Allen Toussaint – Life, Love And Faith (Reprise – 1972)

Allen ToussaintDe Nueva Orleans se puede afirmar que es una de las ciudades con más tradición musical de los Estados Unidos de América, debido a la diversidad de culturas que en ella se asentaron a lo largo de su historia, al igual que en el estado de Louisiana al que pertenece.

 De ésta evocadora urbe surgieron músicos de gran talento, como el legendario Louis Arsmtrong, Fats Domino, Champion Jack Duprée, el Professor Longhair, Dr. John o el inigualable trompetista Wynton Marsalis.

 Allen Toussaint es también uno de sus hijos más reconocidos, con una inmensa labor como compositor, arreglista, pianista y productor.   Nacido un 14 de julio 1938 en un barrio muy popular de Nueva Orleans, por mediación de sus padres se alimenta de la música que escucha durante su infancia, logrando despuntar con tan sólo 17 años de edad. Toca con varios grupos durante los años 50, y sería en 1958 cuando graba su primer álbum instrumental titulado “Tousan”, en el que destaca el tema “Java”.

 AT2En los 60 se dedica plenamente a la composición de canciones para innumerables artistas, y a la producción para músicos de enorme potencial como Irma Thomas o Aaron Neville entre otros muchos. En la década de los 70, decide grabar en solitario  publicando dos primeros discos sobresalientes. Y en 1972, llega este “Life, Love And Faith”, tercero en su discografía. También supone un ansiado regreso, bajo la idea de trabajar con los “Metters”, uno de los grupos funk más importantes de la época. En el año 2006 se redita el disco por el sello Water, que tiene su sede en San Francisco (California).

 Love, Life And Faith sale a la luz en 1972 y fue producido por el propio Allen Toussaint (piano, guitarra acústica y voz). Grabado en los estudios “Jazz City Recording”  de New Orleans para el sello Reprise, consta de 12 pistas y todas son composiciones suyas. Para la realización del elepé contó con la colaboración de los integrantes de los Metters en su base rítmica: Joe “Zigaboo” Modeliste (batería), George Porter (bajo), Leo Neocentelli y Vincent Toussaint (guitarras), este último miembro de la familia de Allen.

 ATOtros músicos de respaldo que también colaboraron fueron: Walter Payton (bajo) Joe Lambert (batería) Alfred Roberts y Squirrel (congas) y una nutrida sección vientos: Gary Brown, Alvin Thomas y Red Tyler (saxos) y Clyde Kerr y Francis Rousselle (trompetas). Los acompañamientos vocales son también una parte esencial de este mítico disco.

 Con un marcado estilo funk – diremos que muy característico –  Allen nos deleita con doce clásicos temas como “Victim Of The Darkness”, “Out Of The City (Into Country Life)” con unos soberbios arreglos vocales, la balada “On Your Way Down” o los experimentos con el jazz a los metales con “Electricity”.  Otras pistas de obligada referencia son “She Once Belonged To Me”, de clara tendencia al soul, “Goin´Down” o “Soul Sister”, que la resaltaremos como una de las más bellas del LP.

 Allen Toussaint es un músico imprescindible que nos dejó un personalísimo trabajo, dónde se pueden apreciar sus magníficas cualidades y su sensibilidad musical. Actualmente, tiene una posición privilegiada en el panteón de los mejores músicos norteamericanos.

 “Vida, amor y fe”….

 

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Supertramp – Breakfast In America (A&M Records 1979)

Supertramp Breakfast In AmericaEn el ocaso de los setenta, los británicos Supertramp nos obsequiaron con un apetitoso desayuno en América, explorando de manera absolutamente magistral un amplio territorio sónico. Experimentan aquí con el pop, pero también con el rock, el rock progresivo y le añaden unas pinceladas de blues.

Supertramp se crea bajo el patrocinio del holandés Stanley August en 1969, que le propuso al teclista y cantante Rick Davies la formación de un grupo de rock. Así que, rápidamente se le unen el multi-instrumentista Roger Hodgson, el batería Bob Miller y el guitarrista Richard Palmer. Tras sufrir diversos cambios en sus filas, finalmente debutan con un disco homónimo en 1970, sin apenas repercusión. Según avanza  la década, graban álbumes magníficos como “Crime Of The Century” (1974), o  “Even In The Quietest Moments” (1977), obteniendo cierto reconocimiento por parte de la crítica. Y en 1979, le llegó su momento álgido y fama internacional gracias a éste Breakfast In America.

SupertrampCentrándonos en el elepé, “Breakfast In America” fue el sexto en su discografía, se publicó en 1979 por el sello A&M Records e incluye 10 pistas. Reseñaremos que todas las canciones fueron compuestas por el dúo Hodgson / Davies. Producido por los propios Supertramp y Peter Henderson, se remasterizó nuevamente en los años 2002 y 2010 agregándose diversas pistas y material extra. Breakfast In America alcanzó un gran éxito comercial, obteniendo el número 1 en las listas musicales de la época.

