Van Halen – Van Halen (Warner Bros Records – 1978)

En 1978, la formación estadounidense Van Halen debutó en la escena musical con este álbum  homónimo, repleto de hits y situándoles como una de las bandas más emblemáticas del rock. Este innovador disco contiene canciones como “Eruption” un tema instrumental que incluye un excepcional riff de guitarra, considerado como uno de los mejores solos de la historia del rock. Su creador, el virtuoso Eddie Van Halen– un guitar hero en toda regla – dotó al disco de sonidos únicos, utilizando efectos de modulación como el flanger y popularizando el <<tapping>>, una técnica de guitarra que consiste en tocar con una o dos manos sobre el mástil. Reseñaremos que esta técnica ya había sido utilizada por otros guitarristas con anterioridad, como Jimi Hendrix, el músico de jazz Stanley Jordan o Steve Hackett entre otros. Pero ha sido Eddie Van Halen el que la elevó a la máxima potencia.

“Runnin’ with the Devil” es todo un clásico del hard rock, con un solo de guitarra made in Eddie Van Halen. “Ice Cream Man” y “Little Dreamer” son cortes incendiarios que no te dejarán con indiferencia.

 Otros temas como “Ain’t Talkin’ ‘Bout Love”, con ese mítico riff de inicio y la fantástica versión del “You Really Got Me” de los Kinks de Ray Davies completan un disco absolutamente redondo.

El disco se publicó en 1978 por el sello Warner Bros Records, contó con la producción de Ted Templeman y consta de 11 temas. Como ya es costumbre, haremos mención a los músicos que hicieron posible esta obra: Michael Anthony (bajo), Eddie Van Halen (guitarra), David Roth (voz) y Alex Van Halen (batería).

Van Halen cambió la forma de entender el rock duro, de eso no hay ninguna duda. Sus nuevos sonidos, sus efectos y la marca personal de Eddie Van Halen a la guitarra, los convirtieron en una banda de culto para el rock.

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Jim Croce – You Don’t Mess Around with Jim (ABC Records, 1972) + I Got a Name (ABC Records 1973)

El trágico destino de Jim Croce acrecentó todavía más su maravillosa leyenda. El 20 de Septiembre de 1973, el cantante estadounidense sufre un accidente de aviación que acaba con su vida a los 30 años de edad. James Joseph Croce, Filadelfia, Pensivalnia 1943, comienza su carrera profesional en la Universidad de Villanova tocando con bandas que actúan en diversos locales, pubs y cafés. En esta universidad conoce a su esposa Ingrid, con la que formaría un dúo musical con base en Nueva York para grabar su primer disco. 

Tras recorrer EEUU ofreciendo conciertos en pequeños locales y campus, Jim se desencanta del negocio de la música acuciado por las deudas y regresa a Pensilvania para trabajar como conductor de camión. Según cuentan, vendió todo lo que tenía excepto su vieja guitarra.

Jim Croce se ganó el respeto del público gracias a un estilo folk rock extremadamente preciosista y a sus buenas letras. Jim es un artista mítico, quizás no se le ha reconocido como se merecía, pero sin duda está a la altura de otras leyendas como Nick Drake, Cat Stevens o Tim Buckley. Y este blog siempre recuerda a aquellos que tanto han hecho por la música. El éxito de Jim Croce – todo un trotamundos de la músicaradica en las experiencias que vivió. Sus canciones tratan sobre el amor, el trabajo o la rutina diaria.

You Don’t Mess Around with Jim (1972) es su tercer álbum, incluye 12 pistas y el tema homónimo al disco – todo un hit – que ha sido banda sonora de la exitosa serie de Netflix “Stranger Things”. Una canción imprescindible es “Time in A Bottle”, repetida hasta la saciedad por las emisoras de radio. Con otros cortes como “Photographs and Memories”, “Walkin’ Back to Georgia” o “Operator (That’s Not the Way It Feels)”, nos muestra la grandeza del estilo folk rock americano que impregna a todo el disco.

