J. Geils Band – «Live» Full House

“Live” Full House de 1972, es un explosivo directo de los norteamericanos J. Geils Band. Originarios de Boston, funcionan en conjunto como una máquina perfectamente engrasada en la que rara vez falla una pieza, en la que todos aportan, en la que cualquiera puede ser decisivo y en la que todos sus integrantes son importantes.

Y las piezas que nos dejaron este  Live, fueron: Peter Wolf (voz), Stephen Bladd (batería), el incomparable armónica y uno de los protagonistas del disco, Magic Dick, J. Geils (guitarra), Seth Justman (teclados, voz) y  Danny Klein (Bajo).

Tercero de su discografía consta de ocho temas, en su mayor parte acertadísimas versiones como “Homework” del bluesman Otis Rush, “It Serves You Right to Suffer” de John Lee Hooker, o el “First I Look at the Purse” de Smokey Robinson. Con una duración de cuarenta minutos, se hacen cortos,  pero que llegan a ser lo suficientemente intensos como para reflejar toda la potencia y energía que desprende el rock.

Inician con las  trepidantes “First I Look at the Purse”, y Homework”, continúan con “Pack Fair and Square”, marcada por la armónica de Dick. Llegan al instrumental “Whammer Jammer”, con el mago de la armónica  Magic Dick como protagonista y haciendo gala de su gran virtuosismo. Te absorberán  con un poderoso Hard Drivin’ Man, y el aire blues de “Serves You Right to Suffer”,  para finalizar con pura dinamita: “Cruisin’ for a Love” y  “Lookin for a Love”.

La curiosa portada del disco, en la que la reina de corazones parece guiñar un ojo, es la nota divertida y anecdótica de este álbum. Todavía nos estamos preguntando porqué… La J. Geils Band, bebió de diferentes géneros musicales como el soul, el blues y rhythm and blues, y con este “Live” Full House, elevaron todavía más al rock a la categoría de arte.

Que Dios os bendiga… ¡¡¡Peligro, Rock And Roll!!!

Jeff Beck Group – Truth (Epic 1968)

Jeff Beck fue el sustituto de Eric Clapton en los Yardbirds. Esta  legendaria banda, se convierte en un nido de guitarras por dónde pasaron el propio Eric, Jeff Beck y Jimmy Page. Ha sido un grupo fundamental de la que se llamó «Invasión Británica» durante los 60, y como curiosidad, llegaron a salir en el film del director italiano Michelangelo Antonioni  “Blow Up”, interpretando un tema junto a un jovencísimo Jimmy Page en un famoso club de Londres en 1966:

Poco después, Jeff  abandona  este grupo esencial del rock para formar la “Jeff Beck Group” en 1967. La formación de esta banda, bajo la producción de Mickie Most (que ya había apadrinado a grupos como The Animals o Donovan), sirve como plataforma para conocer a  estrellas de la talla de Rod Stewart, Ron Wood, Mick Waller, y ayudantes de lujo como John Paul Jones o el excelente pianista Nicky Hopkins.

“Truth” fue el álbum debut de la banda. Comienza en su cara A con una versión del “Shapes Of Things” de los Yardbirds, mucho más orientada al rock duro y con toques psicodélicos, nos da una idea de lo que se avecina. “Let Me Love You”, es uno de los temas antológicos del disco, en dónde se disfruta de una primeriza voz bluesera de Rod Stewart para la historia del rock, apoyado en la guitarra de Jeff Beck. También sobresaliente Ron Wood al bajo y Mick Waller (batería).

“Morning Dew” es una muestra de la extraordinaria sincronía de una banda en plena evolución, con unas singulares gaitas añadidas al principio y al final. En el clásico compuesto por Willie Dixon “ You Shook Me”,  ejecutan un  blues  rudo, con el piano de un Nicky Hopkins soberbio. Y para finalizar, el estándar  “Old Man River”, vieja canción de los años veinte interpretada especialmente por Rod Stewart, tocando Jeff el bajo y John Paul Jones el órgano.

