Kenny Burrell – Midnight Blue (Blue Note 1967)

Kenny Burrel se convirtió por méritos propios en una de las figuras más relevantes del jazz. Un virtuoso músico que ha dado momentos de gloria al histórico sello de jazz americano “Blue Note”. Este prestigioso artista, destaca por su versatilidad a la guitarra y por su talento innato. Dejó obras excepcionales en colaboración con los artistas más grandes del jazz.

La ciudad motorizada de Detroit, ve nacer a Kenneth Earl Burrell en 1931. Desde muy temprana edad se inicia en el arte de las seis cuerdas, dado que se cría en el seno de una familia con un amplio currículum musical. A principio de los 50 y con apenas 20 años, debuta con sus primeras grabaciones, muy influenciado por guitarristas extraordinarios como Django Reinhart, Charlie Hayden o Wes Montgomery.

Con una gran trayectoria musical a sus espaldas, Burrell graba álbumes sin cesar, tanto para su propia banda, como para otras estrellas americanas del jazz. En 1963 tiene la idea de grabar un disco de blues (Este dato es confuso, ya que hemos consultado varias fuentes que dan esta fecha como la de la publicación, sin embargo, en el CD original la fecha que data literalmente es: “Recorded on April 21, 1967 at the Village Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Yersey”).

De lo que no tengo duda, es de la banda de acompañamiento con la que contó Kenny para grabar este magnífico LP: el gran saxofonista tenor Stanley Turrentine, el contrabajista Major Holley, Jr, con Bill English (batería) y  el percusionista Ray Barreto (congas) que impregnó a este disco de un  espectacular toque latino. Producido por Alfred Lyon, el elepé original salió a la luz con siete temas, agregando dos más en la edición remasterizada de 1998.

El disco abre con “Chilints Con Carne”, canción de inolvidable intro a cargo de Stanley al saxo, que ya nos va preparando para atraernos con un sonido sensual. Este tema compuesto por Kenny Burrell, pasó a formar parte de los standars de blues desde que se publicó, y fue versionado en multitud ocasiones por bluesman de la talla de Otis Rush  y más recientemente por Stevie Ray Vaughan.

“Mule”, con algo más de seis minutos de duración, es una delicia y nos sorprende la calma con la que ejecutan este blues. Seguidamente, “Soul Lament”, una triste pero bella interpretación de Burrell. Continúan con “Midnight Blue”, pista que da título al álbum, con un apoteósico guitarreo de Kenny Burrell solo a la altura de los más grandes.

Otros cortes que completan el LP son: “Wavy Gravy” y “Gee Baby, Ain´t I Good To You”, en dónde demuestran la antológía de este disco. El clásico “Saturday Night Blues”, es un ejemplo del virtuosismo de Burrell. Para finalizar, dos temas añadidos posteriormente, y no menos espléndidos “Kenny´s Sound” y “K Twist”.

A mi juicio, Kenny Burrell es una parte esencial del jazz en los Estados Unidos. Un artista que deslumbra al público con su guitarra y un trabajador incansable. Nos obsequió con un magistral disco de blues y es  un músico admirado y respetado en todo el mundo. En la actualidad y a sus 82 años, continúa deleitándonos con su música y con el particular sonido que logra sacar de su Gibson. Simplemente, genial.

Johnny Jenkins – Ton-Ton Macoute! – (Atco – Capricorn 1970)

Gran parte de este disco, se graba en 1968 en los “Rick Hall´s Fame”, – Studio B – pertenecientes a la casa discográfica “Muscle Shoals”, (Alabama) y en los “Capricorn Studios” de Macon (Georgia). Curiosamente, el álbum fue programado para ser el primero en solitario del legendario guitarrista Duane Allman, justo antes de formarse The Allman Brothers Band.

El proyecto quedó aparcado hasta que aparece Johnny Jenkins, que ficha por el sello Capricorn Records. Algunos años antes, en 1962, Jenkins graba junto a un jovencísimo Otis Redding en la banda “The Pinetoppers”, dónde demuestra su valía a la guitarra y su peculiar voz. Pero Johnny nunca cosechó tanto éxito como su mítico compañero, con el que quedó profundamente enemistado.

Diversas fuentes también argumentan que el mismísimo Jimi Hendrix quedó prendado de su buen hacer a la guitarra y de su moderno estilo, sirviéndole de gran influencia antes de empezar con su corta, pero estelar carrera.