I Got a Name (1973) es su quinto y último disco y contiene 11 pistas. Fue publicado el día siguiente a su fallecimiento. Incluye de nuevo “I Got A Name”, canción homónima al disco que se presenta como toda una joya folkie siendo su tema más popular. Y también ha sido banda sonora de la película de Quentin Tarantino “Django Desencadenado”. En canciones como “I’ll Have to Say I Love You in a Song” o la bella balada Lover’s Cross sentiremos todo el talento de Jim. Coquetea con el blues de carretera en “Workin’ at the Car Wash Blues”, y nos deja una nueva perla folkie llamada “Age”. Al margen de estos discos, Jim publicó otras canciones exitosas como “Bad, Bad Leroy Brown” y “Old Man River”.

A mi juicio, sus canciones son clásicos inmortales. La historia de Jim Croce es la historia de lo que pudo haber sido. Una pena.

FANNY – FANNY 1970 (Reprise)

Por Javier Torres.

El primer grupo de rock formado por mujeres”Fanny

Así, con esta contundente frase, define la gran mayoría de biografías a Fanny”, una legendaria banda de rock compuesta por féminas.

Aunque hubo formaciones anteriores, ninguna de ellas había abordado el rock de una manera tan explosiva como Fanny, que debutaba en la escena musical de 1970 con este primer álbum homónimo. En 1969 ya habían experimentado bajo el nombre de “Wild Honey”; pero no sería hasta 1970 cuando comienzan su carrera por el complejo mundo del rock and roll.

El grupo lo formaban las hermanas de origen filipino June Millington (guitarra y voz); Jean Millington (bajo y voz) Alice De Buhr “California” (batería) y Nicole Barclay “Washington DC” (teclados).

Este primer disco producido por Richard Perry para la filial de la Warner, – Reprise Records -; supuso todo un acontecimiento dado sus continuas actuaciones en el pub Whisky a Go-Go de Los Ángeles, estando respaldadas por leyendas del rock como George Harrison, Ringo Starr, Deep Purple, The Rolling Stones, The Kinks, The Who, Rod Stewart o David Bowie. Todos ellos clientes asiduos del histórico local, intentaron que las Funny llegaran a lo más alto de la industria musical por su calidad y su buen hacer para el rock.

Banda inédita hasta la fecha e inusual para su época, sorprendieron a los críticos musicales del momento, incluso muchos de ellos no sabían como abordar el tema. Se encontraron con un público desorientado y el camino no les resultó fácil, al menos al principio. En Inglaterra “fanny” significa “coño” – vulgarmente hablando – y este aspecto les causó más de un problema.

El disco contiene once canciones con autoría de las hermanas June y Jean, en dónde exponen un estilo inconfundible y perfectamente ejecutado, con buenas voces y armonías vocales, además de una poderosa sección rítmica. En todo momento nos demuestran que son músicos excelentes.

Del álbum rescatamos una magistral versión del “Badge” de Cream, para muchos, el mejor cover registrado hasta la fecha. Temas como “Shade Me” o “Just Realized” recuerdan a grandes formaciones del momento como Free o The Faces entre otras. Baladas con perfectas armonías vocales y un toque femenino que las hacía únicas como “Conversation with a cop” son de los mejores temas de este primer elepé.

La fotografía del álbum obra de Don Lewis, con el grupo de espaldas y agarradas caminando hacia adelante, es todo un síntoma de un paso al frente, un logro y una prueba más que superada. Desde este blog queremos rendir homenaje a estas chicas y geniales músicos. Y las vitoreamos.