La cara B arranca con la acústica y tranquilizadora “Greensleeves” para pasar a un duro “Rock My Plimsoul». Seguidamente, uno de los más populares en la carrera de Jeff, el  “Beck´s Bolero”, maravillosa canción que bajo la influencia de “Bolero”, de Maurice Ravel, concibe un tema sin precedentes en la historia de la música rock. Como sorpresa, colaborando con Beck en esta canción se encuentra Jimmy Page,  creador del tema y que usa una guitarra de doce cuerdas, Keith Moon de los Who (batería), y John Paul Jones (bajo) junto a Nicky Hopkins.

“Blues de Luxe”  nos lleva al blues más puro, esta vez en una grabación en directo y de larga duración que se incluye en el disco. Finalizan con el clásico “I Ain´t Superstitious” del bluesman Howlin’ Wolf.

En el año 2006 sale una edición remasterizada con siete temas extra, alguno que no se publicó en su día y temas repetidos alternativos junto algunos singles anteriores.

La primera agrupación “The Jeff Group” se deshizo en 1969, después de la gira americana de su segundo y último álbum “Beck-Ola”. Perdieron así la oportunidad única de tocar en el mítico festival de  Woodstook’69 y colocarse en lo más alto. Han sido unos precursores del sonido hard-rock y allanaron el camino para los históricos “Led Zeppelin”. Varios de los integrantes principales de la “Jeff Beck Group” , siguieron carreras en importantes bandas a lo largo de los años como los “Faces” o “The Rolling Stones”.

Jeff Beck es un visionario del rock. Nunca estuvo encasillado en ningún género en concreto. Y después de una dilatada carrera sigue siendo un guitarrista peculiar, único e irrepetible… ¿Verdad?

Festival Express 1970

Durante el verano de 1970, varias bandas de rock toman un ferrocarril para viajar por diversos estados de Canadá. Cuando el tren se puso en marcha, le llamaron Festival Express. 

A bordo se encuentra una legendaria lista de pasajeros: The Band, Janis Joplin, Grateful Dead, Buddy Guy Blues Band o Delaney & Bonnie & Friends, junto a otros que les acompañan en sus actuaciones como Ian & Sylvia and Great Speckled Bird Band, The Flying Burrito Brothers, Mashmakhan y Sha Na Na.

Con el mismo espíritu que en Woodstock’ 69, presentan “Festival Express” estos grupos de rock. A lo largo de cinco días, viven duermen y ofrecen conciertos en el interior del ferrocarril. También hacen otras muchas cosas… en el tren de los excesos reina el alcohol, las drogas y el LSD. Se detienen en diferentes ciudades, como Toronto, Winnipeg, Calgary, y Vancouver, realizando en cada parada un concierto. Nunca llegaron a su destino en Vancouver, era imposible…

Inicia este documental entre anécdotas y entrevistas a sus participantes, que hacen su primer alto en el camino  en Toronto. Y la misión de abrir el festival corre a cargo de Grateful Dead, capitaneados por el descendiente de gallegos Jerry García,   interpretando «Don’t Ease Me In». Todo esto en medio de un ambiente muy tenso y de un público exaltado, que consideró abusivo el precio de dieciséis dólares por acceder al festival.

Para calmar los ánimos, Jerry Garcia y sus Grateful Dead cogieron sus equipos de sonido y ofrecieron un concierto gratuito en un parque cercano llamado Coronation Park. Seguidamente le tocó el turno a The Band con «Slippin’ And Slidin’” con un Robbie Robertson espectacular. Se embarcan de nuevo hacia la siguiente ciudad, y observaremos un mini-concierto dentro del tren con Jerry Garcia tocando «Better Take Jesus’ Hand».

Y ya en Winnipeg, la genial actuación de Buddy Guy y su incombustible banda de blues con “Money”… sin palabras, los Flying Burrito Brothers dan muestra de su excelente country-rock con “Lazy Day». De nuevo The Band, nos regala el célebre “The Weight”, y al que consideramos patrimonio de la humanidad.

Cae la noche y uno de los momentos más especiales se produce durante la actuación de Janis Joplin con «Cry Baby». Su potente voz se apagó para siempre tres meses después. “Festival Express”,  es uno de los mejores documentos visuales en  dónde mejor podemos apreciar a esta mítica cantante del blues rock.

