Les Dudek – Say No More (CBS 1977)

Les_Dudek_-_Say_No_MorerAunque Les Dudek es uno de los grandes guitarristas americanos, su carrera musical pasó prácticamente desapercibida para el público europeo. Y con éste artículo vamos a intentar rescatar del olvido este “Say No More”, un disco de 1977 que consideramos esencial y que, a nuestro juicio, merece el mayor de los elogios.

Les Dudek nace a principios de los cincuenta en la Estación Naval Aérea de Quoinset Point (Rhode Island) perteneciente al estado norteamericano de Nueva Inglaterra. Pero solo permanecería allí hasta los seis años de edad, momento en que su familia se traslada al sur de Florida.

Como sucede en otros muchos casos de guitarristas ilustres, Les Dudek comienza a tocar la guitarra desde su adolescencia y es influenciado por grupos como Cream o Jimi Hendrix. Su trayectoria musical se inicia formando parte de un elevado número de bandas, consiguiendo una gran reputación. El talento desbordante de Les no pasa inadvertido para The Allman Brothers Band, cuando deciden contar con él – sobre todo Dickey Betts –  para colaborar en el histórico “Brothers And Sisters” de 1973, ya sin el legendario Duane Allman en sus filas.

Dudek nos dejó solos de guitarra inmortales, como en el inolvidable “Ramblin’ Man” y una colaboración acústica en la célebre canción “Jessica”, de los Allman Brothers. Pero nunca obtuvo mérito reconocido,  – especialmente por parte Dickey Betts –  con el que tuvo varias disputas a lo largo de los años por la composición de Jessica”.

Les Dudek IILes logró convertirse en un reputado guitarrista en el círculo de las bandas sureñas de entonces, y posteriormente se integró con bandas y músicos como  Boz Scaggs o Steve Miller.  Finalmente en 1976, la prestigiosa casa CBS se fijó en él para iniciar su carrera en solitario, primero con el álbum “Les Dudek” y luego con éste su segundo y espléndido “Say No More”, que a día de hoy podemos catalogar como un clásico en toda regla.

Producido por Bruce Botnick para la Columbia en 1977, el LP se grabó en los emblemáticos Capitol Studios de Hollywood, donde se gestaron muchas de las mejores de grabaciones de la historia. Incluye nueve temas compuestos por el propio Les, que van desde el más puro rock sureño pasando por el blues rock e incluso otros temas con connotaciones jazz rock o funk. Para la realización del LP, Les Dudek (guitarra y voz) contó con un gran elenco de músicos como Alan Feingold, David Paich y Ted Straton (teclados), el genial batería Jeff Porcaro, Gerald Johnson (bajo), Kevin Calhoun, Reymondo y Pat Murphy (percusión), y un coro femenino de “ruiseñores” – tal y como indica en el interior del disco – formado por Sherlie Matthews, Rebecca Louis, y Clydie King, entre otros muchos de sesión.

LeS DudekDentro del elepé nos encontraremos con excelentes canciones como “Old Judge Jones” de claro estilo sureño, un marcado funky “What´s It Gonna Be”, el exquisito y dulce  acústico “I Remember” o el aire jazzístico de “Zorro Rides Again”. Uno de los puntos álgidos llegará con “Avatar”, tema imprescindible con fantásticos “solos” de guitarra, una magnífica sección rítmica a la que acompaña con acierto el coro vocal.

En la portada del disco podemos contemplar una foto obra de David Stahl, en la que aparece Les Dudek con su mítica guitarra Gibson Les Paul, al lado de la sobrina del popular actor Telly Savalas, recordado por su papel en la serie “Kojack”.

Dudek continuó durante todos estos años participando en multitud de conciertos y publicando discos en solitario. Se situó como un músico referente, que actualmente se mantiene en muy buena forma y nos deleita con su virtuosismo a la guitarra.

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Allen Toussaint – Life, Love And Faith (Reprise – 1972)

Allen ToussaintDe Nueva Orleans se puede afirmar que es una de las ciudades con más tradición musical de los Estados Unidos de América, debido a la diversidad de culturas que en ella se asentaron a lo largo de su historia, al igual que en el estado de Louisiana al que pertenece.