El 29 de Diciembre de 1999, David Bowie declaraba para la revista Rolling Stone:

“Una de las bandas femeninas más importantes del rock estadounidense ha sido enterrada sin dejar rastro. Y esa es Fanny. Fueron una de las mejores bandas de rock de su tiempo, alrededor de 1973. Fueron extraordinarias: escribieron todo, eran colosales y maravillosas, y nadie las mencionó nunca. Son tan importantes como cualquiera que haya sido alguna vez; simplemente no era su tiempo. Revivir a Fanny. Y sentiré que mi trabajo está hecho “.

Juzguen ustedes.

Whiskey Myers – Mud ( Wiggy Thump Records 2016)

En cierta ocasión Gregg Allman declaró: “Como el rock se inventó en el sur de los Estados Unidos, el término “southern rock” es redundante: “es como decir rock rock”.

Y aunque no queremos ser repetitivos ni redundantes respecto a la anterior entrada, hoy os traemos un nuevo artículo de “rock sureño” o “southern rock”, un estilo que este blog siempre ha tenido muy en cuenta.

Originarios de Texas, los Whiskey Myers se forman en 2007 bajo el liderazgo de Cody Cannon y Cody Tate, dos amigos que empiezan a escribir canciones en una casucha de Elkhart (Texas), inspirándose en referentes del género como los Allman Brothers Band, Hank Williams o Lynyrd Skynyrd. Este septeto tejano es un grupo de elevada calidad. Lo demuestran en todas y cada una de las diez canciones que se incluyen en el disco.

Whiskey Myers está formado por Cody Cannon (Voz y guitarra), Cody Tate (Guitarra) John Jeffers (Guitarra rítmica), Gary Brown y Jamey Gleaves (bajo), Jeff Hogg (batería) y Tony Kent (Percusión).

Mud” es su cuarto trabajo, cuenta con la producción de Dave Cobb (un famoso manager con base en Nashville) y consta de diez temas. Destacar que uno de los fundadores de los “Black Crowes”, Rich Robinson, colabora con el grupo en “Frongman” uno de los temas estrella del elepé.

Centrándonos en el álbum, abren con “On The River”, que tiene toda la pinta de convertirse en un hit de esos que no se olvidan: puro sonido sur nativo americano. Continúan con “Mud” que da nombre al disco, donde muestran un blues rock pantanoso con pesados riffs de guitarra. “Lightning Bugs and Rain” es otra gran canción con un pegajoso riff de inicio que no dejará con indiferencia al respetable. Al margen de esto, señalaremos el excelente trabajo que hace el guitarra rítmico John Jeffers en todo el disco.

Continúan con “Deep Down in the South”, un potente blues rock tejano en toda regla. “Stone” es una balada extremadamente preciosista que se sitúa como otro de los hits del LP, con un “solo” de guitarra final en el cual es mejor sentarse, escuchar y aplaudir. “Trailer We Call Home” es una balada folkie con bellos arpegios que completa un disco redondo. En Hank y Some Of Your Love nos brindan blues rock con una excelente combinación de instrumentos y coros femeninos. Finaliza el álbum con Good Ole Days, todo un hit country de cantina, saloon o bar del desierto.

Mud ha sido uno de los discos mas aclamados de 2016, y procede del lugar en dónde se inventó el rock and roll.

Escucha los Programas RockSession !

PROGRAMA: Los 100 Méjores Álbumes Editados en los Años 80 (Parte 1). Voz y Narración: Ricardo Blanco

 

Programa: Los 100 Méjores Álbumes Editados en los Años 80 (Parte 2). Voz y Narración: Ricardo Blanco

 

Programa: Los 100 Méjores Álbumes Editados en los Años 80 (Parte 3). Voz y Narración: Ricardo Blanco

 

Programa dedicado a John Lennon. (Voz y narración: Ricardo Blanco)

 

Programa dedicado a Crowded House. (Voz y narración: Ricardo Blanco)

 

Programa dedicado a Peter Gabriel (Voz y narración: Ricardo Blanco)

 

Blackberry Smoke – The Whippoorwill (Southern Ground Records 2012)

El rock sureño o “southern rock” es un género emblemático. Siempre se ha caracterizado por poseer un estilo único e inconfundible. De él han nacido agrupaciones legendarias como los Allman Brothers, Lynyrd Skynyrd, la Marshall Tucker Band o The Outlaws, entre otras.

