JOE BONAMASSA – DUST BOWL (J&R Adventures 2011)

El bluesman neoyorquino Joe Bonamassa es uno de los nuevos “Guitar Hero” modernos. Sus increíbles solos pentatónicos a toda velocidad, combinado con un personalísimo estilo blues rock, le convirtieron en una leyenda de las seis cuerdas. Bonamassa mezcla estilos como el blues, el country, el funk, el boogie o el rock duro en su música. Una fusión única que hace de Joe un músico impredecible, siendo capaz de ofrecer conciertos que van desde el blues rock, hasta el rock duro más áspero, pasando por el rock sureño.

Joe Bonamassa, 1977, New Hartford, Nueva York, comienza a tocar la guitarra a los cuatro años de edad, influenciado por su entorno familiar y por mitos del blues como Buddy Guy o B.B.King, llegando a ser telonero de este último a los doce años. El legendario creador de The Thrill Is Gone, declaraba en 1989 tras verle actuar: “Este chico tiene un potencial increíble, es uno de eses especiales. No se equivocó el gran B.B.

Centrándonos en el disco, “Dust Bowl” se publicó en 2011 por el sello J&R Adventures y contiene 12 canciones. Como ya es habitual, haremos mención a los músicos que hicieron posible este álbum: Joe Bonamassa (voz y guitarra), Carmine Rojas (Bajo), Tal Bergman (batería) y Rick Melick (piano).

Bonamassa es todo un animal del directo – su hábitat natural – y respira blues por los cuatro costados. Tiene la buena costumbre de hacernos llegar regalos para el oído como “Slow Train”, – todo un hit propiedad de Bob Dylan que abre el disco –  y que versiona de manera magistral. Este “tren lento” transporta puro sonido sur nativo americano, y recomendamos visualizar su versión en directo “Slow Train Live At Beacon Theatre”.

A nuestro juicio, Dust Bowl es un disco con cierta tendencia al country americano, pero también con esencia blues rock made in Bonamassa.  Canciones como “Tennessee Plates” (con la colaboración del cantautor John Hiatt), “Black Lung Heartache”, “You Better Watch Yourself”, “Sweet Rowena” o la gran versión del Heartbreaker de los míticos Free, son la mejor prueba de ello. Destacaremos la balada “The Last Matador Of Bayonne”, en la que Joe realiza un gran solo de guitarra y nos muestra otra vez su personalísimo estilo. 

El blues no ha muerto. Joe vive.

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Midnight Oil – Diesel And Dust (CBS – 1987)

Las actuaciones para y en defensa de los derechos de los aborígenes australianos marcaron un antes y un después en la carrera de los Midnight Oil. Las letras de este clásico disco “Diesel And Dust” están impregnadas de protesta, siendo de temática política, muy, pero que muy política. Incluso se llegaron a editar dos versiones, una extendida y otra que fue censurada en los Estados Unidos, dado que la estrofa de la canción “Gunbarrel Highway” rezaba: << Shit falls like rain on a land that is Brown / “La mierda parece lluvia si cae sobre tierra marrón”>>.

 Midnight Oil está formado por Martin Rotsey y Jim Moginie (guitarras y teclados), Peter Gifford (bajo), Robert Hirst (batería y percusión). Estos son los hombres de Garrett, su líder y carismático vocalista, también Ministro de Educación y Medio Ambiente de los años 2010 a 2013 por el Partido Laborista Australiano. Peter Garrett, todo un showman del rock, no pasa desapercibido para el espectador en sus actuaciones. El batería Robert Hirtst fundó a la banda en Sidney, y rápidamente se unió el calvo Garrett, que respondió a un anuncio de 1973. Inspirándose en grupos legendarios de la talla de Cream o Jethro Tull, los Oils comienzan a dar forma a su sonido con primeros álbumes como el homónimo “Midnight Oil” (1978), “Head Injuries” (1979) o “10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1” (1982).