Como ya es habitual, mencionaremos a los músicos que hicieron posible esta obra: Rick Davies (teclados y voz), Roger Hodgson (guitarra, voz y teclados), Dougie Thomson (bajo), Bob Siebenberg (batería), John Helliwell (coros y saxofón) y Slyde Hyde (trombón).

Supertramp BandDentro del disco, repleto de hits, nos encontraremos con  canciones clásicas como “Breakfast In America” con un delicado piano y una sutil batería en su inicio, el inolvidable y pegadizo “Goodbye Stranger”, en la que destaca la peculiar voz de  Roger Hodgson, o un extraordinario “Logical Song”, que se consolidó como su tema por excelencia, prestando especial atención a su memorable “solo” de saxofón.

“Take The Long Way Home”, “Lord Is It Mine”, “Child of Vision” y “Oh Darling” son otros espléndidos cortes que nos demuestran el virtuosismo de una banda en estado de gracia. Juegan aquí con el pop, pero también con el rock e incluso con el rock progresivo. Realizan una mezcla fantástica, originando que Breakfast In America se convirtiera en uno de los álbumes más célebres de la década de los 70.

La curiosa portada del disco, en la que podemos visualizar el centro de Manhattan y una mujer simulando la estatua de la libertad con un desayuno  en su mano, fue un trabajo del diseñador Mikel Doug. Así concluye este obra conceptual, cortesía de Supertramp, una banda que se ganó un más que merecido puesto en la memoria del rock. Y éste, es su legado.

 

 

Jimmy Smith – Jimmy Smith Live! Root Down – (Verve 1972)

root_downHablar de Jimmy Smith es hablar de uno de los mejores organistas de jazz de todos los tiempos. Así de simple, es nuestro humilde punto de vista sobre este emblemático músico americano. Nacido en Norristown, en el estado de Pensilvanya en 1928, Jimmy es un niño prodigio con un talento innato para la música, provocado en parte por tradición familiar. Rápidamente se especializa en el uso del órgano, y en particular, en el mundialmente conocido “Órgano Hammond”, allá por el principio de los 50.

Comenzando su carrera con estilos que van desde el rythm and blues al hard bop o el jazz, pronto se hace con un destacado lugar en el ambiente jazzístico neoyorquino. Y allí,  en la ciudad de los rascacielos y la capital del jazz, ficha por el histórico sello discográfico Blue Note y posteriormente por Verve, tocando con varios de los músicos más célebres de este género, como los fantásticos guitarristas West Montgomery o Kenny Burrell, los saxofonistas Lou Donalson o Stanley Turrentine y el trompetista Lee Morgan entre otros muchos fundamentales para la década de los 60.

Jimmy Smith, un músico incansable y prolífico donde los haya, explora como todo músico de jazz que se precie, la búsqueda de sonidos y de diferentes estilos. De él, fluye una energía desbordante y se decanta primero por el soul y el funky jazz de los setenta. Con su genial música, influyó a generaciones venideras, donde verdaderamente  podemos apreciar éste tipo de música fusión.

JSIICentrándonos en el álbum en directo, Root Down se graba durante su estancia en la costa oeste americana. Las grabaciones se registran un 9 de febrero de 1972 en el “Bombay Bicycle Club”, un pequeño club de Los Ángeles, convirtiéndose meses después en un clásico y vigoroso disco de jazz funk. Producido por Eddie Ray, originalmente contenía 6 temas, añadiéndose en la redición del año 2000 una pista más y otros no editados en su momento.

Jimmy Smith (Órgano Hammond), estuvo apoyado en una espectacular banda formada por Arthur Adams (guitarra), Wilton Felder (bajo), Paul Humprey (batería), Buck Clarke (congas y percusión) y  Steve Williams (armónica).

El elepé comienza con un movido  “Sagg Shotin´His Arrow”,  puramente instrumental y con un magistral Arthur Adams a la guitarra, respaldado por un Jimmy Smith demoledor y una grandísima sección rítmica. Inesperadamente giran hacia un bello tema titulado “For Everyone Under the Sun” más bien de estilo soul jazz, alternándose  la guitarra y el órgano. A continuación, demuestran su virtuosismo en el estándar de blues “After Hours”, obra del mítico pianista de Alabama Avery Parish.

JS“Root Down” es la marca que deja huella en el disco.  Funky jazz en estado puro, con más de 12 minutos soberbios (en la edición del 2000) y que da el nombre al LP. Lleno de improvisación, wah-wahs, un Jimmy soberbio y una excelente sección rítmica. Esta canción  también  sirvió mediados los 90 a la reconocida banda de Nueva York “The Beasty Boys “, para incluirla en un disco dónde se situó como uno de sus temas más conocidos.

