Sitio en obras

Actualmente, nos encontramos en obras. Este blog permanecerá desactualizado por mantenimiento hasta nuevo aviso. Disculpad las molestias,

rockandrollismyaddiction.wordpress.com

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Sixto Rodriguez – Cold Fact (Sussex Records 1970)

Cold Fact

Es ésta, la historia de los que nunca ganan. Y si me lo permiten, un conmovedor relato que pocos podrán arrancarse de la memoria. Corren los años sesenta y por los suburbios de Detroit se rumorea de un cantautor que toca de espaldas al público. Se hace llamar Rodríguez. Sus canciones hablan de las miserias del ghetto, de la calle y de cómo sobreviven día a día los sectores más desfavorecidos de la sociedad.

Ciertamente, Jesús Sixto Díaz Rodríguez, Detroit, Míchigan, 1942, nunca obtuvo el reconocimiento que se merecía. Fue ignorado por la industria musical durante más de 40 años. Grabó solamente dos LP’S, Cold Fact (1970) y Coming from Reality (1971), y se retiró frustrado de la escena musical estadounidense, tras intentar hacerse con un lugar que nunca consiguió.

Rodriguez

Centrándonos en el disco, “Cold Fact” se publicó en marzo de 1970 por el sello Sussex Records e incluye 12 pistas. Destacaremos que en su momento también fue editado por las casas discográficas Blue Goose Music en Australia y A & M Records en Sudáfrica. En 2008, el LP fue nuevamente reeditado en EEUU por Light In The Attic. De su producción se encargó Mike Theodore y Dennis Coffey, este último, un reputado guitarrista de sesión de la histórica Motown Records.

Dentro del álbum – a nuestro juicio repleto de hits – nos encontraremos con canciones extremadamente preciosistas como “Hate Street Dialogue”, “Forget It”, “Crucify Your Mind” o el maravilloso y pegadizo estribillo de “I Wonder”, también poseedora de unos toques de bajo muy bellos. Todas ellas, exploran un vasto territorio sónico, pasando por el folk, el folk rock el blues e incluso guiños hacia la psicodelia (Only Good For Conversation es la mejor prueba de ello).

Y si hay un tema estrella y por el que es más famoso Rodríguez ese es “Sugar Man”, toda una joya folkie con unas profundas letras que abren el elepé. Así mismo, esta canción también le sirvió de apodo a Rodríguez, siendo más conocido por el nombre de Sixto “Sugar Man” Rodríguez.

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Así concluye “Cold Fact”, un excelente elepé que vendió miles de unidades en Nueva Zelanda, Sudáfrica y Australia, países que consideran a Rodríguez como un mito a la altura de Elvis o Dylan. Curiosamente, Sixto Rodríguez permaneció ajeno a todo este éxito durante más de cuatro décadas y se ganó la vida como obrero de la construcción.

Reseñar que las profundas letras de sus canciones (muchas de ellas llegaron a prohibirse) se tomaron como un símbolo de lucha contra el apartheid en Sudáfrica. Sus discos fueron censurados, algunos de ellos rayados e incluso destruidos por completo.

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En 2012, el director Malik Bendjelloul realizó un oscarizado documental en el que tratan de descubrir el paradero de este cantante y todo el misterio que le rodea. Finalmente le encontraron – algunos decían que había fallecido – y Rodríguez volvió a ofrecer un gran concierto en Sudáfrica ante miles de espectadores. Dos años después del estreno del documental, el director sueco Malik Bendjelloul se suicidó debido a una depresión el 13 de mayo de 2014.

En la actualidad y a sus 72 años, Jesús Sixto Díaz Rodríguez ha ganado una buena suma de dinero (se habla de 500.000 euros) por los cinco shows que brindó en Sudáfrica. A pesar de esto, nada ha cambiado en él, ni su estilo de vida, ni su personalidad. Sigue viviendo en la misma casa desde principios de los sesenta. No tiene coche, ni ordenador, ni teléfono móvil. La mayor parte de su dinero lo reparte entre amigos y familia, según las declaraciones de su hija.

<<Debo admitir que el dinero es indecente, tengo muchos compromisos y la lista no hace más que crecer>>. Sixto Rodríguez.

Sí, todos estamos de acuerdo, Dylan es Dylan, pero RodríguezRodríguez… te llega al corazón.