Entre 1969 y 1970, bajo la producción de Johnny Sandlin, Duane Allman y arreglado por Phil Waden (el artífice de esta idea), sacan adelante el Long Play, grabado en la ciudad de Macon, sede de los Allman Brothers. El disco cuenta con la colaboración de músicos excepcionales, como Pete Carr y Jimmy Nails (guitarras), Paul Hornsby (teclados y batería), Robert Popwell (bajo), unos coros estupendos y los miembros de los Allman Brothers: Butch Trucks, Jaimoe, y Berry Oakley, como apoyo moral.

Me resulta dificil clasificar este LP. Aunque es un tanto oscuro y misterioso, en su música te puedes encontrar desde el blues más pantanoso, hasta el rythm & blues más atrevido, e incluso suena con una variante funk única. La primera publicación original del disco (1970), contiene nueve temas, incorporando dos más en la esperadísima reedición de 2007, editándose por primera vez en formato CD y hasta la fecha casi imposible de conseguir. Sin duda, una joya de incalculable valor para los coleccionistas.

Comienzan con “I Walk On Guilded Splinters”, quizás la canción más recordada del álbum y la única grabada en directo por casi todos los integrantes de los Allman Brothers, incluido Duane Allman. Realizan un maravilloso trabajo al dobro, acompañado de una gran intensidad a los timbales, cortesía de Jaimoe y Trucks.

También posee versiones clásicas como el célebre “Leaving Truck” de Sleepy John Estes, o el “Rollin´Stone” de Muddy Waters en dónde Duane Allman brilla con luz propia a la slide guitar. Seguidamente, tendrán lugar otras versiones como el “Dimples”, de Bracken / Hooker, que más adelante versionarían los Allman Brothers Band.

La poderosa voz de Johnny Jenkins hace acto de presencia en “Sick And Tired”, y en el “Down Along The Cove” de Dylan, otra vez con Duane a la slide y su emblemático sonido. Otras pistas memorables que completan el elepé son: “Bad News”, “Voodoo In You” y “I Don´t Want No Woman”, en dónde la banda nos da muestras de su virtuosismo. Y para finalizar, un melancólico blues de Otis Rush llamado “My Love Will Never Die”.

Johnny Jenkins nunca obtuvo el reconocimiento que merecía por parte de la crítica. Su carrera tampoco fue espectacular, pero convirtió un proyecto inconcluso de Duane Allman en un álbum de inmensa valía musical. Logró hacerlo tanto suyo como del propio Duane, que lo respaldó en todo momento sin ningún ánimo de protagonismo. Y también, Jenkins, nos advirtió de la gran personalidad que el tristemente desaparecido Duane Allman ostentaba.

La palabra “tonton macoute”, procede de la isla caribeña de Haití, cuyo significado es “hombre del saco” y está vinculada a la revolución haitiana de los 50, a un cuento popular, y tiene mucho que ver con el vudú…

The Jimmy Dawkins Band – Blisterstring (Delmark – 1976)

Jimmy Dawkins es considerado un grande del blues eléctrico de Chicago desde los años 70. Su original estilo y peculiar forma de tocar la guitarra, se reconoce de inmediato.

Nacido en 1936 en Tchula (Mississippi), James Henry Dawkins comienza a tocar la guitarra siendo un adolescente, influenciado por otros bluesman legendarios como Smiley Lewis o el gran Little Milton. Es de sobra conocido, el éxodo de la población del Mississippi hacia Chicago durante los años 50, en busca de prosperidad y oportunidades. Y el caso de Jimmy no ha sido una excepción, instalándose a mediados de los 50 al norte de la ciudad del viento.

Rápidamente se impregna del blues de aquella época, hasta que logra formar su primera banda y también realiza otras colaboraciones como músico de sesión. Ofrece giras por locales emblemáticos de Chicago como The Pink Poodle, The Big Squeeze Club o el The Copa Cabana and Alice´s Revisited, tocando al lado de mitos como Magic Sam, Wild Child Butler o Jimmy Rogers. La amistad que le une a Magic Sam, le sirve para grabar “Fast Fingers” en 1969, primer disco de su carrera.

Este álbum de debut fue aclamado por la crítica, llegando a conquistar un galardón en Francia y supone su aparición en el mítico festival de blues “Ann Arbor Blues Festival”. Desde entonces, Dawkins se sitúa como un miembro de la élite del blues de Chicago y del “West Side Sound”, un sonido definido según el crítico musical Jim Feeney como: “sin pulir, arenoso, crudo, agresivo, despojado y potente”.

Jimmy continúa su trayectoria grabando con infinidad de músicos, hasta que en 1976 publica “Blistrestring”, su sexto álbum en solitario. Editado en los famosos estudios “Chess” de Chicago, en el “Honeywell Building”, según varias fuentes, ha sido esta, la última grabación de blues allí realizada.

