Johnny Jenkins – Ton-Ton Macoute! – (Atco – Capricorn 1970)

Gran parte de este disco, se graba en 1968 en los “Rick Hall´s Fame”, – Studio B – pertenecientes a la casa discográfica “Muscle Shoals”, (Alabama) y en los “Capricorn Studios” de Macon (Georgia). Curiosamente, el álbum fue programado para ser el primero en solitario del legendario guitarrista Duane Allman, justo antes de formarse The Allman Brothers Band.

El proyecto quedó aparcado hasta que aparece Johnny Jenkins, que ficha por el sello Capricorn Records. Algunos años antes, en 1962, Jenkins graba junto a un jovencísimo Otis Redding en la banda “The Pinetoppers”, dónde demuestra su valía a la guitarra y su peculiar voz. Pero Johnny nunca cosechó tanto éxito como su mítico compañero, con el que quedó profundamente enemistado.

Diversas fuentes también argumentan que el mismísimo Jimi Hendrix quedó prendado de su buen hacer a la guitarra y de su moderno estilo, sirviéndole de gran influencia antes de empezar con su corta, pero estelar carrera.

Entre 1969 y 1970, bajo la producción de Johnny Sandlin, Duane Allman y arreglado por Phil Waden (el artífice de esta idea), sacan adelante el Long Play, grabado en la ciudad de Macon, sede de los Allman Brothers. El disco cuenta con la colaboración de músicos excepcionales, como Pete Carr y Jimmy Nails (guitarras), Paul Hornsby (teclados y batería), Robert Popwell (bajo), unos coros estupendos y los miembros de los Allman Brothers: Butch Trucks, Jaimoe, y Berry Oakley, como apoyo moral.

Me resulta dificil clasificar este LP. Aunque es un tanto oscuro y misterioso, en su música te puedes encontrar desde el blues más pantanoso, hasta el rythm & blues más atrevido, e incluso suena con una variante funk única. La primera publicación original del disco (1970), contiene nueve temas, incorporando dos más en la esperadísima reedición de 2007, editándose por primera vez en formato CD y hasta la fecha casi imposible de conseguir. Sin duda, una joya de incalculable valor para los coleccionistas.

Comienzan con “I Walk On Guilded Splinters”, quizás la canción más recordada del álbum y la única grabada en directo por casi todos los integrantes de los Allman Brothers, incluido Duane Allman. Realizan un maravilloso trabajo al dobro, acompañado de una gran intensidad a los timbales, cortesía de Jaimoe y Trucks.

También posee versiones clásicas como el célebre “Leaving Truck” de Sleepy John Estes, o el “Rollin´Stone” de Muddy Waters en dónde Duane Allman brilla con luz propia a la slide guitar. Seguidamente, tendrán lugar otras versiones como el “Dimples”, de Bracken / Hooker, que más adelante versionarían los Allman Brothers Band.

La poderosa voz de Johnny Jenkins hace acto de presencia en “Sick And Tired”, y en el “Down Along The Cove” de Dylan, otra vez con Duane a la slide y su emblemático sonido. Otras pistas memorables que completan el elepé son: “Bad News”, “Voodoo In You” y “I Don´t Want No Woman”, en dónde la banda nos da muestras de su virtuosismo. Y para finalizar, un melancólico blues de Otis Rush llamado “My Love Will Never Die”.

Johnny Jenkins nunca obtuvo el reconocimiento que merecía por parte de la crítica. Su carrera tampoco fue espectacular, pero convirtió un proyecto inconcluso de Duane Allman en un álbum de inmensa valía musical. Logró hacerlo tanto suyo como del propio Duane, que lo respaldó en todo momento sin ningún ánimo de protagonismo. Y también, Jenkins, nos advirtió de la gran personalidad que el tristemente desaparecido Duane Allman ostentaba.

La palabra “tonton macoute”, procede de la isla caribeña de Haití, cuyo significado es “hombre del saco” y está vinculada a la revolución haitiana de los 50, a un cuento popular, y tiene mucho que ver con el vudú…

King Crimson – In the Court of the Crimson King (Atlantic 1969)

En 1969, los británicos King Crimson obsequian a la comunidad musical con este magistral elepé de rock progresivo. Toda una obra de culto que en un primer momento fue menospreciada por varios artistas del rock y por la crítica de la época. In The Court no obtuvo ningún éxito comercial, pero con el paso de los años se consolidó como un disco histórico.

Pioneros del rock progresivo, los King Crimson se constituyen como banda en el Londres de 1968, siendo fundados por los hermanos Peter (bajo) y Michael Giles (batería), junto con el virtuoso guitarrista Robert Fripp, que ya poseían amplia experiencia en otras agrupaciones musicales.

El disco se publica el 10 de Octubre de 1969 por el sello Atlantic Records e incluye cinco pistas. Grabado en Los Wessex Sound Studios de Londres, fue producido por King Crimson y alcanza un notorio lugar en las listas musicales, influyendo sobre otras formaciones venideras del rock. Destacar que este LP está dominado por el uso del Mellotron, un teclado eléctrico que Ian McDonald se encargó de inmortalizar.

