, repleto de himnos generacionales para la década de los 90, contiene 12 temas, de los cuales media docena fueron auténticos hits y consiguieron atrapar a un tipo de público muy poco común para las bandas de trash metal. Toda esta conjunción de factores originó un gran escándalo, llegando a tildar el disco como <<uno de los peores de su carrera>>, no siendo así el reflejo multimillonario de sus ventas.  De algún modo, cayeron en las peligrosas redes del mainstream, pero sin descuidar algo tan esencial como la calidad musical.

Abre el disco “Enter Sandman”, un tema legendario  con uno de los riffs de guitarra más antológicos del metal y el rock. La vena más pesada la encontramos en cortes como “Sad But True”, “Holier Than True”. A continuación llega la semi balada “The Unforgiven”, otro de sus hits.

Uno de los puntos álgidos tiene lugar con “Nothing Else Matters”,  balada extremadamente preciosista dedicada a los fans del grupo y tema estrella del LP. Otras pistas como “Wherever I Many Roam”, “The God That Failed” o “The Struggle Within”, atesoran un espléndido sonido y un buen trabajo a la guitarra, respaldados por una impecable sección rítmica y la peculiar voz de James Hetfield. Destacamos su curiosa y sencilla portada, observando una amenazante serpiente (todavía no sabemos si estaba lista para atacar), acompañada del nombre de la banda.

Así concluye esta aventura sonora, despreciada por muchos y alabada por otros. A mi juicio, el Black Album permanece eterno al paso del tiempo. Con él,  Metallica llegó al corazón de miles de almas, utilizando para ello un lenguaje universal que se llama  rock and roll.

 ….namaste……

John Mayall – The Turning Point (Polydor 1969)

Como el propio título indica, el británico John Mayall logra traspasar la frontera del blues y el rythm & blues, originando un “punto de inflexión” con este disco que solo está al alcance de los más grandes. “The Turning Point” es el resultado de un experimento llevado a cabo por Mayall, padrino del blues blanco y creador de los míticos Bluesbreakers.

La fórmula que utiliza para este LP, consiste en prescindir de la batería y del potente sonido de la guitarra eléctrica (aunque en contadas ocasiones, suena una Telecaster a muy bajo volumen). Algo muy poco común hasta la fecha en la mayoría de las bandas, dado el intenso momento musical que se vivía. John Mayall hizo más grande el año 1969, considerado por la crítica como uno de los años más prolíficos del rock. En 1969, Mayall ya poseía una trayectoria fructífera y cargada de varios álbumes esenciales del blues y rythm & blues británico. Durante esta década, decide cambiar su orientación musical, a raíz de sus constantes giras y vivencias personales en los Estados Unidos.

Impregnado de la cultura hippie, crea un grupo con una suave orientación blues, eliminando un instrumento tan indispensable como la batería e introdujo la flauta. Para las filas de su nueva banda, reclutó al exquisito guitarrista acústico Jon Mark y a un talentoso bajista de jazz llamado Steve Thompson. A todo esto, se le sumaba el multi-instrumentista Johnny Almond (flauta, saxos y percusión) y el propio John Mayall (voz, armónica, guitarra, panderetas y percusión)

Centrándonos en el álbum, producido y diseñado por Mayall (por aquel entonces, Mayall era un fichaje reciente del sello Polydor), se publica en 1969. En apenas cuatro semanas de ensayos, se graba en directo el 12 de julio de 1969 en el teatro “Bill Graham´s Fillmore East” de Nueva York. Y por supuesto, contó la ayuda del prestigioso ingeniero de sonido Eddie Kramer.

El LP incluye siete pistas extraordinarias, una buena parte compuestas por Mayall, exceptuando solo dos que fueron co-escritas junto al bajista Steve Thompson. En todas y cada una de ellas, relatan de algún modo sus vivencias personales, observando a los jóvenes de la época como caen en la amargura de las drogas, pasando por romances y otras historias llenas de realidad.