 En 1986 y dado su compromiso con el medio ambiente y los derechos de los indígenas, los oils recorrieron Australia acompañados por grupos aborígenes como la “Warumpi Band”, promocionando la gira Blackfella/Whitefella. Sin duda, hablaban sobre los problemas del hombre blanco y sus continuas luchas de poder por la tierra de los nativos australianos.

Centrándonos en el álbum, Diesel And Dust vendió más de tres millones de copias en todo el mundo, se publicó en agosto de 1987 por el sello CBS e incluye 11 canciones. Sexto de su discografía, contiene hits a escala planetaria como “Beds Are Burning”, una clásica canción que se convirtió en uno de los himnos de la banda.

Pero Diesel And Dust es mucho más que Beds Are Burning. Es, bajo mi opinión, un disco de los que difícilmente se olvidan. Perfecto de principio a fin, me atrevería a decir que marcó la década de los ochenta a golpe de buen rock. La producción del álbum es impecable, repleto de nuevos sonidos y joyas como “The Dead Heart”, “Whoah” o “Sometimes”. “Bullroarer” se hace fácilmente reconocible por su riff de guitarra, y “Put Down That Weapon” es otro de esos hits que siguen dando forma a un disco absolutamente redondo.

Aunque Diesel and Dust fue un éxito de ventas, quizás no ha sido reconocido como se merecía. Obtuvo escasa repercusión si lo comparamos con álbumes de otras bandas de la época.

“Había un grupo en Australia llamado Midnight Oil y eran muy, muy políticos, y literalmente te pegaban con un martillo en la cabeza. A veces U2 también te golpea con un martillo, pero es de goma”.

 Meat Loaf.

VINCE GUARALDI – ALMA-VILLE (WARNER BROS 1969)

Por Javier Torres

Como todos sabréis y desde hace ya varios años, este blog dedica gran parte de sus artículos a la música rock. Pero también tiene cabida para los más grandes músicos del jazz, como el extraordinario pianista y compositor Vincent Anthony Guaraldi.

Nacido en julio de 1928 en San Francisco, desde su infancia se siente atraído por la música, siendo influenciado por el entorno familiar. A principios de la década de los cincuenta despunta en muchas de las grabaciones de la época, colaborando con otros afamados músicos del circuito jazzístico norteamericano, como el maestro Carl Tjader o Woody Herman y su mítica big-band.

Vincent Guaraldi fue miembro de la big-band de Woody Herman y le sirvió para hacer giras desde Arabia Saudí y recorrer varios puntos de la geografía europea. Era un todoterreno en su país, tocó en numerosos locales, reconocidos festivales, e incluso salió en la National Educational Television (NET), en multitud de ocasiones.

Su éxito más rotundo llegó con la composición del hoy estándar de jazz “Cast Your Fate to the Wind”. Este tema (también versionado años después por Allen Toussaint) le sirvió para que el productor televisivo Lee Mendelson se fijara en él y le propusiera componer la música para el film de animación “Peanuts”, una tira cómica de Charles M. Schulz protagonizada por Charly Brown y su perro Snoppy (en España más conocida por Carlitos y Snoopy) acompañados por Lucy, Linus, Schroeder, Sally y Peppermint Patty. Y así, dando muestra de un talento innato, Vince Guaraldi daba vida a la banda sonora de la tira cómica más importante de los Estados Unidos.

Vince ofreció una música de muy alta calidad, que gusta tanto a niños como a adultos, y nos dejó una contribución maravillosa para la música y la cultura en general.

Centrándonos en el álbum “Alma-Ville”, se publicó en 1969 y fue producido por Shorty Rogers. Guaraldi contó con extraordinarios músicos como Herb Ellis o Eddie Duram (guitarras), el percusionista brasileiro Dom Um Româo, los bateristas Al Coster y Colin Baily y los bajistas Kelly Brian y Sebastiao Neto.

El disco contiene nueve temas que nos muestran su personalísima forma de entender la música y un peculiar estilo al piano. Una música que te atrapa desde el primer momento, a la vez que relaja, y nos hace sentir lo especial que puede llegar a ser. La mayor parte de las canciones son composiciones propias y destaca el divertido tema homónimo al disco “Alma-Ville”.

