VINCE GUARALDI – ALMA-VILLE (WARNER BROS 1969)

Por Javier Torres

Desde hace ya varios años, este blog dedica gran parte de sus artículos a la música rock. Pero también tiene cabida para los más grandes músicos del jazz, como el extraordinario pianista y compositor Vincent Anthony Guaraldi. Nacido en julio de 1928 en San Francisco, desde su infancia se siente atraído por la música, siendo influenciado por el entorno familiar. A principios delos 50 despunta en muchas de las grabaciones de la época, colaborando con otros afamados músicos del circuito jazzístico norteamericano, como el maestro Carl Tjader o Woody Herman y su mítica big-band.

Vincent Guaraldi fue miembro de la big-band de Woody Herman y le sirvió para hacer giras por Arabia Saudí y recorrer varios puntos de la geografía europea. Era un todoterreno en su país, tocó en numerosos locales, reconocidos festivales, e incluso salió en la National Educational Television (NET), en multitud de ocasiones.

Su éxito más rotundo llega con la composición del hoy estándar de jazz “Cast Your Fate to the Wind”. Este tema (también versionado años después por Allen Toussaint) le sirve para que el productor televisivo Lee Mendelson se fije en él y le propone componer la música para el film de animación “Peanuts”, una tira cómica de Charles M. Schulz protagonizada por Charly Brown y su perro Snoppy (en España más conocida por Carlitos y Snoopy) acompañados por Lucy, Linus, Schroeder, Sally y Peppermint Patty. Dando muestra de un talento innato, Vince Guaraldi da vida a la banda sonora de la tira cómica más importante de los Estados Unidos.

Vince ofreció una música de muy alta calidad, que gusta tanto a niños como a adultos, y nos dejó una contribución maravillosa para la música y la cultura en general. Centrándonos en el álbum “Alma-Ville”, se publicó en 1969 y fue producido por Shorty Rogers. Guaraldi contó con extraordinarios músicos como Herb Ellis o Eddie Duram (guitarras), el percusionista brasileiro Dom Um Româo, los bateristas Al Coster y Colin Baily y los bajistas Kelly Brian y Sebastiao Neto.

El disco contiene nueve temas que nos muestran su personalísima forma de entender la música y un peculiar estilo al piano. Una música que te atrapa desde el primer momento, a la vez que relaja, y nos hace sentir lo especial que puede llegar a ser. La mayor parte de las canciones son composiciones propias y destaca el divertido tema homónimo al disco “Alma-Ville”.

Abre el álbum con una exquisita “The Masked Marvel”, continúan con otro clásico como “Cristo Redentor”, popularizado un año antes por Harvey Mandel. Mencionaremos también el cover que realizan del “Eleanor Rigby”, bajo nuestro criterio, una de las mejores versiones realizadas de esta canción, propiedad de los chicos de Liverpool. En otros cortes como “Jambo´s” hacen una estupenda jam, ejecutada con gran virtuosismo por su banda, a la que respalda el genio de Vince. En “Uno y Uno”, Guaraldi – esta vez a la guitarra solista – nos demuestra que es un músico polivalente y un grandísimo autor.

La portada del elepé fue obra de Ed Trasher, un conocidísimo fotógrafo, director de fotografía y diseñador de portadas históricas del rock para artistas como Jimi Hendrix, Frank Sinatra, Grateful Dead, The Doobie Brothers o el Self-Portrait de Joni Mitchel, entre otros muchos. La contraportada fue obra de Jim Marshall, otro ilustre fotógrafo conocido por retratar a los más grandes del rock & roll.

Vince Guaraldi está considerado por muchos críticos un grande de la historia de la música.  Sufrió una muerte prematura en febrero de 1976 a los 47 años de edad. Se encontraba en el momento más álgido de su carrera.

Dedicado a Patty, por ilustrarme y darme estas sorpresas.

Link Wray- I Got a Rumble (Polydor 1974)

Por Javier Torres

Fred Lincoln Wray, más conocido por el apelativo de “Link” y en el panorama musical como <<Link Wray>>, fue un pionero del rock and roll y un músico innovador. Un semidesconocido rey del género, si lo comparamos con sus homólogos, y solo el tiempo ha sido capaz de colocarlo al lado de los más grandes del rock.

Link nació en Dunn (Carolina del Norte) y era descendiente de los “shawnee”, una tribu amerindia con una larga historia y avatares pasados sufridos en otras épocas, pero eso lo dejaré para juicio de los historiadores. Con esto quiero decir, que estamos ante una de las escasas estrellas de rock con orígenes nativos americanos, junto a bandas como la inolvidable Redbone. Su carrera se fragua en los años 50, y gracias a su peculiar forma de tocar la guitarra e inconfundible estilo, Link logra hacerse un hueco en el rock.