Una impecable versión del “Let´s Stay Together” de Al Green, anima y hace cómplice al público presente esa noche, con ovaciones sonoras hacia el guitarrista a mitad del tema y por supuesto, también a su terminación. Para finalizar, otro magnífico tema funky de larga duración “Slow Down Sagg”,  dónde se refleja la fuerza de éste estilo y la grandeza de  unos músicos inolvidables que nos dejaron una actuación para la posteridad.

Concluiremos este análisis con la frase que reza en la parte trasera del disco: “Jimmy Smith forma parte esencial del jazz moderno. En sus primeros años en Nueva York el enfoque veloz de sus dedos define el papel del instrumento con un éxito sin precedentes”.

Ya sobran las palabras.

 

 

Rory Gallagher – Deuce (Atlantic Records 1971)

Rory Gallagher DeuceTras separarse de Taste y dejarnos un primer disco absolutamente mágico, Rory Gallagher, el irlandés de fuego, decidió escribir otro capítulo histórico para la música rock. Le llamó “Deuce”. Solamente el paso de los años, logró situar a este disco en el lugar que le correspondía, ya que en un principio recibió críticas negativas.

Es ésta su obra más íntima, quizás no tan dura como otras, pero rebosante de calidad  y sentimiento. Rory juega aquí con el folk, pero también con el blues y el rock. Canciones como “I’m Not Awake Yet” – todo un hit que abre el elepé – o “Don’t Know Where I’m Going”, impregnada de un bello aire folk, son el mejor ejemplo de su grandeza.

“In Your Town” es un magistral blues rock en donde se capta la influencia de mitos como Muddy Waters.  Otras pistas que completan el LP son: “Used To Be” – una joya de tema – , el apoteósico “Whole Lot Of People”, poseedor de un cierto aire al rock de los 50, un bello “Should’ve Learnt My Lesson”, en dónde por un momento, nos recordará a un viejo bluesman americano.

RGDeuce“Out of my mind” es una preciosista balada de toques country, y finalmente cierra el disco con “Crest Of Wave”, ejecutado a un ritmo trepidante con un inolvidable riff de guitarra.

El álbum, se grabó en los Tangerine Studios de Londres, fue producido por el propio Rory Gallagher e incluye 10 pistas. Segundo en su discografía, fue publicado en 1971 por el sello Atlantic Records, y en 1999 fue reditado nuevamente incluyendo una pista más llamada “Persuasion”. Como ya es habitual, haremos mención a los músicos que hicieron posible la realización del disco: Rory Gallagher (guitarra eléctrica, voz y armónica), su inseparable Gerry McAvoy (bajo y coros) y Wilgar Campbell (batería).

RGallagher DeuceIIIAsí concluye esta obra maestra, cortesía del legendario Rory Gallagher. Un tipo de carácter sencillo, que nunca se dejó manejar por las discográficas. Se alejaba de las producciones mastodónticas y de las portadas. Lo único que le importaba era la música.

Cuando su popularidad aumentó, después de los conciertos entraba a los bares para tomar un par de cervezas con la gente que lo había visto. Una vez, estando de gira, sus representantes describieron como recorrió media ciudad buscando a un músico callejero para darle dinero. Jamás se alejó de la peña. Jamás se vendió.

Rory Gallagher falleció el 14 de Junio de 1995 de un fallo hepático, derivado de su alcoholismo crónico. Tenía 47 años.  Muy poco tiempo antes de su muerte, se quejó de que no se le había reconocido lo suficiente su labor en el rock y en el blues. Es el alto precio que desafortunadamente, un músico tiene que pagar por hacer lo que quiere.

A nuestro juicio, representó a la perfección los sentimientos, ideales y actitudes del rock.

 

 

The Black Keys – El Camino (Nonesuch Records 2011)

The Black Keys El CaminoUn triunfo del rock moderno, así consideramos este disco de The Black Keys.  Y aunque la base de su peculiar sonido la toman de géneros como el blues, rockabilly, garaje rock, blues rock, o el soul de los 60 y 70, El Camino es una obra pegajosa y guitarrera que combina con simpleza pero con gran eficacia los estilos anteriormente mencionados.

Originarios de la ciudad de Akron, en el estado norteamericano de Ohio, The Black Keys se consolidan como dúo musical en el año 2001, formados por  el multiinstrumentalista Dan Auerbach y el batería Patrick Carney. Un año después de su creación, graban para el sello “Alive Records” magníficos álbumes de blues rock como “The Big Came Up”, “Brothers” o “Thickfreakness” (2003), haciéndose con un lugar importante en la escena de rock alternativo del momento.

Centrándonos en el álbum, “El Camino” fue el séptimo de su discografía, se publicó en diciembre de 2011 por la casa discográfica Nonesuch Records e incluye 11 pistas. Así mismo, también logró numerosos premios y certificaciones. Fue producido por los propios The Black Keys y el músico estadounidense Danger Mouse, que también colaboró como coautor en todas las composiciones del elepé.