Led Zeppelin – Led Zeppelin IV (Atlantic – 1971)

ledzeppelin4Hoy, 20 de septiembre de 2014, este blog cumple tres años de rock, desde que dos ourensanos decidieron allá por 2011 darle forma para hablar de sus discos favoritos. Durante este tiempo, hemos visto como otros muchos blogs se quedaron atrás, algunos ya nos han olvidado y otros quizás, motivados por la pasión hacia la música, se quedaron con nosotros para siempre. En especial, queríamos agradecer a Gonzalo Aróstegui  del blog Ragged Glory,  –  e invitamos a que no dejéis de visitar sus respectivos espacios – , y a Aurelio de  historias del rock and roll, sus  visitas a esta  casa. Y en general, a todo aquel que de vez en cuando se deja caer por aquí para echarle un vistazo a nuestros artículos.

Así que, aprovechando este tercer aniversario, os traemos Led Zeppelin IV, un clásico entre clásicos de esos que no pueden faltar en la estantería de todo amante del rock. Producido por Jimmy Page, fue publicado el 8 noviembre de 1971, incluye 8 pistas y es el cuarto de estudio en la discografía del memorable cuarteto británico (Robert Plant, voz, Jimmy Page, guitarra,  John Paul Jones,  bajo y John Bonham, batería).

led-zeppelin 1Ya han pasado más de cuarenta años de su publicación,  pero sigue siendo tan grande como el primer día. Sus geniales canciones ya forman parte de la extensa historia del rock. Hits como “Black Dog”  – atención a los riffs del maestro Jimmy Page o  la demoledora introducción de batería  de “Rock And Roll”  a cargo de John Bonham, nos demuestran el poderío de los Zeppelin en los albores de los 70.

Y si hay un tema de referencia obligada y el más famoso de los Zeppelin, ese es “Stairway To Heaven / Escalera al Cielo”, una semi – balada que contiene uno de los riffs de guitarra más célebres del  rock, cortesía de Jimmy Page. Mucho y muy variado se ha escrito sobre esta fantástica canción, así como la polémica que la rodea. Acusaron al grupo de incluir mensajes satánicos en sus letras y de hacer alusión al ocultismo. Fenómenos paranormales al margen, “Stairway To Heaven” es una de las canciones más solicitadas por las emisoras de radio de todo el mundo, y también un punto de inflexión para el rock and roll.

zoso1Otros cortes imprescindibles que completan el disco son “Misty Mountain Hop”, un bello “Going To California”, “The Battle of Evermore” y el aire blusero de “When The Levee Breaks”. Destacaremos la llamativa portada del elepé, así como el arte que se encuentra en su interior. Una mención aparte, merecen los símbolos rúnicos que aparecen en la funda, que se corresponden con  los cuatro miembros de la banda.

Así concluye este disco sin título,  etiquetado como “Led Zeppelin IV”, por los medios de comunicación. Porque ha sido éste y no otro, el que catapultó a los Zeppelin hacia el estrellato internacional, convirtiéndoles en  leyendas de la historia musical contemporánea.

Hey, hey mama said the way you move, / gon’ make you sweat, gon’ make you groove…

 

John Lennon / The Plastic Ono Band – (Apple / Emi 1970)

John Lenno Plastic Ono BandEn abril de 1970, los Beatles eran ya oficialmente historia.  Tras su separación, John Lennon decidió involucrarse con The Plastic Ono Band para darle forma a este revolucionario e íntimo disco con el que acrecentó todavía más su maravillosa leyenda. Y es que podemos considerarlo como un vendaval de sentimientos y también como un canto de frustración. Sus desgarradoras y profundas letras, hablan de los traumas infantiles de Lennon, la religión, el amor o la problemática de la clase trabajadora.

Plastic Ono Band es el primer elepé en solitario de John Lennon. Fue publicado en diciembre de 1970 por el sello EMI e incluye 11 pistas. Producido por el propio Lennon, junto a Yöko Ono y el mítico Phil Spector, se grabó en los estudios Abbey Road de Londres. Destacaremos que todas las canciones del álbum fueron compuestas por John Lennon, un genio cuya creatividad no entiende de límites. En el año 2000 sale a la luz una nueva redición del disco, añadiéndose 2 pistas más “Power To The People” y “Do The Oz”.