El disco abre con “The Laws Must Change”, excelente canción en dónde se aprecia el trabajo a la flauta de Johnny Almond, que intercambia “solos” con la maestría a la armónica de Mayall. Continúan con un delicado “Saw Mill Gulch Road” y el tema dedicado al bluesman J. B. Lenoir “I´m Gonna Figth For You J.B”, de clara influencia blues.

“So Hard To Share” es una pieza con un ritmo brillante, una de las joyas del elepé y con un soberbio Jon Mark a la guitarra. Como dato anecdótico, destacar que durante la grabación de los conciertos Mark estuvo acompañado por Marianne Faithfull, la cantante y actriz que anteriormente fuera pareja sentimental del vocalista de los Rolling Stones, Mick Jagger.

Concluye este clásico con tres temas espléndidos, iniciando con el transcendental “California” de casi diez minutos de pura improvisación. Le sucede “Thoughts About Roxanne”, un blues triste, que Mayall dedica a un antiguo amor de Los Angeles.

El punto álgido del Long Play llega con “Room To Move”: antológicos sus solos y sus extraños sonidos armónica en la parte central del tema, haciendo las delicias de un público entregado en la parte final del show. En el álbum original y debajo del título de esta última canción, Mayall lo dedica de la siguiente manera: <<a la necesidad de un músico de la libertad personal a amar sin enredo>> En 2001, el disco se reedita en formato CD, remasterizado con un sonido espectacular y le añaden tres bonus-tracks.

“The Turning Point” fue un éxito de ventas y el primer disco de oro en la carrera de este venerado artista. John Mayall es un músico admirado por todos sus colegas a los dos lados del Atlántico. Un tipo sencillo, de ideas sencillas, amante de la experimentación y la libertad musical, que nos dejó uno de los discos en directo más emblemáticos e innovadores de su tiempo.

Bob Seger & the Silver Bullet Band – Nine Tonight (Capitol Records 1981)

El búfalo de Detroit es un gladiador del rock y un luchador infatigable. Detrás de estos simples adjetivos se esconde uno de los personajes más carismáticos y queridos que ha dado la música del diablo. A mi juicio, la música de Seger hace todos los honores al rock and roll clásico.

Muy influenciado por el soul y el rock and roll de los cincuenta, Robert Clark Seger, más conocido como Bob Seger, comienza su carrera en 1964. Con apenas 15 años forma su primer grupo de rock : “The Decibels”. Tiempo después, funda una nueva banda “The Bob Seger System”. En 1968 su carrera cambia  y gracias a su talento compositivo ficha por el sello Capitol Records, obteniendo gran éxito con temas como “2+2” o “Ramblin’ Gamblin’ Man”. Al margen de esto, también dejó gloriosos álbumes como “Back in ’72”.

Durante esta etapa de su vida las dudas le asaltan y se plantea retirarse de la música para iniciar una carrera universitaria. En 1975 y por suerte para el rock,  Seger vuelve a irrumpir de manera impactante en la escena musical de los Estados Unidos, con discos como “Beautiful Looser” (grabado con músicos de gran nivel, procedentes de la “Muscle Shoes Rhythm Section”) o “Night Moves” ya acompañado por los incombustibles “The Silver Bullet Band”.

Centrándonos en el doble álbum, las grabaciones en vivo de este “Nine Tonight” se captaron en 1980 en los auditorios “Cobo Hall” de Detroit y en el “Boston Garden” de Boston. Publicado en 1981 por el sello Capitol Records, fue producido por el propio Bob Seger y Punch Andrews e incluye 16 pistas.

Como ya es costumbre haremos mención los músicos que hicieron posible este disco en directo: Bob Seger  (guitarra, piano, voz), Kathy Lamb,  Pamela Moore  June Tilton y Colleen Beaton (voz),  Drew Abbott (guitarra), Chris Campbell (bajo y voz), Craig Frost (piano), Shaun Murphy (percusión), Alto Reed (flauta y saxofón) y David Teegarden  (batería y voz).