 De ésta evocadora urbe surgieron músicos de gran talento, como el legendario Louis Arsmtrong, Fats Domino, Champion Jack Duprée, el Professor Longhair, Dr. John o el inigualable trompetista Wynton Marsalis.

 Allen Toussaint es también uno de sus hijos más reconocidos, con una inmensa labor como compositor, arreglista, pianista y productor.   Nacido un 14 de julio 1938 en un barrio muy popular de Nueva Orleans, por mediación de sus padres se alimenta de la música que escucha durante su infancia, logrando despuntar con tan sólo 17 años de edad. Toca con varios grupos durante los años 50, y sería en 1958 cuando graba su primer álbum instrumental titulado “Tousan”, en el que destaca el tema “Java”.

 AT2En los 60 se dedica plenamente a la composición de canciones para innumerables artistas, y a la producción para músicos de enorme potencial como Irma Thomas o Aaron Neville entre otros muchos. En la década de los 70, decide grabar en solitario  publicando dos primeros discos sobresalientes. Y en 1972, llega este “Life, Love And Faith”, tercero en su discografía. También supone un ansiado regreso, bajo la idea de trabajar con los “Metters”, uno de los grupos funk más importantes de la época. En el año 2006 se redita el disco por el sello Water, que tiene su sede en San Francisco (California).

 Love, Life And Faith sale a la luz en 1972 y fue producido por el propio Allen Toussaint (piano, guitarra acústica y voz). Grabado en los estudios “Jazz City Recording”  de New Orleans para el sello Reprise, consta de 12 pistas y todas son composiciones suyas. Para la realización del elepé contó con la colaboración de los integrantes de los Metters en su base rítmica: Joe “Zigaboo” Modeliste (batería), George Porter (bajo), Leo Neocentelli y Vincent Toussaint (guitarras), este último miembro de la familia de Allen.

 ATOtros músicos de respaldo que también colaboraron fueron: Walter Payton (bajo) Joe Lambert (batería) Alfred Roberts y Squirrel (congas) y una nutrida sección vientos: Gary Brown, Alvin Thomas y Red Tyler (saxos) y Clyde Kerr y Francis Rousselle (trompetas). Los acompañamientos vocales son también una parte esencial de este mítico disco.

 Con un marcado estilo funk – diremos que muy característico –  Allen nos deleita con doce clásicos temas como “Victim Of The Darkness”, “Out Of The City (Into Country Life)” con unos soberbios arreglos vocales, la balada “On Your Way Down” o los experimentos con el jazz a los metales con “Electricity”.  Otras pistas de obligada referencia son “She Once Belonged To Me”, de clara tendencia al soul, “Goin´Down” o “Soul Sister”, que la resaltaremos como una de las más bellas del LP.

 Allen Toussaint es un músico imprescindible que nos dejó un personalísimo trabajo, dónde se pueden apreciar sus magníficas cualidades y su sensibilidad musical. Actualmente, tiene una posición privilegiada en el panteón de los mejores músicos norteamericanos.

 “Vida, amor y fe”….

 

Jimmy Smith – Jimmy Smith Live! Root Down – (Verve 1972)

root_downHablar de Jimmy Smith es hablar de uno de los mejores organistas de jazz de todos los tiempos. Así de simple, es nuestro humilde punto de vista sobre este emblemático músico americano. Nacido en Norristown, en el estado de Pensilvanya en 1928, Jimmy es un niño prodigio con un talento innato para la música, provocado en parte por tradición familiar. Rápidamente se especializa en el uso del órgano, y en particular, en el mundialmente conocido “Órgano Hammond”, allá por el principio de los 50.

Comenzando su carrera con estilos que van desde el rythm and blues al hard bop o el jazz, pronto se hace con un destacado lugar en el ambiente jazzístico neoyorquino. Y allí,  en la ciudad de los rascacielos y la capital del jazz, ficha por el histórico sello discográfico Blue Note y posteriormente por Verve, tocando con varios de los músicos más célebres de este género, como los fantásticos guitarristas West Montgomery o Kenny Burrell, los saxofonistas Lou Donalson o Stanley Turrentine y el trompetista Lee Morgan entre otros muchos fundamentales para la década de los 60.