The Black KeysComo ya es costumbre, haremos referencia a los músicos que hicieron posible este álbum: Dan Auerbach (guitarra, bajo y voz), Patrick Carney (batería), B. Burton (teclados), Heather Rigdon, Ashley Wilcoxson y Leisa Han (coros).

Abren con “Lonely Boy”, un tema ejecutado a un ritmo trepidante que se sitúa como uno de los destacados del disco, también lanzado como sencillo en 2011 y utilizado como banda de sonora de multitud de eventos deportivos, series de TV y videojuegos. “Dead Gone”, está impregnada por un sonido setentero y orientada hacia el más puro rock garaje. “Gold On The Ceiling”, posee unos excelentes riffs de guitarra,  con cierto influjo del sintetizador y una espléndida batería.

AuerbachEl punto álgido del disco llegará con “Little Black Submarines”, semi-balada de bella introducción acústica y un adictivo estribillo, quedará marcada a fuego en la memoria del rock por sus poderosos riffs de guitarra. Desde mi opinión, esta canción es todo un himno. Hablamos dentro de 20 años.

“Run Right Back” y “Money Maker”, son dos ejemplos de rock bien armado rítmicamente, poderoso, contundente y sin espacio para el descanso. El resto de pistas que completan el disco son “Sister”, “Hell Of A Season”, “Stop Stop”, “Nova Baby” y “Mind Eraser”, en dónde podemos palpar una clara tendencia hacia el clásico sonido del rock de los años 60 y 70. Sin duda, una curiosa amalgama sonora que puede resultar nostálgica para el oyente. Por eso gusta.

BKY así concluye este álbum, cortesía de unos tipos de barrio que grababan discos en garajes y sótanos. En sus inicios, ofrecían conciertos en bares y se movían en la oscuridad del underground. Su pasión desmedida por el rock y por bluesman legendarios como Robert Johnson, Muddy Waters, Son House o Misisipi Fred McDowell, les llevó a encontrarse con el éxito, casi de manera repentina.

Quizás, sea ésta su obra más comercial – no por ello exenta de calidad – pero se echa en falta las fuertes raíces bluseras de sus primeros discos. A nuestro juicio, las teclas negras escogieron el camino correcto y nos llevaron en un emotivo viaje por el rock y el blues de antaño. ¿Utilizarían la destartalada furgoneta de portada?…

Un clásico.

 

 

Eric Clapton – Just One Night (RSO 1980)

Eric_Clapton-Just_One NightEste  magistral doble álbum en directo mezcla de rock y blues, fue la carta de presentación de Eric Clapton en una de las décadas más difíciles para estos géneros, originado esto por las nuevas corrientes musicales y  los diferentes estilos que surgieron a finales de los 70, como el pop más puro y comercial.

 “Backless”, su último disco grabado en estudio hasta esa fecha, provocó que Clapton y su prodigiosa banda se embarcaran en una nueva gira mundial, llena de éxitos  y con “manolenta” en estado de gracia. Esta gira que comenzó en el mes de marzo en  Irlanda, saltó posteriormente a los Estados Unidos, dónde Clapton se instaló durante toda la primavera y los inicios del verano. Tras un parón en septiembre regresó a Europa, tocando en países como   Inglaterra, Polonia, Austria, Alemania o la extinta Yugoslavia.

 Para llegar al lugar dónde se grabó el disco, Clapton y su grupo viajan aquel otoño por Israel y Asia, pasando por Filipinas, Tailandia y Hong Kong, recalando finalmente en el imperio del sol naciente. En el interior del elepé, podemos apreciar una reseña que Clapton dejó el 12 de marzo de 1980 <<una gira por Japón es algo a lo que siempre me acerco con sentimientos encontrados…”>> entre otras frases que se aproximaban a la realidad del país nipón. También destacaremos la  ilustración de Ken Konno  y las fotografías, que fueron obra de Dave Brown y Koichiro Hiki.

 ECJUIPara la realización del LP, Clapton contó con la colaboración de una poderosa banda, – perfectamente engrasada –  que tocó las frías noches del 3 y 4 de diciembre en el “Budokan Theatre” de Tokio. Y es de obligada referencia, su mención: Henri Spinetti (virtuoso batería) el mítico Chris Stainton (teclados), Dave Markee (bajo) y un enorme Albert Lee con Eric Clapton a las guitarras y voces.  De la producción se encargó Jon Astley, para el histórico sello de la vaca roja “RSO” (del insigne productor musical Robert Stigwood),  y se publica en abril de 1980.

 Con 14 pistas realmente espléndidas, el disco abre con “Tulsa Time”, una canción de su último trabajo y con unos ritmos claramente marcados por el “tulsa sound”. Seguidamente y como norma del álbum, Clapton enlaza con un blues tradicional  “Early In The Morning”, con una excelente slide.