Fue producido por Steve Tomashefsky y la Jimmy Dawkins Band para el sello Delmark Records de Bob Koester. Para su grabación, Jimmy contó con miembros habituales de la Delmark Records y amigos como el virtuoso Jimmy Johnson (guitarra rítmica), Sonny Thompson (piano), Sylvester Boines (bajo) y Tyrone Centuray (batería).

El elepé original incluye ocho temas, y en 1996 se reedita nuevamente incorporando cuatro pistas inéditas, lo que todavía cubre más de gloria a este disco. Contiene clásicos como “Feel So Bad”, magnífica versión de más de siete minutos de duración, el incendiario “Chilitns Con Carne” del magistral guitarrista Kenny Burrell, un espléndido “Blues With A Feeling” y hits como “Ode To Billie Joe”. Otros cortes de cosecha propia como “She Got The Blues”, la bella y triste “Welfare Line” – hoy todo un clásico – , o canciones de la nueva edición como “Shuffin The Blues”, “People Will Talk” y “Sea Of Luv”, harán las delicias de los amantes del blues eléctrico.

Gracias a su arte genuino a las seis cuerdas y a su carismática voz, Jimmy Dawkins se convirtió en uno de los músicos más activos del entorno blues de Chicago. Desde los años 80, colaboró en el prestigioso magazine “Living Blues”, y crea su propio sello discográfico “Leric Music Co.”, albergando en él a nuevas generaciones de promesas del blues.

Jimmy “fast fingers” siguió tocando, experimentado y grabando álbumes. Logró ser admirado tanto en su país, como en Canadá, Europa y Japón. El 10 de Abril de 2013, la muerte hizo su aparición triunfal y se llevó a este bluesman. Este artículo es nuestro más sentido homenaje.

Magic Slim And The Teardrops – Raw Magic (Alligator 1982)

Bruce Iglauer, el insigne fundador del sello Alligator Records, afirmó en una ocasión: <<El blues valiente y mágico de Magic Slim , se basa fundamentalmente en lo que es el puro blues de Chicago, pisando fuerte, haciendo gruñir su guitarra y con una voz afilada basada especialmente para beber y bailar en el bar, tanto para los buenos como para los malos momentos>>. Con estas acertadas palabras, define Bruce Iglauer la música de Magic Slim y sus Teardrops a principios de los 80.

Morris Holt, más conocido por el sobrenombre de “Magic Slim”, nace en 1937 en Torrance, Mississippi, cuna de otros tantos músicos de la familia del blues de Chicago. Desde su infancia, comienza a tocar la guitarra en la ciudad de Grenada, pero en 1955 se traslada a la ciudad del viento, dónde se gana cierta reputación tocando el bajo para <<el otro mágico>>, llamado Magic Sam. La relación entre ambos fue tan cordial, que después de la prematura muerte de Magic Sam, suponemos que Slim decidió adoptar su apodo como honor personal.

Magic Slim era un músico veterano con cientos de actuaciones a sus espaldas y que llegó a compartir su vida musical con la de conductor de camión. En 1965 y después de tocar varios años bajo el nombre de “Mr. Pitiful And The Teardrops”, reestablece su banda y se centra en su música, tocando en los locales más concurridos de Chicago junto a otros músicos procedentes de otros grupos. Pero no sería hasta mediados los setenta, cuando le llega su gran oportunidad, siendo invitado a tocar con el mítico Hound Dog Taylor. Desde ese preciso momento, Slim se plantea vivir de su propia música.

Durante años, Slim toca durante tres, cuatro, e incluso cinco noches por semana en el South Side – el barrio por excelencia del blues de Chicago – en lugares tan famosos como el Checkerboard. En otras ocasiones, gusta de tocar en el North Side – otra parte de la ciudad – en locales como el B.L.U.E.S. y el Zoo Bar de Lincoln en el estado de Nebraska, alternando todos estos conciertos con innumerables incursiones en Europa.

Con un estilo genuino y carismática voz, realiza sus primeras grabaciones aunque no en primera línea con los grandes de Chicago. Pero en 1979, ya es incluido en los históricos álbumes de la Alligator <<Living Chicago Blues>>

Centrándonos en el álbum, Raw Magic se graba en los “Condorcet Studio” en Tolouse, siendo producido en Francia (debido a la multitud de shows que ofrecían en este país por esas fechas) por Didier Tricard y en EEUU por Bruce Iglauer, para la prestigiosa Alligator Records en 1982. Como ya es costumbre, haremos una mención especial a los integrantes de Magic Slim y “sus ardillas”, que hicieron posible este LP: Magic Slim (guitarra solista y voces), su hermano Nick Holt (bajo), Junior Pettis (guitarra) y Nate Applewhite (batería). Todos ellos, experimentados músicos de blues.