Una obligada referencia, merecen los músicos de la Plastic Ono Band que tocaron al lado de Lennon (guitarra, piano y voz): Klaus Voormann (bajo), Billy Preston y Phil Spector (piano), Alan White (batería y percusión), Yöko Ono (vientos) y Ringo Starr (batería).

 JLPON“Mother”, canción que abre el LP y de elevada delicadeza musical,  refleja la historia personal de John Lennon en su niñez. Magistralmente elaborada se encuentra “Hold On”, un tema suave impregnado por la peculiar voz de John y los nítidos instrumentos de su banda.  El rock and roll hace acto de presencia en “I Found Out” uno de los cortes más “duros” del disco. “Working Class Hero” es todo un himno de la clase trabajadora. Quizás, John trató de expresar que el rock and roll es el lamento que incomoda al rico.

“Isolation”, es una pista de excelente factura instrumental con un tranquilo y espléndido piano, al igual que en “Remember” (cuidado con la explosión final). Seguidamente llegará “Love”, absolutamente conmovedora. Una vez más, el rock and roll furioso hace acto de presencia en “Well Well Well”, a nuestro juicio uno de los temas más impactantes del LP.

JLENNONEl punto álgido del LP es una joya llamada “God”, una de las canciones más importantes en la carrera de Lennon y de la Plastic Ono Band. Para la posteridad quedará su majestuoso estribillo: <<I don’t Believe in Jesus / I don’t Believe in Beatles / I don’t Believe in Zimmerman / I just Believe in me / Yoko and me. >> Cierra el disco “My Mummy, s Dead”, quizás una canción de cuna.

La curiosa portada del álbum, en la que podemos visualizar a Lennon en un bosque y acostado sobre el regazo de Yöko Ono, ya forma parte de la extensa historia del rock.

Así concluye esta obra, cortesía de John Lennon. Aquellos cuatro cobardes balazos, no pudieron acabar con su leyenda. Lennon perdió la vida, pero entró en la inmortalidad. Y discos como éste, son la mejor prueba de ello.

Gracias, John.

 

 

Les Dudek – Say No More (CBS 1977)

Les_Dudek_-_Say_No_MorerAunque Les Dudek es uno de los grandes guitarristas americanos, su carrera musical pasó prácticamente desapercibida para el público europeo. Y con éste artículo vamos a intentar rescatar del olvido este “Say No More”, un disco de 1977 que consideramos esencial y que, a nuestro juicio, merece el mayor de los elogios.

Les Dudek nace a principios de los cincuenta en la Estación Naval Aérea de Quoinset Point (Rhode Island) perteneciente al estado norteamericano de Nueva Inglaterra. Pero solo permanecería allí hasta los seis años de edad, momento en que su familia se traslada al sur de Florida.

Como sucede en otros muchos casos de guitarristas ilustres, Les Dudek comienza a tocar la guitarra desde su adolescencia y es influenciado por grupos como Cream o Jimi Hendrix. Su trayectoria musical se inicia formando parte de un elevado número de bandas, consiguiendo una gran reputación. El talento desbordante de Les no pasa inadvertido para The Allman Brothers Band, cuando deciden contar con él – sobre todo Dickey Betts –  para colaborar en el histórico “Brothers And Sisters” de 1973, ya sin el legendario Duane Allman en sus filas.

Dudek nos dejó solos de guitarra inmortales, como en el inolvidable “Ramblin’ Man” y una colaboración acústica en la célebre canción “Jessica”, de los Allman Brothers. Pero nunca obtuvo mérito reconocido,  – especialmente por parte Dickey Betts –  con el que tuvo varias disputas a lo largo de los años por la composición de Jessica”.

Les Dudek IILes logró convertirse en un reputado guitarrista en el círculo de las bandas sureñas de entonces, y posteriormente se integró con bandas y músicos como  Boz Scaggs o Steve Miller.  Finalmente en 1976, la prestigiosa casa CBS se fijó en él para iniciar su carrera en solitario, primero con el álbum “Les Dudek” y luego con éste su segundo y espléndido “Say No More”, que a día de hoy podemos catalogar como un clásico en toda regla.