En 1994 y como premio a su rica y dilatada carrera, directores de cine como Quentin Tarantino lo llevan a lo más alto incluyendo sus canciones en bandas sonoras de películas como <<Pulp Fiction>>, que popularizó todavía más su “Rumble”, una clásica canción del rock. Otros filmes no menos importantes, también añadieron a sus B.S.O temas históricos de Link como “Desperado” y su “Jack de Ripper” o “Independence Day» con “Rumble” de nuevo.

En este artículo de hoy, me decanto por analizar una etapa distinta, rescatando “I Got a Rumble” de 1974. Un disco redondo en todos los sentidos, con canciones que abarcan el blues, el rock más visceral, baladas exquisitas, u otras que recuerdan a las mejores bandas del movimiento de los 60 en San Francisco.

Producido por Skip Drinkwater y Bruce Steinberg en 1974 para Polydor, el álbum contiene 10 maravillas en las que Link Wray es el compositor de casi todas las canciones. Los músicos que lo acompañan son John Dzerigian a la guitarra, un conocido por nosotros como Boz Scaggs (guitarra), Mark Jordan (piano), Rick Shlosser (batería), Tom Rutley (bajo) y Joe Crane que lo acompañó en una nueva versión de su “Rumble” al bajo.

Es digno de mención la aportación de Bernie Krause al sintetizador en el tema “Good Time Joe”, conocido mundialmente por grabar el sonido natural del mundo y su proyecto “Wild Sanctuary”. Un tema que transporta a paisajes sonoros que no pasan desapercibidos. En otros cortes como “I Got a Rumble”, Link crea una canción con una dedicatoria que reza en el disco: “Dedicado a la memoria de Duane Allman”. Es de suponer que Link influenció de algún modo en la corta, pero brillante carrera del virtuoso guitarra sureño.

Otros temas del disco como “Rockett 88”, “Walkin´ Bulldog”, “Backswoods Preacher Man” etc… nos muestran a un guitarrista serio y con recursos, apasionado, y lleno de música.

En la contraportada del álbum podemos leer un extenso artículo elaborado por Pete Townshend, que nos explica su acertado punto de vista tanto en el análisis del disco, como su relación musical y sus experiencias. Link Wray fue un músico muy querido por generaciones posteriores y una gran influencia para muchas de las estrellas que años más tarde despuntaron en la historia del rock and roll. Link falleció en el año 2005, pero nos quedó su extraordinaria música y su especialísima forma de tocar la guitarra, una preciosa Yamaha SG-2 de la que era inseparable.

Siempre vestido con ropa de cuero negra y su característico tupé rocker, escuchar a Link Wray es un placer.

FANNY – FANNY 1970 (Reprise)

Por Javier Torres.

“El primer grupo de rock formado por mujeres”

Así, con esta contundente frase, define la gran mayoría de biografías a “Fanny”, una legendaria banda de rock compuesta por féminas.

Aunque hubo formaciones anteriores, ninguna de ellas había abordado el rock de una manera tan explosiva como Fanny, que debuta en la escena musical de 1970 con este primer álbum homónimo. En 1969 ya habían experimentado bajo el nombre de “Wild Honey”; pero no sería hasta 1970 cuando comienzan su carrera por el complejo mundo del rock and roll. El grupo lo forman las hermanas de origen filipino June Millington (guitarra y voz); Jean Millington (bajo y voz) Alice De Buhr “California” (batería) y Nicole Barclay “Washington DC” (teclados).

Este primer disco producido por Richard Perry para la filial de la Warner, – Reprise Records -; supuso todo un acontecimiento dado sus continuas actuaciones en el pub Whisky a Go-Go de Los Ángeles, estando respaldadas por leyendas del rock como George Harrison, Ringo Starr, Deep Purple, The Rolling Stones, The Kinks, The Who, Rod Stewart o David Bowie. Todos ellos clientes asiduos del histórico local, intentaron que las Funny llegaran a lo más alto de la industria musical por su calidad y su buen hacer para el rock.

Banda inédita hasta la fecha e inusual para su época, sorprenden a los críticos musicales del momento, incluso muchos de ellos no saben como abordar el tema. Se encontraron con un público desorientado y el camino no les resultó fácil, al menos al principio. En Inglaterra “fanny” significa “coño” – vulgarmente hablando – y este aspecto les causó más de un problema. El disco contiene once canciones con autoría de las hermanas June y Jean, en dónde exponen un estilo inconfundible y perfectamente ejecutado, con buenas voces y armonías vocales, además de una poderosa sección rítmica. En todo momento nos demuestran que son músicos excelentes.