Como ya es costumbre, haremos mención a los músicos que hicieron posible este álbum: Robert Fripp (guitarra), Greg Lake (bajo, voz) Ian McDonald (mellotrón, flauta, clarinete, saxofón, vibráfono, teclados), Michael Giles (batería, percusión, coros) y Peter Sinfield (letras).

El LP está impregnado de un atractivo aroma a rock y jazz, complementado por música clásica, y nos encontramos con canciones como “21st Century Schizoid Man, todo un temazo que abre el disco a golpe de jazz rock a un ritmo vibrante. Seguidamente, le toca el turno a “I Talk To The Wind”, balada melódica de aire medieval gracias a la flauta de Ian McDonald. Continúan con “Epitaph”, melancólico tema que nos demuestra por qué la música es un estado de ánimo. Llegará “MonChild”, la pista más experimental del álbum y de mayor duración.

Finalizan con «The Court of the Crimson King / The Return of the Fire Witch & / The Dance of the Puppets”, todo un hit y posiblemente la canción más identificable de King Crimson. Muy elaborada instrumentalmente, en ella se disfruta del universo de sonidos que la banda logra recrear.

Para el recuerdo del imaginario colectivo quedará su portada, un trabajo del dibujante y programador informático Barry Godber, que falleció poco tiempo después de editarse el disco. Así concluye este elepé, cortesía del magnífico guitarrista Robert Fripp y sus King Crimson, aquellos que convirtieron esta obra en única, y quién sabe si irrepetible.

Emerson, Lake & Palmer – Tarkus (Island – 1971)

Como ya hemos referenciado en más de una ocasión, el año 1970 ha sido de los más fructíferos para la música rock. Vio nacer a bandas carismáticas e innovadoras y Emerson, Lake & Palmer, se consolidó como una de las mejores formaciones de rock sinfónico y de vanguardia que se recuerda.

Estos pioneros y genios de la música progresiva comienzan su andadura en Bournemouth, una localidad costera situada al sur de Inglaterra. Tras formar parte en diferentes agrupaciones, se establecen como trío en 1970, grabando pocos meses después su primer álbum sin título, con el que obtienen reconocimiento de la crítica musical de la época. Sus grandes conciertos y majestuosas puestas en escena, logran cautivar a un público con ganas de atisbar lo que depararía la década de los 70 y las nuevas corrientes musicales de entonces, siendo especialmente memorable su actuación en el histórico “The Isle Of Wight Festival” de ese mismo año.

Los artífices de esta súper – banda inglesa fueron: Keith Emerson (pianista, tecladista y compositor), Greg Lake   (bajista, productor y fundador del grupo) y el extraordinario baterista Carl Palmer. Como dato anecdótico y para demostrar la valía que Carl Palmer ostentaba a la batería, incluso el mismísimo Jimi Hendrix intentó ficharle para su grupo. Pero finalmente, se decanta por una aventura musical al lado de Emerson y Lake.

Este trío de ases provenían de otras importantes bandas británicas como el caso de Greg Lake, – que dejó a King Crimson – Emerson (ex The Nice), o Palmer (ex Atomic Rooster). Todos ellos ya poseían una dilatada experiencia en los 70, y dieron muestra de una gran versatilidad musical, lo que les supone un éxito garantizado desde el momento de su fundación. Toda esta conjunción de factores, da lugar a su primer álbum de debut en 1970. Solo 7 meses después, publican en un tiempo récord este segundo trabajo llamado «Tarkus”, considerado por los analistas como su obra magna.

La fuerza del teclado, es la base del sonido de Emerson, Lake & Palmer.  Emerson deleita con su virtuosismo y se convierte en el hombre clave del grupo, capaz de interpretar desde música clásica al piano, hasta  puro rock sinfónico. A su lado, el gran Lake a la voz, y  Palmer, que se encarga de recrear todo un universo de sonidos y dota a su batería de múltiples maravillas técnicas.

Tarkus, sin llegar a ser una ópera rock, es una obra conceptual del rock progresivo cargada de música de gran calidad. Nos podemos encontrar desde intros de obras clásicas de Bach, hasta un sinfín de sonidos y un derroche de imaginería rock, sólo a la altura de los más grandes. Grabado para el sello Island Records en los Advision Studios, el LP se publica el 14 de junio de 1971 y fue producido por Greg Lake.

Incluyendo siete pistas, en su cara A se disfruta de una gran suite titulada como el propio disco “Tarkus”, que es solo una canción dividida en siete fases diferenciadas: I “Eruption”, II “Stones of years”, lll “Iconoclast”, IV “Mass”, V “Manticore”, VI “Battelfield” y VII “Aquatarkus”.  La califico como esencial dentro de la música contemporánea. El contenido se crea a partir de un volcán en erupción y la lucha de unos seres en  paisajes futuristas, como el “armadillo-tanque” contra “terodáctilos-mecánicos” y el enemigo más odiado que es la “Mantícora”. Esto se puede observar en el interior del álbum original con portada abierta, basadas en las pinturas del artista inglés y diseñador gráfico William Neal.