Los nuevos exponentes del género son los “Blackberry Smoke”, una excelente banda originaria de Atlanta (Georgia), que combina el sonido southern con un genuino country rock que no dejará indiferente al oyente. Si hay algo por lo que se reconocen al instante es por la peculiar voz de su cantante, Charlie Starr.

Formados en el año 2000, “Blackberry Smoke” está compuesta por: Charlie Starr (voz y guitarra); Richard Turner (Bajo); Brit Turner (batería); Paul Jackson (guitarra) y Brandon Still (teclados).

Blackberry Smoke es una banda de carretera: un quinteto que recorre miles de kilómetros por Estados Unidos y el extranjero, y que explora estilos como el rock, swing, el country o el blues rock. No hay saloon, pub o bar que no incluyan en sus giras. Pisan todo tipo de escenarios y eso es algo que el público siempre agradece. Con el grupo han colaborado artistas de la talla de Gregg Allman, uno de los máximos exponentes del rock sureño y miembro fundador de los Allman Brothers Band. Gregg Allman nos dejó un 27 de Mayo de 2017, pero su legado ha sido magistral. Al margen de esto, también colaboró con el grupo en la canción “Free on the Wing”, del álbum “Like An Arrow”.

Centrándonos en el álbum, tercero en su discografía, The Whippoorwill” fue distribuido por el sello Southern Ground Records en 2012 e incluye 13 pistas. A nuestro juicio, es un disco repleto de hits. Merece especial atención la balada acústica <<One Horse Town>>, con un riff de guitarra sencillo, pero muy pegadizo. La estarás tarareando una y otra vez. Esta canción, uno de los himnos de los Blackberry Smoke, fue interpretada por el grupo en las <<Backyard Sessions>>, en dónde la guitarra acústica Taylor de Charlie Starr suena de lujo.

Otros temas como “Six Ways to Sunday” o “Pretty Little Lie” hacen honor al más puro estilo Southern, con unos adictivos teclados.

“Ain’t Much Left of Me” es un clásico en su repertorio que se incluyó en la banda sonora de la serie motera por excelencia “ Sons Of Anarchy” / Hijos de la Anarquía; concretamente, en el capítulo 5×08. Otros temas que recomendamos son: “The Whippoorwill”, que da nombre al disco, un espléndido “Sleeping Dogs”, en el que muestran su esencia sureña, y un fantástico “Up The Road”, donde se marcan un “solo” de guitarra similar al “Free Bird” de los Lynyrd Skynyrd. Creemos que rinden los honores a tan laureada formación.

Blackberry Smoke es una banda honesta. Hacen rock americano auténtico, genuino y con denominación de origen.

Finaliza este análisis y este blog vuelve a sus orígenes. Volvemos al ruedo hoy, 27 de Agosto de 2018, después de cuatro largos años. Volvemos, porque muchos amigos nos han motivado de nuevo, y porque hemos superado muchos obstáculos. Volvemos con mucha ilusión. Volvemos porque hay que rescatar esos magníficos discos de nuestras estanterías. Volvemos, porque han sido muchos los amigos y seguidores que hemos hecho gracias a la música y al rock. Volvemos, porque el rock forma parte de nuestro ADN.