Del álbum rescatamos una magistral versión del “Badge” de Cream, para muchos, el mejor cover registrado hasta la fecha. Temas como “Shade Me” o “Just Realized” recuerdan a grandes formaciones del momento como Free o The Faces entre otras. Baladas con perfectas armonías vocales y un toque femenino que las hacía únicas como “Conversation with a cop” son de los mejores temas de este primer elepé.

La fotografía del álbum obra de Don Lewis, con el grupo de espaldas y agarradas caminando hacia adelante, es todo un síntoma de un paso al frente, un logro y una prueba más que superada. Desde este blog queremos rendir homenaje a estas chicas y geniales músicos. Y las vitoreamos.

El 29 de Diciembre de 1999, David Bowie declara para la revista Rolling Stone:

«Una de las bandas femeninas más importantes del rock estadounidense ha sido enterrada sin dejar rastro. Y esa es Fanny. Fueron una de las mejores bandas de rock de su tiempo, alrededor de 1973. Fueron extraordinarias: escribieron todo, eran colosales y maravillosas, y nadie las mencionó nunca. Son tan importantes como cualquiera que haya sido alguna vez; simplemente no era su tiempo. Revivir a Fanny. Y sentiré que mi trabajo está hecho «.

Juzguen ustedes.

Les Dudek – Say No More (CBS 1977)

Les Dudek es uno de los grandes guitarristas americanos, pero su carrera pasó desapercibida para el público europeo. Con este artículo vamos a intentar rescatar del olvido “Say No More”, un disco de 1977 que a mi juicio merece el mayor de los elogios.

Les nace en 1952 en la Estación Naval Aérea de Quoinset Point (Rhode Island) perteneciente al estado norteamericano de Nueva Inglaterra. Pero solo permanece allí hasta los seis años de edad, momento en que su familia se traslada al sur de Florida.

Como sucede en otros muchos casos de guitarristas ilustres, Les Dudek comienza a tocar desde su adolescencia y es influenciado por grupos como Cream o Jimi Hendrix. Su trayectoria musical se inicia formando parte de un elevado número de bandas, consiguiendo una gran reputación. El talento desbordante de Les no pasa inadvertido para The Allman Brothers Band, cuando deciden contar con él – sobre todo Dickey Betts – para colaborar en el histórico “Brothers And Sisters” de 1973, ya sin el legendario Duane Allman en sus filas.

Dudek nos dejó solos de guitarra inmortales, como en el inolvidable “Ramblin’ Man” y una colaboración acústica en la célebre canción “Jessica”, de los Allman Brothers. Pero nunca obtuvo el reconocimiento que merecía, – especialmente por parte Dickey Betts – con el que tuvo varias disputas a lo largo de los años por la composición de “Jessica”.

Les logró convertirse en un reputado guitarrista en el círculo de las bandas sureñas de entonces, y se integró con músicos de la talla de Boz Scaggs o Steve Miller. En 1976, la prestigiosa casa CBS se fija en él para iniciar su carrera en solitario, primero con el álbum “Les Dudek” y luego con éste su segundo y espléndido “Say No More”, que a día de hoy podemos catalogar como un clásico en toda regla.

Producido por Bruce Botnick para la Columbia en 1977, el LP se grabó en los emblemáticos Capitol Studios de Hollywood, donde se gestan muchas de las mejores de grabaciones de la historia. Incluye nueve temas compuestos por el propio Les, que van desde el más puro rock sureño pasando por el blues rock e incluso otros temas con connotaciones jazz rock o funk. Para la realización del LP, Les Dudek (guitarra y voz) contó con un gran elenco de músicos como Alan Feingold, David Paich y Ted Straton (teclados), el genial batería Jeff Porcaro, Gerald Johnson (bajo), Kevin Calhoun, Reymondo y Pat Murphy (percusión), y un coro femenino de “ruiseñores” – tal y como indica en el interior del disco – formado por Sherlie Matthews, Rebecca Louis, y Clydie King, entre otros muchos de sesión.

Dentro del elepé nos encontramos con excelentes canciones como “Old Judge Jones” de claro estilo sureño, un marcado funky “What´s It Gonna Be”, el exquisito y dulce acústico “I Remember” o el aire jazzístico de “Zorro Rides Again”. Uno de los puntos álgidos llega con “Avatar”, tema imprescindible con buenos riffs y una magnífica sección rítmica a la que acompaña con acierto el coro vocal.

En la portada del disco podemos contemplar una foto obra de David Stahl, en la que aparece Les Dudek con su mítica guitarra Gibson Les Paul, al lado de la sobrina del popular actor Telly Savalas, recordado por su papel en la serie “Kojack”.

Dudek continua participando en multitud de conciertos y publicando discos en solitario. Es un músico referente, que se mantiene en muy buena forma y nos deleita con su virtuosismo a la guitarra.