Producido por Bruce Botnick para la Columbia en 1977, el LP se grabó en los emblemáticos Capitol Studios de Hollywood, donde se gestaron muchas de las mejores de grabaciones de la historia. Incluye nueve temas compuestos por el propio Les, que van desde el más puro rock sureño pasando por el blues rock e incluso otros temas con connotaciones jazz rock o funk. Para la realización del LP, Les Dudek (guitarra y voz) contó con un gran elenco de músicos como Alan Feingold, David Paich y Ted Straton (teclados), el genial batería Jeff Porcaro, Gerald Johnson (bajo), Kevin Calhoun, Reymondo y Pat Murphy (percusión), y un coro femenino de “ruiseñores” – tal y como indica en el interior del disco – formado por Sherlie Matthews, Rebecca Louis, y Clydie King, entre otros muchos de sesión.

LeS DudekDentro del elepé nos encontraremos con excelentes canciones como “Old Judge Jones” de claro estilo sureño, un marcado funky “What´s It Gonna Be”, el exquisito y dulce  acústico “I Remember” o el aire jazzístico de “Zorro Rides Again”. Uno de los puntos álgidos llegará con “Avatar”, tema imprescindible con fantásticos “solos” de guitarra, una magnífica sección rítmica a la que acompaña con acierto el coro vocal.

En la portada del disco podemos contemplar una foto obra de David Stahl, en la que aparece Les Dudek con su mítica guitarra Gibson Les Paul, al lado de la sobrina del popular actor Telly Savalas, recordado por su papel en la serie “Kojack”.

Dudek continuó durante todos estos años participando en multitud de conciertos y publicando discos en solitario. Se situó como un músico referente, que actualmente se mantiene en muy buena forma y nos deleita con su virtuosismo a la guitarra.

Neil Young – Harvest (Reprise Records 1972)

neilyoungharvestAclamado por la crítica,  “Harvest” fue una de las obras más célebres del mítico cantautor canadiense Neil Percival Young. Por aquella época, Neil se encontraba aquejado de una fuerte enfermedad que le impedía mantenerse erguido, pero aún con estas dificultades logró dejarnos uno de los discos más famosos de la historia del rock. En él, combina a la perfección el country, el folk o el rock, e incluso arreglos orquestales en varias canciones.

El álbum,  cuarto de su discografía, se publicó en febrero de 1972 e incluye 10 pistas. Producido por el propio Neil Young junto a Elliot Mazer, Jack Nitzsche y Henry Lewy, fue grabado entre los “Quadrafonic Sound Studios” de Nashville, Royce Hall UCLA (California), “Barking Tow Hall” de Londres y los “Broken Arrow Studio” de Woodside (California). Especial atención prestaremos a  la profundidad lírica de sus canciones, que abordan temáticas como las drogas, problemas sentimentales, las guerras o el racismo.

Una obligada referencia, merecen los músicos que participaron al lado de Neil Young (guitarra, armónica, voz y piano) para la realización del elepé: Tim Drummond (bajo), Jack Nitzsche (guitarra y piano), Ben Keith (guitarra pedal steel) y Kenny Buttrey (batería). Todos ellos, músicos de sesión pertenecientes a la formación “The Stray Gators”, que Neil Young reclutó para la ocasión.

Neil Young IIPor  allí también estaban los legendarios David Crosby, Graham Nash y Stephen Stills (coros), Teddy Irwin (guitarra), John Harris  y  James McMahon (piano), James Taylor (voz, banjo), Linda Ronstadt (coros), siempre respaldados por la Orquesta Sinfónica de Londres.

Dentro del disco, nos encontraremos con clásicos como “Heart Of Gold” (Corazón de Oro), una balada acústica que consideramos extremadamente preciosista, con unos elegantes sonidos de armónica. “Old Man” es un hit que se convirtió en una de las canciones más identificables del bardo canadiense. “Alabama” es otra de las joyas del LP, de pegadizo estribillo y con pequeñas dosis de electricidad. La polémica que desató “Alabama” – dada su temática antirracista – molestó a  los sureños de los EEUU, que le respondieron con el “Sweet Home Alabama”, de Lynyrd Skynyrd.

“There’s a World”, podría encajar perfectamente como banda sonora de cualquier película. “Harvest”, es la pista que da nombre al LP, y en dónde Neil Young nos muestra un bello folk rock con cierto ritmo country.

Neil Young“Out on the Weekend”, el corte que abre el LP, es un tema de estilo folk rock con el personalísimo sello de Neil Young. En “Are You Ready for the Country?”  destacaremos  su introducción de piano y su orientación country. The Needle And The Damage Done, es una pieza en directo que se grabó en UCLA.