(Con dirección a la siguiente ciudad, realizan un STOP para comprar bebidas…)

 En Calgary hubo espacio para la diversión a cargo del grupo Sha Na Na,  que también tuvo su papel en Woodstock’69, realizando un simpático rockabilly, con unas coreografías algo caóticas… Siguen los Grateful Dead, con «New Speedway Boogie«, excelente jam. Continua Ian & Sylvia & The Great Speckled Bird, y The Band con su emotivo “I Shall Be Released”. Para poner el punto y final, otra vez Janis Joplin con su potente “Tell Mama”.

Y así se despide este festival, una filmación transcendental que permaneció oculta en el garaje de uno de sus productores varias décadas. Treinta y tres años después rescatan del olvido esta importante parte de la historia del rock, teniendo su estreno mundial en el Festival de Cine Internacional de Toronto en 2003.

En lo económico fue un completo desastre… como la vida misma…

Otis Rush – Mourning In The Morning (Cotillion 1969)

La carrera musical de Otis Rush se inicia a finales de los 50, grabando algunos singles de cierto éxito en el sello Cobra Records, en el que comienzan a despuntar bluesman de la talla de Buddy Guy o Magic Sam. Jóvenes talentos que dieron aire fresco al blues de Chicago llegando a crear lo que se denominó “West Side Sound”. En esta época y aunque fuese un sello muy pequeño, se forjó una etapa crucial para el blues de Chicago con la inestimable ayuda de Willie Dixon.

Durante los años 60, Otis Rush graba singles para casas como la Chess, actuando por todos los Estados Unidos, dando  muestras de la calidad  musical que poseía. Influenció a jóvenes músicos (en aquellos años) como Eric Clapton, Mike Bloomfield y más adelante al mismísimo Stevie Ray Vaughan.

A principios de los 60, sale la luz un disco en el que se escogen algunos singles para publicarlos posteriormente en 1969, no juntos, si no de forma individual, grabados en la Chess, temas de Albert King y de Otis Rush que se unen en un disco que se llamó “Door To Door”. Como curiosidad, ambos guitarristas eran zurdos.

No sería hasta el año 1969, cuando Otis Rush publica su primer álbum en solitario para el sello Cotillion Records (filial de Atlantic), bajo la producción de Mike Bloomfield y Nick Gravenites. Fue realizado en el Fame  Recording  Studios, con sede  en Muscle Shoals (Alabama). Por allí estaba una legendaria formación de músicos de sesión llamada “Muscle Shoals Rythman Section”: extraordinarios instrumentistas, con una sección de vientos increíble y componentes de gran calidad, como el guitarrista de blues Jimmy Johnson, el baterista Roger Hawkins, o los teclados de Barry Becket. Años más adelante  crearon debido a su éxito y  a sus antológicas actuaciones con otras estrellas del momento, la “Muscle Shoals Sounds”.

“Mourning in the Morning” incluye once temas, como el clásico “Feel So Bad” de Chuck Willis, o composiciones propias como la tantas veces versionada “It Takes Time”, la mayor parte pertenecen al tándem  Mike Bloomfield y  Nick Gravenites. Algunos son de  corte claramente soul como “Me”, “Working Man”, “Cant´t Wait No Longer” o “Baby, I Love You”. Con “Gambler´s Blues” y  “Reap What You Sow” nos transmite  la esencia del blues en estado puro, dando muestra de las joyas que contiene éste clásico, que para mayor sorpresa, cuenta con la colaboración del virtuoso guitarrista Duane Allman.

Otis Rush es uno de los artistas más admirados dentro y fuera de la familia del blues, tanto en América como en el Reino Unido. Un trabajador incansable que hizo a este género musical un poco más grande. Posee una magnífica voz y es un guitarrista peculiar en su condición de zurdo. Nos dejó para la posteridad dos temas magistrales: “All Your Love” y “I Can´t Quit You, Baby”. Por ello, tendrá siempre mi más profundo respeto.