De celebridades sonoras rebosa este LP, como el clásico entre clásicos “Old Time Rock And Roll” (un viejo rock and roll), su canción más emblemática y por la que será eternamente recordado. Por si fuera poco, se le suma “Night Moves”  (la noche pasa), arropado por la calidez vocal del coro y un magnífico saxo cortesía de Alto Reed.

Dice Seger que el rock and roll no perdona, y buena fe de ello es un rítmico “Rock And Roll Never Forgets”  y el guitarreo incesante de “Let It Rock”, tema de pegadizo estribillo con un gran saxo de Alto Reed y la desgarradora voz de Bob Seger. Otros cortes de espléndida factura son la balada “Mainstreet”, un contundente “The Fire Down Bellow” y el hit “Against The Wind”. A toda máquina y a un ritmo trepidante se presenta“Feel Like A Number” y “Her Strut”, tema invadido por la voz de Seger y las vibrantes guitarras de la Silver Bullet Band.

En la actualidad Bob Seger  continúa ofreciendo ingentes descargas de rock en sus conciertos.  Es capaz de levantar al respetable del sillón en noches de adrenalina. Y todo ello con un viejo, pero espectacular rock and roll.

Shuggie Otis – Here Comes (Epic 1970)

Here Comes, es el primer disco en solitario de Shuggie Otis y lo grabó con tan solo dieciséis años de edad. Este virtuoso y joven guitarrista es el hijo del pionero y afamado músico de rythm & blues, Johnny Otis.

El padre de Shuggie, el californiano Johnny Otis, comienza allá por los años 40 a forjar su extensa carrera tocando el piano en bandas y orquestas de swing. A mediados de esta década forma su propio grupo, integrando estilos como el swing, rythm & blues o el blues. Consigue éxitos de gran repercusión,  llegando incluso a establecerse como un extraordinario productor y descubridor de nuevos talentos musicales.

En 1953, nace su hijo Johnny Alexander Veliotes, más conocido por el seudónimo de “Shuggie”. Rodeado desde su infancia por músicos de relevancia, muy pronto se inicia en la guitarra y  en un amplio abanico de instrumentos. Con un aprendizaje como si de un genio se tratase, Shuggie comienza a trabajar como profesional con tan sólo doce años de edad en la banda de su padre, adquiriendo una prodigiosa madurez y visión que resulta inusual en un músico tan joven.

Desde este momento, es comparado con los más grandes guitarristas de la época y se siente muy influenciado por el blues, el jazz y por artistas de la talla de B.B. King o Lowell Fulson. Este último, es el espejo en el que Shuggie se mira durante años.

En 1969 y después de actuar con reputados músicos, realiza la grabación del álbum “Here Comes”. Contó con un elevado número de excelentes instrumentistas, entre los que se encontraban su padre Johnny Otis, el reconocido bajista Wilton Felder, el pianista Ray Johnson o el tecladista Leon Haywood entre otros no menos conocidos y apoyados por una gran sección de vientos.

Por si fuera poco, también se escucha a Shuggie en su faceta de multi-instrumentista, tocando la guitarra, armónica, piano, órgano, la celesta y el clavicémbalo. Y todo ello, aderezado con una sección de cuerdas compuesta por violines, violas y celos que resulta magnífica.

Centrándonos en el álbum, producido por Johnny Otis, se publica en 1970 por el sello discográfico Epic. Contiene con diez temas llenos de frescura, imaginación desbordante y un maravilloso trabajo a la guitarra, que abarcan géneros como el soul, funky, blues o el soul psicodélico. El elepé inicia con el clásico “Oxford Gray”, poderoso instrumental psicodélico, con dos partes diferenciadas y un final espléndido. Continúan con la balada “Jennie Lee”, un rítmico “Bootie Cooler” o con temas al más puro estilo funky y como el propio nombre indica: “Funky Thithee”.

En la segunda parte del LP nos encontramos con “Shuggie´s Boogie”, un antológico blues en el que Shuggie  nos demuestra el porqué de su grandeza, al igual que en “Gospel Groove”. Otras pistas de extrema elegancia son “Hurricane”, “Baby, “I Needed you” y “The Hawks”, que ponen la guinda a un disco absolutamente histórico.