Allen Toussaint – Life, Love And Faith (Reprise – 1972)

De Nueva Orleans se puede afirmar que es una de las ciudades con más tradición musical de los Estados Unidos, debido a la diversidad de culturas que en ella se asentaron a lo largo de su historia, al igual que el estado de Louisiana al que pertenece Allen Toussaint.

De ésta evocadora urbe surgieron músicos de gran talento, como el legendario Louis Arsmtrong, Fats Domino, Champion Jack Duprée, el Professor Longhair, Dr. John o el inigualable trompetista Wynton Marsalis.

Allen Toussaint es también uno de sus hijos más reconocidos, con una inmensa labor como compositor, arreglista, pianista y productor. Nace un 14 de julio 1938 en un barrio muy popular de Nueva Orleans. Por mediación de sus padres se alimenta de la música que escucha durante su infancia, logrando despuntar con tan sólo 17 años de edad. Toca con varios grupos durante los años 50, y sería en 1958 cuando graba su primer álbum instrumental titulado “Tousan”, en el que destaca el tema “Java”.

En los 60 se dedica plenamente a la composición de canciones para innumerables artistas y a la producción para músicos de gran potencial como Irma Thomas o Aaron Neville entre otros muchos. En la década de los 70 decide grabar en solitario publicando sus dos primeros y sobresalientes discos. En 1972 llega este “Life, Love And Faith”, tercero en su discografía. También supone un ansiado regreso bajo la idea de trabajar con los “Metters”, uno de los grupos funk más importantes de la época. En el año 2006 se redita el disco por el sello Water, que tiene su sede en San Francisco (California).

Love, Life And Faith sale a la luz en 1972 y fue producido por el propio Allen Toussaint (piano, guitarra acústica y voz). Grabado en los estudios “Jazz City Recording” de New Orleans para el sello Reprise, consta de 12 pistas y todas son composiciones suyas. Para la realización del elepé cuenta con la colaboración de los integrantes de los Metters en su base rítmica: Joe “Zigaboo” Modeliste (batería), George Porter (bajo), Leo Neocentelli y Vincent Toussaint (guitarras), este último miembro de la familia de Allen.

Otros músicos de respaldo que también colaboraron fueron: Walter Payton (bajo) Joe Lambert (batería) Alfred Roberts y Squirrel (congas) y una nutrida sección vientos: Gary Brown, Alvin Thomas y Red Tyler (saxos) y Clyde Kerr y Francis Rousselle (trompetas). Los acompañamientos vocales son también una parte esencial de este mítico disco.

Con un marcado estilo funk – diremos que muy característico – Allen nos deleita con doce clásicos temas como “Victim Of The Darkness”, “Out Of The City (Into Country Life)” con unos soberbios arreglos vocales, la balada “On Your Way Down” o los experimentos con el jazz a los metales con “Electricity”. Otras pistas de obligada referencia son “She Once Belonged To Me”, de clara tendencia al soul, “Goin´Down” o “Soul Sister”, que la resaltaremos como una de las más bellas del LP.

Allen Toussaint es un músico imprescindible que nos dejó un personalísimo trabajo, dónde se pueden apreciar sus magníficas cualidades y su sensibilidad. En la actualidad, tiene una posición privilegiada en el panteón de los mejores músicos norteamericanos.

“Vida, amor y fe”….

Jimmy Smith – Jimmy Smith Live! Root Down – (Verve 1972)

Hablar de Jimmy Smith es hablar de uno de los mejores organistas de jazz de todos los tiempos. Así de simple es nuestro punto de vista sobre este músico americano. Nacido en Norristown, en el estado de Pensilvanya en 1928, Jimmy es un niño prodigio con un talento innato para la música provocado por tradición familiar. El pequeño Jimmy se especializa en el uso del órgano y en particular, en el conocido “Órgano Hammond”, allá por los 50.

Comienza su carrera tocando estilos que van desde el rythm and blues al hard bop o el jazz, y pronto se hace con un lugar destacado en el ambiente jazzístico neoyorquino. Y es en la ciudad de los rascacielos y capital del jazz, dónde ficha por el histórico sello discográfico Blue Note. Años más tarde trabaja con Verve, tocando con varios de los músicos más célebres de este género, como los guitarristas West Montgomery o Kenny Burrell, los saxofonistas Lou Donalson o Stanley Turrentine y el trompetista Lee Morgan entre otros muchos míticos de los 60.

Jimmy Smith es un músico incansable y prolífico donde los haya. Explora como todo músico de jazz que se precie, la búsqueda de sonidos y de diferentes estilos. De él, fluye una energía desbordante y se decanta primero por el soul y el funky jazz de los setenta. Con su genial música influyó a generaciones venideras, donde se puede apreciar éste tipo de música fusión.