Aaron Varnell y Joe Arnold: saxo tenor. Ronald Eades: saxo barítono, Gene “Bowlegs” Miller: trompeta, Jimmy Johnson y Duane Allman: guitarras. Gerry Jemmont: bajo . Barry beckett y Mark Naftalin: teclados. Roger Hawkins: batería.

Derek and The Dominos – In Concert

El blues está cubierto por un aura mística. Tiene una capacidad innata atrapa a cualquier banda en su estructura de doce compases. Si le sumas la energía que desprende el rock,  el resultado que se obtiene es “In Concert” un doble álbum en directo de blues-rock, de los que perduran en la memoria.

Las noches del 23 y 24 de Octubre de 1970, se presentan en el Fillmore East de Nueva York – santuario del rock – los míticos Derek and The Dominos de Eric Clapton. Inician la primera parte de este recital con “Why Does Love Got To Be So Sad”, y “Got To Get Better In A Little While’, conteniendo ambas unos impresionantes pasajes instrumentales. Continúan con “Let It Rain”, a sus diecisiete minutos de duración los envuelve una atmósfera hipnótica, con un Clapton magistral. Llegan a uno de los puntos álgidos con “Presence Of The Lord”, clásico entre clásicos de los históricos Blind Faith, banda de la que Eric Clapton, Stevie Winwood y Ginger Baker fueron protagonistas a finales de los 60.

La segunda parte abre con “Tell The Truth”, tema que inmortalizó el virtuoso maestro de la slide guitar, Duane Allman, que presta su guitarra en el único álbum de los Dominos: “Layla and Other Assorted Love Songs«. Siguen con “Bottle Of Red Wine”, y “Roll It Over”, para finalizar con el poderoso “Blues Power”.

Este disco fue grabado en 1970, durante una gira que el grupo realizó por los Estados Unidos. Fue publicado en 1973, y en rediciones posteriores como la de 1994, titulada “Live At The Fillmore”, incluye temas extra como la versión del “Little Wing” de Jimi Hendrix, «Nobody Knows You When You’re Down And Out», o «Key To The Highway» entre otros.

La travesía de los Derek and The Dominos por la música fue breve: la tragedia persiguió a sus integrantes durante años: al batería Jim Gordon se le diagnosticaron severos problemas mentales, el bajista Carl Radle falleció víctima del alcohol y las drogas, y Eric Clapton estaba sumido en una fuerte adicción a la heroína de la que consiguió salir. El ex-componente Duane Allman, que solo participó en el primer álbum de esta formación, “Layla and Other Assorted Love Songs “, muere en un  accidente automovilístico a los 24 años de edad. Poco después disolvieron el grupo, pero no se fueron sin antes dejarnos un gran disco.

Eric Clapton (guitarra, voz),  Bobby Whitlock (teclados, voz, guitarra acústica), Carl Radle (bajo), y Jim Gordon (batería, piano).

Hendrix- Band of Gypsys (Polydor 1970)

Considerado el mejor guitarrista de todos los tiempos, James Marshall Hendrix, icono del rock por antonomasia, se embarca en un nuevo y ambicioso proyecto. Después de deshacer “The Jimi Hendrix Experience”, crea una nueva banda “Gypsy Sun and Rainbows”, de muy corta carrera, pero  recordada por su estelar participación en Woodstock’69. Cuatro meses después forma la “Band of Gypsys”, manteniendo a Billy Cox al bajo e incorporando al excelente baterista Buddy Miles.

Chas Chandler, el bajista The Animals, – uno de los grupos más memorables de de los 60 –, junto a Eric Burdon, fueron los descubridores de Jimi Hendrix.  En 1967 le proponen actuar en la vieja Inglaterra, creando gran impacto y dejando estupefacto al público de todas las salas en dónde tenían lugar sus apoteósicos conciertos.

Siendo productor de los dos primeros  álbumes de Hendrix,  como en la grabación del “Electric Ladyland”, Chas Chandler deja de producirle, dado los numerosos desencuentros y abusos, puesto que Chandler tenía una orientación musical mucho más pop y comercial. Por el contrario, Jimi Hendrix mostraba sus inquietudes y una visión del rock más allá de lo convencional. Jimi experimenta continuamente, se siente libre y deja salir el animal salvaje que lleva dentro: Hendrix era puro rock & roll.