Antes de editar este “Here Comes”, Shuggie Otis venía de participar en el álbum “Kooper Session” de 1969 junto al emblemático Al Kooper. Durante esas fechas, el bluesman B.B. King llegó a afirmar que <<Shuggie era uno de sus guitarristas favoritos>>. Poco tiempo después, otro ilustre músico llamado Frank Zappa lo recluta para grabar el memorable “Hot Rats”, en el que Shuggie toca magistralmente el bajo en el tema “Peaches And Regalia”.

Shuggie Otis grabó infinidad de LP`S con lo más granado de la élite musical hasta nuestros días, no siendo así en su trayectoria como solista, con tan sólo cuatro álbumes en su haber. Pero nos dejó instantes imborrables, tanto en sus discos como en sus colaboraciones, siempre acompañado por su mentor y legendario padre, Johnny Otis.

J.J. Cale – Troubadour (Shelter Records 1976)

J.J. Cale es el artista entre artistas. Un semidesconocido mago de la música que tras dejar espléndidos álbumes como “Naturally” (1971) o “Really” (1973), vuelve a escribir otro de los episodios emblemáticos del rock… le llamó “Troubadour”. J.J. Cale es uno de los personajes más peculiares del rock. Originario de Oklahoma y de gran talento compositivo, es un tipo sencillo que padece  alergia a la fama. Se aparta de los focos y de la ajetreada vida provocada por la popularidad.

 Centrándonos en el álbum, cuarto de su discografía, se publica en 1976 por el sello Shelter Records e incluye 12 pistas. Todas las canciones fueron escritas por J.J. Cale excepto I’m a Gypsy Man», que es propiedad de Sonny Curtis. 

Como ya es costumbre, haremos una mención especial a la amplia selección de músicos (la gran mayoría amigos personales de Cale) que hicieron posible esta obra: J. J. Cale (voz, guitarra y piano), Doug Bartenfeld, Gordon Payne, Chuck Browning, Reggie Young, Harold Bradley, Bill Boatman, Lloyd Green, Buddy Emmons (guitarras), Bill Raffensberger, Charles Dungey, Tommy Cogbill, Joe Osborn (bajistas), Kenny Buttrey,  Karl Himmel,  Buddy Harman, Jimmy Karstein, Kenny Malone (baterías), Farrell Morris, Audie Ashworth, J.I. Allison (percusión), Don Tweedy (arpa), Bobby Woods y Bill Purcell (piano), George Tidwell (trompeta), Dennis Goode (trombón) y Billy Puett (saxofón).

 Dentro del disco, se hallan sorprendentes temas impregnados del característico “Sonido Tulsa”, (una mezcla de country, rock y blues, del que J.J. Cale fue uno de sus creadores) como “Hey, baby” que abre el LP, un impecable “Travelin’ Light” o “You Got Something”, una bella canción que transmite una grata sensación de calma gracias a su exquisita percusión.

El aire jazzístico de “Hold On” nos demuestra porqué J.J. Cale es uno de los mitos más grandes del rock. Este LP es recordado por “Cocaine” , canción estrella de pegadizo riff, que versionó con gran éxito Mr. Eric Clapton en su álbum “Slowhand” de 1977.

 Otros cortes destacables son el instrumental “Let Me Do It to You” y la versión del “I’m a Gypsy Man” de Sonny Curtis, quizás el tema más duro y rockero dentro del relajado estilo de J.J Cale. Para poner el cierre a un álbum absolutamente brillante se presentan “Cherry” y “You Got Me on So Bad”, invadidas por su calidez vocal.

 Así concluye “Troubadour”, cortesía de J.J. Cale, todo un trovador del rock y eterno fugitivo del mainstream. A mi juicio, ha ejercido su arte esquivando  los a veces ridículos caprichos del mundo de la música. Escapa del despliegue publicitario habitual en las discográficas y hace caso omiso de las exigencias comerciales. Su música se ha hecho leyenda y nos obsequió con un disco excepcional que se sitúa entre los mejores de su  longeva carrera.