Centrándonos en el álbum en directo, Root Down se graba durante su estancia en la costa oeste americana. Las grabaciones se registran un 9 de febrero de 1972 en el “Bombay Bicycle Club”, un pequeño club de Los Ángeles, convirtiéndose meses después en un clásico y vigoroso disco de jazz funk. Producido por Eddie Ray, originalmente contenía 6 temas, añadiéndo en la redición del año 2000 una pista más y otros no editados en su momento.

Jimmy Smith (órgano hammond), estuvo apoyado en una espectacular banda formada por Arthur Adams (guitarra), Wilton Felder (bajo), Paul Humprey (batería), Buck Clarke (congas y percusión) y Steve Williams (armónica).

El elepé comienza con un movido “Sagg Shotin´His Arrow”, puro instrumental y con un magistral Arthur Adams a la guitarra, respaldado por un Jimmy Smith demoledor y una grandísima sección rítmica. Inesperadamente giran hacia un bello tema titulado “For Everyone Under the Sun” más bien de estilo soul jazz, alternando la guitarra y el órgano. A continuación, demuestran su virtuosismo en el estándar de blues “After Hours”, obra del mítico pianista de Alabama Avery Parish.

“Root Down” es la marca que deja huella en el disco. Funky jazz en estado puro, con más de 12 minutos soberbios (en la edición del 2000) y que da el nombre al LP. Lleno de improvisación, wah-wahs, un Jimmy soberbio y una excelente sección rítmica. Esta canción también sirvió mediados los 90 a la reconocida banda de Nueva York “The Beasty Boys “, para incluirla en un disco dónde se situó como uno de sus temas más conocidos.

Una impecable versión del “Let´s Stay Together” de Al Green, anima y hace cómplice al público presente esa noche, con ovaciones sonoras hacia el guitarrista a mitad del tema y por supuesto, también a su terminación. Para finalizar, otro tema funky de larga duración “Slow Down Sagg”, dónde se refleja la fuerza de éste estilo y la grandeza de unos músicos inolvidables que nos dejaron una actuación para la posteridad.

Concluyo este análisis con la frase que reza en la parte trasera del disco: “Jimmy Smith forma parte esencial del jazz moderno. En sus primeros años en Nueva York el enfoque veloz de sus dedos define el papel del instrumento con un éxito sin precedentes”.

Ya sobran las palabras.

Eric Clapton – Just One Night (RSO 1980)

Este magistral doble álbum en directo mezcla de rock y blues, fue la carta de presentación de Eric Clapton en una de las décadas más difíciles para estos géneros. A finales de los 70, comienza el declive del blues y el rock, originado esto por las nuevas corrientes musicales y los diferentes estilos, como el pop más puro y comercial.

“Backless”, su último disco grabado en estudio hasta esa fecha, provoca que Clapton y su banda se embarquen en una nueva gira mundial, llena de éxitos y con “manolenta” en estado de gracia. Esta gira que comenzó en el mes de marzo en Irlanda, salta tiempo después a los Estados Unidos, dónde Clapton se instala durante la primavera y los inicios del verano. Tras un parón en septiembre regresa a Europa, tocando en países como Inglaterra, Polonia, Austria, Alemania o la extinta Yugoslavia.

Para llegar al lugar dónde se grabó el disco, Clapton y su grupo viajan en otoño por Israel y Asia, pasando por Filipinas, Tailandia y Hong Kong, recalando finalmente en el imperio del sol naciente. En el interior del elepé, podemos apreciar una reseña que Clapton deja el 12 de marzo de 1980 <<una gira por Japón es algo a lo que siempre me acerco con sentimientos encontrados…”>> entre otras frases que se aproximaban a la realidad del país nipón. También destacaremos la ilustración de Ken Konno y las fotografías, que fueron obra de Dave Brown y Koichiro Hiki.

Para la realización del LP, Clapton cuenta con la colaboración de una poderosa banda, – perfectamente engrasada – que tocó las frías noches del 3 y 4 de diciembre en el “Budokan Theatre” de Tokio. De obligada referencia, es su mención: Henri Spinetti (virtuoso batería) el mítico Chris Stainton (teclados), Dave Markee (bajo) y un enorme Albert Lee con Eric Clapton a las guitarras y voces. De la producción se encargó Jon Astley, para el histórico sello de la vaca roja “RSO” (del  productor musical Robert Stigwood), y se publica en abril de 1980.

Con 14 pistas espléndidas, el disco abre con “Tulsa Time”, una canción de su último trabajo y con unos ritmos claramente marcados por el “tulsa sound”. Seguidamente y como norma del álbum, Clapton enlaza con un blues tradicional “Early In The Morning”, con una excelente slide.