Abre el álbum con una exquisita “The Masked Marvel”, continúan con otro clásico como “Cristo Redentor”, popularizado un año antes por Harvey Mandel. Mencionaremos también el cover que realizan del “Eleanor Rigby”, bajo nuestro criterio, una de las mejores versiones realizadas de esta canción, propiedad de los chicos de Liverpool.

En otros cortes como “Jambo´s” hacen una estupenda jam, ejecutada con gran virtuosismo por su banda, a la que respalda el genio de Vince. En “Uno y Uno”, Guaraldi – esta vez a la guitarra solista – nos demuestra que es un músico polivalente y un grandísimo autor.

La portada del elepé fue obra de Ed Trasher, un conocidísimo fotógrafo, director de fotografía y diseñador de portadas históricas del rock para artistas como Jimi Hendrix, Frank Sinatra, Grateful Dead, The Doobie Brothers o el Self-Portrait de Joni Mitchel, entre otros muchos. La contraportada fue obra de Jim Marshall, otro ilustre fotógrafo conocido por retratar a los más grandes del rock & roll.

Vince Guaraldi está considerado por muchos críticos un grande de la historia de la música.  Sufrió una muerte prematura en febrero de 1976 a los 47 años de edad. Probablemente, se encontraba en el momento más álgido de su carrera.

Dedicado a Patty, por ilustrarme y darme estas sorpresas.

Link Wray- I Got a Rumble (Polydor 1974)

Por Javier Torres

Fred Lincoln Wray, más conocido por el apelativo de “Link” y en el panorama musical como <<Link Wray>>, fue todo un pionero del rock and roll y un músico innovador. Quizás nos encontremos ante uno de los semidesconocidos reyes del género si lo comparamos con sus homólogos, pero inevitablemente el tiempo lo ha puesto en un trono al lado de los más grandes del rock.

Link nació en Dunn (Carolina del Norte) y era descendiente de los “shawnee”, una tribu amerindia con una larga historia y avatares sufridos pasados de otras épocas, pero eso lo dejaremos para juicio de los historiadores. Viene esto a decirnos, que estamos ante una de las escasas estrellas de rock con orígenes nativos americanos junto a bandas como la inolvidable Redbone.

Su carrera se fraguó en los años cincuenta, y gracias a su peculiar forma de tocar la guitarra y a su inconfundible estilo, Link logró hacerse un hueco en el complicado mundo del rock.

En 1994 y como premio a su rica y dilatada carrera, directores de cine como Quentin Tarantino lo llevaron a lo más alto incluyéndolo en bandas sonoras de películas como la célebre <<Pulp Fiction>>, que popularizó todavía más su “Rumble”, una clásica y carismática canción para el rock. Otros filmes no menos importantes también añadieron a sus B.S.O temas históricos de Link como “Desperado” y su “Jack de Ripper” o “Independence Day “con “Rumble” nuevamente.

En este artículo de hoy, nos decantamos por analizar una etapa distinta, rescatando “I Got a Rumble” de 1974. Un disco redondo en todos los sentidos, con canciones que abarcan el blues, el rock más visceral, baladas exquisitas, u otras que nos recuerdan a tiempos de las mejores bandas del movimiento de los sesenta de San Francisco.

Producido por Skip Drinkwater y Bruce Steinberg en 1974 para Polydor, el álbum contiene 10 maravillas en las que Link Wray es el compositor de casi todas las canciones. Los músicos que lo acompañan fueron John Dzerigian a la guitarra, un conocido por nosotros como Boz Scaggs también a la guitarra, Mark Jordan al piano, Rick Shlosser a la batería, Tom Rutley al bajo y Joe Crane que lo acompañó en una nueva versión de su “Rumble” al bajo.

Es digno de mención la aportación de Bernie Krause al sintetizador en el tema “Good Time Joe”, conocido mundialmente por grabar el sonido natural del mundo y su proyecto “Wild Sanctuary”. Un tema que transporta a paisajes sonoros que no pasan desapercibidos.