Muchas gracias a todos,

rockandrollismyaddiction.wordpress.com

Ruben.Borrajo y Javier Torres (Ourense – Galicia – España)

De vuelta y regreso

Tras cuatro años sin actualizar este blog, hemos decidido regresar a nuestros análisis. Esta pequeña casa del rock ourensana vuelve a rodar. Pero no escribiré una sola línea más, sin antes mostrar agradecimiento a todos aquellos que alguna vez se dejan caer por aquí para leer nuestros artículos. En especial dar las gracias a Ricardo Blanco, del programa RockSession, a  Gonzalo Aróstegui  del blog Ragged Glory, y a Aurelio de  historias del rock and roll, por sus visitas a esta casa. Os recomendamos que visitéis sus respectivos espacios. Como podéis comprobar, hemos renovado el diseño del blog, que vendrá cargado de nuevos artículos y un excelente programa “RockSession”, conducido por el locutor Ricardo Blanco. Espero que todo sea de vuestro agrado y que juntos opinemos, discutamos y disfrutemos de la música y del rock and roll.

En los próximos días, se publicarán varios artículos de los grupos que más nos apasionan. Seguiremos intentando transmitir lo que para nosotros significan los discos que aquí se citan. Algunos de ellos, marcaron nuestras vidas.

Así que, como dice la canción de una gran banda de nuestra ciudad…pues…¡Que viva Dolores, y la madre que la parió !

Ya estamos de vuelta.
Infinitas gracias a todos,

rockandrollismyaddiction.wordpress.com
Ruben.Borrajo
Javier Torres

Sixto Rodriguez – Cold Fact (Sussex Records 1970)

Cold Fact

Es ésta, la historia de los que nunca ganan. Y si me lo permiten, un conmovedor relato que pocos podrán arrancarse de la memoria. Corren los años sesenta y por los suburbios de Detroit se rumorea de un cantautor que toca de espaldas al público. Se hace llamar Rodríguez. Sus canciones hablan de las miserias del ghetto, de la calle y de cómo sobreviven día a día los sectores más desfavorecidos de la sociedad.

Ciertamente, Jesús Sixto Díaz Rodríguez, Detroit, Míchigan, 1942, nunca obtuvo el reconocimiento que se merecía. Fue ignorado por la industria musical durante más de 40 años. Grabó solamente dos LP’S, Cold Fact (1970) y Coming from Reality (1971), y se retiró frustrado de la escena musical estadounidense, tras intentar hacerse con un lugar que nunca consiguió.

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Centrándonos en el disco, “Cold Fact” se publicó en marzo de 1970 por el sello Sussex Records e incluye 12 pistas. Destacaremos que en su momento también fue editado por las casas discográficas Blue Goose Music en Australia y A & M Records en Sudáfrica. En 2008, el LP fue nuevamente reeditado en EEUU por Light In The Attic. De su producción se encargó Mike Theodore y Dennis Coffey, este último, un reputado guitarrista de sesión de la histórica Motown Records.

Dentro del álbum – a nuestro juicio repleto de hits – nos encontraremos con canciones extremadamente preciosistas como “Hate Street Dialogue”, “Forget It”, “Crucify Your Mind” o el maravilloso y pegadizo estribillo de “I Wonder”, también poseedora de unos toques de bajo muy bellos. Todas ellas, exploran un vasto territorio sónico, pasando por el folk, el folk rock el blues e incluso guiños hacia la psicodelia (Only Good For Conversation es la mejor prueba de ello).

Y si hay un tema estrella y por el que es más famoso Rodríguez ese es “Sugar Man”, toda una joya folkie con unas profundas letras que abren el elepé. Así mismo, esta canción también le sirvió de apodo a Rodríguez, siendo más conocido por el nombre de Sixto “Sugar Man” Rodríguez.

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Así concluye “Cold Fact”, un excelente elepé que vendió miles de unidades en Nueva Zelanda, Sudáfrica y Australia, países que consideran a Rodríguez como un mito a la altura de Elvis o Dylan. Curiosamente, Sixto Rodríguez permaneció ajeno a todo este éxito durante más de cuatro décadas y se ganó la vida como obrero de la construcción.