En la primera parte del LP reflejan temas emblemáticos como el country de “Lay Down Sally”, la bella balada “Wonderful Tonight” y una gran versión del “If Don´t Be There By Morning”, de Bob Dylan. El blues más puro vuelve a hacer acto de presencia con el clásico atemporal de Maceo Merriweather “Worried Life Blues”, “All Our Past Times” y el “After Midnight” de J.J Cale con el que concluyen esta cara A.

La segunda parte abre con “Double Trouble”, un tremendo blues de impecable factura, propiedad del zurdo Otis Rush. “Setting Me Up” es una composición de Mark Knopfler procedente del magnífico debut de los Dire Straits, a la que Albert Lee pone la voz y su estupenda guitarra Telecaster.

El tramo final del show en el teatro japonés no tiene desperdicio alguno. Nos obsequian con cuatro canciones de auténtico infarto y nos demuestran el porqué Eric Clapton es uno de los héroes de la guitarra más grandes que ha dado la música. Ofrece una descarga  memorable en temas como “Blues Power”, el clásico “Rambling On My Mind” de Robert Johnson o el soberbio “Cocaine”, intercambiando la guitarra Clapton primero y Albert Lee después. Para poner punto y final “Further On Up the Road”, otra de las canciones preferidas de Eric en sus conciertos en directo. Just One Night fue muy bien acogido por el público y la crítica en 1980. Alcanzó puestos relevantes en las listas, tanto en las americanas, como en las inglesas. En 1981, ya fue distribuido por la Polydor Records.

Clapton y su famosa guitarra “blackie” del 57, inmortalizaron junto a una excepcional banda este show  hace ya 35 años. Se convirtió en uno de los álbumes más legendarios de su tiempo, porque a mi juicio, jamás tuvieron miedo de las nuevas tendencias musicales. Regresaron al blues más puro, acompañados por uno de los dioses de la guitarra.

One, two, three…..

Boz Scaggs – Boz Scaggs (Atlantic 1969)

Compositor, guitarrista, vocalista, y compañero inseparable de Steve Miller en los años 60. Una gran carta de presentación la de Boz Scaggs, que también colaboró poniendo su voz en dos discos históricos de la Steve Miller Band. Y en 1969, Boz graba este magistral álbum homónimo, que considero como imprescindible en su carrera.

Natural de Ohio, Boz Scaggs se traslada a Texas siendo tan sólo un adolescente y coincide en la escuela con Steve Miller. Rápidamente surge una estrecha amistad que les llevaría a estudiar juntos en la universidad. Durante esta etapa de su vida se empapó de blues, pero sobre todo de la música tradicional americana. En 1965, Boz se embarca en una aventura musical por Europa, estableciendo su base en Inglaterra y Suecia, dónde graba su primer álbum en solitario, obteniendo algún éxito pero escasa repercusión. Durante este tiempo adquiere conocimientos sobre el “British Blues” y otros estilos, y por fin, Steve Miller decide contar con él para su nueva formación, con la que edita dos álbumes emblemáticos en la era psicodélica del San Francisco de 1968.

Su facilidad innata para componer canciones, y su especialísima voz, no pasan desapercibidas para el sello discográfico Atlantic Records. En 1968, es fichado para esta gran compañía, comienza a grabar con la Muscle Shoals de Alabama y con el legendario guitarrista Duane Allman, por aquella época miembro permanente de la “Muscle Shoals Rythm Section”.

Centrándonos en el disco, se publica en 1969 y lo produjo Boz Scaggs, Jan Wenner y Marlin Greene. Se graba en los estudios “Muscle Sounds Sound Recorders” de Alabama. La Atlantic Records cuenta con un gran número de excepcionales músicos que participan de este elepé: Duane “Skydog” Allman (dobro, slide y guitarra), Boz Scaggs, Eddie Hinton y Jimmy Johnson (guitarras), Barry Beckett (teclados), David Hood (bajo) Roger Hawkins (batería) y Al Lester (violín).

Como ya era habitual en la Atlantic Records, una excelente sección de vientos apoya en todo momento a estos virtuosos músicos, entre los que se encuentran Charles Chalmers y Floyd Newman (saxos) Ben Cauley (trompeta), Gene «Bowlegs» Miller (trompeta y trombón) y Joe Arnold y James Mitchell (saxos). Para poner la guinda final a este carrusel interminable de instrumentistas, es de obligada referencia mencionar los coros femeninos: Jeannie Greene, Donna Thatcher y Mary Holiday por un lado, y Tracy Nelson, Irma Routen y Joyce Dunn para otros temas.

Como dato curioso, destacar que el disco y su estilo se catalogaron como «Blue – Eyed -Soul», que viene a significar coloquialmente hablando «Soul hecho por blancos».