La cara B abre con la divertida “Jeremy Bender”, y “Bitches Crystal”, “The Only Way” (Hymn), usando de puente la introducción la “Tocatta en F y Preludio VI de Bach”. El resto de cortes que completan el elepé son: “Infinite Space”, un espléndido “A Time In A Place”, para finalizar con un curioso rock and roll al más puro estilo de Jerry Lee Lewis, denominado “Are You Ready Eddy?”.

A mi juicio, Emerson Lake & Palmer fueron unos músicos avanzados a su tiempo. En su día afirmó  Jordi Sierra i Fabra: <<son la perfecta consumación de la efímera fantasía rock”. “Un clásico (Emerson), un lírico (Lake) y un rockero (Palmer), que aportaron la síntesis del todo en un paréntesis histórico que fue crucial como avance del futuro. >>

Keith Emerson (órgano Hammond, St. Marks Chuch, Órgano, Piano, Celeste, Moog Synthesiser), Greg Lake (voz, bajo eléctrico y guitarra acústica), Carl Palmer (batería, percusión).

The Velvet Underground & Nico (Verve Records 1967)

Aunque parezca increíble, uno de los discos más famosos del rock pasó desapercibido para la crítica musical de los años 60. La repercusión que obtuvo no fue mucho más allá de los locales de ambiente nocturno de la gran manzana. Tuvieron que pasar muchos años para lograr el tan ansiado reconocimiento por parte de los analistas. La enorme influencia de este elepé, llegó a otras formaciones venideras de punk y rock, que tomaron como base de su sonido las canciones de la Velvet Underground.

Lou Reed nace en Nueva York el 2 de marzo de 1942 en el seno de una familia judía de Brooklyn. A muy temprana edad comienza a estudiar música, interesándose por géneros como el rhythm and blues y el rock and roll. Tiempo después se traslada a Freeport (Long Island), dónde aprende el arte de las seis cuerdas.

Marcado por una juventud muy difícil (sus padres le sometieron a duras terapias psiquiátricas debido a la complejidad de su carácter), en los años 60 ingresa en la Universidad de Syracuse para cursar Filología. Durante esta época conoce al músico galés John Cale y fundan la “Velvet Underground”, una banda de rock apadrinada por el artista plástico Andy Warhol. Lou Reed, lideró la Velvet Underground de 1964 a 1970, para años después iniciar su carrera en solitario.

El álbum se publica el 12 de marzo de 1967 por el sello discográfico Verve Records e incluye 11 pistas. Grabado en los Scepter Studios de Nueva York y en los T.T.G Studios de Hollywood, contó con la producción estelar del artista plástico Andy Warhol y Tom Wilson. Como ya es costumbre, haremos una mención especial a los músicos que hicieron posible esta obra: Lou Reed (guitarra y voz), Sterling Morrison (bajo, guitarra y voz), John Cale (viola, piano y bajo), Maureen Tucker (batería) y la cantante alemana Nico.

Dentro del disco, repleto de hits, nos encontramos con temas como la balada “Sunday Morning”, el ritmo trepidante de “I’m Waiting for the Man”, o el clásico entre clásicos “Heroin” todo un éxito de gran profundidad lírica y  la canción más identificable de la Velvet.

Otros cortes que completan el LP son el frenético “Run, Run, Run”, “Venus in Furs” – impregnada de cierta oscuridad – y el “I’ll Be Your Mirror”con la suave voz de Nico. Y si hay un tema que  llama la atención ese es “European Son”, estridente, desordenado y desde mi opinión, ruido por el placer de hacer ruido.

Destacar la emblemática portada del álbum, en la que podemos visualizar un plátano, fue obra de Andy Warhol y se consolidó como una de las más recordadas del rock. Las primeras y únicas ediciones del LP contenían un platano “pelable”, que hoy en día son cotizadas por encima de los 2.000 euros. El pasado 27 de octubre Lou Reed falleció y todavía se desconocen las causas de su muerte, aunque todo apunta a complicaciones derivadas de un trasplante de hígado al que fue sometido en el mes de abril.

A través del rock nos mostró la realidad de la calle y las miserias del ser humano. Se arrastró por los clubes de noche más recónditos de Nueva York y llegó a ofrecer conciertos de dimensiones épicas en locales de escasa reputación. Por ello, toda la comunidad rock debe darle las gracias.

Lou Reed ha sido el músico de los débiles y los marginados. Leyenda del rock y poeta del underground, acogió entre sus versos a los colectivos con mayor riesgo de exclusión social. Sus canciones sobre prostitutas, drogadictos, alcohólicos o travestis, quedan grabadas a fuego en la historia musical contemporánea. Lou Reed utilizó el rock para que la sociedad escuchara su voz. Vivió entre versos, heroína y underground. Fue el poeta de pubs tenebrosos, de esos de paredes vacías, sin alma, y los iluminó con esperanza.