 En la primera parte del LP reflejan temas emblemáticos como el country de  “Lay Down Sally”, la bella balada “Wonderful Tonight” y una gran versión del “If Don´t Be There By Morning”, de Bob Dylan.  El blues más puro vuelve a hacer acto de presencia con el clásico atemporal de Maceo Merriweather “Worried Life Blues”, “All Our Past Times” y el “After Midnight” de J.J Cale con el que concluyen esta cara A.

 La segunda parte abre con “Double Trouble”, un tremendo blues de impecable factura, propiedad del zurdo Otis Rush. “Setting Me Up” es una composición de Mark Knopfler que saldría en el magnífico debut de los Dire Straits, a la que Albert Lee pone la voz y su estupenda guitarra Telecaster.

 ECJUEl tramo final del show en el teatro japonés no tiene desperdicio alguno. Nos obsequian con cuatro canciones de auténtico infarto y nos demuestran el por qué Eric Clapton es uno de los héroes de la guitarra más grandes que ha dado la música. Ofrece una descarga absolutamente memorable en temas como “Blues Power”, el clásico “Rambling On My Mind” de Robert Johnson o el soberbio “Cocaine”, intercalándose a la guitarra Clapton primero y Albert Lee después. Y para poner punto y final  “Further On Up the Road”, otra de las canciones preferidas de Eric en sus conciertos en directo.

 Just One Night fue muy bien acogido por el público y la crítica en 1980. Alcanzó puestos relevantes en las listas, tanto en las americanas, como en las inglesas. En 1981, ya fue distribuido por la Polydor Records.

 Clapton y su famosa guitarra “blackie” del 57, inmortalizaron junto a una excepcional banda este show único hace ya 35 años. Se convirtió en uno de los álbumes más legendarios de su tiempo, porque, a nuestro juicio, jamás tuvieron miedo de las nuevas tendencias musicales. Regresaron al blues más puro, acompañados por uno de los dioses de la guitarra.

 One, two, three…..

 

Boz Scaggs – Boz Scaggs (Atlantic 1969)

Boz Scaggs LPCompositor, guitarrista, vocalista y compañero inseparable de Steve Miller en los años 60. Sin duda, una gran carta de presentación la de Boz Scaggs, que también colaboró poniendo su voz en dos discos históricos de la Steve Miller Band. Y en 1969, Boz graba este magistral álbum homónimo, que consideramos como imprescindible en su carrera.

Natural de Ohio, Boz Scaggs se traslada a Texas siendo tan sólo un adolescente y coincide en la escuela con Steve Miller. Rápidamente surge una estrecha amistad que les llevaría a estudiar juntos en la universidad. Durante esta etapa de su vida se empapó de blues, pero sobre todo de la música tradicional americana.

En 1965, Boz se embarca en una aventura musical por Europa, estableciendo su base en Inglaterra y Suecia, dónde logra grabar su primer álbum en solitario, obteniendo algún éxito pero escasa repercusión. También adquiere durante este tiempo conocimientos sobre el “British Blues” y otros estilos, y por fin, Steve Miller decide contar con él para su nueva formación, con la que editó dos álbumes emblemáticos en la era psicodélica del San Francisco de 1968.

BSSu facilidad innata para componer canciones, y su especialísima voz, no pasan desapercibidas para el sello discográfico Atlantic Records. En 1968, es fichado para esta gran compañía, comenzando a grabar con la Muscle Shoals de Alabama y con el legendario guitarrista Duane Allman, por aquella época miembro permanente de la “Muscle Shoals Rythm Section”.

Centrándonos en el disco, se publicó en 1969 y fue producido por el propio Boz Scaggs, Jan Wenner y Marlin  Greene.  Fue grabado en los estudios “Muscle Sounds Sound Recorders” de Alabama. La Atlantic Records contaba con un gran número de excepcionales músicos, participando en la grabación de este elepé Duane “Skydog” Allman (dobro, slide y guitarra), Boz Scaggs, Eddie Hinton y Jimmy Johnson (guitarras), Barry Beckett (teclados), David Hood (bajo) Roger Hawkins (batería) y Al Lester (violín).

Boz ScaggsComo ya era habitual en la Atlantic Records, una excelente sección de vientos apoyaba en todo momento a estos virtuosos músicos, entre los que se encontraban Charles Chalmers y Floyd Newman (saxos) Ben Cauley (trompeta), Gene “Bowlegs” Miller (trompeta y trombón) y Joe Arnold y James Mitchell (saxos). Y para poner la guinda final a este carrusel interminable de instrumentistas, es de obligada referencia mencionar los estupendos coros femeninos: Jeannie Greene, Donna Thatcher y Mary Holiday por un lado, y Tracy Nelson, Irma Routen y Joyce Dunn para otros temas.

Como dato curioso, destacaremos que el  disco y su estilo se catalogaron como “Blue – Eyed -Soul”, que viene a significar coloquialmente hablando “Soul hecho por blancos”

El LP contiene 9 temas compuestos por Boz Scaggs salvo algunas excepciones. Abren con un movido “I´m Easy” y continúan con el clásico de clásicos “I´ll Be Long Come”, una de las baladas más bellas de la época. Y nos deleitarán con canciones delicadas como “Another Day (another letter)” y la country “Now You´re Gone” dónde disfrutaremos de los maravillosos coros y un magnífico sonido del violín.