Ike & Tina Turner – Working´ Together (Liberty 1971)

El dúo formado por el matrimonio Ike y Tina Turner, se consolidó durante años como una de las parejas más explosivas de la historia del rock,  tanto en el aspecto musical como en el sentimental.

Ike Turner nace en el año 1931 y es oriundo de Clarksdale (Mississippi). Gracias al entusiasmo que siente por la guitarra, rápidamente comienza a grabar en la década de los 50, obteniendo un notable éxito. En esta década y siempre acompañado de su banda, la “Turner Revue”, Ike es capaz de abordar diversos estilos como rythm and blues, el blues o el rock and roll. El constante aprendizaje musical al que se sometía, le vale para tocar con mitos de la talla de Bobby Bland, Howlin´ Wolf o B.B. King. Durante esta etapa de su vida, se cruza en su camino una mujer llamada Anne Mae Bullock, más conocida por el seudónimo de Tina Turner, una vez establecidos como matrimonio.

Tina Turner nace en Nustbush, (Tennesse) en 1938. A finales de los 50, siente una ferviente admiración por Ike y su grupo, hasta que una noche, le surge la posibilidad de cantar para Ike. A raíz de esta actuación, se forma una de las parejas musicales más prolíficas, míticas y pasionales del rock and roll. Con un elevado número de singles, grabaciones y miles de conciertos a sus espaldas, Tina Turner se convierte en la reina indiscutible de la música negra, junto a su inseparable y visionario Ike Turner.

Después de diversos álbumes y de célebres hits como “River Deep Mountain High” de 1966, (producido por el mago Phil Spector), se publica este “Working´ Together” en 1971, bajo el sello Liberty, en su segunda colaboración con esta casa discográfica. Y todo ello, siendo ya poseedores de una veteranía y madurez musical más que contrastada.

El disco producido por Ike Turner, se graba a finales de 1970 y cuenta con la colaboración de una espectacular banda, apoyados por el coro “Ikettes”, tres bellas bailarinas y excelentes vocalistas que durante años fueron parte esencial del grupo.

El Long Play consta de once temas legendarios y en su interior nos podemos encontrar con versiones clásicas como el “Get Back” y el “Let It Be” de los Beatles, canciones estilo funky como el soberbio “Funkier Than A Mosquita´s Tweeter” y otras revisitadas de épocas anteriores como el “Ooh Pooh Pah Doo”.

La total influencia de los Rolling Stones se palpa en “The Way Love Me”. Quizás, causada por giras anteriores con sus satánicas majestades. Pero si hay un tema especial en el álbum, ese se llama “Proud Mary”, el hit más grande de su carrera y versión extraordinaria, propiedad del ilustre John Fogerty.

Al resto del disco, lo impregna el talento compositivo de Ike Turner, reflejado en pistas como “Workin´ Together” o  la bella balada “You Can have It” .Curiosamente, en el LP original Ike Turner firma como “Eki Renrut”, que viene a ser su propio nombre pero escrito al revés.

 Así concluye esta aventura sonora, cortesía de un dúo pasional que a la par de su enorme popularidad, también tuvo una relación extremadamente turbulenta. Todo ello, se aprecia en la película de 1994 “What’s Love Got To Do With It’”, basada en su libro biográfico <<Yo, Tina>>. El film, fue protagonizado por las estrellas de Hollywood, Angela Bassett y Laurence Fishburne.

El LP cuenta también con una de las portadas emblemáticas de la época dorada del rock: su fotografía, logra reflejar de alguna manera el temperamento de estos dos sensacionales artistas. Trabajando juntos, consiguieron dejarnos uno de los discos más grandes que ha dado la música contemporánea.

The Doors – The Doors (Elektra Records 1967)

Se arrastran por los clubes de noche más oscuros del Sunset Strip. Deambulan entre las mágicas paredes del Whisky A Go-Go y ofrecen shows de dimensiones épicas en locales de escasa reputación. Quizás, fueron influenciados por algún tipo de poder místico procedente de los chamanes indios, cultura que fascinaba a Jim Morrison.