Jimmy Smith, un músico incansable y prolífico donde los haya, explora como todo músico de jazz que se precie, la búsqueda de sonidos y de diferentes estilos. De él, fluye una energía desbordante y se decanta primero por el soul y el funky jazz de los setenta. Con su genial música, influyó a generaciones venideras, donde verdaderamente  podemos apreciar éste tipo de música fusión.

JSIICentrándonos en el álbum en directo, Root Down se graba durante su estancia en la costa oeste americana. Las grabaciones se registran un 9 de febrero de 1972 en el “Bombay Bicycle Club”, un pequeño club de Los Ángeles, convirtiéndose meses después en un clásico y vigoroso disco de jazz funk. Producido por Eddie Ray, originalmente contenía 6 temas, añadiéndose en la redición del año 2000 una pista más y otros no editados en su momento.

Jimmy Smith (Órgano Hammond), estuvo apoyado en una espectacular banda formada por Arthur Adams (guitarra), Wilton Felder (bajo), Paul Humprey (batería), Buck Clarke (congas y percusión) y  Steve Williams (armónica).

El elepé comienza con un movido  “Sagg Shotin´His Arrow”,  puramente instrumental y con un magistral Arthur Adams a la guitarra, respaldado por un Jimmy Smith demoledor y una grandísima sección rítmica. Inesperadamente giran hacia un bello tema titulado “For Everyone Under the Sun” más bien de estilo soul jazz, alternándose  la guitarra y el órgano. A continuación, demuestran su virtuosismo en el estándar de blues “After Hours”, obra del mítico pianista de Alabama Avery Parish.

JS“Root Down” es la marca que deja huella en el disco.  Funky jazz en estado puro, con más de 12 minutos soberbios (en la edición del 2000) y que da el nombre al LP. Lleno de improvisación, wah-wahs, un Jimmy soberbio y una excelente sección rítmica. Esta canción  también  sirvió mediados los 90 a la reconocida banda de Nueva York “The Beasty Boys “, para incluirla en un disco dónde se situó como uno de sus temas más conocidos.

Una impecable versión del “Let´s Stay Together” de Al Green, anima y hace cómplice al público presente esa noche, con ovaciones sonoras hacia el guitarrista a mitad del tema y por supuesto, también a su terminación. Para finalizar, otro magnífico tema funky de larga duración “Slow Down Sagg”,  dónde se refleja la fuerza de éste estilo y la grandeza de  unos músicos inolvidables que nos dejaron una actuación para la posteridad.

Concluiremos este análisis con la frase que reza en la parte trasera del disco: “Jimmy Smith forma parte esencial del jazz moderno. En sus primeros años en Nueva York el enfoque veloz de sus dedos define el papel del instrumento con un éxito sin precedentes”.

Ya sobran las palabras.

 

 

Eric Clapton – Just One Night (RSO 1980)

Eric_Clapton-Just_One NightEste  magistral doble álbum en directo mezcla de rock y blues, fue la carta de presentación de Eric Clapton en una de las décadas más difíciles para estos géneros, originado esto por las nuevas corrientes musicales y  los diferentes estilos que surgieron a finales de los 70, como el pop más puro y comercial.

 “Backless”, su último disco grabado en estudio hasta esa fecha, provocó que Clapton y su prodigiosa banda se embarcaran en una nueva gira mundial, llena de éxitos  y con “manolenta” en estado de gracia. Esta gira que comenzó en el mes de marzo en  Irlanda, saltó posteriormente a los Estados Unidos, dónde Clapton se instaló durante toda la primavera y los inicios del verano. Tras un parón en septiembre regresó a Europa, tocando en países como   Inglaterra, Polonia, Austria, Alemania o la extinta Yugoslavia.