Reseñar que las profundas letras de sus canciones (muchas de ellas llegaron a prohibirse) se tomaron como un símbolo de lucha contra el apartheid en Sudáfrica. Sus discos fueron censurados, algunos de ellos rayados e incluso destruidos por completo.

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En 2012, el director Malik Bendjelloul realizó un oscarizado documental en el que tratan de descubrir el paradero de este cantante y todo el misterio que le rodea. Finalmente le encontraron – algunos decían que había fallecido – y Rodríguez volvió a ofrecer un gran concierto en Sudáfrica ante miles de espectadores. Dos años después del estreno del documental, el director sueco Malik Bendjelloul se suicidó debido a una depresión el 13 de mayo de 2014.

En la actualidad y a sus 72 años, Jesús Sixto Díaz Rodríguez ha ganado una buena suma de dinero (se habla de 500.000 euros) por los cinco shows que brindó en Sudáfrica. A pesar de esto, nada ha cambiado en él, ni su estilo de vida, ni su personalidad. Sigue viviendo en la misma casa desde principios de los sesenta. No tiene coche, ni ordenador, ni teléfono móvil. La mayor parte de su dinero lo reparte entre amigos y familia, según las declaraciones de su hija.

<<Debo admitir que el dinero es indecente, tengo muchos compromisos y la lista no hace más que crecer>>. Sixto Rodríguez.

Sí, todos estamos de acuerdo, Dylan es Dylan, pero RodríguezRodríguez… te llega al corazón.

Led Zeppelin – Led Zeppelin IV (Atlantic – 1971)

ledzeppelin4Hoy, 20 de septiembre de 2014, este blog cumple tres años de rock, desde que dos ourensanos decidieron allá por 2011 darle forma para hablar de sus discos favoritos. Durante este tiempo, hemos visto como otros muchos blogs se quedaron atrás, algunos ya nos han olvidado y otros quizás, motivados por la pasión hacia la música, se quedaron con nosotros para siempre. En especial, queríamos agradecer a Gonzalo Aróstegui  del blog Ragged Glory,  –  e invitamos a que no dejéis de visitar sus respectivos espacios – , y a Aurelio de  historias del rock and roll, sus  visitas a esta  casa. Y en general, a todo aquel que de vez en cuando se deja caer por aquí para echarle un vistazo a nuestros artículos.

Así que, aprovechando este tercer aniversario, os traemos Led Zeppelin IV, un clásico entre clásicos de esos que no pueden faltar en la estantería de todo amante del rock. Producido por Jimmy Page, fue publicado el 8 noviembre de 1971, incluye 8 pistas y es el cuarto de estudio en la discografía del memorable cuarteto británico (Robert Plant, voz, Jimmy Page, guitarra,  John Paul Jones,  bajo y John Bonham, batería).

led-zeppelin 1Ya han pasado más de cuarenta años de su publicación,  pero sigue siendo tan grande como el primer día. Sus geniales canciones ya forman parte de la extensa historia del rock. Hits como “Black Dog”  – atención a los riffs del maestro Jimmy Page o  la demoledora introducción de batería  de “Rock And Roll”  a cargo de John Bonham, nos demuestran el poderío de los Zeppelin en los albores de los 70.

Y si hay un tema de referencia obligada y el más famoso de los Zeppelin, ese es “Stairway To Heaven / Escalera al Cielo”, una semi – balada que contiene uno de los riffs de guitarra más célebres del  rock, cortesía de Jimmy Page. Mucho y muy variado se ha escrito sobre esta fantástica canción, así como la polémica que la rodea. Acusaron al grupo de incluir mensajes satánicos en sus letras y de hacer alusión al ocultismo. Fenómenos paranormales al margen, “Stairway To Heaven” es una de las canciones más solicitadas por las emisoras de radio de todo el mundo, y también un punto de inflexión para el rock and roll.

zoso1Otros cortes imprescindibles que completan el disco son “Misty Mountain Hop”, un bello “Going To California”, “The Battle of Evermore” y el aire blusero de “When The Levee Breaks”. Destacaremos la llamativa portada del elepé, así como el arte que se encuentra en su interior. Una mención aparte, merecen los símbolos rúnicos que aparecen en la funda, que se corresponden con  los cuatro miembros de la banda.