Aquí comienza la leyenda de los Doors, una de las bandas más representativas del rock. En 1967 se lanza a la venta este explosivo álbum de debut homónimo, generando una gran polémica (era 1967), ya que sus letras abordan temas como la sexualidad o las drogas. Canciones como “Light My Fire”, “Break on Through” o “The End”, son la prueba de porqué el rock es el arte de los rebeldes e inconformistas.  El ojo censor, implacable, se ceba sobre todos y cada uno de los movimientos del grupo. Incluso, el circuito moralista más conservador de los Estados Unidos considera a los Doors como una amenaza para la sociedad.

 Entre tanto, Jim Morrison, todo un poeta nacido en tiempos difíciles y políticamente cargados, continua con sus provocaciones realizando estimulantes actuaciones en vivo. Baila como un hechicero indio y aporta significativas dosis de teatralidad al rock, algo nunca visto hasta la fecha.

Oriundos de Los Ángeles (California), los Doors se constituyen como grupo en el verano de 1965, cuando Jim Morrison y Ray Manzarek, dos jóvenes estudiantes universitarios, se encuentran en la playa de Venice y deciden formar una banda de rock.  Existen dos versiones sobre el origen del nombre de “The Doors”. La primera de ellas, dice que se basa en una obra de Aldous Huxley <<Las Puertas de la Percepción>>. La segunda, se debe a un párrafo de un libro de William Blake << Cuando las puertas de la percepción se abran, el hombre verá las cosas como realmente son, infinitas>>. El resto de su biografía ya está escrita con letras de oro en la biblia del rock.

Centrándonos en el álbum, se publica el 4 de enero de 1967 por el sello discográfico Elektra Records e incluye once pistas. Producido por Paul A. Rothchild, se grabó en los estudios “Sunset Sound Recorders” de Hollywood (California) en agosto de 1966.

 Como ya es costumbre, haremos mención a los integrantes de los Doors: Jim Morrison (voz), Ray Manzarek (órgano, piano y bajo), Robby Krieger (guitarra), John Densmore  (batería).

 Desde el primer momento en que el vinilo comienza a rodar, ya nos damos cuenta del porqué de su grandeza.  Ya han pasado más de 45 años desde su publicación, pero todavía conserva toda su fuerza y energía.

 Abre el disco con “Break on Through”, un rock agresivo, clásico entre clásicos, que fue utilizado en multitud de BSO de películas como la oscarizada Forrest Gump. Seguidamente llegarán “Soul Kitchen” y “The Crystal Ship”, impregnadas por la peculiar voz de Morrison y el piano de Roy Mazarek.  ¿Qué decir de “Alabama Song (Whisky Bar)”?, pegadizo y divertido tema de cierto aire circense,  del poeta Bertolt Brecht. Llega el punto álgido del LP con “Light My Fire”, todo un hit que llevó a los Doors hacia el estrellato internacional, alcanzando el número 1 en las listas de éxitos de la época.

Continúan con “Backdoor Man”, una violenta versión perteneciente al rey del blues Willie Dixon. A nuestro juicio y un tanto ensombrecida por las demás canciones, se presenta una joya llamada “Take It as It Comes”, de las pistas más destacadas del álbum.

Para poner el cierre a un disco  legendario, nos obsequian con el aclamado “The End”, infinitos sus once minutos de duración, impregnados de cierta atmósfera hipnótica y con unas letras de contenido altamente… a más de uno le hará saltar del sillón. Esta canción también se recuerda por formar parte de la BSO del film bélico “Apocalypse Now”, dirigido por Francis Ford Coppola en 1979.

Así concluye esta aventura sonora de los Doors, una banda que tuvo una corta pero intensa trayectoria musical de ocho años. De sobra conocidos son los excesos que Jim Morrison cometía con las drogas, una desafortunada pasión que le llevó a fallecer en circunstancias nunca esclarecidas en su piso de París en 1971 a los 27 años de edad. Sus restos mortales descansan en el cementerio parisino de “Père-Lachaise”.