Conteniendo tan sólo siete temas, el disco inicia con el blues auténtico de “You Can´t Lose Never Had” y continúan con uno de sus éxitos de siempre “Gravel Road” al más puro estilo Chicago. Magic y su banda siguen desgranando clásicos de blues eléctrico como “Ain´t Doing Too Bad”, el extraordinario “Mama, Talk To Your Daughter” de J. B Lenoir, a un ritmo infernal y con virtuosas guitarras, o el tantas versionado y bailable “Mustang Sally”, sencillamente fantásticos sus casi ocho minutos de duración, para finalizar con “In The Heart Of The Blues”.

A partir de la década de los 80, Magic Slim fue aclamado como uno de los mejores guitarristas de blues de Chicago. Formó un equipo excepcional al lado de sus Teardrops, dotó a su música con un ritmo caliente, enérgico y se dedicó durante toda su vida al blues, su gran pasión. A mi juicio, creó una música divertida y mágica. Magic Slim fallece el 22 de febrero de 2013 a los 75 años de edad, pero siempre nos quedará su legado, su magistral estilo a la guitarra, su simpatía y su buen hacer como grande del blues.

Mágico.

Albert King With Stevie Ray Vaughan – In Session (Stax Records – 1999)

En un principio, esta reunión de leyendas del blues estuvo a punto de no producirse debido a la negativa de Albert King en 1983. El motivo principal fue que Albert King dijo no conocer aquel guitarrista tejano llamado Stevie Ray Vaughan.

Vaughan era un fiel seguidor de Albert King y cada vez que ofrecía uno de sus conciertos, el mítico Stevie no pierde la oportunidad de verle actuar. Finalmente Albert King accede a tocar con SRV, pero sólo porque le reconoció como un asiduo a sus conciertos. In Session es un disco especial. A mi juicio lo considero como un homenaje de Stevie Ray Vaughan a todo un grande del blues eléctrico, Albert King. En él, sentimos la complicidad musical de estos dos geniales artistas.

Centrándonos en el álbum, las sesiones son grabadas en directo para la televisión el 6 de diciembre de 1983 en los <<CHCH-TV Studios>> de Hamilton, Ontario (Canadá) y se publican el 17 de Agosto de 1999 por el sello Stax Records. En 2010, se edita en formato DVD, conteniendo entrevistas y material extra.

Como ya es costumbre, haremos una mención al personal que colaboró en este show: Albert King (guitarra, voz), Stevie Ray Vaughan (guitarra), Tony Llorens (órgano, piano), Gus Thornton (bajo) y Michael Llorens (batería).

Incluyendo 11 temas, abre el disco con el clásico “Call It Stormy Monday” de T-Bone Walker, un blues lento en dónde nos muestran su virtuosismo a las seis cuerdas respaldados por una gran sección rítmica.

“Old Times” es la segunda pista del disco en dónde tiene lugar una interesante conversación entre King y Vaughan, en la que intercambian opiniones y recuerdos. Vaughan, nostálgico, evoca la primera vez que vio tocar a Albert King allá por 1973. Como respuesta, Albert King elogia la calidad musical del tejano, diciéndole que hay muy pocos guitarristas que posean esa velocidad y alma de blues. Estas dos cualidades convirtieron a Stevie Ray Vaughan en un mito del blues.

Uno de los puntos álgidos es “Pride And Joy”, todo un hit de Vaughan procedente de su explosivo álbum de debut Texas Flood de 1983. Otros cortes que completan el disco son la magnífica versión del “Ask Me No Questions” de B.B. King, un exquisito “Blues At Sunrise”, el guitarreo incesante de “Match Box Blues” y el extraordinario solo de “Overall Junction”.

Destacar la portada del LP, que de alguna manera, transmite a la perfección la sencillez del blues, un estilo que no necesita de abarrotados estadios ni supermillonarias producciones para demostrar su grandeza.

Así concluye esta obra de Stevie Ray Vaughan y Albert King. La denominada “música del alma” perdió para siempre a Stevie Ray Vaughan en 1990, en un fatídico accidente de helicóptero. En 1992, Albert King fallece de un ataque cardíaco en Memphis. Pero no se fueron sin antes dejarnos una colaboración histórica. Una referencia inexcusable de los años 80.

J.J. Cale & Eric Clapton – The Road To Escondido (Reprise Records 2006)

El dúo formado por el mago de Oklahoma y Slowhand obtuvo gran aceptación por parte de la crítica en 2006. J.J Cale y Eric Clapton son tipos sencillos y de ideas sencillas. Fugitivos del mainstream y viejos amigos que sienten admiración mutua.