Así concluye este disco sin título,  etiquetado como “Led Zeppelin IV”, por los medios de comunicación. Porque ha sido éste y no otro, el que catapultó a los Zeppelin hacia el estrellato internacional, convirtiéndoles en  leyendas de la historia musical contemporánea.

Hey, hey mama said the way you move, / gon’ make you sweat, gon’ make you groove…

 

John Lennon / The Plastic Ono Band – (Apple / Emi 1970)

John Lenno Plastic Ono BandEn abril de 1970, los Beatles eran ya oficialmente historia.  Tras su separación, John Lennon decidió involucrarse con The Plastic Ono Band para darle forma a este revolucionario e íntimo disco con el que acrecentó todavía más su maravillosa leyenda. Y es que podemos considerarlo como un vendaval de sentimientos y también como un canto de frustración. Sus desgarradoras y profundas letras, hablan de los traumas infantiles de Lennon, la religión, el amor o la problemática de la clase trabajadora.

Plastic Ono Band es el primer elepé en solitario de John Lennon. Fue publicado en diciembre de 1970 por el sello EMI e incluye 11 pistas. Producido por el propio Lennon, junto a Yöko Ono y el mítico Phil Spector, se grabó en los estudios Abbey Road de Londres. Destacaremos que todas las canciones del álbum fueron compuestas por John Lennon, un genio cuya creatividad no entiende de límites. En el año 2000 sale a la luz una nueva redición del disco, añadiéndose 2 pistas más “Power To The People” y “Do The Oz”.

Una obligada referencia, merecen los músicos de la Plastic Ono Band que tocaron al lado de Lennon (guitarra, piano y voz): Klaus Voormann (bajo), Billy Preston y Phil Spector (piano), Alan White (batería y percusión), Yöko Ono (vientos) y Ringo Starr (batería).

 JLPON“Mother”, canción que abre el LP y de elevada delicadeza musical,  refleja la historia personal de John Lennon en su niñez. Magistralmente elaborada se encuentra “Hold On”, un tema suave impregnado por la peculiar voz de John y los nítidos instrumentos de su banda.  El rock and roll hace acto de presencia en “I Found Out” uno de los cortes más “duros” del disco. “Working Class Hero” es todo un himno de la clase trabajadora. Quizás, John trató de expresar que el rock and roll es el lamento que incomoda al rico.

“Isolation”, es una pista de excelente factura instrumental con un tranquilo y espléndido piano, al igual que en “Remember” (cuidado con la explosión final). Seguidamente llegará “Love”, absolutamente conmovedora. Una vez más, el rock and roll furioso hace acto de presencia en “Well Well Well”, a nuestro juicio uno de los temas más impactantes del LP.

JLENNONEl punto álgido del LP es una joya llamada “God”, una de las canciones más importantes en la carrera de Lennon y de la Plastic Ono Band. Para la posteridad quedará su majestuoso estribillo: <<I don’t Believe in Jesus / I don’t Believe in Beatles / I don’t Believe in Zimmerman / I just Believe in me / Yoko and me. >> Cierra el disco “My Mummy, s Dead”, quizás una canción de cuna.

La curiosa portada del álbum, en la que podemos visualizar a Lennon en un bosque y acostado sobre el regazo de Yöko Ono, ya forma parte de la extensa historia del rock.

Así concluye esta obra, cortesía de John Lennon. Aquellos cuatro cobardes balazos, no pudieron acabar con su leyenda. Lennon perdió la vida, pero entró en la inmortalidad. Y discos como éste, son la mejor prueba de ello.

Gracias, John.