 Jim Morrison perdió la vida, pero entró en la inmortalidad. Y buena parte de culpa la tienen discos como éste.

Woody Herman – Brand New (Fantasy 1971)

En 1971, Woody Herman tiene la brillante idea de grabar un disco instrumental de blues junto a su Big Band, acompañado por un joven y excelente guitarrista de Chicago llamado Mike Bloomfield.

El genio del jazz Miles Davis fue el primero en sugerir esta idea a Woody Herman – veterano saxofonista y clarinetista – que sin dudarlo ni un momento, se puso en contacto con Bloomfield.

Una vez planteada la pregunta: “¿te gustaría tocar blues con una buena Big-Band?”, Mike respondió con un simple “sería un honor para mí” y seguidamente comentó: “siempre estuve buscando grabar con una big-band, especialmente con la banda de Woody”. En pocas semanas, empezaron a trabajar en la realización de este espléndido y singular álbum.

Woodroo Charles Herman nace en 1913 en Milwakee (Winconsin) en los Estados Unidos. En el ocaso de los años 20 y desde la adolescencia, ya comienza a formar parte de diversas bandas y orquestas, logrando convertirse en un afamado músico de jazz.

Durante décadas, Woody fue un gran músico de orquesta, lo que le lleva a consolidarse como un magistral instrumentista, muy preparado en el saxo alto y el clarinete. Al margen de esto, también dirigió sensacionales Big Bands e incluso cantaba con un cierto aire cómico.

En los años 60, crea una cantera de músicos especializados en instrumentos de viento para sus bandas, de las que saldrían reputados artistas.

Dado los grandes cambios que se avecinaban en la industria musical, Woody comienza a colaborar con innovadores y emergentes talentos como Chick Korea, John Coltrane o con grupos de rock como los legendarios The Doors.

Centrándonos en el álbum, “Brand New” se graba en marzo de 1971 en los “Wally Heider Studios” de San Francisco por el sello discográfico Fantasy Records. Producido por el propio Woody Herman y Ray Shaklin, el disco cuenta con la participación de un elevado número de músicos como Mike Bloomfield (guitarra), Tony Klatka y Tom Harrel (trompetas), Bobby Burgess e Ira Nepus (trombones), Sal Nistico y Frank Tiberi (saxos), Ed Soph (batería), Alan Read (bajo), Alan Broadbent (piano) y Woody Herman (voz, clarinete y saxos).

Conteniendo ocho pistas, el Long Play abre con el estándar “Sidewalk Stanley”, uno de los temas más populares del disco, con un gran Mike Bloomfield a la guitarra y dónde Herman se atreve con su característica y divertida voz. Continúan con “After Hours”, clásico entre clásicos del blues en dónde se aprecia la excelencia musical de esta Big Band.

Siguen con “Since I Feel For You”, canción de bella factura en dónde Mike Bloomfield nos demuestra el porqué de su grandeza, siempre apoyado por una agrupación monumental. Y para terminar la primera parte, una fantástica versión del histórico “Proud Mary” perteneciente a los míticos Credence Clearwater Revival.

La segunda parte inicia con un blues incendiario titulado “Hitch Hike On The Possum Trot Line” siete minutos de duración espectaculares, intercambiando solos Wooody y Mike Bloomfield.

Para finalizar el álbum, Brand New y Woody Herman nos obsequian con tres temas al más puro estilo de las big-bands americanas y con incursiones en el jazz como “Love In Sillent Amber”, “I Amost Lost My Mind” y “Adam´s Apple” dónde se suceden «solos» de instrumentos como el trombón, el clarinete, la trompeta o el fliscornio.

Quizás “Brand New” sea una obra poco conocida, más bien es un álbum de culto, pero la conjunción de dos leyendas de distintas épocas como Herman–Bloomfield, transmitió la experiencia de uno, con el virtuosismo y juventud del otro. Nos dejaron un disco lleno de maestría… pero sobre todo de música, muy buena música.