Sin despreciar en absoluto sus tres iniciales obras maestras de la era rock,«Band of Gypsys”, bajo la producción del propio Jimi, se presenta en directo el 31 de diciembre de 1969 y el 1 de enero de 1970, en el Fillmore East de Nueva York. Fueron un total de cuatro shows, de los cuales seis temas, son elegidos de la actuación que tuvo lugar el 1 enero del 70, todos ellos de nueva factura, vislumbrando así una entrada prometedora para una nueva década y para una época de grandes cambios.

Con arreglos vibrantes, un sonido magnífico y una mezcla de rock-soul-funk, el disco comienza  en la cara A con “Who Knows”, más de nueve minutos  que nunca quieres que lleguen a su fin…, y con una batería espectacular a cargo de Buddy Miles, interactuando a dos voces. Le sucede la soberbia “Machine Gun”, con cierta inclinación a la guerra, realizando unos riffs espectaculares y emulando sonidos de armas y helicópteros. Machine Gun es uno los temas más ácidos del rock y se basa – desafortunadamente-  en lo peor que el ser humano puede llegar a hacer.

La cara B arranca con el tema de cabecera de Buddy Miles: “Changes”, de composición propia  y llegando a ser co-protagonista de la formación. “Power of Soul” y “Message to love”, son dos ejemplos de la fuerza de la banda con un Hendrix en estado de gracia, usando junto a su Fender Stratocaster una técnica increíble en el uso de los pedales Fuzz-Face, Wah-Wah pedal, Unio-vibe and Octavia. Para finalizar “We Gotta Live Together”, otra muestra más de la complicidad inusual de Jimi, Buddy y el bajista Billy Cox, todos ellos a un gran nivel.

En 1999 se edita un doble CD, “Live at Fillmore East”,  bajo la autorización de su familia, y con mucho más material en dónde se puede disfrutar todavía más de este genio de la música. Zurdo universal y maestro de la guitarra eléctrica, que pocos meses después nos dejó huérfanos de su fantasía y especial talento, aquel maldito 18 de septiembre de 1970. Tenía 27 años.

Crosby, Stills, Nash & Young – 4 Way Street

Un célebre episodio de la historia musical es escrito en 1971 por el cuarteto de reyes del folk-rock: David Crosby, Stephen Stills, Graham Nash y Neil Young.  El disco en directo “4 Way Street”  forma parte de la banda sonora de nuestra vida. Esta obra fue un sueño, para una película que quizás, se filmó en el cielo.

Iluminan con bellas armonías vocales y perfectas melodías acústicas los escenarios del  Fillmore East de Nueva York, el Auditorium de Chicago y el Forum de Los Ángeles, aquel  verano de 1970. “4 Way Street” es mucho más que un disco. Lo considero como la crónica de una época en que la agitación social, la división por la guerra del Vietnam, los disturbios raciales, las protestas en cientos de universidades, sumado a tiempos políticamente cargados, son factores que predominan en el día a día de la sociedad.  Este memorable cuarteto con incisivas letras , envía un mensaje de paz y libertad a  toda una generación.

La primera parte acústica de este directo contiene clásicos como “Chicago / We Can Change the World” (nosotros podemos cambiar el mundo), la maestría de “Cowgirl In The Sand”, de Neil Young, e incluido en su álbum de 1969 “Everybody Knows This Is Nowhere”, el exitoso hit de Stephen Stills, “Love the one You’re with”, la emotividad reflejada en la balada «Right Between the Eyes»,  el histórico “Teach Your Children» de Graham Nash, es una pieza que procede de una etapa anterior de Nash en el grupo británico “The Hollies”. Años antes, se publica en otro extraordinario trabajo de CSNY como fue el “Deja Vu” de 1970.

Uno de los momentos  especiales se produce durante la interpretación de “49 Bye-Byes-America’s Children”. A mitad de tema y entre los  aplausos de un público entregado, entonan  el estribillo de “For what it’s worth”, con él que viajamos a 1967, recordando a la banda Buffalo Springfield, de la que Neil Young y Stephen Stills fueron integrantes.