Boz Scaggs Bar Las canciones que le siguen, mantienen en mayor o menor medida una línea similar a las anteriores y son “Finding Her” y “Look What I Got”, ésta vez con Duane Allman imprimiendo su calidad al Dobro. En “Waitin For A Train”, Boz Scaggs nos traslada a las viejas películas del Oeste y a aquellas canciones de la guerra de secesión, magníficamente interpretadas.

El punto álgido del disco llegará con un triste blues titulado “Loan Me A Dime”, propiedad del bluesman Fenton Robinson. Con más de doce minutos de duración, Boz Scaggs realiza una espléndida versión con su voz, arropado por una sección rítmica perfecta y el virtuosismo de Duane Allman, que nos dejó uno de los solos de guitarra más recordados de su corta pero intensa carrera. Concluyen con  “Sweet Release”, una canción que posee unos coros sobresalientes, al igual que el resto de la banda.

El diseño y las fotografías de la portada e interior del LP fueron obra de Stephen Paley, dónde podemos visualizar la simpática imagen de Duane Allman, completamente desnudo con un sombrero en la cabeza y tapándose sus genitales, entre otras de los músicos más representativos. En su día, este disco pasó con más pena que gloria por los ojos de la crítica especializada. Y han tenido que pasar más de 45 años para que lo considerasen una obra de culto, básica para los amantes de la época dorada del rock y para los seguidores de Boz Scaggs y del gran Duane Allman.

Boz Scaggs inició con este LP su período de esplendor. Actualmente y a sus 66 años, es uno de los grandes de la música americana.

 

 

El Artista Invitado – Cansancio Clónico (2007) / Fuerzas Aliadas (2010)

Fuerzas AliadasA nuestro juicio, el buen rock nunca debe pasar desapercibido. Y “El Artista Invitado”, formación catalana nacida en 2001, es la mejor prueba de ello. Deciden comenzar su historia por el amargo camino del rock un invierno de 2001, cuando el multi instrumentista J. Bernat “Bernie”, Ángel Camacho, Toni Benavente y Dani Pujol, se asocian para grabar unas canciones que Bernat tenía escritas previamente. Fruto de esta colaboración, realizan su primera demo “Seriedad Capilar”, nombrada demo del mes en la revista Rock Hard.

En 2002, son llamados para abrir los conciertos de Rosendo en la sala Razzmatazz 1. En el año 2005 graban en los estudios “La Boni” el disco “Inútil Sin Referencias”, en el que Bernie se hace cargo de la sección rítmica (batería, bajo, guitarras), con Toni Benavente a la guitarra solista. En 2006, regresa a los estudios “La Boni”, para reflejar “Sensible Al Tacto”.

En 2007, sale a la luz “Cansancio Clónico”, grabado y mezclado entre los estudios EDISON de Cornellà de Llobregat y los Udbon de Esplugues de Llobregat. En él, participaron Jordi Bernat (voz, guitarra rítmica, bajo, batería y coros), Toni Benavente (guitarra solista), Sergi Milan (órgano hammond, piano), Nico Alvarez (coros) y Jordi Udina (técnico de sonido).

Cansancio Clonico“Cansancio Clónico incluye cinco pistas y abre con “Amagos de Muerte”, una canción de estilo hard rock envuelta por unos soberbios riffs de guitarra. Seguidamente llegará “Alto el fuego”, tema impregnado de un excelente órgano y un potente riff de guitarra. “Fiesta”, es una pista con cierto aire hacia la psicodelia.

Destacaremos su elaborada sección rítmica, y nuevamente, su órgano. Ejecutada a un ritmo frenético se presenta “Segunda Oportunidad”, rodeada de unos adictivos riffs de guitarra, se sitúa como uno de los mejores temas del disco. Finalizan con “No voy a buscarte”, una balada de corte pop.

Tras ofrecer una serie de conciertos por diversos clubs, logran girar con Status Quo, abriendo los conciertos de su gira española en 2009.

El Artista InvitadoEn 2010 publican “Fuerzas Aliadas”, disco producido por el propio Jordi Bernat y grabado en los estudios “Udbon” de Esplugues de Llobregat (Barcelona), entre mayo y octubre de ese mismo año.  Incluyendo 7 pistas, todas las canciones fueron escritas por el multi instrumentista Jordi Bernat, exceptuando “Vuela Alto” y “No Mires Atrás” (J. Bernat / Pedro Caparrós). Durante esta etapa, también son llamados para tocar junto a Europe en la sala Razzmatazz de Barcelona.