En otros cortes como “I Got a Rumble”, Link decide crear una canción como reza en el disco “Dedicado a la memoria de Duane Allman” del que suponemos Link influenció de algún modo en la corta pero brillantísima carrera del virtuoso sureño.

Otros temas del disco como “Rockett 88”, “Walkin´ Bulldog”, “Backswoods Preacher Man” etc… nos muestran a un guitarrista serio y con recursos, apasionado y lleno de música.

En la contraportada del álbum podemos leer un extenso artículo elaborado por Pete Townshend, que nos explica su acertado punto de vista tanto en el análisis del disco, como su relación musical y sus experiencias. Era un músico muy querido por las generaciones posteriores y una gran influencia para muchas de las estrellas que años más tarde despuntaron en la historia del rock and rollLink nos dejó en el año 2005, pero siempre nos quedará su extraordinaria música, su especialísima forma de tocar la guitarra (una preciosa Yamaha SG-2 de la que era inseparable), ataviado con su ropa de cuero negra y su característico tupé rocker, escuchar a Link Wray es un verdadero placer.

Van Halen – Van Halen (Warner Bros Records – 1978)

En 1978, la formación estadounidense Van Halen debutó en la escena musical con este álbum  homónimo, repleto de hits y situándoles como una de las bandas más emblemáticas del rock. Este innovador disco contiene canciones como “Eruption” un tema instrumental que incluye un excepcional riff de guitarra, considerado como uno de los mejores solos de la historia del rock. Su creador, el virtuoso Eddie Van Halen– un guitar hero en toda regla – dotó al disco de sonidos únicos, utilizando efectos de modulación como el flanger y popularizando el <<tapping>>, una técnica de guitarra que consiste en tocar con una o dos manos sobre el mástil. Reseñaremos que esta técnica ya había sido utilizada por otros guitarristas con anterioridad, como Jimi Hendrix, el músico de jazz Stanley Jordan o Steve Hackett entre otros. Pero ha sido Eddie Van Halen el que la elevó a la máxima potencia.

“Runnin’ with the Devil” es todo un clásico del hard rock, con un solo de guitarra made in Eddie Van Halen. “Ice Cream Man” y “Little Dreamer” son cortes incendiarios que no te dejarán con indiferencia.

 Otros temas como “Ain’t Talkin’ ‘Bout Love”, con ese mítico riff de inicio y la fantástica versión del “You Really Got Me” de los Kinks de Ray Davies completan un disco absolutamente redondo.

El disco se publicó en 1978 por el sello Warner Bros Records, contó con la producción de Ted Templeman y consta de 11 temas. Como ya es costumbre, haremos mención a los músicos que hicieron posible esta obra: Michael Anthony (bajo), Eddie Van Halen (guitarra), David Roth (voz) y Alex Van Halen (batería).

Van Halen cambió la forma de entender el rock duro, de eso no hay ninguna duda. Sus nuevos sonidos, sus efectos y la marca personal de Eddie Van Halen a la guitarra, los convirtieron en una banda de culto para el rock.

Jim Croce – You Don’t Mess Around with Jim (ABC Records, 1972) + I Got a Name (ABC Records 1973)

El trágico destino de Jim Croce acrecentó todavía más su maravillosa leyenda. El 20 de Septiembre de 1973, el cantante estadounidense sufre un accidente de aviación que acaba con su vida a los 30 años de edad. James Joseph Croce, Filadelfia, Pensivalnia 1943, comienza su carrera profesional en la Universidad de Villanova tocando con bandas que actúan en diversos locales, pubs y cafés. En esta universidad conoce a su esposa Ingrid, con la que formaría un dúo musical con base en Nueva York para grabar su primer disco. 

Tras recorrer EEUU ofreciendo conciertos en pequeños locales y campus, Jim se desencanta del negocio de la música acuciado por las deudas y regresa a Pensilvania para trabajar como conductor de camión. Según cuentan, vendió todo lo que tenía excepto su vieja guitarra.