En 2005 ponen rumbo hacia la población de “Escondido” (de ahí el nombre del disco), valle ubicado cerca de San Diego, (California).  Este lugar está impregnado de cierta aureola mística, dado los rituales que allí llevan a cabo los indios americanos. El álbum grabado y producido por  J.J. Cale y Eric Clapton, se publica en noviembre de 2006 por  Reprise Records e incluye 14 temas. Está dedicado a la memoria del pianista Billy Preston, por ser el último disco en que colaboró. Billy Preston falleció en junio de 2006, víctima de una enfermedad renal producida por el  abuso de alcohol y drogas. Músico con letras mayúsculas, durante toda su carrera tocó al lado de leyendas como George Harrison, Bob Dylan, The Rolling Stones o John Lennon.

Como ya es costumbre, haremos mención a la amplia selección de músicos que realizaron esta obra: J.J. Cale (guitarra, voz y teclados), Eric Clapton (guitarra y voz), Derek Trucks, Christine Lakeland, Doyle Bramhall II, John Mayer y Albert Lee (guitarras), Gary Gilmore,  Nathan East, Pino Palladino y Willie Weeks (bajistas), Abraham Laboriel Jr,  Jim Karstein, James Cruce y Steve Jordan (baterías), Taj Mahal (armónica), Bruce Fowler, Jerry Peterson , Marty Grebb y Steve Madaio (sección de vientos), Dennis Caplinger (violín), Walt Richmond (piano),  Simon Climie , David Teegarden (percusión) y el pianista Billy Preston.

Entre este elenco de mitos del rock nos encontramos con la propia banda de acompañamiento de J.J. Cale,  artistas de la talla de John Mayer, Albert Lee o Derek Trucks (uno de los grandes guitarristas del momento), el embajador del blues Taj Mahal y el pianista Billy Preston.

Al disco lo invade el blues y el característico “Sonido Tulsa”, del que fue pionero J.J. Cale.  Abre con “Danger”, canción de marcados toques bluseros con una peculiar voz de Clapton. Muy elaboradas instrumentalmente se presentan “Heads In Georgia”, un rítmico “Missing Person” y “When This War Is Over”, con unos excelentes punteos de guitarra cortesía de Mr. Eric Clapton.

“Sporting Life Blues”, es un blues lento, y muy vocal,  con una genial armónica de Taj Mahal. Continúan con el aire country y el espectacular violín  de “Dead End Road”, tema en dónde J.J. Cale nos demuestra su virtuosismo a la guitarra con  ambiente western blues. Otras pistas como “Don’t Cry Sister” o “Last Will And Testament”, Cale y Clapton brillan con luz propia, tanto en el aspecto vocal como a las seis cuerdas. Y para finalizar, “Ride The River”, corte de cierto aroma a pantano en el que Clapton vuelve a tomar un protagonismo mayúsculo.

Así concluye esta aventura sonora, propiedad de dos de los artistas más célebres que ha dado la historia musical contemporánea.  Dice una leyenda del rock que los verdaderos músicos hacen música por el placer de hacerla y no por dinero:  J.J. Cale y Eric Clapton.

John Mayall – The Turning Point (Polydor 1969)

Como el propio título indica, el británico John Mayall logra traspasar la frontera del blues y el rythm & blues, originando un “punto de inflexión” con este disco que solo está al alcance de los más grandes. “The Turning Point” es el resultado de un experimento llevado a cabo por Mayall, padrino del blues blanco y creador de los míticos Bluesbreakers.

La fórmula que utiliza para este LP, consiste en prescindir de la batería y del potente sonido de la guitarra eléctrica (aunque en contadas ocasiones, suena una Telecaster a muy bajo volumen). Algo muy poco común hasta la fecha en la mayoría de las bandas, dado el intenso momento musical que se vivía. John Mayall hizo más grande el año 1969, considerado por la crítica como uno de los años más prolíficos del rock. En 1969, Mayall ya poseía una trayectoria fructífera y cargada de varios álbumes esenciales del blues y rythm & blues británico. Durante esta década, decide cambiar su orientación musical, a raíz de sus constantes giras y vivencias personales en los Estados Unidos.