 Para llegar al lugar dónde se grabó el disco, Clapton y su grupo viajan aquel otoño por Israel y Asia, pasando por Filipinas, Tailandia y Hong Kong, recalando finalmente en el imperio del sol naciente. En el interior del elepé, podemos apreciar una reseña que Clapton dejó el 12 de marzo de 1980 <<una gira por Japón es algo a lo que siempre me acerco con sentimientos encontrados…”>> entre otras frases que se aproximaban a la realidad del país nipón. También destacaremos la  ilustración de Ken Konno  y las fotografías, que fueron obra de Dave Brown y Koichiro Hiki.

 ECJUIPara la realización del LP, Clapton contó con la colaboración de una poderosa banda, – perfectamente engrasada –  que tocó las frías noches del 3 y 4 de diciembre en el “Budokan Theatre” de Tokio. Y es de obligada referencia, su mención: Henri Spinetti (virtuoso batería) el mítico Chris Stainton (teclados), Dave Markee (bajo) y un enorme Albert Lee con Eric Clapton a las guitarras y voces.  De la producción se encargó Jon Astley, para el histórico sello de la vaca roja “RSO” (del insigne productor musical Robert Stigwood),  y se publica en abril de 1980.

 Con 14 pistas realmente espléndidas, el disco abre con “Tulsa Time”, una canción de su último trabajo y con unos ritmos claramente marcados por el “tulsa sound”. Seguidamente y como norma del álbum, Clapton enlaza con un blues tradicional  “Early In The Morning”, con una excelente slide.

 En la primera parte del LP reflejan temas emblemáticos como el country de  “Lay Down Sally”, la bella balada “Wonderful Tonight” y una gran versión del “If Don´t Be There By Morning”, de Bob Dylan.  El blues más puro vuelve a hacer acto de presencia con el clásico atemporal de Maceo Merriweather “Worried Life Blues”, “All Our Past Times” y el “After Midnight” de J.J Cale con el que concluyen esta cara A.

 La segunda parte abre con “Double Trouble”, un tremendo blues de impecable factura, propiedad del zurdo Otis Rush. “Setting Me Up” es una composición de Mark Knopfler que saldría en el magnífico debut de los Dire Straits, a la que Albert Lee pone la voz y su estupenda guitarra Telecaster.

 ECJUEl tramo final del show en el teatro japonés no tiene desperdicio alguno. Nos obsequian con cuatro canciones de auténtico infarto y nos demuestran el por qué Eric Clapton es uno de los héroes de la guitarra más grandes que ha dado la música. Ofrece una descarga absolutamente memorable en temas como “Blues Power”, el clásico “Rambling On My Mind” de Robert Johnson o el soberbio “Cocaine”, intercalándose a la guitarra Clapton primero y Albert Lee después. Y para poner punto y final  “Further On Up the Road”, otra de las canciones preferidas de Eric en sus conciertos en directo.

 Just One Night fue muy bien acogido por el público y la crítica en 1980. Alcanzó puestos relevantes en las listas, tanto en las americanas, como en las inglesas. En 1981, ya fue distribuido por la Polydor Records.

 Clapton y su famosa guitarra “blackie” del 57, inmortalizaron junto a una excepcional banda este show único hace ya 35 años. Se convirtió en uno de los álbumes más legendarios de su tiempo, porque, a nuestro juicio, jamás tuvieron miedo de las nuevas tendencias musicales. Regresaron al blues más puro, acompañados por uno de los dioses de la guitarra.

 One, two, three…..

 

Boz Scaggs – Boz Scaggs (Atlantic 1969)

Boz Scaggs LPCompositor, guitarrista, vocalista y compañero inseparable de Steve Miller en los años 60. Sin duda, una gran carta de presentación la de Boz Scaggs, que también colaboró poniendo su voz en dos discos históricos de la Steve Miller Band. Y en 1969, Boz graba este magistral álbum homónimo, que consideramos como imprescindible en su carrera.

Natural de Ohio, Boz Scaggs se traslada a Texas siendo tan sólo un adolescente y coincide en la escuela con Steve Miller. Rápidamente surge una estrecha amistad que les llevaría a estudiar juntos en la universidad. Durante esta etapa de su vida se empapó de blues, pero sobre todo de la música tradicional americana.