El LP contiene 9 temas compuestos por Boz Scaggs salvo algunas excepciones. Abre con un movido «I´m Easy» y continúan con el clásico de clásicos «I´ll Be Long Come«, una de las baladas más bellas de la época. Te deleitan con canciones delicadas como «Another Day (another letter)« y el country de «Now You´re Gone« dónde se disfruta de los coros y del sonido del violín.

Las canciones que le siguen, mantienen en mayor o menor medida una línea similar a las anteriores y son «Finding Her« y «Look What I Got«, ésta vez con Duane Allman imprimiendo su calidad al dobro. En «Waitin For A Train«, Boz Scaggs nos traslada a las viejas películas del Oeste y a aquellas canciones de la guerra de secesión, muy bien interpretadas.

El punto álgido del disco llega con un triste blues  “Loan Me A Dime”, propiedad del bluesman Fenton Robinson. Con más de doce minutos de duración, Boz Scaggs realiza una espléndida versión con su voz, apoyado en una sección rítmica perfecta y el virtuosismo de Duane Allman, que nos dejó uno de los riffs de guitarra más recordados de su corta, pero intensa carrera. Concluyen con “Sweet Release”, una canción con unos coros sobresalientes, al igual que el resto de la banda.

El diseño y las fotografías de la portada e interior del LP fueron obra de Stephen Paley, y se observa la simpática imagen de Duane Allman completamente desnudo, con un sombrero en la cabeza y tapándose sus genitales, entre otras de los músicos más representativos. En su día, este disco pasó con más pena que gloria por los ojos de la crítica especializada. Han tenido que pasar más de 45 años para que lo considerasen una obra de culto. Una obra básica para los amantes de la época dorada del rock y para los seguidores de Boz Scaggs y del gran Duane Allman.

Boz Scaggs inició con este LP su período de esplendor. En la actualidad y a sus 66 años, es uno de los grandes héroes de la música americana.

Ted Nugent – Free For All (Epic 1976)

Originario de Detroit, ciudad situada al norte de los EEUU y famosa por la fabricación de automóviles, esta gran urbe también ha sido cuna de ilustres músicos como el guitarrista Ted Nugent. En 1965 y siendo tan sólo un adolescente, el joven Ted entra a formar parte de “The Amboy Dukes”, una de las bandas psicodélicas más populares de su zona. Comienza así a forjar su leyenda cuando en 1967 publican su primer disco, convirtiéndose en una de las formaciones de rock duro más primitivas que se recuerdan.

Tras dejarnos cuatro álbumes clásicos del rock, en 1970 pasa a liderar su grupo bajo el nombre de “Ted Nugent & The Amboy Dukes”, continuando así otro período con tres elepés más grabados hasta 1974. Concluida esta etapa, Ted decide seguir en solitario para iniciar una exitosa y prolífica carrera, dando un giro radical en su música, a la que dota de ritmos mucho más poderosos: Ted realiza una explosiva mezcla de rock and roll y heavy metal.

Centrándonos en el álbum, “Free For All” pasa a ser el segundo en su discografía en solitario. Publicado en 1976, se graba para el sello Epic e incluye 9 temas. De su producción se encargó por Tom Werman, Cliff Davies y Lew Futterman.

Como ya es habitual, haremos mención a la espectacular banda de Ted Nugent (guitarra solista, rítmica, bajo) que pone voz a la canción que da título al disco. Por allí estaba Cliff Davies, un histórico batería inglés procedente del grupo If, Rob Grange (bajo), Steve McRay (teclados) y Tom Werman (percusión). Derek St. Holmes sería en un principio el responsable de la voz, pero por disputas con Ted, sólo graba dos canciones y se aleja a media grabación, sustituyéndolo un jovencísimo Meatloaf, que graba el resto de temas excepto uno, ya citado anteriormente.

Abre el LP “Free-For-All”, con el que nos preparan para un electrizante viaje por el estilo único y contundente de Nugent. Entre otros cortes magníficos y riffs extraordinarios, continúan con “Dog Eat Dog” y un extenso “Writing On The Wall”, ésta vez con Meat Loaf a la voz. Con unas letras muy atrevidas, llega el genial “Street Rats” y la balada “Together”, que hizo suya Meat Loaf.

El resto de pistas que completan el LP son “Light My Way” – que desprende una energía sorprendente -, y “Hammerdown”, compuesta por el propio Ted. Y para finalizar “I Love You So I Told You A Lie”, todo un hit de los más recordados del disco. Sus peculiares atuendos también pasaron a formar parte de la historia del rock and roll, junto a sus míticas guitarras Gibson Byrland elaboradas por Paul Smith. Éstas quedaron inmortalizadas en la portada del disco, con un gran montaje fotográfico obra de Houghton / SteinBicker y diseño de Paula Scher.