Así concluiremos este álbum, cortesía de un introvertido poeta llamado Neil Percival Young. En la actualidad y a sus 68 años, Neil Young sigue ofreciendo conciertos y representando a la perfección el espíritu inagotable del rock and roll.

Y creemos, que con Neil, el rock ha sido mucho más grande.

 

Barón Rojo – Volumen Brutal (Chapa Discos – 1982)

Baron-Rojo-Volumen-BrutalSe oye comentar a las gentes del lugar / los rockeros no son buenos / si no te portas bien / te echarás pronto a perder / y caerás en el infierno.

Todavía no sabemos si los rockeros caerán al infierno, pero lo cierto es que Barón Rojo se ganó a pulso un más que merecido puesto en el paraíso celestial del rock nacional, a base de unas explosivas guitarras y grandes dosis de un contundente heavy rock.

“Barón Rojo” o “Red Baron”, nace de las cenizas de la agrupación Coz, ya que los hermanos Carlos y Armando de Castro formaron parte de esta banda a finales de los años 70. Su inicio por el universo sonoro fue absolutamente demoledor “Larga Vida al Rock and Roll”, fue un disco debut de esos que dejan huella, rebosante de buenas letras y calidad musical.

Centrándonos en el LP “Volumen Brutal”, segundo en su discografía, se publicó en febrero de 1982 e incluye 10 pistas. Producido por Barón Rojo, se graba en los estudios “Kingsway” de Londres (propiedad del cantante de Deep PurpleIan Gillian)  y logra vender más de dos millones de copias, situándose como una de las obras más exitosas de la banda.  Así mismo, también se lanzó en 1982  una versión en inglés del elepé, que se comercializó  en mercados como el japonés e inglés.

Baron RojoLa gran repercusión que alcanzó Volumen Brutal, posibilitó que el grupo compartiera cartel con artistas de la talla de Uria Heep, Michael Schenker (Scorpions), Marillion, Gary Moore o Iron Maiden en el festival de Reading de 1982.

Como ya es habitual, mencionaremos a los músicos que hicieron posible este histórico trabajo: los hermanos Carlos y Armando de Castro (guitarra, coros y voz), José Luis “Sherpa” Campuzano (bajo, coros y voz), Hermes Calabria (batería), Mel Collins (saxofón) y Colin Towns (teclados).

barón rojo bandaDentro de este excelente álbum, nos encontraremos con himnos como “Resistiré” /”Stand Up”, una joya de canción que hace todos los honores al heavy metal y al rock duro. Destacaremos que “Resistiré”, llegó a ocupar el número 1 en las listas musicales del momento. Las poderosas guitarras de “Incomunicación” y «Dame la oportunidad»  harán las delicias de todo aficionado al heavy metal y al buen rock en general. “Son como hormigas”, es un tema que se erige como uno de los mejores del disco. Sencillamente, fantástico. Uno de los cortes más llamativos es “Los Rockeros van al infierno”, todo un hit de pegadizas letras que se consagró como una de las canciones más célebres de la banda.

Otras espléndidas pistas de obligada referencia y que completan el LP son: “Hermano del Rock & roll”, “El Barón sobrevuela Inglaterra” y “Sátanico Plan” (Volumen Brutal) o el inolvidable “Concierto para ellos”.

Concluye así este álbum, el segundo vuelo del barón,  una de las bandas que más prestigio han dado a España. Si he de escoger entre ellos y el rock / elegiré mi perdición / sé que al final tendré razón  / ¡y ellos no! / Mi rollo es el rock.

Ya está todo dicho.

 

 

The Band – The Band (Capitol Records 1969)

The-Band-The-Band1Tras dejarnos aquel fantástico “Music From Big Pink” de 1968, los canadienses The Band vuelven a irrumpir de manera impactante en la escena musical de finales de los 60, con este disco homónimo. Si algún adjetivo tenemos para calificarlo ese es inolvidable, como casi todo lo que ha hecho este magistral quinteto. ¿Quién no recuerda aquel espléndido “Último Vals” de 1976?

“The Band”, en español, simplemente conocidos como “La Banda”, fueron compañeros de ruta de Bob Dylan en su transformación del folk hacia el rock eléctrico. Procedentes de un país  de  meteorología antipática, les unía una pasión común que nos dejó un legado imborrable, discos perfectos y canciones sin fecha de caducidad. Acrecentaron su maravillosa leyenda durante los años 60 y 70, cuando se alejaron del rock psicodélico  que reinaba en aquella época y tomaron como base de su sonido los estilos tradicionales americanos.