Jim Croce se ganó el respeto del público gracias a un estilo folk rock extremadamente preciosista y a sus buenas letras. Jim es un artista mítico, quizás no se le ha reconocido como se merecía, pero sin duda está a la altura de otras leyendas como Nick Drake, Cat Stevens o Tim Buckley. Y este blog siempre recuerda a aquellos que tanto han hecho por la música. El éxito de Jim Croce – todo un trotamundos de la músicaradica en las experiencias que vivió. Sus canciones tratan sobre el amor, el trabajo o la rutina diaria.

You Don’t Mess Around with Jim (1972) es su tercer álbum, incluye 12 pistas y el tema homónimo al disco – todo un hit – que ha sido banda sonora de la exitosa serie de Netflix “Stranger Things”. Una canción imprescindible es “Time in A Bottle”, repetida hasta la saciedad por las emisoras de radio. Con otros cortes como “Photographs and Memories”, “Walkin’ Back to Georgia” o “Operator (That’s Not the Way It Feels)”, nos muestra la grandeza del estilo folk rock americano que impregna a todo el disco.

I Got a Name (1973) es su quinto y último disco y contiene 11 pistas. Fue publicado el día siguiente a su fallecimiento. Incluye de nuevo “I Got A Name”, canción homónima al disco que se presenta como toda una joya folkie siendo su tema más popular. Y también ha sido banda sonora de la película de Quentin Tarantino “Django Desencadenado”. En canciones como “I’ll Have to Say I Love You in a Song” o la bella balada Lover’s Cross sentiremos todo el talento de Jim. Coquetea con el blues de carretera en “Workin’ at the Car Wash Blues”, y nos deja una nueva perla folkie llamada “Age”. Al margen de estos discos, Jim publicó otras canciones exitosas como “Bad, Bad Leroy Brown” y “Old Man River”.

A mi juicio, sus canciones son clásicos inmortales. La historia de Jim Croce es la historia de lo que pudo haber sido. Una pena.

FANNY – FANNY 1970 (Reprise)

Por Javier Torres.

El primer grupo de rock formado por mujeres”Fanny

Así, con esta contundente frase, define la gran mayoría de biografías a Fanny”, una legendaria banda de rock compuesta por féminas.

Aunque hubo formaciones anteriores, ninguna de ellas había abordado el rock de una manera tan explosiva como Fanny, que debutaba en la escena musical de 1970 con este primer álbum homónimo. En 1969 ya habían experimentado bajo el nombre de “Wild Honey”; pero no sería hasta 1970 cuando comienzan su carrera por el complejo mundo del rock and roll.

El grupo lo formaban las hermanas de origen filipino June Millington (guitarra y voz); Jean Millington (bajo y voz) Alice De Buhr “California” (batería) y Nicole Barclay “Washington DC” (teclados).

Este primer disco producido por Richard Perry para la filial de la Warner, – Reprise Records -; supuso todo un acontecimiento dado sus continuas actuaciones en el pub Whisky a Go-Go de Los Ángeles, estando respaldadas por leyendas del rock como George Harrison, Ringo Starr, Deep Purple, The Rolling Stones, The Kinks, The Who, Rod Stewart o David Bowie. Todos ellos clientes asiduos del histórico local, intentaron que las Funny llegaran a lo más alto de la industria musical por su calidad y su buen hacer para el rock.

Banda inédita hasta la fecha e inusual para su época, sorprendieron a los críticos musicales del momento, incluso muchos de ellos no sabían como abordar el tema. Se encontraron con un público desorientado y el camino no les resultó fácil, al menos al principio. En Inglaterra “fanny” significa “coño” – vulgarmente hablando – y este aspecto les causó más de un problema.

El disco contiene once canciones con autoría de las hermanas June y Jean, en dónde exponen un estilo inconfundible y perfectamente ejecutado, con buenas voces y armonías vocales, además de una poderosa sección rítmica. En todo momento nos demuestran que son músicos excelentes.

Del álbum rescatamos una magistral versión del “Badge” de Cream, para muchos, el mejor cover registrado hasta la fecha. Temas como “Shade Me” o “Just Realized” recuerdan a grandes formaciones del momento como Free o The Faces entre otras. Baladas con perfectas armonías vocales y un toque femenino que las hacía únicas como “Conversation with a cop” son de los mejores temas de este primer elepé.