“Fuerzas Aliadas” inicia con “En mí habita el mal”,  tema  bien armado rítmicamente con unas contundentes guitarras a su final, al igual que  “No Mires Atrás” la pista que le sucede. Con altas dosis de electricidad se presenta “Puerta de Servicio”, en dónde podemos captar una clara influencia a los AC/DC, dado que Bernie, su cantante, tiene su pasado en la The Bon Scott Band”, una banda tributo al legendario grupo australiano.

El Artista Invitado Band“Basta de Cerdos” y “Fuego Cruzado”, son dos canciones con las bases bien asentadas en el hard rock, acompañados por la voz melódica de Bernie. “Vuela Alto”, es una semi balada que desde nuestra opinión, se erige como el tema estrella del disco, con especial atención a sus riffs de guitarra. Concluyen con “Si Tu Padre Te Viera”, una pegadiza canción que posee unas desenfadadas letras.

No puede faltar en este artículo,  una mención al personal que hizo posible este disco: Jordi Bernat “Bernie” (voz, guitarra rítmica, bajo batería y coros), Sergi Milán (órgano hammond, piano y acordeón), Alberto Arias (guitarra solista), Tite “Patri” Castelló (guitarra solista), Tito Ferrer (guitarra solista), Pedro Caparrós (guitarra solista) y Carlos Ruiz (guitarra solista), David Benavente (coros), Jordi Udina (técnico de Sonido) y Antoni Alarcón (diseño gráfico).

Dice “El Artista Invitado” en una de sus canciones, que buscan una segunda oportunidad. Creemos que merecen una primera.

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The Rolling Stones – Let It Bleed (Decca Records 1969)

Let It BleedEs indiscutible, que uno de los fenómenos más espectaculares de la historia del rock han sido los Rolling Stones. Todo lo que hacen produce una repercusión inmediata. Sus asombrosos conciertos, su especial conexión con los fans y la conciencia social reflejada en sus letras, le han situado como una parte  esencial en la mitología universal del rock. Baten todos los récords existentes, y más que hubiera.

Con sus antológicas canciones, han sabido llegar al corazón de una fiel e inmensa cantidad de admiradores en todo el mundo, entre los que se encuentra este humilde blog, que tiene por logo su lengua.

Las amplias y sucesivas giras de los Stones son hitos destacados en la música, así como lo son los diversos álbumes que han publicado en sus 50 años de carrera.  Y aquí, Let It Bleed, juega un papel muy relevante, porque es un disco de culto.

Let It Bleed se publicó el 28 de Noviembre de 1969 por el sello Decca Records e incluye 9 pistas.  Grabado en los Olympic Studios de Londres, contó con la producción del emblemático Jimmy Miller, un famoso ingeniero de sonido que ya había trabajado con otras bandas del nivel de Blind Faith o The Spencer Davis Group. Muchas y muy variadas, han sido las rediciones de este gran clásico bajo otras casas discográficas como la de ABCKO (Formato LP, 1986) o la de Decca (Formato CD, 1995).

RSLITEl álbum obtuvo un enorme éxito y  alcanzó rápidamente los primeros puestos en las listas musicales de la época, el número 1 en el Reino Unido y el 3 en los Estados Unidos. Así mismo, también recibió numerosos premios y certificaciones. A nuestro juicio, Let It Bleed es un disco importantísimo para el rock. Transcendió a su tiempo como una llama que nunca se apaga. Porque es muy, muy grande, al igual que sus legendarios creadores.

Como ya es costumbre, haremos una mención a los músicos que hicieron posible esta magistral obra: Mick Jagger (voz, armónica), Keith Richards (guitarra), Mick Taylor (guitarra), Brian Jones (guitarra, arpa y percusión), Bill Wyman (bajo) y Charlie Watts (batería).

Si ya de por sí los Stones son geniales músicos,  de obligada referencia es el personal adicional que participó a su lado: Ian Stewart, Nicky Hopkins, Leon Russell y el mítico Al Kooper (pianos), Ry Cooder (mandolina), Jimmy Miller (batería y percusión), Rocky Dijon (percusión), Bobby Keys (saxo tenor), Jack Nitzche, Merry Clayton y Nanette Newman (coros), y un extraordinario violinista de bluegrass llamado Byron Berline, vinculado dos años después al proyecto Manassas, de Stephen Stills.

RSLITIIEn cuanto el vinilo comienza a rodar, de manera instantánea entra a formar parte de esa colección de discos que cambian tu vida. Y es que su gloriosa apertura con “Gimme Shelter”, ya nos demuestra el porqué de su grandeza. “Gimme Shelter”, una de las canciones más célebres de los Stones, fue versionada hasta la saciedad por multitud de grupos, prestando especial atención a la Grand Funk Railroad, (Survival 1971).

Destacaré también su apoteósica sección rítmica, la profundidad lírica de este maravilloso tema (inspirado en la guerra del Vietnam) y sus fantásticos coros con Merry Clayton. Pero lo que nos quedará para siempre en la memoria es su majestuoso estribillo :<< War, children, it’s just a shot away / It’s just a shot away / War, children, it’s just a shot away / It’s just a shot away>>.