Centrándonos en el álbum, segundo en su discografía, fue publicado por el sello Capitol Records en septiembre de 1969 y contiene 12 pistas. En la redición del año 2000, remasterizada por Capitol Records, se añaden 7 temas adicionales y diverso material extra.  Producido por John Simon, el LP logro situarse  como toda una obra de culto, dado su temática relacionada con la guerra civil americana, al margen de su gran calidad musical.

thebandbNo puede faltar en este post, una mención a los legendarios músicos que hicieron posible este magnífico trabajo: Robbie Robertson (guitarra), Rick Danko (trombón, bajo, violín, voz), Garth Hudson (teclados,  órgano, clavinet, piano, acordeón, saxofón, trompeta),  Richard Manuel (voz,  piano, batería, saxofón, armónica), Levon Helm (mandolina, batería, voz y guitarra acústica).

Dentro del LP, nos encontraremos con espléndidos temas como “Up On Cripple Creek” o “Rag Mama Rag” impregnados por un bello estilo folk, blues y country.  El punto álgido es, a nuestro juicio, “The Night They Drove Old Dixie Down”, todo un hit que se consolidó como una de las canciones más emblemáticas de la banda, y de las más utilizadas en sus conciertos en directo. Destacaremos la peculiar voz del batería Levon Helm, que hace que este tema se cubra todavía más de gloria.

WoodstockBandDesafortunadamente, Levon Helm falleció el 19 de Abril de 2012 debido a un cáncer, a los 71 años de edad. Y el rock and roll perdió así a una de sus grandes estrellas, pero su legado permanecerá eterno al paso del tiempo. Gracias Levon.

Otros cortes de obligada referencia que completan el disco son: “Rockin’ Chair”, de bello guitarreo acústico, la balada “Whispering Pines”, “Jawbone”  y el pegadizo piano de “Look Out Cleveland”

Y así concluye este artículo en honor a “la banda”. Si hay algo que quizás pueda completar este post,  pues diremos que vivieron instalados en la excelencia musical toda su carrera. Sus canciones, ya son todo un patrimonio de la humanidad.

 

 

Allen Toussaint – Life, Love And Faith (Reprise – 1972)

Allen ToussaintDe Nueva Orleans se puede afirmar que es una de las ciudades con más tradición musical de los Estados Unidos de América, debido a la diversidad de culturas que en ella se asentaron a lo largo de su historia, al igual que en el estado de Louisiana al que pertenece.

 De ésta evocadora urbe surgieron músicos de gran talento, como el legendario Louis Arsmtrong, Fats Domino, Champion Jack Duprée, el Professor Longhair, Dr. John o el inigualable trompetista Wynton Marsalis.

 Allen Toussaint es también uno de sus hijos más reconocidos, con una inmensa labor como compositor, arreglista, pianista y productor.   Nacido un 14 de julio 1938 en un barrio muy popular de Nueva Orleans, por mediación de sus padres se alimenta de la música que escucha durante su infancia, logrando despuntar con tan sólo 17 años de edad. Toca con varios grupos durante los años 50, y sería en 1958 cuando graba su primer álbum instrumental titulado “Tousan”, en el que destaca el tema “Java”.

 AT2En los 60 se dedica plenamente a la composición de canciones para innumerables artistas, y a la producción para músicos de enorme potencial como Irma Thomas o Aaron Neville entre otros muchos. En la década de los 70, decide grabar en solitario  publicando dos primeros discos sobresalientes. Y en 1972, llega este “Life, Love And Faith”, tercero en su discografía. También supone un ansiado regreso, bajo la idea de trabajar con los “Metters”, uno de los grupos funk más importantes de la época. En el año 2006 se redita el disco por el sello Water, que tiene su sede en San Francisco (California).

 Love, Life And Faith sale a la luz en 1972 y fue producido por el propio Allen Toussaint (piano, guitarra acústica y voz). Grabado en los estudios “Jazz City Recording”  de New Orleans para el sello Reprise, consta de 12 pistas y todas son composiciones suyas. Para la realización del elepé contó con la colaboración de los integrantes de los Metters en su base rítmica: Joe “Zigaboo” Modeliste (batería), George Porter (bajo), Leo Neocentelli y Vincent Toussaint (guitarras), este último miembro de la familia de Allen.