La fotografía del álbum obra de Don Lewis, con el grupo de espaldas y agarradas caminando hacia adelante, es todo un síntoma de un paso al frente, un logro y una prueba más que superada. Desde este blog queremos rendir homenaje a estas chicas y geniales músicos. Y las vitoreamos.

El 29 de Diciembre de 1999, David Bowie declaraba para la revista Rolling Stone:

“Una de las bandas femeninas más importantes del rock estadounidense ha sido enterrada sin dejar rastro. Y esa es Fanny. Fueron una de las mejores bandas de rock de su tiempo, alrededor de 1973. Fueron extraordinarias: escribieron todo, eran colosales y maravillosas, y nadie las mencionó nunca. Son tan importantes como cualquiera que haya sido alguna vez; simplemente no era su tiempo. Revivir a Fanny. Y sentiré que mi trabajo está hecho “.

Juzguen ustedes.

Whiskey Myers – Mud ( Wiggy Thump Records 2016)

En cierta ocasión Gregg Allman declaró: “Como el rock se inventó en el sur de los Estados Unidos, el término “southern rock” es redundante: “es como decir rock rock”.

Y aunque no queremos ser repetitivos ni redundantes respecto a la anterior entrada, hoy os traemos un nuevo artículo de “rock sureño” o “southern rock”, un estilo que este blog siempre ha tenido muy en cuenta.

Originarios de Texas, los Whiskey Myers se forman en 2007 bajo el liderazgo de Cody Cannon y Cody Tate, dos amigos que empiezan a escribir canciones en una casucha de Elkhart (Texas), inspirándose en referentes del género como los Allman Brothers Band, Hank Williams o Lynyrd Skynyrd. Este septeto tejano es un grupo de elevada calidad. Lo demuestran en todas y cada una de las diez canciones que se incluyen en el disco.

Whiskey Myers está formado por Cody Cannon (Voz y guitarra), Cody Tate (Guitarra) John Jeffers (Guitarra rítmica), Gary Brown y Jamey Gleaves (bajo), Jeff Hogg (batería) y Tony Kent (Percusión).

Mud” es su cuarto trabajo, cuenta con la producción de Dave Cobb (un famoso manager con base en Nashville) y consta de diez temas. Destacar que uno de los fundadores de los “Black Crowes”, Rich Robinson, colabora con el grupo en “Frongman” uno de los temas estrella del elepé.

Centrándonos en el álbum, abren con “On The River”, que tiene toda la pinta de convertirse en un hit de esos que no se olvidan: puro sonido sur nativo americano. Continúan con “Mud” que da nombre al disco, donde muestran un blues rock pantanoso con pesados riffs de guitarra. “Lightning Bugs and Rain” es otra gran canción con un pegajoso riff de inicio que no dejará con indiferencia al respetable. Al margen de esto, señalaremos el excelente trabajo que hace el guitarra rítmico John Jeffers en todo el disco.

Continúan con “Deep Down in the South”, un potente blues rock tejano en toda regla. “Stone” es una balada extremadamente preciosista que se sitúa como otro de los hits del LP, con un “solo” de guitarra final en el cual es mejor sentarse, escuchar y aplaudir. “Trailer We Call Home” es una balada folkie con bellos arpegios que completa un disco redondo. En Hank y Some Of Your Love nos brindan blues rock con una excelente combinación de instrumentos y coros femeninos. Finaliza el álbum con Good Ole Days, todo un hit country de cantina, saloon o bar del desierto.

Mud ha sido uno de los discos mas aclamados de 2016, y procede del lugar en dónde se inventó el rock and roll.

Escucha los Programas RockSession !