Impregnado de la cultura hippie, crea un grupo con una suave orientación blues, eliminando un instrumento tan indispensable como la batería e introdujo la flauta. Para las filas de su nueva banda, reclutó al exquisito guitarrista acústico Jon Mark y a un talentoso bajista de jazz llamado Steve Thompson. A todo esto, se le sumaba el multi-instrumentista Johnny Almond (flauta, saxos y percusión) y el propio John Mayall (voz, armónica, guitarra, panderetas y percusión)

Centrándonos en el álbum, producido y diseñado por Mayall (por aquel entonces, Mayall era un fichaje reciente del sello Polydor), se publica en 1969. En apenas cuatro semanas de ensayos, se graba en directo el 12 de julio de 1969 en el teatro “Bill Graham´s Fillmore East” de Nueva York. Y por supuesto, contó la ayuda del prestigioso ingeniero de sonido Eddie Kramer.

El LP incluye siete pistas extraordinarias, una buena parte compuestas por Mayall, exceptuando solo dos que fueron co-escritas junto al bajista Steve Thompson. En todas y cada una de ellas, relatan de algún modo sus vivencias personales, observando a los jóvenes de la época como caen en la amargura de las drogas, pasando por romances y otras historias llenas de realidad.

El disco abre con “The Laws Must Change”, excelente canción en dónde se aprecia el trabajo a la flauta de Johnny Almond, que intercambia “solos” con la maestría a la armónica de Mayall. Continúan con un delicado “Saw Mill Gulch Road” y el tema dedicado al bluesman J. B. Lenoir “I´m Gonna Figth For You J.B”, de clara influencia blues.

“So Hard To Share” es una pieza con un ritmo brillante, una de las joyas del elepé y con un soberbio Jon Mark a la guitarra. Como dato anecdótico, destacar que durante la grabación de los conciertos Mark estuvo acompañado por Marianne Faithfull, la cantante y actriz que anteriormente fuera pareja sentimental del vocalista de los Rolling Stones, Mick Jagger.

Concluye este clásico con tres temas espléndidos, iniciando con el transcendental “California” de casi diez minutos de pura improvisación. Le sucede “Thoughts About Roxanne”, un blues triste, que Mayall dedica a un antiguo amor de Los Angeles.

El punto álgido del Long Play llega con “Room To Move”: antológicos sus solos y sus extraños sonidos armónica en la parte central del tema, haciendo las delicias de un público entregado en la parte final del show. En el álbum original y debajo del título de esta última canción, Mayall lo dedica de la siguiente manera: <<a la necesidad de un músico de la libertad personal a amar sin enredo>> En 2001, el disco se reedita en formato CD, remasterizado con un sonido espectacular y le añaden tres bonus-tracks.

“The Turning Point” fue un éxito de ventas y el primer disco de oro en la carrera de este venerado artista. John Mayall es un músico admirado por todos sus colegas a los dos lados del Atlántico. Un tipo sencillo, de ideas sencillas, amante de la experimentación y la libertad musical, que nos dejó uno de los discos en directo más emblemáticos e innovadores de su tiempo.

Shuggie Otis – Here Comes (Epic 1970)

Here Comes, es el primer disco en solitario de Shuggie Otis y lo grabó con tan solo dieciséis años de edad. Este virtuoso y joven guitarrista es el hijo del pionero y afamado músico de rythm & blues, Johnny Otis.

El padre de Shuggie, el californiano Johnny Otis, comienza allá por los años 40 a forjar su extensa carrera tocando el piano en bandas y orquestas de swing. A mediados de esta década forma su propio grupo, integrando estilos como el swing, rythm & blues o el blues. Consigue éxitos de gran repercusión,  llegando incluso a establecerse como un extraordinario productor y descubridor de nuevos talentos musicales.

En 1953, nace su hijo Johnny Alexander Veliotes, más conocido por el seudónimo de “Shuggie”. Rodeado desde su infancia por músicos de relevancia, muy pronto se inicia en la guitarra y  en un amplio abanico de instrumentos. Con un aprendizaje como si de un genio se tratase, Shuggie comienza a trabajar como profesional con tan sólo doce años de edad en la banda de su padre, adquiriendo una prodigiosa madurez y visión que resulta inusual en un músico tan joven.

Desde este momento, es comparado con los más grandes guitarristas de la época y se siente muy influenciado por el blues, el jazz y por artistas de la talla de B.B. King o Lowell Fulson. Este último, es el espejo en el que Shuggie se mira durante años.

En 1969 y después de actuar con reputados músicos, realiza la grabación del álbum “Here Comes”. Contó con un elevado número de excelentes instrumentistas, entre los que se encontraban su padre Johnny Otis, el reconocido bajista Wilton Felder, el pianista Ray Johnson o el tecladista Leon Haywood entre otros no menos conocidos y apoyados por una gran sección de vientos.