 ATOtros músicos de respaldo que también colaboraron fueron: Walter Payton (bajo) Joe Lambert (batería) Alfred Roberts y Squirrel (congas) y una nutrida sección vientos: Gary Brown, Alvin Thomas y Red Tyler (saxos) y Clyde Kerr y Francis Rousselle (trompetas). Los acompañamientos vocales son también una parte esencial de este mítico disco.

 Con un marcado estilo funk – diremos que muy característico –  Allen nos deleita con doce clásicos temas como “Victim Of The Darkness”, “Out Of The City (Into Country Life)” con unos soberbios arreglos vocales, la balada “On Your Way Down” o los experimentos con el jazz a los metales con “Electricity”.  Otras pistas de obligada referencia son “She Once Belonged To Me”, de clara tendencia al soul, “Goin´Down” o “Soul Sister”, que la resaltaremos como una de las más bellas del LP.

 Allen Toussaint es un músico imprescindible que nos dejó un personalísimo trabajo, dónde se pueden apreciar sus magníficas cualidades y su sensibilidad musical. Actualmente, tiene una posición privilegiada en el panteón de los mejores músicos norteamericanos.

 “Vida, amor y fe”….

Supertramp – Breakfast In America (A&M Records 1979)

Supertramp Breakfast In AmericaEn el ocaso de los setenta, los británicos Supertramp nos obsequiaron con un apetitoso desayuno en América, explorando de manera absolutamente magistral un amplio territorio sónico. Experimentan aquí con el pop, pero también con el rock, el rock progresivo y le añaden unas pinceladas de blues.

Supertramp se crea bajo el patrocinio del holandés Stanley August en 1969, que le propuso al teclista y cantante Rick Davies la formación de un grupo de rock. Así que, rápidamente se le unen el multi-instrumentista Roger Hodgson, el batería Bob Miller y el guitarrista Richard Palmer. Tras sufrir diversos cambios en sus filas, finalmente debutan con un disco homónimo en 1970, sin apenas repercusión. Según avanza  la década, graban álbumes magníficos como “Crime Of The Century” (1974), o  “Even In The Quietest Moments” (1977), obteniendo cierto reconocimiento por parte de la crítica. Y en 1979, le llegó su momento álgido y fama internacional gracias a éste Breakfast In America.

SupertrampCentrándonos en el elepé, “Breakfast In America” fue el sexto en su discografía, se publicó en 1979 por el sello A&M Records e incluye 10 pistas. Reseñaremos que todas las canciones fueron compuestas por el dúo Hodgson / Davies. Producido por los propios Supertramp y Peter Henderson, se remasterizó nuevamente en los años 2002 y 2010 agregándose diversas pistas y material extra. Breakfast In America alcanzó un gran éxito comercial, obteniendo el número 1 en las listas musicales de la época.

Como ya es habitual, mencionaremos a los músicos que hicieron posible esta obra: Rick Davies (teclados y voz), Roger Hodgson (guitarra, voz y teclados), Dougie Thomson (bajo), Bob Siebenberg (batería), John Helliwell (coros y saxofón) y Slyde Hyde (trombón).

Supertramp BandDentro del disco, repleto de hits, nos encontraremos con  canciones clásicas como “Breakfast In America” con un delicado piano y una sutil batería en su inicio, el inolvidable y pegadizo “Goodbye Stranger”, en la que destaca la peculiar voz de  Roger Hodgson, o un extraordinario “Logical Song”, que se consolidó como su tema por excelencia, prestando especial atención a su memorable “solo” de saxofón.

“Take The Long Way Home”, “Lord Is It Mine”, “Child of Vision” y “Oh Darling” son otros espléndidos cortes que nos demuestran el virtuosismo de una banda en estado de gracia. Juegan aquí con el pop, pero también con el rock e incluso con el rock progresivo. Realizan una mezcla fantástica, originando que Breakfast In America se convirtiera en uno de los álbumes más célebres de la década de los 70.

La curiosa portada del disco, en la que podemos visualizar el centro de Manhattan y una mujer simulando la estatua de la libertad con un desayuno  en su mano, fue un trabajo del diseñador Mikel Doug. Así concluye este obra conceptual, cortesía de Supertramp, una banda que se ganó un más que merecido puesto en la memoria del rock. Y éste, es su legado.