En 1965, Boz se embarca en una aventura musical por Europa, estableciendo su base en Inglaterra y Suecia, dónde logra grabar su primer álbum en solitario, obteniendo algún éxito pero escasa repercusión. También adquiere durante este tiempo conocimientos sobre el “British Blues” y otros estilos, y por fin, Steve Miller decide contar con él para su nueva formación, con la que editó dos álbumes emblemáticos en la era psicodélica del San Francisco de 1968.

BSSu facilidad innata para componer canciones, y su especialísima voz, no pasan desapercibidas para el sello discográfico Atlantic Records. En 1968, es fichado para esta gran compañía, comenzando a grabar con la Muscle Shoals de Alabama y con el legendario guitarrista Duane Allman, por aquella época miembro permanente de la “Muscle Shoals Rythm Section”.

Centrándonos en el disco, se publicó en 1969 y fue producido por el propio Boz Scaggs, Jan Wenner y Marlin  Greene.  Fue grabado en los estudios “Muscle Sounds Sound Recorders” de Alabama. La Atlantic Records contaba con un gran número de excepcionales músicos, participando en la grabación de este elepé Duane “Skydog” Allman (dobro, slide y guitarra), Boz Scaggs, Eddie Hinton y Jimmy Johnson (guitarras), Barry Beckett (teclados), David Hood (bajo) Roger Hawkins (batería) y Al Lester (violín).

Boz ScaggsComo ya era habitual en la Atlantic Records, una excelente sección de vientos apoyaba en todo momento a estos virtuosos músicos, entre los que se encontraban Charles Chalmers y Floyd Newman (saxos) Ben Cauley (trompeta), Gene “Bowlegs” Miller (trompeta y trombón) y Joe Arnold y James Mitchell (saxos). Y para poner la guinda final a este carrusel interminable de instrumentistas, es de obligada referencia mencionar los estupendos coros femeninos: Jeannie Greene, Donna Thatcher y Mary Holiday por un lado, y Tracy Nelson, Irma Routen y Joyce Dunn para otros temas.

Como dato curioso, destacaremos que el  disco y su estilo se catalogaron como “Blue – Eyed -Soul”, que viene a significar coloquialmente hablando “Soul hecho por blancos”

El LP contiene 9 temas compuestos por Boz Scaggs salvo algunas excepciones. Abren con un movido “I´m Easy” y continúan con el clásico de clásicos “I´ll Be Long Come”, una de las baladas más bellas de la época. Y nos deleitarán con canciones delicadas como “Another Day (another letter)” y la country “Now You´re Gone” dónde disfrutaremos de los maravillosos coros y un magnífico sonido del violín.

Boz Scaggs Bar Las canciones que le siguen, mantienen en mayor o menor medida una línea similar a las anteriores y son “Finding Her” y “Look What I Got”, ésta vez con Duane Allman imprimiendo su calidad al Dobro. En “Waitin For A Train”, Boz Scaggs nos traslada a las viejas películas del Oeste y a aquellas canciones de la guerra de secesión, magníficamente interpretadas.

El punto álgido del disco llegará con un triste blues titulado “Loan Me A Dime”, propiedad del bluesman Fenton Robinson. Con más de doce minutos de duración, Boz Scaggs realiza una espléndida versión con su voz, arropado por una sección rítmica perfecta y el virtuosismo de Duane Allman, que nos dejó uno de los solos de guitarra más recordados de su corta pero intensa carrera. Concluyen con  “Sweet Release”, una canción que posee unos coros sobresalientes, al igual que el resto de la banda.

El diseño y las fotografías de la portada e interior del LP fueron obra de Stephen Paley, dónde podemos visualizar la simpática imagen de Duane Allman, completamente desnudo con un sombrero en la cabeza y tapándose sus genitales, entre otras de los músicos más representativos. En su día, este disco pasó con más pena que gloria por los ojos de la crítica especializada. Y han tenido que pasar más de 45 años para que lo considerasen una obra de culto, básica para los amantes de la época dorada del rock y para los seguidores de Boz Scaggs y del gran Duane Allman.