PROGRAMA: Los 100 Méjores Álbumes Editados en los Años 80 (Parte 1). Voz y Narración: Ricardo Blanco

 

Programa: Los 100 Méjores Álbumes Editados en los Años 80 (Parte 2). Voz y Narración: Ricardo Blanco

 

Programa: Los 100 Méjores Álbumes Editados en los Años 80 (Parte 3). Voz y Narración: Ricardo Blanco

 

Programa dedicado a John Lennon. (Voz y narración: Ricardo Blanco)

 

Programa dedicado a Crowded House. (Voz y narración: Ricardo Blanco)

 

Programa dedicado a Peter Gabriel (Voz y narración: Ricardo Blanco)

 

Blackberry Smoke – The Whippoorwill (Southern Ground Records 2012)

El rock sureño o “southern rock” es un género emblemático. Siempre se ha caracterizado por poseer un estilo único e inconfundible. De él han nacido agrupaciones legendarias como los Allman Brothers, Lynyrd Skynyrd, la Marshall Tucker Band o The Outlaws, entre otras.

Los nuevos exponentes del género son los “Blackberry Smoke”, una excelente banda originaria de Atlanta (Georgia), que combina el sonido southern con un genuino country rock que no dejará indiferente al oyente. Si hay algo por lo que se reconocen al instante es por la peculiar voz de su cantante, Charlie Starr.

Formados en el año 2000, “Blackberry Smoke” está compuesta por: Charlie Starr (voz y guitarra); Richard Turner (Bajo); Brit Turner (batería); Paul Jackson (guitarra) y Brandon Still (teclados).

Blackberry Smoke es una banda de carretera: un quinteto que recorre miles de kilómetros por Estados Unidos y el extranjero, y que explora estilos como el rock, swing, el country o el blues rock. No hay saloon, pub o bar que no incluyan en sus giras. Pisan todo tipo de escenarios y eso es algo que el público siempre agradece. Con el grupo han colaborado artistas de la talla de Gregg Allman, uno de los máximos exponentes del rock sureño y miembro fundador de los Allman Brothers Band. Gregg Allman nos dejó un 27 de Mayo de 2017, pero su legado ha sido magistral. Al margen de esto, también colaboró con el grupo en la canción “Free on the Wing”, del álbum “Like An Arrow”.

Centrándonos en el álbum, tercero en su discografía, The Whippoorwill” fue distribuido por el sello Southern Ground Records en 2012 e incluye 13 pistas. A nuestro juicio, es un disco repleto de hits. Merece especial atención la balada acústica <<One Horse Town>>, con un riff de guitarra sencillo, pero muy pegadizo. La estarás tarareando una y otra vez. Esta canción, uno de los himnos de los Blackberry Smoke, fue interpretada por el grupo en las <<Backyard Sessions>>, en dónde la guitarra acústica Taylor de Charlie Starr suena de lujo.

Otros temas como “Six Ways to Sunday” o “Pretty Little Lie” hacen honor al más puro estilo Southern, con unos adictivos teclados.

“Ain’t Much Left of Me” es un clásico en su repertorio que se incluyó en la banda sonora de la serie motera por excelencia “ Sons Of Anarchy” / Hijos de la Anarquía; concretamente, en el capítulo 5×08. Otros temas que recomendamos son: “The Whippoorwill”, que da nombre al disco, un espléndido “Sleeping Dogs”, en el que muestran su esencia sureña, y un fantástico “Up The Road”, donde se marcan un “solo” de guitarra similar al “Free Bird” de los Lynyrd Skynyrd. Creemos que rinden los honores a tan laureada formación.

Blackberry Smoke es una banda honesta. Hacen rock americano auténtico, genuino y con denominación de origen.

Finaliza este análisis y este blog vuelve a sus orígenes. Volvemos al ruedo hoy, 27 de Agosto de 2018, después de cuatro largos años. Volvemos, porque muchos amigos nos han motivado de nuevo, y porque hemos superado muchos obstáculos. Volvemos con mucha ilusión. Volvemos porque hay que rescatar esos magníficos discos de nuestras estanterías. Volvemos, porque han sido muchos los amigos y seguidores que hemos hecho gracias a la música y al rock. Volvemos, porque el rock forma parte de nuestro ADN.

Muchas gracias a todos,

rockandrollismyaddiction.wordpress.com

Ruben.Borrajo y Javier Torres (Ourense – Galicia – España)