Por si fuera poco, también se escucha a Shuggie en su faceta de multi-instrumentista, tocando la guitarra, armónica, piano, órgano, la celesta y el clavicémbalo. Y todo ello, aderezado con una sección de cuerdas compuesta por violines, violas y celos que resulta magnífica.

Centrándonos en el álbum, producido por Johnny Otis, se publica en 1970 por el sello discográfico Epic. Contiene con diez temas llenos de frescura, imaginación desbordante y un maravilloso trabajo a la guitarra, que abarcan géneros como el soul, funky, blues o el soul psicodélico. El elepé inicia con el clásico “Oxford Gray”, poderoso instrumental psicodélico, con dos partes diferenciadas y un final espléndido. Continúan con la balada “Jennie Lee”, un rítmico “Bootie Cooler” o con temas al más puro estilo funky y como el propio nombre indica: “Funky Thithee”.

En la segunda parte del LP nos encontramos con “Shuggie´s Boogie”, un antológico blues en el que Shuggie  nos demuestra el porqué de su grandeza, al igual que en “Gospel Groove”. Otras pistas de extrema elegancia son “Hurricane”, “Baby, “I Needed you” y “The Hawks”, que ponen la guinda a un disco absolutamente histórico.

Antes de editar este “Here Comes”, Shuggie Otis venía de participar en el álbum “Kooper Session” de 1969 junto al emblemático Al Kooper. Durante esas fechas, el bluesman B.B. King llegó a afirmar que <<Shuggie era uno de sus guitarristas favoritos>>. Poco tiempo después, otro ilustre músico llamado Frank Zappa lo recluta para grabar el memorable “Hot Rats”, en el que Shuggie toca magistralmente el bajo en el tema “Peaches And Regalia”.

Shuggie Otis grabó infinidad de LP`S con lo más granado de la élite musical hasta nuestros días, no siendo así en su trayectoria como solista, con tan sólo cuatro álbumes en su haber. Pero nos dejó instantes imborrables, tanto en sus discos como en sus colaboraciones, siempre acompañado por su mentor y legendario padre, Johnny Otis.

Woody Herman – Brand New (Fantasy 1971)

En 1971, Woody Herman tiene la brillante idea de grabar un disco instrumental de blues junto a su Big Band, acompañado por un joven y excelente guitarrista de Chicago llamado Mike Bloomfield.

El genio del jazz Miles Davis fue el primero en sugerir esta idea a Woody Herman – veterano saxofonista y clarinetista – que sin dudarlo ni un momento, se puso en contacto con Bloomfield.

Una vez planteada la pregunta: “¿te gustaría tocar blues con una buena Big-Band?”, Mike respondió con un simple “sería un honor para mí” y seguidamente comentó: “siempre estuve buscando grabar con una big-band, especialmente con la banda de Woody”. En pocas semanas, empezaron a trabajar en la realización de este espléndido y singular álbum.

Woodroo Charles Herman nace en 1913 en Milwakee (Winconsin) en los Estados Unidos. En el ocaso de los años 20 y desde la adolescencia, ya comienza a formar parte de diversas bandas y orquestas, logrando convertirse en un afamado músico de jazz.

Durante décadas, Woody fue un gran músico de orquesta, lo que le lleva a consolidarse como un magistral instrumentista, muy preparado en el saxo alto y el clarinete. Al margen de esto, también dirigió sensacionales Big Bands e incluso cantaba con un cierto aire cómico.

En los años 60, crea una cantera de músicos especializados en instrumentos de viento para sus bandas, de las que saldrían reputados artistas.

Dado los grandes cambios que se avecinaban en la industria musical, Woody comienza a colaborar con innovadores y emergentes talentos como Chick Korea, John Coltrane o con grupos de rock como los legendarios The Doors.

Centrándonos en el álbum, “Brand New” se graba en marzo de 1971 en los “Wally Heider Studios” de San Francisco por el sello discográfico Fantasy Records. Producido por el propio Woody Herman y Ray Shaklin, el disco cuenta con la participación de un elevado número de músicos como Mike Bloomfield (guitarra), Tony Klatka y Tom Harrel (trompetas), Bobby Burgess e Ira Nepus (trombones), Sal Nistico y Frank Tiberi (saxos), Ed Soph (batería), Alan Read (bajo), Alan Broadbent (piano) y Woody Herman (voz, clarinete y saxos).

Conteniendo ocho pistas, el Long Play abre con el estándar “Sidewalk Stanley”, uno de los temas más populares del disco, con un gran Mike Bloomfield a la guitarra y dónde Herman se atreve con su característica y divertida voz. Continúan con “After Hours”, clásico entre clásicos del blues en dónde se aprecia la excelencia musical de esta Big Band.