Ted Nugent siempre ha sido un ejemplo de trabajo y el mejor espejo para un número considerable de músicos a los que influenció. Artista de una gran humildad, nos dejó gloriosos discos de estudio y magistrales shows en directo. A sus 65 años, sigue ofreciendo conciertos y se mantiene en plena forma. Nugent es un músico legendario. Dedicó este álbum con la siguiente frase:

“A todos ustedes compadres a quienes yo llamo amigos. Estoy contento de teneros conmigo, porque estamos aquí de nuevo”…

Elvin Bishop – Raisin´Hell (Capricorn Records 1977)

Nacido en Tulsa, Oklahoma, 1942, en su adolescencia se traslada con su familia a Chicago para cursar estudios universitarios. Y es en la ciudad del blues dónde conoce a un magnífico vocalista y armonista llamado Paul Butterfield, músico que le vale de inspiración para el resto de su vida.

Tiempo después, Elvin Bishop forma parte de la Paul Butterfield Blues Band como guitarrista rítmico, junto a otros grandes artistas como Mike Bloomfield. Permanece cinco años en la Paul Butterfield Blues Band y graba álbumes imprescindibles durante esta etapa como “The Resurrectión Of Pigboy Crabshaw” – título curioso siendo éste su apodo – supliendo a Mike Bloomfield a la guitarra principal cuando éste abandona la banda para formar The Electric Flag.

En 1969, se muda a San Francisco y forja su leyenda creando su propio grupo. También colabora en discos esenciales del rock como “The Allman Brothers Band Live Fillmore East” o “The Live Adventures Of Mike Bloomfield And Al Kooper”. Al margen de esto, participa en innumerables jams y conciertos históricos del rock californiano, incluidas incursiones con un gran número de músicos de blues.

Tras obsequiarnos con una antológica serie de álbumes en solitario, Raisin’Hell se convierte en el octavo y primer ¡Live! de su carrera, obteniendo un éxito sin precedentes. Todos los temas están compuestos por Elvin Bishop salvo algunas excepciones.

Publicado en 1977, el elepé se graba en los meses de marzo de 1976 y febrero de 1977, en varias localizaciones diferentes y escenarios emblemáticos como “The Roxy”, el “Santa Monica Civic Auditorium”, el “Old Waldorf”, “Civic Theatre” de San Diego o el mítico “Alex Cooley´s Ballroom”. En 2012 y bajo el sello BGO Records, se remasteriza con un sonido espectacular.

Producido por Allan Blazeck, éste excelente doble LP cuenta con un elevado número de músicos, siendo una referencia obligada su mención: Elvin Bishop (guitarra y voz), Don Baldwin (batería), Michael “Fly” Brooks (bajo), Debbie Cathey (coros), Melvin Seals (sintetizador, órgano y piano), Bill Slais (saxos), Reni Slais (voces), Mickey Thomas (voces) y un extraordinario guitarrista llamado Johnny Vernazza.

Toda esta selección de sensacionales músicos, se encuentra apoyada por una gran sección de vientos formada por: Chuck Brooke, Bob Claire, Dave Grover y Bill Lamb, acompañados de estrellas invitadas como Mic Gillette, Steve Kupka y Greg Adams del grupo Tower Of Power.

El disco contiene 15 canciones de auténtico vértigo desde el primer minuto, iniciando con “Raisin´Hell” que da nombre al elepé, de ritmo endiablado, le sucede el clásico “Rock My Soul”. A continuación, temas marca de la casa como “Calling All Cows”, “Juke Joint Jump” o “Hey, Hey, Hey, Hey” entre otros. El punto álgido llega con “Fooled Around And And Fell In Love”, una de las baladas más memorables de su tiempo, en la que Elvin realiza un genial solo de guitarra, respaldado por unos coros formidables.

El arte del blues se siente en pistas como “Little Brown Bird” de Muddy Waters, e incluso se atreve con el funk en “Struttin´My Stuff”. Un estilo totalmente sureño se aprecia en “Travelin’ Shoes” – otro de los himnos del álbum – destacando al guitarrista Johny Vernazza. Finalizan con un medley compuesto por tres pistas: “Medley: Let The Good Times Roll/ A Change Is Gonna Come/ Bring It On Home To Me”, versionando a Sam Cooke.

Y así concluye el disco que consagró al obispo del rock, elevándole a lo más alto de las listas musicales de los 70. En la actualidad Elvin Bishop sigue activo y es considerado un mito. Con su carácter divertido y peculiar indumentaria, este músico no deja de sorprendernos desde hace ya, 50 años.

Muchas gracias, excelencia reverendísima!!!!