Seguidamente llegará “Love In Vain”, una excelente versión del bluesman Robert Johnson. Solamente los Stones, han sido capaces de transformar este tema en  único, y quien sabe si irrepetible. Uno de los puntos álgidos será “Country Honk”, versión de cierto aire folk / country del “Honky Tonk Women”, con un sensacional violín a cargo de Byron Berline y la guitarra de Mick Taylor. El espléndido piano de Ian Stewart, cobra un protagonismo mayúsculo en “Let It Bleed”, el corte que da nombre al disco.

STONESLITBEn “Live With Me”, podemos notar todo el virtuosismo del guitarrista Mick Taylor, respaldado en todo momento por un espléndido riff de bajo.  Una grata sorpresa nos encontraremos en “You Got The Silver”, una bella balada en dónde canta Keith Richards. De inolvidable, calificaré el riff de “Monkey Man”.  El blues, la música del alma,  hace acto de presencia en “Midnight Rambler”, sexta joya del álbum, siempre acompañada por una perfecta armónica y un elegante guitarreo.

Y para poner el broche de oro a un álbum absolutamente redondo “You Can’t Always Get What You Want. Escrita por Jagger y Richards, es un diamante de canción, con una angelical introducción  a cargo del coro  góspel London Bach Choir”, e influida por los arreglos de Al Kooper.

RSTONESEn el recuerdo del imaginario colectivo, permanecerá su curiosa portada. De una elevada calidad gráfica, fue un trabajo del diseñador Robert Brownjohn. En ella, podemos visualizar a los componentes de los Stones tocando en el último nivel de una tarta, formada por un neumático, una pizza, un reloj y una cinta magnética, apoyada sobre un tocadiscos. En su interior reza la siguiente frase: <<“Esta grabación debería reproducirse a  un volumen elevado”>>

Así concluye Let It Bleed, un elepé que resulta fundamental para entender qué es y lo que significa el rock and roll. He de confesar que en este artículo que hoy escribo, quizás no haya podido ser todo lo objetivo que quisiera, y  me he dejado llevar por la pasión que siento por los Rolling Stones, la banda de rock and roll más grande que ha dado la música contemporánea.

Déjalo sangrar.

 

 

Thin Lizzy – Jailbreak (Mercury Records 1976)

jailbreakthinlizzySi hubiera un olimpo real de discos de hard rock, éste Jailbreak de Thin Lizzy ocuparía los primeros puestos sin lugar a dudas. Y es que magistrales canciones como “Cowboy Song” “The Boys Are Back In Town” – su hit más célebre – nos demuestran la grandeza de un elepé y de una banda ya de por sí legendaria.

Jailbreak, la pista  que da nombre al disco, abre con un poderoso riff que hace todos los honores al rock duro. “Angel From The Coast” se presenta como un tema pegadizo, ejecutado a un ritmo trepidante e  impregnado de un magnífico guitarreo.

Con las bellas baladas “Fight Or Fall”   y “Running Back”, sentiremos  la fantástica voz de Phil Lynott. Otros temas  de gran calidad y de obligada referencia son “Emerald” y “Warriors” (una de las joyas del álbum), en el que una vez más, los Lizzy elevan el hard rock a la máxima potencia.

Thin Lizzy BandaA mi juicio Jailbreak es absolutamente redondo. Perfecto de principio a fin. Y una buena parte de culpa, la tiene su excelente dúo de guitarras formado por Scott Gorham y Brian Robertson, siempre acompañados por el carisma y la voz de Phil Lynott.

Centrándonos en el álbum, sexto en su discografía, se publicó el 26 de marzo de 1976 por el sello Mercury Records e incluye 9 temas. Grabado en los “Ramport Studios” de Londres, fue producido por el ingeniero de sonido John Alcock.

Así mismo, Jailbreak también se convirtió en el elepé más vendido de los Lizzy, y de alguna forma le abrió las puertas hacia el mercado americano. Destacar, que todas las canciones fueron compuestas por ese poeta del rock llamado Phil Lynott.

No puede faltar en este artículo, una mención hacia los integrantes de Thin Lizzy, que hicieron posible esta obra: Phil Lynott (bajo y voz), Scott Gorham (guitarra), Brian Robertson (guitarra) y Brian Downey (batería).

tlAsí concluye este álbum, cortesía de un histórico cuarteto irlandés  que responde al nombre de Thin Lizzy. A  golpe de un rock electrizante, fueron capaces de ganarse a pulso un más que merecido puesto como mitos  de la que algunos llaman música del diablo, dejándonos un legado  eterno al paso del tiempo.  Y buena fe de ello, la pueden dar álbumes gloriosos como éste.

¿Sabes? ¡Phill Lynott Murió!, en 1986,  víctima del alcohol y las drogas, pero de algún modo,  siempre permanecerá vivo en el corazón del rock.