Boz Scaggs inició con este LP su período de esplendor. Actualmente y a sus 66 años, es uno de los grandes de la música americana.

 

Ted Nugent – Free For All (Epic 1976)

FFAOriginario de Detroit, ciudad situada al norte de los EEUU y famosa por la fabricación de automóviles, esta gran urbe también ha sido cuna de ilustres músicos como el caso del excelente guitarrista Ted Nugent. En 1965 y siendo tan sólo un adolescente, el joven Ted entra a formar parte de “The Amboy Dukes”, una de las bandas psicodélicas más populares de su zona. Comienza así a forjar su leyenda cuando en 1967 publican su primer disco, convirtiéndose desde ese preciso momento en una de las formaciones de rock duro más primitivas que se recuerdan.

Tras dejarnos cuatro álbumes clásicos del rock, en 1970 pasa a liderar su grupo bajo el nombre de “Ted Nugent & The Amboy Dukes”, continuando así otro período con tres elepés más grabados hasta 1974. Concluida esta etapa, Ted decide seguir en solitario para iniciar una exitosa y prolífica carrera, dando un giro radical en su música, a la que dota de ritmos mucho más poderosos, realizando una explosiva mezcla de rock and roll y heavy metal.

Ted NugentCentrándonos en el álbum, “Free For All” pasa a ser el segundo en su discografía en solitario. Publicado en 1976, se grabó para el prestigioso sello Epic e incluye 9 temas inolvidables. De su producción se encargó por Tom Werman, Cliff Davies y Lew Futterman.

Como ya es habitual, haremos mención a la espectacular banda de Ted Nugent, compuesta por él mismo a la guitarra solista, rítmica e incluso al bajo, poniendo también la voz a la canción que da título al disco. Por allí estaba Cliff Davies, un histórico batería inglés procedente del grupo If, Rob Grange (bajo), Steve McRay  (teclados) y Tom Werman (percusión).

Derek St. Holmes sería en un principio el responsable de la voz, pero por disputas con Ted, sólo graba dos canciones y se alejó a media grabación, sustituyéndolo un jovencísimo Meatloaf, que grabaría  el resto de temas excepto uno, ya reseñado anteriormente.

Abre el LP con el potente “Free-For-All”, con el que nos preparan para un electrizante viaje por el estilo único y contundente de Ted Nugent. Entre otros cortes magníficos y riffs extraordinarios, continúan con  “Dog Eat Dog” y un extenso “Writing On The Wall”, ésta vez con Meat Loaf a la voz. Con unas letras muy atrevidas, llegará el genial “Street Rats” y la esencial balada “Together”, que hizo suya Meat Loaf.

Ted Nugent BandEl resto de pistas que completan el LP son “Light My Way” – que desprende una energía sorprendente -,  y “Hammerdown”, compuesta por el propio Ted. Y para finalizar “I Love You So I Told You A Lie”, todo un hit de los más recordados del disco.

Sus peculiares atuendos,  también pasaron a formar parte de la historia del rock and roll,  junto a sus míticas guitarras Gibson Byrland elaboradas por Paul Smith. Éstas quedaron inmortalizadas en la portada del disco, con un estupendo montaje fotográfico obra de Houghton / SteinBicker y diseño de Paula Scher.

Ted Nugent siempre ha sido un ejemplo de trabajo y el mejor espejo para otro número considerable de músicos a los que influenció. Poseedor de una gran humildad, nos dejó gloriosos discos de estudio y magistrales shows en directo. Actualmente y a sus 65 años, sigue ofreciendo giras y apoteósicos conciertos, manteniéndose en plena forma. Y lo cierto, es que Nugent es un músico ya legendario.

Dedicó este álbum con la siguiente frase:

“A todos ustedes compadres a quienes yo llamo amigos. Estoy contento de teneros conmigo, porque estamos aquí de nuevo”…

 

Elvin Bishop – Raisin´Hell (Capricorn Records 1977)

Elvin BishopNacido en Tulsa,  en el estado americano de Oklahoma en 1942, Elvin y su familia se trasladan a Chicago cuando éste es tan sólo un adolescente para comenzar sus estudios en la universidad. Y es en la ciudad del blues dónde conoce a un magnífico vocalista y armonista llamado Paul Butterfield, un músico que le valdría de inspiración para el resto de su vida.