La electrizante segunda parte ya con el batería Johnny Barbata y Calvin «Fuzzy» Samuels al bajo, consta de clásicos como “Souther Man”, tema inmortal que lleva el sello característico de Neil Young. “Ohio”, es…simplemente genial, los catorce minutos de “Carry On”… nunca querrás que lleguen a su fin. Y para finalizar, la sutileza de “Find the Cost of Freedom».

Una vez que concluye la producción de este “4 Way Street”, Crossby, Stills, Nash & Young, disuelven el grupo. Pero no se fueron sin antes dejarnos un clásico del rock que sonará en milenios venideros.

Taj Mahal – Taj Mahal

Henry Saint Clair Fredericks. Más conocido por el seudónimo de Taj Mahal. Reputado bluesman y multi- instrumentista estadounidense. Un músico con letras mayúsculas, que irrumpe de manera impactante en la escena blues americana de 1967 con este primer álbum homónimo. Aportó un  estilo único, mezclando blues, rock, góspel, country, funk, cydeco, calypso, reggae, y música agro-rural.

Taj Mahal nace en el barrio de Harlem, (Nueva York), y desde la adolescencia comienza tocar la guitarra y un notable número de instrumentos. Posee una voz inconfundible y es considerado uno de los más frescos y renovadores bluesman de la historia. Mucho que ver, tuvo su condición multirracial: era hijo de jamaicano pianista de jazz y madre afroamericana cantante de góspel. Bebe de dicho mestizaje y se especializa en el uso del banjo, (denostado por los puristas del blues, puesto que éste era más usado por blancos y la música country, cosa que a Taj no le importaba) la armónica, guitarras, mandolina, piano, órgano, y bajo.

A mediados de los años 60 se traslada a Santa Mónica (California), junto a una gran banda para realizar este primer clásico en su discografía. Esta agrupación incluye nombres célebres, aunque muy jóvenes y que a lo largo del tiempo demostraron su valía: Ry Cooder, creador de bandas sonoras inolvidables para el cine y un referente a la slide. El guitarrista indio Jessie Ed Davis, recordado por sus legendarias colaboraciones. Por allí estaban otros extraordinarios músicos de sesión como James Thomas y Gary Gilmore (bajo), Sanford Konikoff y Chuck Blackwell (batería) y Bill Boatman (guitarra rítmica).

El disco consta de ocho temas – la mayoría muy conocidos – comenzando por el “Leaving Trunk” sacando un gran partido a su armónica. Con “Statesboro Blues” y «Checkin´Up on my Baby”, nos muestran el potencial de la banda. Llega el versionadísimo “Dust My Broom”, una de nuestras preferidas con “Diving Duck Blues”. En la extensa “The Celebrated Walkin´Blues”, de más de ocho minutos, se ejecuta un blues de raíces, arraigado y profundo. En todas las canciones se puede disfrutar de los  diferentes estilos de tocar la guitarra, que aportan un gran colorido y llenan esta obra.

El disco fue editado en 1968, cuando la música blues no atravesaba su mejor momento y las compañías eran reacias al viejo blues. Este álbum de composiciones, en su mayoría de los años 30 y 40, fueron escritas por artistas históricos como Sleepy John Estes, Willie McTell, Sonny Boy Williamson o Robert Johnson. Todos ellos le dieron una vuelta a este género junto a Taj Mahal, que con su archiconocida “E Z Rider”, se convierte en uno de los grandes misioneros y visionarios del blues.

Resulta curiosa la portada del disco, observando a Taj sentado en una silla y tocando su dobro delante de una mansión victoriana en Los Ángeles. Se encuentra rodeado de todo tipo de aves, mariposas y con una vestimenta al más puro estilo sheriff. En una entrevista reciente declaró: “En primer lugar soy africano; en segundo, un jamaicano negro, y sólo en tercer lugar, un americano negro«, siendo esta, una de sus frases favoritas.

El blues tiene un innovador y creativo embajador, su nombre es Taj Mahal.