Siguen con “Since I Feel For You”, canción de bella factura en dónde Mike Bloomfield nos demuestra el porqué de su grandeza, siempre apoyado por una agrupación monumental. Y para terminar la primera parte, una fantástica versión del histórico “Proud Mary” perteneciente a los míticos Credence Clearwater Revival.

La segunda parte inicia con un blues incendiario titulado “Hitch Hike On The Possum Trot Line” siete minutos de duración espectaculares, intercambiando solos Wooody y Mike Bloomfield.

Para finalizar el álbum, Brand New y Woody Herman nos obsequian con tres temas al más puro estilo de las big-bands americanas y con incursiones en el jazz como “Love In Sillent Amber”, “I Amost Lost My Mind” y “Adam´s Apple” dónde se suceden «solos» de instrumentos como el trombón, el clarinete, la trompeta o el fliscornio.

Quizás “Brand New” sea una obra poco conocida, más bien es un álbum de culto, pero la conjunción de dos leyendas de distintas épocas como Herman–Bloomfield, transmitió la experiencia de uno, con el virtuosismo y juventud del otro. Nos dejaron un disco lleno de maestría… pero sobre todo de música, muy buena música.

Son Seals – Live and Burning (Alligator 1992)

Son Seals se ha convertido por méritos propios en uno de los bluesman más reputados de Chicago en el último tercio del siglo XX y principios del XXI. Seals es un tipo con talento a la guitarra y poderosa voz.

Nacido en Osceola (Arkansas) en 1942, con tan solo 13 años ya se desenvuelve en el mundo de la música. A los 16, se establece como profesional, colaborando con artistas de renombre como Albert King, Bobby Bland o Junior Parker entre otros.

En 1971 se muda a la gran urbe del blues y Chicago le da la bienvenida logrando fichar por Alligator Records, un sello discográfico de reciente creación que poco tiempo después alcanza el estatus de histórico. Por allí estaba el célebre productor Bruce Iglauer, que lo acoge sin dudar.

Centrándonos en el álbum, “Live And Burning” se graba en 1978, pero no sale a la luz pública hasta 1992. Esta grabación en directo fue concebida después de sus dos primeros discos para el sello del caimán, recogiendo de manera extraordinaria una actuación que Son Seals ofreció en un local que frecuenta habitualmente. Y allí se encontraba, cómodo, tocando para amigos, familia y clientes asiduos al club.

Son Seals realiza giras muy constantes. Es un músico cuyo hogar es la carretera: en ocasiones se le puede ver actuar en un festival en Paris, como pocos días después toca en el South-Side de Chicago, lugar dónde era realmente feliz.

Y a su lado, una incendiaria banda que hace las delicias del público: Son Seals (guitarra y voz), el legendario A.C. Reed (saxo), Lacy Gibson (guitarra rítmica), Snapper Mitchun (bajo), Tony Gorden (batería) y Alberto Gianquinto (piano).

“Live And Burning” fue producido por Son Seals, Bruce Iglauer y Richard McLeese y se graba en el norte de Chicago, en el “Wise Fools Pub”.uno de los locales que Seals visitaba por esas fechas.

El disco contiene nueve canciones de auténtico vértigo, impregnadas de una guitarra extremadamente afilada y su excelente voz. Acompañándole, una formación de verdaderos músicos de blues, como el saxofonista A.C. Reed.

Esta obra, aderezada en algunos casos con letras sencillas pero directas, es una joya del blues y posee temas fantásticos de composición propia, invadidos por el más puro sonido eléctrico de Chicago.

Inicia el disco con el clásico “I Can´t Hold Music” para pasar a “Blue Shadows Falling”, dónde se aprecia el trabajo de este genial bluesman de carretera, apoyado por el saxo de A.C. Reed.

Con todo el calor del público, continúan con una sucesión de temas movidos y lentos como el célebre “Funky Bitch”, compuesta por el mismo, “The Woman I Love” o “Help Me, Somebody”. El resto del álbum, que nos trasladará inmediatamente a un local de Chicago, contiene otras perlas como “She´s Fine”, “Call My Job” o “Last Night” y para terminar el clásico de Seals “Hot Sauce”.

En la imagen de la portada, podemos observar a Son Seals entregándose plenamente sobre el escenario rodeado de llamas. Es un fiel reflejo de como aborda su música.

Son Seals tuvo una vida muy agitada, casi proporcional a la intensidad de sus conciertos. Una y otra vez, lo marcan diversos problemas y una salud muy delicada. Nos obsequió con un espectacular legado, hasta que en 2004 y por complicaciones de la diabetes, nos dejó para siempre.

Irrepetible.