Tiempo después, Elvin  Bishop logra entrar en la formación de Paul Butterfield como guitarrista rítmico,  junto a otros grandes artistas como Mike Bloomfield. Permaneció cinco años en la Paul Butterfield Blues Band y graba álbumes imprescindibles durante esta etapa como “The Resurrectión Of Pigboy Crabshaw” – título curioso siendo éste su apodo – , supliendo a Mike Bloomfield a la guitarra principal cuando éste abandona la banda para formar The Electric Flag.

En 1969, se muda a San Francisco y forja su leyenda cuando decide crear su propio grupo, colaborando en discos esenciales del rock como The Allman Brothers Band Live Fillmore East” o “The Live Adventures Of Mike Bloomfield And Al Kooper”. Al margen de esto, también participó en innumerables jams y conciertos históricos del rock californiano, incluidas incursiones con un gran número de músicos de blues.

EBIIITras obsequiarnos con una antológica serie de álbumes en solitario, Raisin’Hell se convierte en el octavo y primer ¡Live! de su carrera, obteniendo un éxito sin precedentes. Reseñaremos que todos los temas están compuestos por Elvin Bishop salvo algunas excepciones.

Publicado en 1977, el elepé se graba en los meses de marzo de 1976 y febrero de 1977, en varias localizaciones diferentes y escenarios emblemáticos como “The Roxy”, el  “Santa Monica Civic Auditorium”, el  “Old Waldorf”, “Civic Theatre” de San Diego o el mítico “Alex Cooley´s Ballroom”. En 2012 y bajo el sello BGO Records, se remasteriza con un sonido realmente espectacular.

Producido por Allan Blazeck, éste excelente doble LP cuenta con un elevado número de músicos, siendo una referencia obligada su mención: Elvin Bishop (guitarra y voz), Don Baldwin (batería), Michael “Fly” Brooks (bajo), Debbie Cathey (coros), Melvin Seals (sintetizador, órgano y piano), Bill Slais (saxos), Reni Slais (voces), Mickey Thomas (voces) y un extraordinario guitarrista llamado Johnny Vernazza.

EBIToda esta selección de sensacionales músicos, se encuentra apoyada en todo momento por una gran sección de vientos, formada por Chuck Brooke, Bob Claire, Dave Grover y Bill Lamb,  acompañados por estrellas invitadas como Mic Gillette, Steve Kupka y Greg Adams del grupo Tower Of Power.

El disco contiene quince canciones de auténtico vértigo desde el primer minuto, iniciando por el que da nombre al elepé “Raisin´Hell”, de ritmo endiablado, al que sucede el clásico “Rock My Soul”. A continuación siguen con temas marca de la casa como “Calling All Cows”, “Juke Joint Jump” o “Hey, Hey, Hey, Hey” entre otros. El punto álgido llega con “Fooled Around And And Fell In Love”, una de las baladas más memorables de su tiempo, en la que Elvin realiza un genial “solo” de guitarra, respaldado por unos coros formidables.

EBIIEl arte del blues se siente en pistas como  “Little Brown Bird” de Muddy Waters, e incluso se atreve con el funk en “Struttin´My Stuff”. Un estilo totalmente sureño se aprecia en “Travelin’ Shoes”, otro de los himnos del álbum, destacando al guitarrista Johny Vernazza. Finalizan con un apoteósico medley compuesto por tres pistas:  “Medley: Let The Good Times Roll/ A Change Is Gonna Come/ Bring It On Home To Me”, versionando a Sam Cooke.

 Y así concluye este disco, el que consagró al obispo del rock, elevándole a lo más alto de las listas musicales de los 70. Actualmente, Elvin Bishop sigue en activo y es considerado un mito del rock. Siempre con su carácter divertido y su peculiar indumentaria, este carismático músico no nos ha dejado de sorprender desde hace ya 50 años.

Muchas gracias, su excelencia reverendísima!!!!